Ils sont trois et pratiquent une musique qui mêle subtilement no wave, noise, hardcore ainsi que post et math rock. Une formation italienne qui doit beaucoup apprécier le chaos organisé pour concevoir un semblable style musical. Pensez aux débuts de Sonic Youth ou à la folie déstructurée de The Ex. Peut-être également à Shellac et Primus. A cause de la basse qui ‘slappe’ constamment. Lors de l’enregistrement de cet Ep 6 titres, Sedia a reçu le concours de Fabio Magistralo, un des musiciens de 61 Winter’s Hat, à la mise en forme. Un disque dont la solution sonore instrumentale glaciale, sauvage et pulsante est tout bonnement propice à la prise de tête…
‘Quand on est dans la merde jusqu’au cou, il ne reste plus qu’à chanter’, explique The Sainte Catherines sur la pochette de son nouvel album. Paraphrasant ainsi le bien nommé S. Beckett, nos tatoués ne croyaient pas si bien dire. La formation punk hardcore basée à Montréal doit en effet se trouver dans une merde pas possible. Car, force est de constater qu’au chant Hugo Mudie ne dispose pas d’une voix en or. Eraillée, grincheuse, elle se démarque néanmoins par une bonne dose d’engagement. Sur « Dancing For Decadence », The Sainte Catherines fait preuve d’un acharnement à toute épreuve, un activisme exacerbé : à faire chialer une colonie de militants Greenpeace. Tout de noirs vêtu, nos petits amis ne sont pourtant pas si méchants. De gentils gauchistes, révolutionnaire convaincus, tout au plus. Côté musique, les oreilles s’échauffent sur une improbable rencontre entre Hot Water Music et Against Me ! « Un petit verre ne ferait donc pas de tort », annonce un sample pertinent au terme de l’initial « Burn Guelph Burn ». Plus loin, « Us Against The Music » milite au rang des meilleurs titres de cet album qui se contentera d’un rôle de second plan sur les bancs de l’opposition.
Kelley est un courageux bosseur. Après avoir enregistré dans son salon puis distribué tout seul son album « Antique Glow » en 2001, il dû attendre 2004 pour se faire enfin remarquer par les critiques et s’attirer les faveurs de Sub Pop. Le label lui propose alors de publier un EP, « The Sun Comes Through », fin 2005. Sa victoire personnelle, il l’a remportée cette année, grâce à la sortie de son premier ‘vrai’ disque. A la fois anachroniques et intemporelles, les compositions de Kelley Stoltz se baladent tranquillement sous les branches de l’arbre généalogique des Beach Boys et, inévitablement, des Beatles. Mais parmi la masse d’artistes revendiquant de telles influences, Stoltz a le mérite de se détacher et de puiser dans l’essence même de la musique de ses pères, faisant de « Below The Branches » un disque sincère, non pas soumis à un effet de mode. Malheureusement, la sincérité ne paie pas et rien ne serait plus étonnant que de voir ce bout de plastique sympathique passer presque inaperçu…
On ne remerciera jamais assez Honest Jons (et son Albarn de chef) d’avoir réédité les enregistrements Fame de la mirifique Candi Staton. Absolument fantastique de la première à la dernière note, cette collection de perles a mis tout le monde à genoux. Et là, bonheur, la déesse nous revient enfin, via ce même label décidément inspiré. C’est donc les mains tremblantes et le souffle court que l’on dépose l’objet dans son lecteur. D’entrée, cette voix chaude comme le métal en fusion vous embrase en un instant. Ensuite le chant, vibrant et si authentique souffle vos cendres aux quatre vents. Pas de trip ‘diva’ à la noix, pas de vocalises chevrotantes insupportables des sempiternelles grandes voix. Enfin, les chansons. Des titres qui l’ont accompagnée toute sa vie et qu’elle surnomme ‘Life songs’. « You Don’t Have Far To Go » de Merle Haggard, « Cry To Me », qui n’a rien à envier à celle du roi Solomon Burke ou « You never Really Wanted Me » de Charlie Rich, littéralement à pleurer. Cerise sur la pièce montée, le titre éponyme, offert par un Will Oldham totalement investi. Candi elle même n’est pas en reste avec des compositions plus qu’honorables se frottant parfaitement à celles de ses pairs. Le tout à l’ancienne, comme tout droit sorti de Muscle Shoals. Laissons-lui le mot de la fin : ‘This is the music I’ve had in my heart for years. These tracks speak to the areas of our lives that are affected by our own choices and decisions. Sometimes, our choices lead us into places that we wish we hadn’t gone, but Thats Life.’ Merci Madame.
