Quelques mois après la sortie d’un EP annonciateur de réjouissances électriques, Young People nous revient pour « All At Once », troisième album aventureux. D’une sortie discographique à l’autre, ces jeunes gens ont bien changé. Le guitariste Jeff Rosenberg décidant en effet de lâcher sa six cordes pour s’en retourner aux études (oui, c’est possible...), Young People s’assimile aujourd’hui au duo Katie Eastburn/Jarrett Silberman. Elle, la fille, habite à New York. Lui, le garçon, crèche à Los Angeles. Suite à la fracture du trio, la cohésion entre ces deux survivants ne tenait plus qu’à quelques envois postaux, courriers échangés entre New York et Los Angeles, entre la fille et le garçon. Ensemble, ils décident de reprendre les rudiments d’une musique enchantée, de s’éloigner des étiquettes référentielles un peu trop gluantes. Sur « All At Once », on s’éloigne ainsi des décharges saccadées à la Electrelane, des mélodies furieuses à la PJ Harvey pour se concentrer sur un folk froid et impassible, à vous glacer le sang. La douceur du timbre de Katie Eastburn surgit alors de ces contrées arides. Du folk pour morts vivants : un antre de repos pour les mortels.
Album assez horripilant au premier abord, « ? » de Sir Alice est comme un bon alcool artisanal en provenance des Balkans. Après une série de dégustations douloureuses suivies de maux de tête, l’amateur finit par y prendre goût… Bien sur, il ne faut pas s’attendre à déguster un Mouton Rotshild ou même une bonne Grappa de derrière les fagots. Dans le cas qui nous intéresse, le breuvage est plutôt serré, confectionné avec les moyens du bord dans une vieille baignoire par un grand-père (m)éthyliquement défoncé aux vapeurs d’alcool de prunes. En résumé ça grince, irrite, blesse, révulse, choque ; mais à la fin de la bouteille on a plutôt envie de remettre ça. Comme quand on tombe de cheval, l’important est de remonter en selle le plus vite possible, afin que la peur ne l’emporte pas… Etrange rapport sadomasochiste que Sir Alice semble maîtriser à la perfection. Hésitant entre Electronica et Electroclash/punk, les douze titres parsemant son premier LP semblent avoir été confectionnés dans le but de dérouter l’auditeur, de le prendre à rebrousse poil. Alors que des plages comme « Te souviens-tu de toi ? » ou « Polaroïd » pourraient faire croire à une fausse quiétude nappée de couches et de sonorités malsaines mais néanmoins apaisantes, « Docteur X » et « ? ? ? » sonnent l’assaut à coups de beats assassins. Poussant le bouchon (de quoi ?) encore plus loin, Sir Alice se permet même le luxe de produire de l’insupportable... En témoignent « Psychophase » et « Un crapaud », franchement imbuvables et au cours desquels la Française semble se perdre au milieu de ses alambics, s’emmêlant les pinceaux dans la composition de son breuvage au point de le rendre presque dangereux pour la santé. C’est dans ces moments critiques, au cours desquels elle peine à trouver le juste équilibre entre sa voix geignarde et une production rêche comme du papier verre, que l’envie de tout balancer dans les toilettes devient la plus forte chez l’auditeur. Une pulsion bien vite oubliée au moyen de petits shoots abrasifs comme « L’amour made in Taiwan », « Comptine » ou encore « Confused ». Ah oui, un dernier petit conseil d’ami : si vous voulez éviter la barre du lendemain, point n’est nécessaire d’écouter « Closed », morceau de clôture de l’album que l’on dirait tout droit sorti de la BO d’un film gore coréen.
Malgré la pochette avare de renseignements ainsi que le nom et les titres énigmatiques, chez 35007 on sait très vite où l'on met les oreilles. Le groupe affiche d'emblée son psychédélisme radical estampillé 'last sixties, early seventies'. Même si la rythmique grondante de '23 32', la seconde plage, évoque parfois le King Crimson de 'USA' ou l'un de ses disciples scandinaves, l'oeuvre trouve bel et bien ses sources auprès du Pink Floyd de Syd Barrett et ses suiveurs germaniques. Un des mérites du band est de dépoussiérer un peu le genre en y intégrant des sonorités et atmosphères clairement post-industrielles. C'est le cas notamment sur le très lancinant '44 05', quatrième, plus longue et meilleure plage, qui meurt par dilution dans de sourdes volutes. Intrigantes par leur refus de la mélodie, séduisantes par la très grande fluidité et la puissance de leurs errances électriques, les cinq plages instrumentales de cet opus sont un vrai régal pour les amateurs du genre. L'album ne souffre d’aucun reproche et assume efficacement ses partis pris. Il se révèle en définitive une découverte enthousiasmante.
