C’est la dernière bataille, l’« élan vital », le tout pour le tout. Andrea Zollo et ses sbires veulent y croire ! Une fois encore, pour le meilleur et pour le pire. Dès 2001, Pretty Girls Make Graves remue les cendres d’un revival rock en proie à ses balbutiements. Trop tôt…. Une écurie estampillée Strokes double la caravane des cinq rockeurs de Seattle. Sans trahir ses ambitions, la formation poursuit sa route, à l’ombre des sentiers battus. En résulte un premier album (« Good Health », 2002), suivi dès l’année suivante par l’entêtant « The New Romance », disque primesautier, enfermant le tubesque « This Is Our Emergency », véritable machine à danser. Mais au bout du dancefloor, le vide commercial : une fin de soirée au bar en compagnie d’irréductibles nerds mélomanes. Comment expliquer la mésaventure des Pretty Girls ? Un problème d’identité peut-être. Pas assez rock, un peu funk, légèrement punk, trop classieux et suffisamment Emo pour ne pas être expérimental. La question est réglée : les Pretty Girls Make Graves sont des métèques stylistiques, des apatrides catégoriels. Fiers de ce troublant constat, Zollo et ses zigotos se resservent deux boules glacées, aromatisées d’un arc-en-ciel de guitare. Pur frisson avant le grand plongeon ! Certains prônent la banane, d’autres la crème glacée. Les Pretty Girls sont de ceux-ci. La première écoute de leur « élan vital » laisse un goût de trop peu. On replonge alors dans la glacière. Et le léchage en devient inquiétant. Les riffs fondent sur la langue, les papilles gustatives sont en effervescence. Comme des goinfres, on léchouille les pépites pop (puisque c’est bien de cela qu’il s’agit !) servies à nos oreilles : « The Number », « Selling the Wind » et son accordéon foldingue, la montée jazzy de « Pictures Of a Night Scene » ou le timbre vicelard d’Andrea sur « Wildcat ». Envie d’une boule de glace ? Deux boules, toujours deux boules !
Ce chouette album squatte ma platine depuis au moins trois semaines. Si la bio dit vrai, ce serait le troisième de cette formation californienne, drivée par le chanteur/compositeur/guitariste Zach Rogue. Faut dire qu’à l’origine, Zach jouait à l’homme orchestre. Ce n’est qu’après son retour de New York, où il avait séjourné quelque temps, qu’il s’est entouré d’un véritable groupe. Si vous aimez ou avez aimé Guided By Voices, Built To Spill, Folk Implosion, les Shins, Tall Dwarfs et Death Cab For Cutie, vous ne pouvez passer à côté de ce « Descended like vultures ». Les mélodies sont contagieuses, les harmonies vocales limpides, les accords de guitare – acoustique et/ou électrique – croustillants, distordus, luxuriants, déchiquetés, chatoyants, vaporeux ou cristallins. Les arrangements souvent complexes, parfois somptueux (le climatique, contrasté, presque prog « Catform »), les conjugaisons instrumentales surprenantes, impliquant même tantôt un xylophone et une contrebasse (la valse lente psychédélique « Bird on a wire »), un orgue à soufflets et un accordéon (le final « Temporary »), un glockenspiel et une lap steel guitar (le country sinueux « Medecine ball »), la trompette, le violon, toute une armada de claviers et j’en passe. Un véritable régal pour les oreilles !
Kelley watch the stars. Oui, Kelley Stoltz a toujours regardé en direction des étoiles. Et ses nuits étaient musicales. Les Beatles, les Beach Boys, les Kinks, Syd Barrett, il les a tous consommés. Jusqu’au filtre, il les a absorbés et s’est réfugié à San Francisco, antre d’une veine néo-psychédélique. Et depuis 1999, l’ami Stoltz vit en autarcie dans son deux pièces, entre une guitare et une pizza. Ponctuellement, il sort de chez lui, s’achète une bouteille de lait et court enregistrer la suite de son périple discographique. A tous les coups, c’est magnifique ! Ces voisins n’en reviennent pas : ils n’ont jamais entendu un type qui reprenait aussi bien les Beatles. Kelley est affligé. Ses voisins n’y comprennent rien. D’ailleurs, il les emmerde. Lui, il préfère s’enfermer dans sa chambre, grimper sur son pieu, agripper sa gratte et graver cinq titres de bonne fortune. Et, comme à chaque fois, c’est magnifique ! Mais personne ne le sait. Exceptés ces enculés de voisins, bien sûr.