Après trois Ep’s - dont un sur Grand Royal, le (feu) label des Beastie Boys -, le duo américain Sukpatch sort enfin son deuxième album (NDR : enfin on dit ‘enfin’, mais nous n’étions certes pas occupés à crever d’impatience). Ce qu’il y a de vraiment bien dans ce disque, c’est sa pochette : un hibou très design, noyé dans un rouge sang qui imprime la rétine. La musique, elle, ne laisse que peu de traces dans le cerveau, une fois la dernière plage expirant l’ultime note. Un peu d’indie, d’électronique, de rythmes galopins à la Dandy Warhols. Imaginons un remix de Death Cab For Cutie par Modest Mouse ou Her Space Holiday. Si le déclic n’a pas lieu, reste le mélodica : de quoi donner un peu de couleurs à ces titres pâlots. Onze en tout, tantôt soul, tantôt ‘pelants’ comme du Lali sans Puna. Dites « 23 », et retournez au lit.
Dans le souci de faire économiser un max d’euros à leurs fans, Poney et Talking To Teapots ont décidé de présenter leurs deux albums respectifs sous un seul et même emballage. Astucieux au premier abord puisque moins encombrant, il n’en est pas moins peu judicieux ; car la comparaison entre les deux formations peut paraître inévitable. Pourtant, les compositions lo-fi de Poney se détachent de celles des Suédois de Talking To Teapots ; ces derniers accusant un aspect beaucoup plus pop-rock. Bien qu’ils soient largement différents l’un de l’autre, les deux groupes se complètent et, dans les deux cas, on pense inexorablement à Why? tant musicalement que dans l’écriture. Les titres valent à eux seuls le détour (« Show Me A Poor Just To Feel Better », l’excellent et bref « Multo Sympatico Outro » pour Poney et « There’s A Roadblock On The Road Between The Road And The Block » pour Talking To Teapots). Les deux faisant la paire, l’idée d’un split-CD ne pourra que ravir les fans de lo-fi en manque de (bonnes) découvertes.
Pat compte aujourd’hui 52 balais à son passif. Très jeune, ce Canadien s’est passionné pour les six cordes à l'écoute des dieux de la fin des 60s : Hendrix, Clapton, Beck et Page. Il n’entamera véritablement sa carrière qu’après s’être fixé à Londres, au beau milieu des 70s. Et il commet effectivement un premier elpee éponyme chez Polydor, en 1976. Il embraie ensuite par "Makin' magic" et "Putting it straight", avant de retourner aux States. Il y a donc vingt ans qu’il soigne sa réputation de hard blues rocker. En 93, il signe chez Blues Bureau, le label de Mike Varney, pour lequel il concoctera toute une série d'albums. Flanqué du vétéran Aynsley Dunbar à la batterie et de Gunther Nezhoda à la basse, il avait enregistré l’album « Power trio » en 2003. Une formule de trio qu’il reconduit pour ce deuxième volume ; mais pour la circonstance, il a reçu la collaboration de Steve Evans (qui a joué en compagnie de Coco Montoya et de Roy Rogers) à la basse et de Jeff Martin aux drums. En outre, il a de nouveau consacré ce disque à des reprises d’hymnes issus de la période glorieuse du hard rock des 70s.