« Reviens Graham ! Reviens ! » Se mettre dans la peau de Damon Albarn n’est point difficile. Il suffit d’essayer : ‘Allez, arrêtes tes conneries ! Reviens !’ Depuis qu’il a claqué la porte de Blur, Graham Coxon reste sur ses positions. Obstiné, il continue à déchirer sa Telecaster sur les ruines des Buzzcocks et des Jam. Après le réussi « Happiness In Magazines », le binoclard revient, brandissant son sixième album et une nouvelle illustration. Encore un et le guitariste égalera la discographie de ses anciens compagnons de route. Peut-être s’agit-il là de son seul objectif ? En effet, on peut retourner le problème sous toutes ses coutures, la donne demeure inchangée. Depuis 1998. Coxon persévère : il fait du Coxon. L’homme qui agitait les cordes de Blur n’a pas changé. Et on ne s’étonne guère des appels incessants lancés par Damon Albarn à l’adresse de son copain. En 2006, Graham Coxon est attendu comme le messie par ses potes de Blur. Une attente partagée par le public qui, au fil du temps, s’épuise des sympathiques récréations du bonhomme. Ainsi « Love Travels At Illegal Speeds » confirme ses antécédents discographiques : une voix limitée, portée par une aisance mélodique à pleurer. Graham Coxon est capable de signer des tubes en or massif. Mais sans la voix d’Albarn, la manœuvre semble bien compliquée. Au rang des brûlots, « You & I » rafle la mise. Les autres chansons punk-rock relèvent du conformisme ‘coxien’ (des reprises de Pavement par Weezer). Les plus belles réussites de ce disque sont à mettre à l’actif des ballades « See A Better Day » et « Don’t Believe Anything I Say ». D’accord Graham, on veut bien. Mais s’il te plaît, reviens !
Né en 1999, ce quatuor néerlandais (Odilo Zjiró : voix, guitare, samples ; Maurits de Lange : piano, samples ; Rik Hansen : basse ; Mark van den Driest : batterie, percussions) nous propose son deuxième album. Précédé par la sorte tonitruante du single épatant, "Welcome tomorrow", il s’intitule "Few Chances Come Once In A Lifetime". Evoluant dans un style pop/rock, Coparck peut se montrer tout à tour tendre ou sauvage. Notamment à travers les riffs de guitare. Une musique hétéroclite où se marient allègrement pop, jazz, punk, soul, rock et électronique sur un lit de mélodies exceptionnelles. Certains y décèleront des traces de Zita Zwoon, d’autres du dEUS ou encore de Radiohead ; mais Coparck affiche sa propre personnalité. Parce qu’il parvient à innover, et ce de façon constante. D’ailleurs, son premier opus, "Birds, Happiness & Still Not", avait déjà marqué les esprits. Mais, aujourd'hui encore le band parvient à déconcerter. A cause de ses sonorités imprévisibles à la fois riches et subtiles. La ligne de basse est excellente. Les ‘beats’ nous transportent! La batterie nous émoustille! Le piano nous fait rêver! Et le chant ainsi que la guitare sont tout bonnement impressionnants. J’ai tout particulièrement flashé sur "Now", un titre génial susceptible de vous faire danser sur la tête pendant des heures. "Sky poem" ensuite. Une démonstration de leur talent à l'état pur! Le remarquable "Try something else" encore ; et le titre parle de lui-même. Enfin le très beau "Lazy days". Pourtant si les compos sont d’excellente facture, c’est en ‘live’ que le quartet prend toute sa dimension. N’est ce pas là une belle preuve de la qualité d’un groupe ? J’ai d’ailleurs eu la chance de pouvoir assister à un de leur set ‘live’ aux Pays-Bas. L’an dernier. Ce qui est sûr c'est qu'on en pas au bout de nos surprises! Ce groupe déchire. Et il faut espérer qu’ils se produiront, cet été, dans nos festivals…
Chez les Delays, on ne se casse pas trop la tête. A tous les coups, « You See Colours » a du être bouclé en moins de temps qu’il n’en faut pour accorder une guitare. Beaucoup moins étudié que la pop inextricable de Mew, mais néanmoins proche de celle-ci, le second album des anglais de Delays et ses mélodies faciles régaleront les éternels impatients en recherche de fast-food auditif. Seule exception, un acceptable « Too Much In Your Life » sur lequel le groupe a certainement dû bosser 2 ou 3 minutes de plus que sur le reste du disque. Le point noir principal de « You See Colours » reste cependant la voix androgyne de Greg Gilbert qui peut rapidement se faire agaçante voire exaspérante, d’autant plus lorsqu’elle se conjugue aux titres les plus superficiels (« Hideaway », « Out Of Nowhere »). Au suivant...
