Ces jeunes gens forment un trio compact, impénétrable. Réunis autour d’un nœud de guitare mal dégrossi, les six titres proposés sur ce disque tracent une tangente entre les univers de PJ Harvey, Electrelane ou Sonic Youth. Accompagnée de sa basse, Katie Eastburn pose sa jolie frimousse derrière le micro, épaulée par Jeff Rosenberg (guitare) et Jarrett Sillberman (batterie). Ensemble, ils s’acharnent à distordre les sons, à torturer les amplis suivant un code théorique mûrement réfléchi. Le timbre distingué de Katie constitue ici un squelette sonore, une trame vocale en forme de charpente. Sur deux titres (« The Mountain », « Wild Boys Of The Road »), la belle s’empare des baguettes et terrorise les tambours. Les chansons de Young People chavirent dans une atmosphère houleuse, entre vague à l’âme et flots de réjouissances. Les phases répétitives, lascives, s’enchaînent et positionnent la jeunesse aux abords d’une avant-garde enfermée depuis quatre décennies dans les albums du Velvet Underground. Une musique où le rock et la country s’embrassent et se noient, énamourés, dans une avalanche de bruits sensibles. La noise débarque alors sur la pointe des pieds. Et le raffut n’en est que plus beau.
En vingt ans, le label World Circuit est devenu un emblème incontournable d’un terme générique, communément accepté de tous : la World music. Pour fêter ces deux décennies, cette petite entreprise nous propose une grande compilation. Deux disques, 28 chansons, quelques inédits et des versions live sorties de derrière les savanes. La sélection opérée demeure irréprochable. Les légendes côtoient ainsi les révélations, les bonnes vibrations.
A l’écoute de cette double compilation, un constat s’impose : le label possède un don évident pour consacrer tardivement les vétérans. Les exemples sont nombreux, somptueux : Ali Farka Touré, Ibrahim Ferrer, Rubén González, Nico Saquito ou encore, Miguel Angá Diaz. Tous ces artistes se sont aujourd’hui envolés, rejoignant paisiblement leurs paradis perdus. Mais par leurs idées, leurs visions, ils ont participé à rédiger les plus beaux chapitres de l’histoire de la musique. World ou pas. A côté de ces demi-dieux, une foule d’artistes prodigieux se pousse au programme de la compilation (Cheikh Lô, Oumou Sangare, Orlando Cachaito Lopez, etc.). Ce recueil est à la mesure de ses ambitions. Il contentera le monde entier. Pour satisfaire leurs ardeurs, les passionnés découvriront quelques chansons inédites (notamment le magnifique « Yumala » de Mustapha Baqbou). Les autres trouveront ici une clef magique, un point d’ancrage formidable, dépassant largement une simple introduction au label.
Tagada tagada, voilà les Bronson. « Derdang Derdang », y a plus personne. C’étaient Archie Bronson. Les nouveaux canonniers de l’artillerie Domino vont mettre tout le monde d’accord. Après plusieurs virées dans les pubs du quartier en 2005, les trois lascars débarquaient, Guinness à la main, en compagnie de « Fur », premier album défroqué, pour roter et ripailler. A poil, forcément. En 2006, nos fêtards ont ‘déguinzé’. Et ça va faire mal ! Les arsouilles d’alors sont devenus des rockeurs. Des vrais, des coureurs de riffs. Le trio a posé la bouteille, écouté les Stooges, Wire, Jon Spencer et s’est inscrit au Gun Club. A l’heure du deuxième album, ce sont des tueurs, dignes héritiers de leur bataillon. Mais ils nous auront prévenus : « Dead Funny, Don’t Worry ». Cependant, avant de mourir heureux, il convient de vivre les claques soniques de « Derdang Derdang », ce nouvel album qui s’épelle telle une armée au galop. En éclaireur, « Cherry Lips » pose les jalons d’une indubitable victoire. Ensuite, à l’abordage : d’un chant de naufragé perturbé, « Kink » noie raison et passion. Les corps chavirent, les riffs déchirent. Les cris de « Dart For My Sweetheart » tranchent l’air, transpercent les chairs. La reddition est inévitable. Les mains sur la tête, les pieds liés, nous suivrons ce chemin : « Derdang Derdang », toujours plus vite, « Derdang Derdang ».