Pat ouvre les hostilités par le saignant "You are the music". Si je ne m'abuse, cette compo était chanté par Glenn Hughes, à l'époque où il militait dans Trapeze. Il revient davantage vers le blues lors du "I'm yours, she's mine" de Johnny Winter. Il y vocifère à la manière de l'albinos texan. Il demeure au coeur du vivier du rockin' blues, en nous assénant un puissant "Stone cold fever". Les riffs sont impitoyables, mais sa voix n'a pas le vécu de Steve Marriott qui chantait cette excellente plage au sein d’Humble Pie! A l’instar d’une myriade d'autres guitaristes avant lui, Pat se met alors à délirer sur l'éternel "Rock me baby" de BB King. Il l’interprète à la manière de Robin Trower en arrachant une véritable orgie de notes de ses cordes gargantuesques. Le "Green eyed lady" de Sugerloaf marque un retour au hard classique. Drivée par le guitariste Bob Yeazel et le claviériste Jerry Corbetta, cette formation américaine avait décroché ce hit, il y a plus de 30ans. Les adaptations du "Black night" de Deep Purple et d’"Aimless lady" de Grand Funk Railroad sont un peu trop conventionnelles, à mon goût. C’est d’ailleurs souvent le reproche que l’on peut adresser à Pat. Et c’est toujours dans cet esprit qu’il reproduit, telle une copie conforme le "Swlabr" du Cream, un joyau écrit par Jack Bruce et Pete Brown. "Red skies" était une composition rock de bonne facture que Tommy Bolin avait immortalisée chez le James Gang. Cette nouvelle version empreinte de douceur apparaît comme un gentil interlude dans cet opus du Power Trio. L'album s’achève par quatre autres plages célèbres : "Ready for love" (Mott the Hoople, Bad Company), Rock the nation" (Montrose), "How many more times" (Led Zeppelin) et "Keep yourself alive" (Queen). Un album que je ne conseillerai qu’aux nostalgiques d’un certain passé…
A septante ans bien sonnés, Tom Zé fait preuve d’une salutaire audace qu’on aimerait entendre plus souvent. Cette opérette inachevée traite en trois actes de la condition de la femme au Brésil et dans le monde. Produit de main de maître par le talentueux Jair Oliveira, les chansons s’enracinent dans le ‘pagode’, une variation de samba fort populaire au Brésil. Plusieurs invités chantent en compagnie du grand Tom pour des compos qui marient allègrement les arrangements les plus étranges (‘scratches’ vocaux, hennissements d’âne, bidouillages électroniques) à des mélodies très inspirées. Du funk presque métal de « Ave Dor Maria » à la mélancolie de « Canção de Nora » et de « Mulher Navio Negriero » en passant par le complètement fou « Pagode-Enredo Dos Tempos Do Medo », le disque change souvent d’atmosphère. Un trop plein d’idées et d’informations qui risque d’en désarçonner plus d’un ; mais qui se révélera fortement addictif à ceux qui passeront le stade de l’écoute superficielle. Bien évidemment, les chansons sont interprétées en portugais. Aussi, la subtilité et l’amour des jeux de mots de Tom Zé nous échappent totalement ; même si une traduction a été incluse dans le livret. Reste la musique, totalement hors normes et qu’on vous conseille chaudement.
La paisible bourgade de Tourcoing s'endort ce soir au rythme d'une soirée placée sous le signe de l' « Inrocks Indie Club # 7 ». L'affiche proposée compromet cependant toutes perspectives de repos…
Dès l'ouverture des portes, l'assistance se masse aux pieds de la blonde Vanessa. Accompagnée des O's, la belle bénéficie des échos du concours CQFD 2006. Dernière lauréate de ce tremplin échafaudé par le célèbre magazine français, Vanessa & The O's propose un clash entre Le Velvet et Brigitte Bardot. La prestation est intrigante, pas bouleversante. La Blonde se déhanche, chante aussi bien que BB (traduisez : pas forcément juste) et traîne les clichés au gré de ses comptines folk désabusées, faussement allumeuses.
En provenance de Sunderland, à quelques enjambées de Newcastle, Field Music est emmené par les frères Brewis, un groupe qui entretient un répertoire pop aventureux. Une chanson de Field Music, c'est autant de tiroirs à ouvrir. Pour découvrir des mélodies décomplexées. Sur scène (comme sur disque), Field Music semble avide de perfection. Au risque de se perdre dans des enchevêtrements symphoniques alambiqués, la formation s'attache à atteindre la mélodie qui se cache sous la mélodie. En substance, le band parvient à ses fins. Pourtant, le public peine à suivre l'ouverture d'esprit prônée par le trio insulaire…
La fête, la vraie, survient dans un déluge de synthés, basses, guitares, trombone, batterie, trompette, clarinette, triangle et autres objets farfelus. Pointus ou obtus, les instruments d'Architecture In Helsinki ont une mission commune : nous éblouir, nous aveugler de mélopées joyeuses. De grands airs de fanfares sous de petits airs espiègles, Architecture In Helsinki entame sa tournée multi instrumentale. En deux temps trois mouvements, « Neverevereverdid » met le feu aux poudres publiques. Le Grand Mix tourbillonne, tape dans ses mains et se secoue le bas des reins. L'orchestre atypique de Cameron Bird (encore un oiseau !) enchante l'assistance de ses bricolages dadaïstes. L'electronica, le rock, le folk et le psychédélisme s'emberlificotent les pinceaux au cœur d'une œuvre baroque étincelante de naïveté. Entre « Tiny Paintings » et « Wishbone », les huit membres de la chorale australienne (un jour, le monde saura que ces hurluberlus ne sont guère finlandais) revisitent leur charpente discographique. « Fingers Crossed », le précédent album est ainsi de sortie. Le public européen découvre alors autant de tubes potentiels : « The Owls Go », « Fumble », « Kindling ». Au sein de cette architecture contemporaine, chaque composante s'avère essentielle. Les instruments passent de mains en mains. Les membres de cette insatiable fanfare tournicotent sur scène, attirant les regards, rendant toutes distractions hors propos. Et puis, tout à coup, l'assistance exulte dans un bain d'euphorie trempé par « Maybe You Can Owe Me » et « Do The Whirlwind », un hit empli de folles exubérances. Le public a donc vécu à l'heure du Grand Mix humain... celui d'Architecture In Helsinki.