Et oui, il est loin le temps où les Stereophonics se produisaient en première partie de U2. Depuis la sortie de son premier album, "Word Gets Around", en 1997, le trio gallois a fait du chemin. Aujourd'hui, Kelly Jones est toujours préposé au chant et à la guitare et Richard Jones se réserve la basse ; mais Javier Weyler a remplacé Stuart Cable à la batterie. Et leur style campe toujours une pop-rock héritée en ligne droite de dinosaures comme Oasis et Blur, un style où les guitares s'imposent et l'émotion nous envahit… Rendu populaire par son single "Maybe Tomorrow ", le groupe avait également commis l’an dernier "Language. Sex. Violence. Other ? ", un tout bon album. "Live from Dakota" est une excellente surprise. Il réunit des morceaux exécutés ‘live’, lors de la tournée 2005-2006. Qui remporta un énorme succès!!! A la première écoute, on tombe immédiatement sous le charme. On a même l’impression de revivre l’ambiance d’un de leurs concerts. Et d’être très près du groupe! De se mouvoir avec la foule. Le talent du trio s’impose morceau après morceau, tout au long d’un tracklist qui oscille de la pop immaculée de "Devil" au rock dynamique de "Madame Helga", en passant par de belles ballades comme "Traffic" ou "Just looking. Mais l’apothéose de cet opus est atteinte par "Dakota", probablement le tube incontournable de ce ‘live’.
Issu de la scène australienne underground, The Specimens ne jurent que par le rock lourd et acide des Stooges, de Motörhead et surtout de Monster Magnet, formation dont ils ont digéré au moins quinze fois la discographie complète. Nos confrères de Aardshok, le mag métal hollandais, n’hésite pas à les qualifier de ‘petits frères’ du groupe Jet. Il est vrai que dans le genre riffs carrés et plombés ou refrains à la AC/DC, Rose Tatoo et autre Angel City, « Get on Top » et autre « Drama Queen » sont d’une redoutable efficacité. Les racines qui alimentent le hard rock australien sont ici omniprésentes : du blues électrique bien entendu, mais aussi une petite touche redneck, une pincée de hard old school, des rythmiques punkysantes, et surtout un groove susceptible de faire battre le record de saut du kangourou le plus frénétique. Avec cette nouvelle livraison, la formation, née en 2001, marque encore des points, et prouve donc que l’Australie n’est pas en reste en matière de hard seventies graisseux et psychédélique. A découvrir !
La République tchèque n’est guère rock’n’roll par essence. Néanmoins, le pays abrite Minority Records, structure qui, d’ici quelques temps, pourra se targuer d’avoir mis le doigt sur le talent clandestin de Tall Ships. A la proue du navire, Steve Kuhn (chant, guitare) et Kyle Conwell (basse, chant) se proclament seuls maîtres à bord. La batterie navigue quant à elle au gré des multiples changements d’équipage. Aux dernières nouvelles, c’est Keith Andrew qui s’y colle. The Tall Ships donc. Une sacrée rencontre, un bain de jouvence de pop postmoderne. Etabli à San Francisco, le trio croise le fer (guitare, basse, trompette), dans un paysage déjà esquissé par les subtiles mélopées de Pinback. Plus post-rock que lo-fi, The Tall Ships creuse un veine clairvoyante, antre de constructions complexes assujetties à une sensibilité indie à fleur de pop. Fervent partisan des boucles répétitives (« For Your Bird You Will Have No Other Model Than That of A Bat », « Literate »), The Tall Ships s’amuse également d’alternances rythmiques bien senties. Aux dépouillements relatifs qui plongent, ici et là, dans les flots de Swell succède une appétence affichée pour une fougue maîtrisée, à porter aux côtés d’un Death Cab For Cutie. Mais The Tall Ships ne peut cependant se réduire à un étiquetage sommaire. La formation délimite les contours de ses frontières, l’étendue de son territoire. Le champ d’action est vaste et les perspectives s’étendent au-delà de cet album au titre kilométrique. Les grands navires ont dressé les voiles. Désormais, le monde leur appartient.
