Il n’est jamais trop tard. Jamais trop tard pour pénétrer les ténèbres. Aujourd’hui, la fumée noire recouvre les friches industrielles britanniques de Joy Division et My Bloody Valentine. Ne reste que de lointains échos (& The Bunnymen) d’une New-wave anglaise. Des résonances emportées au loin, souvent de l’autre côté de l’Atlantique. Les derniers efforts new-yorkais demeurent ainsi les témoins de cette déportation où les travers chic d’Interpol et les dessous kitsch de Bravery balisent les deux extrémités d’une résurgence avérée. Cette fois, c’est San Francisco qui se pare de mélodies eighties. Chez les Américains de Film School, le spleen tourbillonne et se répand à travers une bourrasque de guitares tendues. Le ciel est ombragé, l’orage menace. Et après quelques écoutes, un psychédélisme retors s’extirpe des marasmes épiques chantés par Krayg Burton. Une inexplicable joie de vivre s’insinue alors en filigrane de ces titres éplorés. La beauté de cet album est là, dans sa capacité à conjuguer les contradictions. Noirceur et bonheur. Chaleur et douleur. Film School s’apprivoise alors au gré de fulgurances pop : « On & On », « 11 : 11 », « Pitfalls ». Sans vêtements collants ni bijoux clinquants, Film School fait son cinéma. Seul, à l’ombre du soleil californien.
Les Gale Brothers sont originaires de Memphis, dans le Tennessee. Quatre frères, dont trois se sont régulièrement produits ensemble : Eric (le cadet, né en 1975), Eugene (l'aîné et le bassiste) ainsi que le regretté Manuel "Little Jimmy" King, décédé en 2002 à l'âge de 34 ans. Eric n'avait que seize ans lorsqu'il enregistre son premier elpee pour le label Elektra : "The Eric Gales Band". En 1991. Il embraie en 1993 par un second opus : "Picture of a thousand faces". Mais en 96, les trois frangins se réunissent et concoctent "Left hand brand" pour le label House of Blues. Le titre de cet album avait été choisi parce qu’ils étaient tous les trois gauchers! En 2001, Eric commet "That's what I am", une plaque qui paraît chez Nightbird. Une œuvre qui démontre toute sa capacité à intégrer l'esprit et le style de feu Jimi Hendrix. « Crystal vision » a été enregistré en Californie, sous la houlette de Mike Varney. Eric y a reçu le concours du drummer Thomas Pridgen, du bassiste Steve Evans et du claviériste Mark Robertson. Eric reconnaît pour influences majeures le gospel, le rock et bien sûr le blues. Il cite d’ailleurs volontiers pour maîtres Albert King, John Lee Hooker mais aussi Jimi Hendrix et Robin Trower.
"Retribution" ouvre les hostilités ; et nous sommes directement mis au parfum. Pas étonnant qu’il ait signé chez Mascot, car cette entrée en matière trempe bien dans le hard. La guitare est suramplifiée. Eric érige un véritable mur de son. La production de Mike Varney ne dissimule pas ses objectifs. Eric et son frère Eugene co-signent "Are you my friend?" Une compo funkysante au cours de laquelle les percussions de Thomas communiquent toute la puissance à la section rythmique. Slow blues, "I got me a woman" libère une intensité toute dramatique. Volontairement écrasante, cette plage est conduite par le timbre vocal paresseux mais très présent de Gales. Cette voix épouse très souvent des intonations hendrixiennes ; mais la solution sonore s’avère bien plus âpre, dense et accablante qu’au sein du JH Experience. Et "I don't want you hangin' around" en est la plus belle démonstration. Autre blues lent, "Freedom from my demons" constitue la plus longue plage de l'album. La guitare se fait plus mesurée, aérienne. L'orgue Hammond de Mark se détache allègrement de l’ensemble. Eric retrouve même de la douceur et de la quiétude dans la voix. Et son interprétation est excellente. Il n’est pas avare de notes, mais le débit est opéré pour atteindre le meilleur effet! Eric est rassuré. Il