Tous à poil, le soleil est de retour ! Papa trait les vaches, les senteurs de la tarte aux pommes de maman envahissent la fermette, les petits crient, jouent, se chamaillent tandis que les aînés, étendus sur une plaine verdoyante entourée d’herbes en tous genres, se laissent emporter par les mélodies du bonheur de The Elected. Non, nous ne sommes pas chez les Brady mais au sein d’une famille des plus traditionnelles ayant tout simplement découvert « Sun, Sun, Sun » et décidé de mener une vie plus saine, plus riche en expériences interpersonnelles, plus en phase avec la nature… Car il suffit d’une seule écoute du second essai de ces élus pour se rendre compte qu’après tout, le monde n’est pas si moche que ça et qu’il doit bien y avoir de l’espoir quelque part… Side-project de Blake Sennet, membre honoraire de Rilo Kiley, The Elected dresse de splendides paysages pastoraux à travers 14 morceaux allègres et d’une fraîcheur printanière. Epaulé sur quelques titres par Jenny Lewis, son acolyte de Rilo Kiley quand elle n’est pas accompagnée des Watsons Twins, Blake Sennet évoque tour à tour Polyphonic Spree (l’intro « Clouds Parting ») Bright Eyes (« Desiree »), Ryan Adams (« The Bank And The Trust ») ou même Kenny Chesney (« Did Me Good »). S’il est un album à emmener dans ses valises cet été, pensez The Elected.
On a toujours aimé la famille Friedberger. Matthew, à notre gauche, et sa soeurette, à notre droite, Eleanor. Ensemble, le duo traverse l’histoire du rock tel un météorite traqué par l’apocalypse. Ils sont partis du blues (puisque toute la musique qu’ils aiment, elle vient de là…), ont tapé leurs Converses au garage (« Gallowsbird’s Bark » - 2003), rongé des barrettes de LSD et signé un album concept aux mélodies barrées, désenchantées mais foutrement bien troussées (« Blueberry Boat » - 2004). Seulement voilà : pour se convaincre de l’intérêt de ce « Rehearsing My Choir », il convient vraiment d’adorer cette famille (en or ?). Pourquoi ? Tout d’abord, parce que ce troisième album est entièrement dédié à maman Friedberger. Ensuite, parce que le disque s’inspire de la carrière d’Olga Sarantos, la grand-mère de nos deux rejetons. Cette bonne vieille dame, octogénaire, organiste et ancienne directrice de chorale, vient même apposer sa voix tremblotante sur quelques ‘morceaux’ (choisis ?) de cette bizarrerie. Oui, le nouvel album des Fiery Furnaces est étrange. Le piano est fou, la guitare dingue et les deux protagonistes de l’affaire Furnaces se retrouvent à la croisée de leurs instruments. Quant aux chansons… Les chansons ? Ah oui, ces façades mélodiques planquées sous un amas de paroles insensées. En cherchant bien, on en retrouve derrière « Slavin’ Away » ou « Seven Silver Curses ». Mais prière de ne pas escompter de formats classiques avec couplets et refrains. Non, des pépiements de couicoui ici (« Guns Under The Counter »), des tic tacs par là (« Does It Remind You Of When ») et, peut-être, moyennant une concentration à haute teneur psychotropique, l’auditeur décèlera-t-il les prémisses d’une demi-chanson. Pourtant, à force d’écouter l’exubérante fertilité sonore de ce disque, on se met à le savourer, à percevoir des bribes de l’élan créateur qui anime ces hallucinés. Et d’y retourner afin, qui sait, d’y déchiffrer le message avant-gardiste de cette famille sans peur. Encore un tour de démence ? Oh ouuuuiiii, youppie ! Et vive le suicide commercial !