Enregistré à Ljubljana, en Slovénie, “Let it roll” constitue le sixième album de Willard Grant Conspiracy. Un disque qui marque un tournant dans le style pratiqué par la formation californienne. En fait, ce disque est partagé entre compos ténébreuses, mélancoliques, trempées dans le folk, l’americana ou le blues, ainsi que morceaux plus puissants, électriques, psychédéliques, dans l’esprit du Paisley Underground (NDR : pensez à Steve Wynn). Le titre maître en est d’ailleurs la plus belle démonstration, la voix de Robert Fischer y épousant même tantôt les inflexions de Jim Morrison, tantôt celles de Nick Cave. Pour concocter cet opus, Robert a pu compter sur le concours des musiciens qui ont tourné avec lui pendant deux ans, mais aussi de quelques potes à la finition, dont Dennis Cronnin (Lambchop), David Michael Curry (Thalia Zedek), Steve Wynn (NDR : évidemment) ou encore Mary Lorson (Madder Rose). L’opus recèle notamment une version morbide, lugubre, digne des Bad Seeds, du « Ballad of a thin man », une cover de Dylan qui figurait déjà sur « Uncut », un tribute album consacré à Dylan, paru à l’occasion du 40ème anniversaire de la sortie de « Highway 61 revisited » ; et puis en final « Lady of the snowline », une très belle chanson. Ténébreuse, indolente, hantée par un violon et une trompette, elle aurait pu figurer au répertoire de Léonard Cohen. Un album remarquable dont Robert Fischer nous parle dans son interview qui figure au sommaire de Musiczine, cette semaine…
L’été dernier, le grand manitou NME encensait trois petits scientifiques sympatoches qu’il présentait comme les grands alchimistes de la rentrée. Pour donner le ton, le trio balançait sur les ondes un « Nobody Move, Nobody Get Hurt » du tonnerre de Zeus. Mais c’était sans compter sur les mauvais tours des singes de l’Arctique qui, sans pitié, dévastèrent tout sur ce qui se trouvait sur le passage avec leurs corrosifs « Fake Tales of San Francisco » et « I Bet That You Look Good On The Dancefloor ». L’attention des medias détournée, les p’tis gars de Brooklyn furent contraints de se tapir dans l’ombre et d’attendre patiemment le jour de la terrible revanche. Ils se sont donc terrés dans leur studio et, en guise de représailles, se sont mis à la confection d’un stock de morceaux radiophoniquement mortels. Le résultat ? Un « With Love & Squalor » plutôt convaincant et distillant un rock bien plus british que new-yorkais. Menées par la batterie omnipotente de Michael Tapper et la voix houleuse de Keith Murray, les compos de We Are Scientists sont surtout à l’image de la moustache de Chris Cain (basse) : à la fois classieuse et désuète. Même s’il y a effectivement une impression de ‘déjà entendu’ qui se dégage de ce premier album, l’urgence de titres tels que « Cash Cow » ou « The Great Escape », les engageants « Worth The Wait » et « Callbacks » ou encore le pastiche (involontaire ?) de The Cure sur « Textbook » valent à eux seuls le coup d’oreille et justifient la réputation ‘live’ du trio. Il en faudrait néanmoins beaucoup plus pour que les Scientists fassent trembler les Monkeys…