a trouvé son rythme lors du funky "Trouble". Il autorise sa machine rythmique à occuper le devant de la scène ; mais ses cordes demeurent insatiables. Lorsqu’il ne cherche pas à impressionner à tout prix, il peut se révéler un brillant gratteur. La puissance de feu refait surface lors du titre maître. Un peu trop travaillé à mon goût, il souffre d’un traitement trop métallique. Et la reprise du "Hush" de Joe South est assez mal négociée ; surtout lorsqu’on sait ce que l'homme peut réaliser. Gales est retombé dans son travers. Il veut trop en faire. Et bascule dans la précipitation pour exécuter "Me and my guitar". "Plastic girl" est saturé de riffs bien lourds. La production confère un ton hard pop à cette compo. Ce qui n'est sans doute pas la meilleure des idées. Ravageurs, les accords de guitare débordent et finissent par se noyer. L'album s’achève par une ballade. Probablement inspirée par le grand Hendrix, elle est caractérisée par des accès de cordes chirurgicaux. Eric est capable du meilleur comme du pire et le démontre sur cet opus. Et quoique musicien assez brillant, il devrait apprendre à maîtriser son art…
Au coin du feu, la nuit tombait. Sortie de la pénombre, une chevelure rousse s’agenouilla à nos côtés. Tout doucement, elle prit une guitare et se présenta : « Hello, I’m A Mountain ». Incrédules, nous écoutions alors ses cimes musicales. Campé sous les étoiles, un folk délicat, chancelant entre country et bluegrass, monta vers le ciel. Les astres demeuraient là, immobiles, écoutant, attentifs, les émois amoureux célébrés par cette mystérieuse chanteuse. Reprenant parfois Dolly Parton ou Luther Wright, l’égérie semblait heureuse. Cet instant suspendu le temps. Moins d’une heure plus tard, les braises rougeoyaient, nous laissant nez à nez. Elle se leva et, tel une « Salamandre », repartit en direction de la forêt. Par la suite, nous apprîmes que cette apparition se nommait Sarah Harmer. Venue de nulle part, un soir, la Canadienne nous présentait ce quatrième album. Ne restait qu’à se pencher sur sa discographie. Et retrouver sa trace pour, peut-être, la suivre un autre jour dans les sous-bois.
La sortie d’un album de Killing Joke est toujours un évènement. Digne successeur de l’épileptique album jaune de 2003, « Hosannas from the Basements of Hell » est la bande son de l’apocalypse et confirme que la blague qui tue restera encore longtemps un combo de première ligne. Absolument incroyable, renversante, la douzième œuvre studio de la bande à Jaz Coleman peut décevoir à la première écoute (impression de redite), mais la dépendance à ces 9 titres, tous monstrueusement bons, se produit dès la deuxième audition. Les parrains du punk indus des années 80 n’accusent pas le poids des années, se complaisant dans un monde noir et violent, tout en mélangeant leur métal ultra contemporain à des sonorités technos ou à des envolées world. Une sorte d’exutoire où les Anglais barrés semblent cracher tout ce qu’ils ont sur le cœur avec de nombreuses références mystiques. Plus on se passe les morceaux, plus on se rend compte de l’incroyable puissance qui émane de chacun d’eux. Les hypnotiques « Invocation » et « Implosion » font oublier l’absence d’un Dave Grohl dont la frappe avait donné un caractère particulièrement couillu à l’album incontournable de 2003. « Hosannas » l’est tout autant ! La plupart des titres sont des hymnes en puissance ; et en particulier « Majestic », une pièce maîtresse qui ne saurait mieux porter son nom. Riff de plomb répétitif et entêtant, rythmique obsédante, les Allemands la qualifieront, sans nul doute, de Tanz Metal. Mais le terme est bien trop réducteur pour un combo qui, après 25 ans de carrière, réussit à chaque sortie d’album une totale remise en question. On ne peut que s’incliner devant une telle classe !