Clef de voûte du Steely Dan au début des années 70, Donald Fagen a épuisé sa collection de ritournelles jazz-pop en moins d’une décennie. Esseulé, l’homme a entamé un voyage initiatique. A travers sa musique, Fagen s’est offert une quête introspective dont les premiers détours apparaissent en 1982 avec « The Nightfly ». A l’occasion de cette sortie solo, il s’attachait à étaler ses ambitions d’antan, ses rêves d’alors. Seul face à ses déboires, Fagen poursuivait sa démarche par le prisme de « Kamakiriad » (1993). Cette œuvre cathartique devait lui permettre de passer le cap de la quarantaine. En 2006, le chanteur nous revient. Plus fataliste que jamais, il achève sa réflexion par « Morph The Cat », troisième album résigné, prêt à affronter la vie et la mort. Pour le plus grand bonheur de ses admirateurs, Fagen se réapproprie ici les bases de son propre style : une musique sophistiquée, portée sur les accointances pop du jazz. Les chansons s’engagent sur d’étranges sentiers méditatifs. Comme sur « What I Do », sorte de conversation entre le jeune Fagen et le fantôme de Ray Charles. Plus loin, « The Great Pogoda Of Funn » évoque les tentatives amoureuses de deux amants pour contrecarrer la monotonie du quotidien. Les pistes de réflexion s’enchaînent, refermant ainsi la trilogie entamée par Donald Fagen en 1982. Au final, on retiendra surtout l’excellence des arrangements. Et la place prépondérante accordée au patriotisme. Exacerbé ? Disons simplement que notre bon Donald est resté coincé dans un trip post-11 septembre. Traumatisant.
Certains reprocheront au Priest de multiplier les produits, et particulièrement les DVD’s, à l’instar de leur compatriote Iron Maiden. Après deux VHS filmées aux States, un DVD shooté à Londres, Judas Priest rendait enfin hommage à l’un des premiers pays l’ayant consacré star, le Japon, en concoctant il y a quelques mois le très réussi DVD « Rising in the East ». Et voilà que le porte-monnaie du fan est une nouvelle fois sollicité par la sortie de ce « Live Vengeance 82 », soit le témoignage en public d’un groupe au sommet de son art !
Enregistré le 12 décembre 82 à Memphis durant la colossale tournée « Screaming for Vengeance world Tour », le set est la parfaite illustration de la fureur et de l’énergie dégagées par les metal gods, au début des années 80. Epoustouflant de charisme, bardé de cuir et d’acier, Rob Halford monte dans les aigus. Il arpente la scène de long en large, fait hurler un Coliseum bondé, tandis que la paire de guitariste KK Downing/Glen Tipton réalise quelques performances guitaristiques notoires, aussi bien dans les parties rythmiques que les soli. Pour l’époque, le jeu de scène est démesuré ; et le light show à la hauteur de l’énergie communicatrice des hits du combo qui s’enchaînent dans un déluge de décibels.