Dommage que j’ai carbonisé le moteur de ma bagnole par ‘pure négligence’, selon les sarcasmes de mon garagiste… Parce que mon rêve, c’était de l’envoyer à Xzibit pour qu’il la retape avec ses potes, en direc’ live sur MTV, à l’émission « Pimp My Ride », yep. Une Citroën Saxo transformée en bolide high tech, avec des flammes vert fluo sur le capot, et trois télés à écran plat dans le coffre, entourées de subwoofers de malade pour faire péter le hip hop West Coast en roulant à du 200 à l’heure dans les rues de Tubize. A l’intérieur des sièges arrière, une Playstation avec le jeu « San Andreas », et un putain de mini bar dans les accoudoirs, rempli de tequila et de blunts au cognac pêche. Trop fort, cet Xzibit. Y en a quand même qui ont de la chance de voir leur caisse pourrie retapée en limousine de luxe ou en 4X4 de fête foraine : ça le fait à mort au salon du Tuning de Morlanwez-les-Bains. T’as des donzelles aux airbags de taré qui se trémoussent sur du beat en chaleur, façon Snoop et Hi-Tek, les tétons gonflés par de la mousse bien giclante, qui spittent par à-coups des essuies-glace en plaqué or massif. Dans les baffles qui remplacent la roue de secours, des types au teint palot (Krondon, black albino à la gueule de barbouze) gueulent les quatre initiales d’Iceberg Slim : P.I.M.P., et ça balance comme un gros tube gangsta à la N.W.A. Sur cette mixtape ‘hosted by Will Blast’, on retrouve tout le crew d’Xzibit : Phil The Agony, Mitchy Slick et l’albino. « X to the mothafuckin’ Z » se foule pas trop le derrière pour balancer ses rimes sur des samples funky, bref ça sent bien la mixtape de dessous le comptoir. Aaaah, si j’étais un Yankee ! J’irai parader à L.A. avec ma SaXo rutilante, les biatches se pâmeraient devant mon gros engin qui grogne, ce serait trop la défonce à fumer le bitume. A l’aise ! Demain j’achète un Go Pass et j’me casse à Compton.
On les oublie souvent, les gosses. On ne s’imagine pas que l’écoute d’un album des Flaming Lips ou des Beach Boys peut changer la vie d’un moutard, même s’il n’a que 10 ans. Le concept de ‘disque pour enfants’ n’est certes pas neuf, mais rares s’avèrent les tentatives qui tiennent vraiment la route, qu’elles soient commerciales ou artistiques… Le label Paper Bag espère bien inverser cette tendance, en compilant ici de grands noms de l’indie rock, etc. : Alan Sparhawk de Low, Sufjan Stevens, Broken Social Scene, Mark Kozelek (Sun Kill Moon, Red House Painters), Hot Chip, Kid Koala,… ‘Nous avons remarqué que les enfants sont souvent bien plus intelligents que les adultes’, peut-on lire sur le site du label. Que le cadet de la famille apprécie Glissandro 70 (Constellation) en tétant son biberon, c’est sans doute le rêve de tout parent mélomane. Qu’ils s’en donnent donc à cœur joie à l’écoute de cette chouette compile, remplie jusqu’à ras bord de comptines pop pas bébêtes. Au bac la condescendance, l’humour et la fraîcheur sont ici au programme : même les Great Lake Swimmers, d’habitude un peu ronchons, ont l’air de se fendre la gueule… Parfaite pour les goûters d’anniversaire (« 24 Robbers » de Apostle of Hustle) ou la petite histoire ‘d’avant d’aller dormir’ (Broken Social Scene reprenant « Puff the Magic Dragon »), « See You On The Moon ! » donne envie de retomber en enfance, voire de faire des gosses. Mais la passion (musicale ou autre) n’est-elle pas de toute façon une preuve d’innocence, se rendre à des concerts de rock symbolise un refus de grandir ? Le jour où on pensera qu’écouter de l’indie est un truc de gamins, il faudra s’inquiéter.