Dès les premières secondes de son cri silencieux, The Knife donne le ton : on entre dans une toute autre dimension. Une dimension ombrageuse, perverse et suintante où la délicatesse qui enveloppait le tube « Heartbeats » (repris récemment par José Gonzales) n’a plus lieu d’être. Plongé dans l’obscurité des compositions de ce nouveau recueil, l’imprudent qui se serait laissé emporter dans ses méandres de sons hypnotiques aura pour seul guide la voix de Katrin Dreijer Andersson. Une voix aigre-douce, se jouant du sort de l’auditeur et ne l’éclairant qu’aléatoirement d’une faible flamme d'espérance (« Na Na Na », titre crétin pour un morceau envoûtant). Une fois perdu dans l’univers insalubre de la formation scandinave, difficile d’en sortir indemne. Pour en trouver l’issue, il faudra inévitablement y parcourir aussi bien les contrées les plus hospitalières (« The Captain », « Marble House ») que les chemins les plus tortueux (« We Share Our Mother’s Health », « Neverland »). Au bout de 48 minutes et 42 secondes, on respire. Le voyage a beau donner l'impression de durer des heures, personne ne s’étonnera de vouloir retenter l’expérience au plus vite.
L’album de Millenniums commence par une reprise carrousel de « Dominique », grand moment théologique de la regrettée Sœur Sourire. Cette instrumentation d’ouverture ne se réserve heureusement que 25 secondes. Les Belges tombent alors les masques évangéliques, révélant une personnalité entière, une musique pour faire le tour de la terre. En hélicoptère ou en montgolfière, la route sera aérienne. Et les perspectives musicales s’étendront toujours au-delà de la ligne d’horizon. Millenniums est d’ici et d’ailleurs, du jazz et du monde, du rock et du funk. Sous l’égide protectrice de Pieter Thys, l’orchestre brasse (band) les genres et délaisse l’académisme au conservatoire pour ne percevoir qu’un enchevêtrement de styles : une partie de genres en l’air. La fanfare croise les rythmes klezmer et le jazz s’acoquine de déhanchements latinos pour célébrer ce grand bal écervelé. « Hi-Fi Stereo », c’est un souterrain musical en ébullition : l’« Underground ». Comme si Emir Kusturica et son No Smoking Band se saoulaient à Rio de Janeiro en compagnie de Jaune Toujours. L’invitation au voyage est permanente. Aussi, « Isocube » se laisse-t-il introduire par l’annonce d’un départ imminent : ‘le transEurope express à destination de Dijon, Lyon, Valence, Avignon, Marseille, Toulon et Cannes va partir’ informe un timbre féminin robotisé avant de s’effacer derrière une voix chaude et hispanisante. Les sons convergent ensuite vers une salsa bossa nova jazzy. Plus loin sur le trajet, le sexe s’invite dans le train couchette. « Sexploitation Ska » se dénude, enlève ses dessous et en redemande : ‘encore, encore, encore’. Tout cela semble explicite : Millenniums tente de définir les normes érotiques d’un autre millénaire.
Sur la ligne d’arrivée 2006, le label Paper Bag Records est en passe de lever les mains vers le ciel. Et sur la course discographique menée tambour battant par toute une industrie, ce label, basé à Toronto, demeure une énorme surprise. Un peu comme si un Suisse déboulait en tête sur le vélodrome de Roubaix ! Après avoir sorti du bois les rebondissants Controller.Controller et les insaisissables Uncut, voilà que la structure canadienne dévoile l’ombre envoûtante de Memphis. Derrière ce patronyme métropolitain, deux hommes : Torquil Campbell (chant) et Chris Dumont (multi-instrumentiste). Pour enregistrer « I Dreamed We Feel Apart », le duo s’est entouré d’une cohorte de musiciens choyant saxophone, flûte, violon, guitare, basse et batterie. L’alchimie est foudroyante. Memphis incite à l’amour. A courir à travers champs pour cueillir la pâquerette de la fièvre éternelle. Onze titres pour goûter au bonheur, à cette voix plantée entre celle de John Bramwell (I Am Kloot) et de Stuart Murdoch (Belle and Sebastian). Ensuite, on s’incline devant ces mélodies à la mélancolie joyeuse, ces chansons désabusées à la Dean Wareham (Luna, Galaxie 500) et ces sifflements d’oiseau de bon augure. Depuis l’envol d’Andrew Bird, ces bruissements volatiles n’avaient trouvé si bel écho. Memphis signe le disque de nos longues soirées d’été, ces nuits orageuses où l’érotisme s’invite dans la moiteur des draps.