Une setlist à faire baver le Priest Maniac le plus intransigeant : « Electric Eye », « Riding on the Wind », « Heading out to the Highway », « Metal Gods », « Bloodstone », “Desert Plaint”, “The Ripper”, “Diamonds and Rust”, « The Green Manalishi »,…..impossible de tous les énumérer, mais force est de constater que bon nombre de ces classiques ne sont plus interprétés depuis des années par la bande à Halford. Quelques gros plans sur le visage du chanteur en plein effort sont assez réussis. Le son est très bon ; mais il faut cependant relever quelques petites imperfections sur certains plans qui auraient pu être retouchés plus minutieusement. Néanmoins, l’ensemble reste plus que satisfaisant. Par contre le fan est en droit de s’étonner de ne trouver aucun bonus sur ce DVD. Que dalle ! Disposant d’un budget bien plus conséquent que certains groupes underground qui en donnent toujours plus, la formation aurait pu faire un petit effort, en ajoutant - par exemple - des images backstage ou l’un ou l’autre vidéo clip rare de la période eighties. Au prix où sont vendus les DVD’s actuellement, ce ‘petit détail’ méritait d’être souligné. Mais si vous aimez, avez aimé ou ne connaissez pas Judas Priest, cet objet est absolument indispensable. La tournée de 82 reste un moment mythique de l’histoire du heavy métal.
Appartenant à la confrérie des bobos ashanti, fraction fondamentaliste du rastafarisme, Jah Mason compte parmi ses coreligionnaires des pointures comme Sizzla et Capelton. Baptisé Mason pour sa capacité à régler les conflits (en hommage au héros de série télé Perry Mason), notre homme possède un chouette flow, souvent bien plus digeste que ces illustres collègues. On possède très peu d’infos sur cette plaque, largement constituée de ‘riddims’ déjà entendus ailleurs (Studio One, Taxi, King Jammy). Comme Sizzla et Capelton (qui s’invitent sur « Rise this Morning »), Jah Mason pratique un curieux style qui hésite entre un chant très mélodique (« Black Princess ») et des moments plus agressifs et exaltés (« No More We Slave », « Gess & Spell ») où le ‘singjay’ vitupère contre les turpitudes Babylone. « Rise » recèle des passages plus doux, comme sur ce « I’ll Never Brake Your Heart » qui rappelle Chaka Demus & Pliers. Mais le minimalisme des beats et le flow schizophrène de Mason peuvent également faire la loi. A l’instar des éprouvants « Nwa Gwaan » ou « Them Girls Want Bling ». Même si il y a souvent de bonnes périodes, on regrettera le manque de finition du produit (la voix souvent surmixée) et des titres. Jah Mason se contente souvent d’une idée par chanson, répétée inlassablement sur les trois minutes que durent la plupart des titres. Résultat des courses on finit quelque peu par s’ennuyer.
Cette formation hollandaise un peu atypique et prometteuse avait commis l’album ‘On dry land’, en 2002. Les 'gentils castors' faisaient souffler un vent de fraîcheur et de spontanéité sur le monde néo-progressif. Dans cette perspective, 'Oregon', deuxième opus du combo, déçoit un peu. La longue introduction instrumentale (7 minutes sur les 12 que dure 'Nights in Armour') multiplie les breaks et varie les genres. A travers cette vitrine, le groupe semble proclamer avoir décidé de rentrer dans le rang. Impression renforcée par les trois autres plages de 10 minutes parsemées sur la galette. Rien de mauvais cependant ici, loin de là. Mais Nice Beaver a cédé pas mal de sa différence et nous livre ici un néo de facture beaucoup plus classique. Heureusement, la démarche ne s'encombre d'aucune prétention et la priorité va presque toujours à la fluidité et à la musicalité. De plus, on retrouve une brassée de refrains accrocheurs et l'un des chanteurs a vraiment une voix intéressante (Mais qui de Hans ou Erik chante ? Notamment 'Morphine'? Ce n'est précisé nulle part). En résumé un album certes pas révolutionnaire, mais plaisant, bien interprété par un band enthousiaste et soudé. Aucune raison de le bouder, à moins d'être allergique au genre.
Ruben est néerlandais. Il est surtout le fils d'une figure légendaire du blues et du boogie batave, le pianiste Rob Hoeke. Préposé à guitare, le fiston a manifestement hérité du goût de son père pour le blues. Il est encore très jeune lorsqu’il sévit déjà au sein de Blues on the Road, puis de Pepping Express. En 96, il se rend aux States. Un périple qui va durer 6 semaines. Il visite le pays de l’oncle Sam, mais surtout se produit en live. Notamment à Chicago et dans le Sud profond. Lorsqu’il revient c’est pour militer chez The Hurricane Blues Band et Stone Freak. Il a fondé son propre groupe début 2004. Un quartet qui implique le vocaliste Frank Van Pardo, le bassiste Dave Besse et le drummer Remco Van der Sluis.