De l’abus de cocaïne et de ses ravages dans la musique populaire, volume 1. On commencera par le cas d’Amos, grand benêt frisé originaire de Téhéran et installé à Munich. Le moins qu’on puisse dire, c’est que sa bio n’a pas peur d’abuser des superlatifs. Un exemple ? ‘Forget about Michael Jackson ; Amos is new, Amos is the embodiment of mass hysteria, Amos is the first true Imperator of Pop !’ Pour la version complète, on vous renverra à son site internet, qui vaut largement le détour. La musique proposée sur ce 3 titres, comme on pouvait s’en douter, n’est pas à la hauteur et semble être un hommage constant à ce que les années 80 ont produit de plus détestable. Le titre maître semble sortir tout droit d’un épisode de Miami Vice, l’ami Amos s’amusant à singer les tics vocaux de Michael Jackson. Ca ne pisse pas loin non plus sur « Imperator Of Pop ». Un son de basse laid à pleurer, des cuivres en plastique et Amos prétendant que ‘If Michael Jackson is the King of Pop, I’m the Imperator !’ Seul « Rock » tient plus ou moins la route. Un titre électro-funk qui, nonobstant sa belle mélodie, plagie honteusement Cameo. Michael Jackson peut dormir tranquille sur ce qui lui reste d’oreilles, le King Of Pop, c’est toujours lui.
Blues Traveler est un jam band qui évolue au sein d’un créneau particulièrement dynamique depuis une quinzaine d'années. Il n’a, bien sûr, pas inventé le style ; la paternité revenant au Grateful Dead, il y a déjà plus de quatre décennies. Et parmi les jam bands de référence, on pourrait également citer Allman Brothers Band, dont la notoriété et la longévité n’est plus à démontrer. Comme son nom ne l'indique pas, Blues Traveler n'est pas un blues band ; même si d'évidence le blues n'en est pas absent. Le groupe s'est formé à Princeton, dans le New Jersey, en 1983. Cette formation compte déjà plusieurs elpees à son actif, dont "Blues Traveler" paru en 90, "Travelers & thieves" en 91 et "Save his soul" en 92. Commis en 1994, "Four" rencontre un succès considérable. Un engouement qui va les décider à immortaliser un double live : "Live from the Fall", en 1996. Et l’année suivante, ils gravent "Straight on till morning". "Bastardos" constitue le huitième album studio. Au sein de B.T. sévit un harmoniciste fabuleux, unique en son genre : John Popper. Il est épaulé par le guitariste expérimenté Chandler "Chan" Kinchila et le drummer Brendan Hill tient. Pourtant, c’est à cette époque que le combo décide de faire un break. En 1999, le bassiste originel (Bobby Sheehan) disparaît. Mais le quartet se mue en quintet, le line up s’enrichissant du bassiste Tad Kinchila, le frère de Chan, et du claviériste Ben Wilson. Sous cette formule, B.T. a concocté deux elpees : "Bridge" en 2001 et "Truth be told" en 2003. "Bastardos" est un opus très élaboré tout au long duquel les musiciens ont appris à se discipliner.
L'initiation au voyage débute par "You can't stop thinking about me". Aucune trace de blues ici. Un périple quelque peu psychédélique opérant un travail sur les voix tout en libérant la guitare aérienne de Chan. En outre, les claviers confèrent un aspect grandiose à cette plage. Cette expérience se poursuit tout au long d’"Amber awaits". Le son est chiadé. John sort l'harmo de sa poche. Mais son intervention est trop brève. Un puissant riff rythmique introduit "After what". La ligne mélodique est stable. La voix de John est excellente, mais la musique est complexe. L’œuvre est tellement homogène qu’on éprouve de grosses difficultés à discerner les différentes plages, lors de la première écoute. Popper opère quelques sorties savoureuses sur son harmonica. A l’instar de "Can't win true love". Mais ces instants de bonheur s’avèrent de trop courte durée. "Bastardos" est un opus au cours duquel les chansons prennent le pas sur l’instrumentation. Une plaque qui recèle encore deux ballades empreintes de douceur ("Leaning in" et "She isn't mine") et le très puissant "Rubberneck". Quoique solide, Blues Traveler n’a pas sculpté son "Bastardos!" dans le blues, mais dans le blues roots.