Fondé en 1994, No Te Va Gustar est un groupe uruguayen qui pratique un style musical assez éclectique qui embrasse aussi bien le rock & roll, le reggae, la salsa que le ska. Les chansons sont interprétées dans la langue de Cervantès. Ce qui confère aux compos une bonne humeur communicative. Cette bande de joyeux drilles réunit Denise Ramos au trombone, Emiliano Brancciari à la guitare et au chant, Gonzalo Castex aux percussions, Martín Gil à la trompette, Mateo Moreno à la basse, Mauricio Ortiz au saxophone et Pablo Abdala à la batterie. Le combo a entamé sa carrière en 1996. Participant à de nombreux concerts et festivals, il a remporté plusieurs prix en Amérique latine. Son premier opus, "Solo de noche", est paru en 1999. Le deuxième, "Este fuerte viento" est devenu disque de platine en Uruguay. C’est d’ailleurs depuis cette époque que la formation s’y est imposée comme leader de la scène rock. "Aunque cueste ver el sol" constitue son troisième long format. Une petite bombe ! Et une véritable démonstration du talent des musiciens du band. La spécificité du groupe ? Inclure sur la plaque une treizième plage qui est toujours vide… Par superstition? Je n’en sais trop rien. Une chose est sûre, ce chiffre leur porte bonheur, car l’ensemble fait des émules partout où il passe. Je conseillerai donc cet album aux mélomanes avides de découvertes ainsi qu’aux esprits guillerets, ou encore à ceux qui veulent se lever du bon pied le matin. Un peu de soleil dans votre chaîne hi-fi n’a jamais fait de tort à personne. Un disque que j’adore et en particulier trois plages : "Solo", un morceau empreint de tendresse et de mystère, "No te quiero aca", une pure merveille qui rappelle un certain Ska-p ; et enfin le très allègre, "Fueron". Rien que du bonheur !
La new wave est donc bien revenue au goût du jour. Après Interpol, Editors et consorts, le virus commence à gagner les filles. Et je pense tout particulièrement à un groupe exclusivement féminin issu de l’ouest du Canada répondant au patronyme de The Organ. Leurs idoles ? Joy Division, The Cure et les Smiths (NDR : dont ils ont plus que probablement écouté l’album « The Queen is dead » en boucle). Et les deux premiers morceaux de l’opus trahissent manifestement cette fascination pour la légendaire formation mancunienne. Tout d’abord le single « Brother » qui donne le ton à l’elpee. Puis un « Steven Smith » en forme de clin d’œil à Mozz en personne. Heureusement le reste de la plaque se charge de nuances, même s’il faut regretter une certaine uniformité dans le ton. Un ton empreint d’une grande mélancolie, vous vous en doutez. Qu’entretiennent les lyrics introspectifs, parfois à la limite du morbide, chantés par le vocal blême de Katie Sketch, dont le timbre s’identifie tour à tour à Debbie Harry, Chrissie Hynde (Pretenders) ou Martha Johnson lorsqu’elle drivait les Muffins (NDR : Tiens, tiens, M.&T.M. étaient également Canadiens…) Le titre final de cette plaque, « Memorize the city » recèle curieusement un refrain aussi contagieux que celui du hit planétaire « Echo Beach », même si les sonorités de la guitare évoquent davantage Indochine période « L’aventurier ». Une sensation qu’on retrouve sur « Basement band song », nonobstant la basse ténébreuse et les claviers désuets. Les lignes de guitares peuvent également se révéler éthérées, atmosphériques. A l’instar d’un Sad Lovers and Giants. « Love, love, love » et « A sudden death » en sont les plus belles démonstrations. Enfin, imprimé sur un tempo plus enlevé, dans l’esprit du « Seventeen seconds » de Cure, « I am not surprised » concède une mélodie sombre que n’aurait pas renié Brian Molko en personne, lors de sa période la plus cold.