"Backdoor blues" ouvre le feu. Une plage bien rythmée. Le blues de Ruben Hoeke évolue dans un registre assez pub rock. Dans le style, la voix de Frank passe bien la rampe. Solistes, Van Pardo à l'harmonica et Ruben à la guitare, obtiennent déjà leur billet de sortie. Cette plage aurait pu figurer au répertoire de Dr Feelgood. La guitare emprunte des accents à John Lee Hooker pour attaquer entamer "Swamp" ; mais la suite tourne à un festival de guitares, au cours duquel on assiste à un tournoi entre Ruben et son invité, David Hollestelle Jr (NDR : il a milité de nombreuses années au sein du Wild Romance d'Herman Brood). L'ouverture de "Enough of that stuff" est royale. Très BB King, ce titre bénéficie de la participation de Tineke Schoemaker (la chanteuse de Barrelhouse), du pianiste Gergren Deves (en compagnie duquel il a animé une émission radio pendant quatre ans) et de l'un des plus célèbres gratteurs des Pays-Bas, l’ex Brainbox et Focus : Jan Akkerman. Un excellent morceau au cours duquel les cordes sonnent comme le Peter Green des bons jours. Blues lent, "Midnight prayer" ne suscite guère d’intérêt, mais la voix de Frank ne manque pas de charme ; alors que Ruben se réserve un solo bien senti, pas très blues mais bourré de feeling. Nos doigts de pieds se mettent à frétiller pour le boogie "Dirty little women". Toue l’équipe du RHB y libère un maximum d'énergie. Le "Cherry Red" d'Ivory Joe Hunter est un nouvel exercice du blues lent. Wouter Planteidt (leader du trio Sjako!) chante cette version très dépouillée tout en se réservant la seconde guitare. Jan Peter Bast siège derrière les claviers. Mais pour la circonstance, Ruben se montre très avare de ses notes ; il ne concède d’ailleurs que l'essentiel. Excellent ! Et le reste de l’opus ne manque pas d’allure. Très tonique, "Soul on fire" me rappelle un ancien groupe du British blues boom qui impliquait Mick Clarke à la guitare : Killing Floor. Plus atmosphérique, "Misty morning" est caractérisé par ses changements de rythme. Et ne passons pas sous silence le titre maître, une compo particulièrement puissante. Ballade empreinte d’une grande tristesse, "Drinking on my bed" nous plonge dans un univers glauque, proche de Tom Waits. Thé Lau (NDR : il a été pendant vingt ans le leader d'un groupe particulièrement populaire chez nos voisins du Nord, The Scene) s’y réserve les vocaux. Kaz Lux (ex-Brainbox) chante admirablement "Lord I feel tired", une autre ballade tendre. Elle est soutenue par les cordes de Ruben et l'harmonica de Hans Mulder. De bonne facture, cet opus s’achève par le "Rip this joint" des Rolling Stones. Une solide dose de rock'n'roll primaire entretenue par le piano de Deves et le saxophone hurlant de Boris Vander Lek…
Le fantastique label de réédition Vampisoul vient à nouveau frapper à notre porte. L’œuvre de Louie Ramirez est enfin magnifiquement compilée. Louie composait, arrangeait et jouait les percussions, les vibes et du piano, non seulement sur ses propres disques mais aussi sur une foule d’autres enregistrements où il était accueilli comme le messie. Il était omniprésent sur la scène latine new-yorkaise dans les sixties. De Jimmy Sabater à Sabu Martinez en passant par Charlie Palmieri, tout le monde s’arrachait les services de celui que l’on surnommait le Quincy Jones latin. Toute la palette du bonhomme est passée en revue : jazz, soul, boogaloo. Une compilation intelligente qui pioche autant dans ses meilleurs titres que dans les incroyables compositions qu’il proposait aux autres. Il est formellement impossible de résister aux charmes de cette musique suave et incandescente. Tout surpris de se retrouver à onduler son corps comme la dernière des filles faciles un soir d’été, les yeux pleins de soleil et d’envies torrides. Vous voilà prévenus.
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