Architecture In Helsinki + Vanessa & The O's + Field Music
Le boss Thomas Ruf a eu la bonne idée d’envoyer trois jeunes artistes européens dans le sud des Etats-Unis, afin de leur permettre de retrouver l’inspiration. Et puis, bien sûr, d’enregistrer. Trois chanteurs/guitaristes. Deux anglais : Aynsley Lister et Ian Parker ; et une Finnoise : Miss Erja Lyytinen. Au programme : un pèlerinage (Pilgrimage) vers trois capitales prestigieuses du blues : la Nouvelle Orléans (en Louisiane), Clarksdale (dans le Mississippi) et Memphis (au Tennessee). Mais à cette époque, l'ouragan Katrina a malheureusement détruit une bonne partie de New Orleans ; dès lors, seules les deux autres destinations seront retenues. Ils ont donc séjourné quatre jours au Delta Recording studio de Clarksdale, sous la houlette de Jimbo Mathus (neuf plages) et les trois jours suivants dans les studios Ardent de Memphis, sous celle de Jim Gaines (4 plages). Sous-titré "Mississippi to Memphis", "Pilgrimage" en est donc le résultat.
Aynsley Lister est sans aucun doute le musicien le plus notoire. Il a déjà commis cinq albums pour le label Ruf depuis 1999, dont le dernier "Live!", est paru en 2004. Ian Parker n'a pas encore trente ans. Ce jeune diplômé en psychologie a drivé différentes formations : Strange Brew, Blue Horizon en 98, Ian Parker's Alibi en 2002 et le Ian Parker Band en 2003. Il a commis deux albums signé chez Ruf : "Thirteen tracks" et le live "Whilst the wind" en 2005. Erja est très jolie. Mais cette Finlandaise n'est pas une débutante, car elle compte trois albums à son actif : "Attention!" en 2002, "Wildflower" en 2003 et "It's a blessing" en 2005, un elpee qu’elle a concocté en compagnie de Davide Floreno. Tels des larrons en foire, Aynsley, Ian et Erja se sont partagé l'écriture des différentes plages, n’autorisant qu’une seule reprise. "Heal me love" est une ballade fort agréable. Le trio aime chanter en chœur. Une guitare se déchaîne en fin de parcours. Serait-ce celle de Ian ? Erja chante son "You don't know", une autre ballade très douce, dépouillée, face au piano de Tim Hinkley. Les voix masculines lui répondent pendant que les cordes font progressivement leur entrée. Le trio attaque la seule cover : le "You don't know" de Luther Allison. Le rythme est soutenu. Les efforts sont encore partagés. Une guitare réverbère des sonorités proches de Luther, l’autre en picking lorgne vers Albert Collins, pendant que la dernière se montre plus réservée. Blues rock séduisant, le "Too much to hide" de Ian Parker est illuminé par des cordes éclatantes. Et la voix passe bien la rampe. Nous sommes au cœur de Clarksdale, non loin du Blues Museum et pas davantage du fameux Crossroads où Robert Johnson rencontra le diable. Le climat passe au roots. Les guitares acoustiques suivent respectueusement le chant d'Aynsley sur son "Mississippi Lawnmower blues". La bande des trois a cosigné un entraînant "Blues Caravan". Balisé par un riff de basse imaginé par Steve Malcom, il vire au délire rap et hip hop! Le "Dreamland blues" d'Erja est un nouvel interlude très roots. Le trio se partage équitablement la tâche. Miss Erja y manifeste une félinité suave. Lister a composé "Twinkle Toes Willie", une plage balayée par une slide exquise. Parker est sans doute le compositeur le plus fécond, original et inspiré ; mais il n’est guère imprégné du blues. Ballade de bonne facture, mélodieuse et élégante, "Time bares witness" est hydratée par les claviers de Hinkley. L’opus recèle un morceau caché. Enfin, pas tout à fait, puisque le bonus track est annoncé comme "Jam with Mister Tater" et il me fait furieusement penser aux sonorités du British Blues Boom des 60s ; en particulier celles que cultivaient Peter Green et surtout Stan Webb. Tout d’abord dans la manière de chanter et puis de libérer de courtes phrases de la guitare. Quoique pas exceptionnelle, cette plaque tient bien la route. Cette Blues Caravan est d’ailleurs actuellement en tournée européenne ; et passera par le Banana Peel de Ruiselede le 8 mai prochain!