Une bonne compile Acuarela, c’est presque un pléonasme. Elle succède à l’excellente série des « Acuarela Songs » (3 volumes) qui regroupait des titres de Windsor For The Derby, Experience, Migala, L’Altra, Encre, Lee Ranaldo, Timesbold, Berg Sans Nipple, Chris Brokaw, Girls in Hawaii (!), Piano Magic, The Decemberists, etc. Voici donc la suite, et elle s’appelle cette fois « Songs To Break God’s Heart », ce qui revient au même. Autrement dit, on embraie ici par d’autres inédits et démos pas piqués des hannetons, issus de l’intelligentsia mélancolique. Avec Darren Hayman, c’est Bright Eyes et St Thomas qui se rappellent à notre bon souvenir. Tara Jane O’Neil surprend dans un exercice quasi doo-wop, et The Strugglers s’avèrent de sympathiques cousins de Palace. Matt Elliott (vs. Many Fingers) fait son Third Eyed Foundation (ça faisait longtemps) et Xiu Xiu se la joue trance. Sur ces 19 titres, quasi tous méritent qu’on s’écorche le cœur. C’est beau, souvent triste, voire optimiste. « This song is a mess but so am I » : c’est même le nom d’un des groupes du label madrilène… Voilà l’état d’esprit qui habite ces musiques, dont on se sent parfois si proches.
Vous la trouverez à prix modique chez tous les bons disquaires, à moins qu’un de ceux-ci vous l’offre à l’achat d’un cd du label : en tout cas il s’agit d’une simple entreprise marketing, dont l’objectif est d’offrir au mélomane un panel des artistes maison. Bella Union, c’est dans l’ordre, pour ce deuxième volume du sampler « Beneath The Surface » : Howling Bells, Fionn Regan, Midlake, Françoiz Breut, Astronautalis, The Dears, Mazarin, My Latest Novel, Dirty Three, Devics et The Czars, proposant des titres issus de leur dernier album respectif ou à venir… Autant vous dire qu’en matière de chroniques de disques, vous êtes au bon endroit : pour plus d’infos sur ces groupes et leur grand œuvre, cliquez dans la rubrique 'Recherche' !
Lors de l’enregistrement de son premier album, Elysian avait reçu le concours de David Poltrock, le pianiste de Hooverphonic, à la production. Ce dernier est encore venu apporter sa collaboration à la finition ; mais il a cédé le relais au guitariste d’Arno, Geoffrey Burton pour la mise en forme. Et il faut avouer que les 12 fragments de cet opus sont particulièrement soignés, pour ne pas dire raffinés. On nage ici en pleine britpop (pas étonnant pour un groupe issu du Nord de la Belgique) dans l’esprit de Coldplay, Starsailor ou autre Keane. Et puis la chaleur du timbre vocal de Didier Colsoul colle bien à ce style musical. Le disque recèle même l’une ou l’autre compo contagieuse, à l’instar de l’hymnique « Time ». Et pour que le tableau soit complet, sachez que le guitariste y va régulièrement d’envolées ‘u2esques’ ou atmosphériques. Maintenant pour l’originalité, faudra repasser…
Four Thirty constitue déjà le cinquième opus de The Great Crusades. Un quartet chicagolais responsable d’une musique qui mêle lubriquement blues, punk, americana et rock’n roll. Pour vous donner une petite idée, imaginez un croisement hypothétique entre Sreamin’ Jay Hawkins, Captain Beefheart, les Replacements et les Bad Seeds, et vous aurez une idée plus ou moins exacte du style pratiqué par cette formation. Encore que abstraction faite des vocaux, il me rappelle quelque part les Godfathers. Venons-en justement au chanteur. Brian Krumm. Son timbre est unique en son genre. Eraillé, rauque, probablement ravagé par le whiskey, il campe un hybride entre Joe Cocker, Tom Waits, Don Van Vliet, Nick Cave, Stuart Staples (Tindersticks) et Bruce Dickinson (Iron Maiden). C’est également le guitariste. Et aussi le lyriciste. Ses textes ? Trempés dans l’alcool, ils parlent de l’amour, du sexe, de la colère, de la haine, de la rue ou de la route. Des choses de la vie pour un pilier de comptoir, quoi ! Tout en manifestant un talent certain pour l’autodérision. Découpé en 11 fragments, « Four thirty” libère une énergie phénoménale, comme en ‘live’. Parce que le combo est parvenu à la reproduire en studio. En enregistrant pratiquement toutes leurs compos en une seule prise. Oui mais la musique ? Tour à tour électrique, marécageuse, tumultueuse, viscérale, tendre ou dramatique elle privilégie l’instrumentation basique (guitare/basse/batterie/claviers) ; mais n’hésite pas à impliquer, suivant les circonstances, des instruments spécifiquement country comme le violon, la pedal steel ou le banjo… Une chose est sûre cet elpee décoiffe. Même ceux qui n’ont plus un poil sur le caillou…
Laakso est un mot finnois, issu d’un dialecte finlandais pratiqué par plus ou moins 50.000 personnes en Finlande. C’est également le nom d’une région où se situe la région natale de cette formation finlandaise. De Tornedalen très exactement, où s’est formé ce combo, en 1999. Avant de concocter « My gods », il avait commis un ep (« Long beach »), un premier elpee (« Miss you, I’m pregnant ») et un single : « Aussie girl ». Des plaques qui sont passées complètement inaperçues chez nous. Signé par Chrysalis, Laakso bénéficie donc aujourd’hui d’une distribution via V2. Leur style ? A mi-chemin entre Starsailor (sur le même label !) et Arcade Fire ; la voix de Wim Butler y est d’ailleurs bien imitée… Les plages sont brèves. Le plus souvent elles épousent la forme de ballades. Les mélodies sont bien présentes, mais elles parviennent trop rarement à accrocher l’oreille. Les textes parlent de leur vie au quotidien, des soirées après concert, de leurs rencontres et de l’amour. C’est ce qu’ils racontent sur « True love » : ‘Nous faisons l’amour dans les toilettes à bord du bateau reliant Stockholm à Helsinki, c’est ça le vrai amour’. Drôle de mœurs ces Finlandais ! Hormis cette anecdote, cette plaque devrait permettre à Laakso de continuer à passer inaperçu…
Un Belge… Qui l'eut cru ? A l'écoute de la musique de Milow on penserait plutôt avoir affaire à un jeune Américain exorcisant ses peines de cœur à coup de chansonnettes pour teen-ager. Et puis, à la lecture du livret, on se rend compte qu'il n'est point ici question d'un bon petit ‘Johnny Something’ mais plutôt d'un certain Jonathan Vandenbroeck. Un Flamand dont l'album (intitulé " The Bigger Picture ") tend à confirmer la tournure FM radiophonique prise par une bonne partie de la production musicale issue du Nord de la Belgique. En voilà un qui va faire des heureux chez Humo, après Sioen et le Zita Swoon nouvelle mouture… En effet, Milow dispose de toutes les ‘qualités’ pour faire un bon ‘Bekende Vlamingen’. Petites ritournelles folk inoffensives, emphase maîtrisée, voix plaintives à souhait… Pour ma part, même si l'ensemble est bien ficelé, ce genre de musique me laisse totalement indifférent. Elle devient, de surcroît, carrément insupportable dans ses moments les plus cabotins. A l'instar d'un " Born in the eighties " d'une complaisance horripilante ou d'un " One of it " scandaleusement calibré. Jonathan Vandenbroeck a tout pour devenir le gendre parfait de toute une génération de minettes en mal d'émotion facile. Il est bon à marier qu'on vous dit…
DJ Nobody n’est plus seul. En solitaire, Elvin Estela (alias Nobody) a toujours aimé accoupler les sons. Jazz, hip-hop, électro, secoués au fond d’un panier psychédélique tissé par des amis proches : Postal Service, Mars Volta, Beachwood Sparks. Mais cette fois, c’est en compagnie de Chris Gunst (ex-Beachwood Sparks) qu’Elvin souhaite s’évaporer, s’oublier. Cet ami, membre fondateur du groupe Mystic Chords of Memory, évolue dans une sphère cosmique intraveineuse où ne subsiste que les plus belles émanations sixties. La rencontre entre les deux hommes était donc