Découvrir Placebo en 2006 relève de la puissance surnaturelle, d’un absentéisme terrestre, voire d’un rôle majeur à l’affiche d’« Hibernatus 2, le retour de Paul Fournier ». Le nouvel album du trio londonien est un touche-à-tout sonore. Moins éparpillé que « Black Market Music » (2000), plus cohérent que « Sleeping With Ghosts » (2003), « Meds » ne parvient pourtant pas à étaler le fard du succès de « Without You I’m Nothing » (1998). La rage de « Placebo » (1996) est désormais contenue. Le côté pernicieux de la figure androgyne de Brian Molko a laissé apparaître un trentenaire assagi, figure médiatique d’un establishment rassuré. Ce cinquième album de Placebo demeure néanmoins une belle machine de guerre, une locomotive glam-rock marquant régulièrement des escales dans des paysages esquissés de pop et de new-wave. Au rang des invités, deux grosses pointures sont au rendez-vous. En ouverture, Alison Mosshart (alias VV), la moitié féminine des Kills, offre toute sa sensualité à « Meds », inauguration éponyme de ce nouveau disque. En fin de parcours, Michael Stipe (REM) exalte le gentil « Broken Promise ». Le single « Song To Say Goodbye » s’est déjà chargé de rouvrir la vanne tubesque. En toute logique, le très recommandable « Because I Want You » devrait suivre le chemin des charts. En définitive, « Meds » ne souffre d’aucune pose embarrassante. Placebo a retrouvé ses guitares pour s’adonner à de belles escapades (« Infra-Red », « Post Blue »), nuancées de quelques efforts complaisants (« Drag », « One Of A Kind »). Les âmes sensibles, enfin, laisseront s’écouler les sanglots à l’écoute de « Pierrot The Clown » et « Follow The Cops Back Home ». Deux retours gagnants sur les planches théâtrales de l’affliction dramatique de « Without You I’m Nothing ». En 2006, Placebo n’a pas mouillé sa vareuse, évitant de s’aventurer sur terrain glissant. Le groupe a préféré pérenniser ses préceptes, sans prendre de véritables risques. Sans doute s’agit-il du choix le moins préjudiciable.
Dans le paysage du rock à papa français, Dick Rivers fait office de troisième homme. Derrière l’inamovible Johnny (no comment) et le grand Eddy, le chat sauvage en chef fait un peu pâle figure. Le temps du renouveau a sonné. Epaulé par une meute de jeunes loups de la chanson hexagonale, Dick tente la cure de jouvence artistique. Le projet, baptisé Dick Rivers tout simplement, comme un nouveau départ, ne manquait pas d’allure. Benjamin Biolay, Mickaël (3D) Furnon, M, ou encore Mathieu Boogaerts se succèdent à l’écriture. Furnon invente un nouveau concept, il n’écrit pas des textes ‘pour’ mais ‘sur’ Dick Rivers : « Elvis avait l’air d’un ange » et surtout la pétillante « Ode à Dick ». Et Biolay s’en sort sans trop se fouler (une habitude ?). Là où la mécanique coince, c’est quand les morceaux sonnent faux dans la bouche du chanteur. Pas mauvaises au demeurant, les chansons de M et Boogaerts ne sont pas faites pour lui. « Ma doudou » par Dick Rivers, ça ne passe pas et on se demande bien quel public pourrait y trouver son compte. C’est bel et bien dans son propre rôle de baron déchu qu’il prend toute son ampleur et « Tu perdras » sonne admirablement juste. Comme dans cette adaptation d’un vieux standard (« Les yeux bleus ») où, en roue libre et droit dans ses bottes, on le sent le regard sombre et fier. D’où cette question qui nous taraude, Rick Rubin connaît-il Dick Rivers ?