Enregistré le 18 octobre 2005 au Trianon de Paris, ce live surgit dans la discographie de Camille après (seulement) deux albums : « Le Sac des Filles » (2002) et « Le Fil » (2005), disque acclamé par le public, encensé par la critique. Sur scène, Camille pousse sa démence artistique au premier rang. Les mots se bousculent, les onomatopées dansent dans sa bouche, les refrains valsent avec les couplets. Folle. Devant son assistance, Camille semble habitée d’une folie furieuse, d’un déséquilibre stable, insaisissable. Pourtant, ce « Live au Trianon » tend à trahir une certaine réalité. Sur scène, Camille aime à bavarder, parloter et vider son sac (de fille). Or, cet album ne retient que l’image d’une chanteuse flirtant en compagnie du délire : une acrobate trottant sur « Le Fil » de la déraison. En concert, Camille est sympathique, suffisamment terre-à-terre pour ne pas déstabiliser son auditoire. Camille, c’est la voix de l’inconscience consciente. Mais ne boudons pas notre plaisir. Le « Live au Trianon » possède d’indéniables atouts. Un son excellent, un timbre ‘Camillien’ dénudé de toute sophistication et des chansons déjantées pour planer en français. Le tour d’horizon proposé par Camille passe par ses deux précédents albums. « Pour Que l’Amour Me Quitte », un « Vous » ahurissant, un enchantant « Quand Je Marche », « Mon Petit Vieux » ou « Les Ex ». Sans oublier ses incontournables « Janine » : ‘Pourquoi tu m’appelles coup franc alors que j’m’apelle corner ? Pourquoi tu m’appelles ovule alors que j’m’appellle ovaire ?’. Toutes ces questions farfelues définissent aujourd’hui la ficelle distordue tissée par Camille. Un univers forcené, reconnu à sa juste valeur par le prisme de « Ta Douleur », pétillant tube populaire. Reste à voir si Camille pourra encore étonner et rebondir sur ses acquis. Histoire de ne pas perdre « Le Fil »…
Cali est une star. Intitulé « L’Amour Parfait » (et ça n’existe pas), son premier album s’est vendu à plus d’un demi million d’exemplaires chez nos voisins français. Et le type n’a pas arrêté entre-temps de donner des concerts, déversant ses tripes chaque soir comme si sa vie en dépendait. Devant lui, les jeunes (et moins jeunes) filles se pâment en buvant ses paroles, pourtant plutôt caustiques. Elles évoquent l’amour qui part en couilles, et ces hommes qui n’en ont pas vraiment, c’est-à-dire la plupart. La retenue, ce n’est pas son truc, même s’il a piqué pas mal à Brel. « Je sais », triste comptine sur l’être absent, donne ainsi la réplique à la chanson du maître belge, « Voir un ami pleurer », et de fait on verserait bien une larme. Pour le reste, Cali n’a toujours pas repeint sa chambre en rose bonbon, même si son cœur est pris, et qu’au final il n’a pas l’air si terrassé par l’amertume. Autrement dit on barbote toujours en plein désespoir matrimonial, ‘post-coïtal animal triste’, et vas-y que je tombe du balcon en pleine sérénade shakespearienne. Si les textes à l’anglo-saxonne (Brautigan, Fante, Salinger,…) se révèlent ici parfois moins inspirés (le pénible « Roberta »), l’écrin musical, lui, bénéficie des largesses de la maison de disques… Qui mise beaucoup sur Bruno Caliciuri, le phénomène, 500.000 disques, pour rappel. D’où les guitares de M, le duo avec le zombie Daniel Darc, et surtout la présence de Steve Wickham, violoniste chez les Waterboys, le groupe préféré du chanteur. La vie est belle pour Cali, dont beaucoup de gens se soucient malgré le single (« Qui se soucie de moi »), parce que c’est évident : ce type est sympathique. Et peu importe s’il joue de plus en plus au Calimero de la cause masculine : du moment qu’il n’aille pas chez Drucker, l’honneur lui sera sauf.