prometteuse. Et, conformément à nos espérances, les idées de ces deux-là étaient faites pour se rencontrer, se dissiper dans un trip abyssal. Un voyage mystique au-dessus des nuages, une musique bucolique destinée à planer, les pieds cloués au plancher. Pour surveiller ces deux messieurs, Jennifer Cohen est de cette croisière sonore empreinte de touches folk et de beats éthérés. Le rassemblement des trois personnalités matérialise finalement un album impromptu, point d’ancrage de mélopées développées chez Her Space Holiday, The Zombies, Parsley Sound et autres Beach Boys. La musique réchauffe, apaise et le corps se laisse porter par ses loopings de flûtes, ces boucles légères, légères, légères…
‘Là où ça sent la merde, ça sent l’être’, disait Artaud en plein délire surréaliste, et il avait raison. Le cloaque, voilà ce qui nous attend, et on s’y étouffera la panse en attendant qu’arrive le radeau, embarcation maudite, destination l’Enfer de Dante, prisonniers de tombes en feu, et pour ceux qui résistent, la noyade dans du sang bouillant. « S’en sortir pour aller où ? », titre la dixième chanson de ce disque retors : nulle part mon vieux, si l’on en croit ton accent toulousain. Frédo Roman ne mâche pas ses mots, tellement ils sont coriaces : on dirait qu’ils lui brûlent le palais, avant d’être recrachés de travers. Pour les textes, allons voir du côté d’un Michaux, d’une Zürn, ou d’un bon vieux Fedor. Roman habite les sous-sols de notre société, qu’il scrute l’œil inquiet comme si lui-même, dernier rescapé raisonnable, n’était plus qu’une putain de légende. L’homme agonise, il pactise avec le diable, sous toutes ses formes. Alors, mieux vaut crier ses amygdales, dans un dernier sursaut d’amour : pour son prochain, qui court à sa perte, à toute vitesse, le cou tendu vers l’abîme. Il faut y aller, dans ces endroits de la terre où l’on peut trouver quelqu’un d’assez dégénéré pour vous tirer dessus. Après… Mieux vaut prendre tout ça avec un brin d’humour. On peut même danser sur Nonstop, en levant ses béquilles sur le breakbeat hip hop, le gimmik electro, le juron rock. Michniak (Diabologum, Programme) et le frérot (Richard, ex-Diabologum lui aussi) s’occupent de donner la cadence aux consoles, tandis que Roman se plaint qu’on lui ‘dit jamais rien’, et c’est pour ça qu’il gueule. Poète parano, le Toulousain préfère nous foutre la trouille que chanter des mensonges : c’est un insurgé du corps, qui se sert du langage pour conjurer la peur et la colère. Tout ira bien, vous allez voir.
Il y a trois ans, on découvrait la soft-pop de Faris Nourallah, et avec elle tout un pan du songwriting anglo-saxon, de Bill Fay à Ray Davies. Voilà un type qui savait trousser de jolies mélodies folk, en apparence altières et optimistes, mais écorchées aux entournures… Si le soleil brillait sur ces chansons douces-amères, il menaçait aussi de les carboniser, à force de trop d’exposition. Trois albums plus tard (« I Love Faris », « Problematico », « King of Sweden »), Faris Nourallah n’est toujours pas une star. Comprenne qui pourra à l’écoute de ces 20 titres ici compilés, ses ‘meilleurs’, et c’est vrai qu’ils arrachent. Rien que ces deux plages qui ouvrent et ferment la marche, « A Famous Life » et « The Road », donnent envie de répéter qu’on l’aime, ce vieux Faris. Et le reste, pour une introduction, mérite qu’on s’y attarde. C’est déjà ça de pris, à l’heure où l’industrie du disque préfère le prêt à consommer. Faris Nourallah pourrait ne pas connaître la consécration, et sa musique rester quasi confidentielle… Mais les ‘trésors cachés’ ne servent à rien s’ils restent enfouis sous terre. Encore un peu de patience, et peut-être qu’un jour on louera Nourallah, sa musique, son œuvre magnétique. Lumière, nous sommes à tes côtés.
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