On a eu chaud. S’il avait fallu deux ans à l’ex-Skunk Anansie pour nous pondre un album aussi immonde que les premiers titres de « Fake Chemical State » laissaient présager, le second effort solo de la demoiselle au crâne culte aurait rapidement valsé à la corbeille. Dépassé les affreux « Alone In My Room » et « She’s On » ainsi que le très moyen « Movin’ », Skin se réveille et se révèle dans une suite d’arrangements sensés (« Just Let The Sun ») et sensibles (« Nothing But »). Malgré cette amélioration ponctuée par « Don’t Need A Reason », point culminant accrocheur sur lequel Ben Christophers l’accompagne à la guitare et au clavier, le disque ne parvient jamais à décoller. De la pointe de conviction qu’elle tente maladroitement d’insuffler aux morceaux les plus durs, il ne résulte que de candides compositions, sans grand intérêt et bien qu’elle se laisse écouter, on ne retiendra pas grand-chose de cette nouvelle plaque, hormis les ballades. Les fans de Skunk Anansie qui espéreraient retrouver en ce « Fake Chemical State » la force et la détermination des « Post-Orgasmic Chill » et autres « Stoosh » risquent d’être fort déçus.
Que de fraîcheur ! Baptiste Lelieu, alias Saule, nous livre un impressionnant premier ouvrage, à la hauteur de la nouvelle vague française, voire supérieur. Léger, délassant et d’une quiétude à faire oublier le temps qui passe, « Vous êtes ici » redéfinit le paysage musical de nos plates contrées. Plus besoin de tendre l’oreille du côté français pour entendre des textes qui ont un véritable sens. Qu’il offre une ode de toute beauté à « Madame Pipi » ou se moque gentiment des victimes du syndrome de « Peter Pan », Saule fait toujours preuve d’un humour délicat et subtil. Même lorsqu’il s’insurge contre « Murphy » et sa loi à deux balles ou contre les « Boss » qui emmerdent leur monde. Auditivement plus agréable qu’un Vincent Venet ou un Jeronimo, cette première œuvre est la bonne surprise printanière. Que les artistes qui rament se rassurent et remercient Saule et ses pleureurs, « Vous êtes ici » est le signal que la nouvelle vague belge est fin prête à bourgeonner. Un disque à écouter sans modération et un très bon départ pour ’30 février’ le nouveau label de Bang! qui compte également dans ses rangs Été 67. A surveiller à la loupe.
5 ans après la sortie de l'album « Lateralus », dont ils sont issus, les singles « Schism » et « Parabola » sont enfin édités sous forme de DVD. Le nouveau Tool débarquant dans les bacs le 2 mai prochain, il y a de quoi se poser des questions quant à cette démarche inhabituelle. Pourquoi avoir attendu si longtemps ? Grosse opération commerciale ? Le fait est qu’au fond, on s’en fout un peu ! Les deux beaux objets, qui devraient faire le bonheur des fans de la première heure, reprennent les deux clips dirigés par Adam Jones, guitariste de la formation. Des clips d’une esthétique irréprochable et d’une noirceur absolue inspirants malaise et fascination. Accompagnés de splendides pochettes et de livrets exhibant des photos de tournages, les DVD « Schism » et « Parabola » (ndr : vidéo qui devrait également faire plaisir aux fans de Tricky, qui y fait une apparition) sont agrémentés d’une version remixée de chacun des titres ainsi que de commentaires audio quelque peu particuliers. Et c’est en écrivant ces dernières lignes que l’on se rend compte que le label a bien fait son travail et qu'il peut bien s’en frotter les mains : son but est atteint. Effectivement, impossible de terminer cette chronique sans rappeler à la populace que le très attendu « 10,000 Days », précédé du single "Vicarious", sera déjà disponible en Belgique le 28 avril et, surtout, que ses ingénieux créateurs pourront être observés en chair et en métal le 29 juin, quelque part en Flandre.
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