Billy No Mates, ou 12 morceaux de punk/rock mélodique pondus et joués par un seul et même homme orchestre… On connaissait déjà ce type de démarche dans les univers de la fanfare pour plateau de télévision (Rémy Bricka), le soul/rock (Lenny Kravitz) ou même le rap/folk/électro-cheap (Cody Chesnutt) ; mais dans celui du punk toutes nos recherches semblent indiquer qu’il s’agit d’une première… " We are Legion " est-il pour autant un bon album ? Hélas non… L'ensemble est plutôt assourdissant, brouillon, desservi par la voix fort limitée de Duncan Redmonds, tête pensante du projet. Comme quoi vouloir tout faire seul n'a pas que des avantages !
61 Winter’s Hat est un projet monté par Fabio Magistrali et Mattia Coletti. Un duo italien (le premier nous vient de Milan et le second d’Ancône) dont la musique avant-gardiste mêle psychédélisme, folk et électronique. Dans l’esprit du célèbre « Several Species Of Small Furry Animals Gathered Together In A Cave And Grooving With A Pict » du Floyd. Enfin, c’est l’impression que nous a laissée cet Ep 4 titres. Ou plus exactement cinq ; si on tient compte des commentaires ajoutés en fin de parcours.
Formation française formée autour d’un duo ‘transatlantique’, The Cinders n’a d’autre ambition que de faire plaisir là où ça fait du bien : dans les zoreilles ! Proche du mouvement stoner, aussi métal que punk rock, le combo a fait le choix d’enregistrer son premier opus à la maison. Et pour être très précis, dans la cuisine parisienne de Laurent Ciron, le chanteur/guitariste du groupe. Défendant les valeurs du « One, two, three, four », du riff de guitare psychotrope et des compositions composées avec élégance, mais sans gants de velours, The Cinders évoque franchement les Ramones. En référence aux circonstances de sa naissance, The Cinders se veut rougeoyant comme les braises et nostalgique comme un feu qui ne finit pas de se consumer. Pas étonnant que leurs plaques s’arrachent déjà comme des petits pains, dans les milieux ‘branchés’.
Binoclard, barbu, paumé aux portes de Portland en compagnie d’un synthétiseur eighties pour mioches (le non moins célèbre Casiotone), Owen Asworth a contemplé les moindres détails de son existence : ses amis, son entourage, ses disques, etc. Irrémédiablement, ses souvenirs l’emmenaient dans des dérives monotones où Casiotone demeurait son seul compagnon d’infortune. Pour ses trois albums précédents, Owen Ashworth, alias Casiotone For the Painfully Alone, a toujours opté pour le dépouillement de quelques touches blanches, coincées sur des accords en mi. Mineur, le succès demeure confidentiel. Adulé par une cohorte d’aficionados romantiques au cœur trop souvent brisé, Owen tenait à revoir son univers. Revirement, changement d’« Etiquette ». Et derrière celle de Casiotone For the Painfully Alone, il ne reste qu’Owen. Cependant, sur le pallier de son nouvel album, on verra encore deux intrusions de cet impassible Casiotone. Pour le reste, les instruments s’invitent à dessiner les contours d’une « Etiquette » millésimée. Du piano, de l’orgue, des cordes, des flûtes, une pedal steel et, toujours, cette voix nostalgique qui vous balance la mélancolie sous les spotlights du dancefloor. Le quatrième album de Casiotone For the Painfully Alone est magnifique. Sur “Scattered Pearls”, il nous conte les confessions d’une jeune fille. En discothèque, celle-ci s’affole de la perte du collier en perle de sa grand-mère. Les nappes de synthés ravivent ici un goût pour la dance que l’on pensait éteint à jamais. “Holly Hobby” ressemble à une comptine sixties pour un girl group postmoderne. Toutes ces histoires sont à chialer. Et le pire ? C’est qu’on y revient sans cesse. On pose cette « Etiquette » dans un coin de notre discothèque. On se jure de la laisser y reposer quelques temps. En vain. Le constat est affligeant. Mais tellement plaisant.
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