On connaît le bonhomme pour tenir une des nombreuses guitares dans Broken Social Scene, le super-groupe canadien qui révéla (Leslie) Feist et la blonde Emily Haines, de Metric. Ce qu’on sait moins, c’est que Jason Collett est avant tout un songwriter solitaire, auteur déjà de deux albums de folk à l’Américaine, entre Sparklehorse et Damien Jurado. Et si ce disque s’avère le premier à être distribué proprement en dehors de Montréal, il ne porte pas pour autant les stigmates d’un revirement FM. Mais où se cachent donc Linda Lemay, St Pier et leurs gorges profondes ? Loin d’ici, dans un monde où l’on écoute sans doute Daniel Balavoine, même s’il n’est pas un héros et qu’en plus il est mort. Au pays de Collett, les figurants s’appellent Lou Reed, Josh Rouse, voire Kris Kristofferson : ça sent le sang séché, le poil de vache et le lait de cactus. C’est du folk, donc, soyeux comme une brise dans le désert. Le type y parle de soleil, d’aigles et d’exil, comme s’il était un rescapé d’un film de Peckinpah. Kris, justement, était l’un des acteurs fétiches du maître. Crépusculaire, d’où cette vague impression d’entendre ici ou là d’émouvantes berceuses. Ca flotte en pleine mélancolie… Restons calmes : « Idols of Exile » n’est pas un disque d’île déserte. On peut certes le garder sous la main, mais seulement en cas de force majeure. Si quelqu’un vous a piqué l’intégrale de Neil Young par exemple, ce qui n’est pas gentil.
Le chanteur/guitariste/claviériste de Gorky's Zygotic Mynci a donc décidé de tenter l’aventure en solitaire. Ce qui ne l’a pas empêché d’inviter l’un ou l’autre pote pour enregistrer son premier album solo. Et notamment Pete Richardson, le drummer du groupe défunt ainsi que John Lawrence, un des membres fondateurs de cette formation mythique, née en 1991. On connaissait surtout le G.Z.M. pour sa musique pop déchirée entre le psychédélisme sinusoïdal des Fab Four, alors sous l'influence de " Lucy in the sky with diamonds ", et le folk de Stackridge (NDR : un ensemble né au cours de seventies, réputé pour son style à la fois pastoral et humoristique). Euros Childs a décidé d’en revenir à une forme plus minimaliste, moins excentrique. Limitée, la plupart du temps, à sa voix, un piano ou une guitare sèche et/ou un clavier bontempi. Une exception qui confirme la règle : « Slip slip way », une plage qui renoue avec la folie douce du passé. Tout au long de « Chops », Euros chante d’un timbre falsetto qu’il dédouble parfois pour mieux conjuguer les harmonies vocales. Elles sont même parfois aussi soignées que chez les Beach Boys ; et en particulier lors du refrain de « Hi Mewn socasau », une des deux chansons interprétées en Gallois. Une compo dont le couplet est presque rock’n roll et le final manifestement garage. Il arrive même à euros de chanter a cappella ou alors d’épouser des inflexions médiévales chères à Chumbawamba. Nonobstant cette volonté de dépouillement, Childs parvient quand même à élargir son horizon sonore. Et je pense tout particulièrement au tubesque « Donkey Island », au très beau « Circus time », enrichi d’un violon romantique et puis de l’hypnotique « First time I saw you », un morceau de techno folk de 8 bonnes minutes abordé dans l’esprit de Stereolab (NDR : à moins que ce ne soit du krautrock de Faust !).
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