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Les rituels étranges de This Is The Kit

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Inaudible, une émission de radio abandonnée, il y a 33 ans, renaît de ses cendres. Cependant, l’objectif n’est pas de ressasser le passé, mais simplement de proposer une programmation à la pointe de l’actualité. Et plus précisément dans le domaine du pop/rock…

The Lemonheads rendent hommage à Townes Van Zandt

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Ora Cogan

Chroniques

Eddie Martin

Ice cream

Écrit par Jean-Claude Mondo

Eddie Martin est considéré comme un excellent bluesman de la scène anglaise contemporaine. Il possède une très bonne voix, une bonne plume, se débrouille plutôt bien à la guitare et surtout respecte le blues. Que ce soit sous un format électrique ou acoustique, il sort ses albums avec une régularité de métronome, depuis quelques années : "Solo in Soho", « Blue top the Bone », « Fire and Floods”, "Keep on working" et son dernier album, "Pillowcase blues", commis en compagnie de son Texas Blues Group.

Sa voix est très présente et force le respect dès le très roots "Let's move it on". La slide libère une sonorité fort métallique. Une tonalité plutôt menaçante dans le contexte d'un boogie blues feutré. Blues inspiré par le Delta du Mississippi, le titre maître poursuit dans un registre assez semblable. Sa voix réverbère un certain écho. La slide est toujours aussi redoutable. L'accompagnement est minimaliste. "Put the brakes on" nous replonge dans un blues rock bien plus électrique. Ses lignes de guitare sont inspirées des grands du blues ; et en particulier de BB et Freddie King. L'orgue Hammond de Gary Baldwin lui donne la réplique. Eddie aime jouer de la slide, c’est une certitude. Il reconnaît pour principal maître Elmore James. Et lui rend hommage à travers un instrumental séduisant, "Elmore's stomp". Une composition au cours de laquelle, il reçoit un solide soutien de sa section rythmique : Marion Dolton à la basse et Michael Weidrich aux drums. Ballade soul blues balayée par un orgue, un piano électrique et le sax soprano d'Andy Shepperd, "Love is like a river" affiche une facette radicalement différente. "Keep it natural" épouse une forme funky. Taillées au rasoir, les petites grappes de notes répondent à son chant. Il se sent très inspiré par le Texas blues et principalement par l'une de ses grandes influences avouées : Albert Collins. Il adapte fort bien ce style tout en picking. Eddie Martin est impressionnant tout au long de "Cherry Red (335)". Le tempo est vif. On l'imagine relevant le défi devant ses maîtres de toujours : Freddie King surtout, et toujours Albert Collins. Epaulé par le jeune pianiste Paddy Milner, prodige du boogie anglais, l'homme au crâne rasé saisit sa guitare acoustique. Le regard toujours caché par d’épaisses lunettes solaires, il se concentre et chante "Blues took me by the hand". Eddie nous embarque alors dans un blues lent de plus de dix minutes : "Tough but tender". Un morceau très bien interprété qui met en exergue l’orgue Hammond de Gary Baldwin, et puis surtout un long solo d'Eddie. Amorcée très doucement, son intervention monte progressivement en régime, avant de se libérer. Cet opus de bonne facture s’achève en douceur par "Lazy Monday" : la voix d’Eddie Martin et ses cordes acoustiques.

Chroniques

Dean Martin

Christmas With Dino

Écrit par Grégory Escouflaire

Oui, il est trop tard : les éboueurs ont emporté le sapin, les guirlandes sont retournées au grenier, et le reste de dinde a été bouffé par les poules. Il aurait fallu chroniquer cet album avant le 25 décembre, puisqu’il s’agit comme Noël d’un produit marketé pour nous séduire et nous divertir, bref nous faire consommer (consumer ?). Mais que devient ce genre de disques une fois la bûche engloutie à minuit, et les cadeaux distribués à toute la famille ? Disparaissent-ils jusqu’à l’année prochaine ? Sont-ils conçus pour être seulement écoutés une fois l’an, le même jour et dans la même ambiance ? Ce qui explique pourquoi il fallait chroniquer cette compile avec le recul nécessaire : pour s’assurer qu’elle n’était pas seulement le fruit rance de ce qu’on appelle l’‘esprit de Noël’, cette chose vague qu’on essaie de convoquer tous les 24 décembre, en s’enfilant une douzaine de flûtes de champagne pour oublier qu’avant les 12 coups de l’horloge… va falloir se coltiner le vieil oncle et la messe de minuit. Verdict avec Dean Martin ? Il est possible d’écouter un disque de Noël après le réveillon, dès le moment où les chansons s’avèrent suffisamment bien torchées (rappel : le disque de Noël de Phil Spector, une splendeur). D’autant que « Dino », pour celui qui a lu sa bio signée Tosches, est loin d’être un enfant de chœur (sa vie : « Les Affranchis » version fifties, avec le Rat Pack à la place de Joe Pesci et de Niro). D’où ce sentiment qu’à l’écoute de « White Christmas » et « Jingle Bells », grands classiques, se joue dans nos oreilles autre chose que la sempiternelle bluette à danser sous le gui, entre l’apéro et l’assiette d’huîtres. Quelque chose de l’ordre de l’intemporel, qui prend aux tripes même en été, parce que Dino n’est pas le mari modèle, mais un type qui savait ce qu’il voulait. Il a beau chanter ces idioties, il reste ce mec mafieux à qui on ne la fait pas, et c’est pour ça qu’on l’aime… Qu’il parle dans ses chansons de marshmallows ou de Rudolph, « The red-nosed reindeer ». Dean Martin ? Un mec bien, même s’il fait un peu peur. Parce qu’on a tous en nous quelque chose de Dean Martin, pas vrai ?

Chroniques

Joanna Newsom

The Milk-Eyed Mender

Écrit par Grégory Escouflaire

Découverte par Will Oldham, Joanna Newson a déjà sorti deux cd’s auto-produits avant que le label Drag City ne la repère. On se demande d’ailleurs encore comment cette jeune chanteuse à la voix d’enfant malingre est ainsi restée dans l’ombre pendant toutes ces années… Parce que Joanna Newsom, en plus d’avoir des cordes vocales d’une étrange consistance (imaginez Minnie Mouse enrhumée imitant Kate Bush), joue exclusivement… de la harpe. Parfois, sa voix mutine se voit décuplée sous l’effet d’échos fantomatiques : à ces instants on croirait entendre une chorale de bambins shootés à l’hélium, qui souriraient de toutes leurs dents (de lait) au croque-mitaine de « L’Etrange Noël de Mr. Jack »… Etrange, surtout dans le noir : autant vous dire qu’écouter Joanna Newsom en pleine nuit peut procurer la chair de poule. Mais qu’on ne se trompe pas sur le talent de cette jeune songwriter : « The Milk-Eyed Mender » regorge de mélodies candides et pétillantes comme un sucre d’orge, à croquer sans crainte de caries. A l’instar des disques de Devendra Banhart et de Coco Rosie, « The Milk-Eyed Mender » est le témoignage sonore d’une artiste unique en son genre, qu’il serait dommage de bouder sous prétexte qu’elle a l’air bien trop bizarre… Vous avez dit bizarre ? Certes, mais qui souhaite encore qu’on lui resserve sans cesse la même sousoupe ?

Chroniques

New Black

Écrit par Jérôme Broucke

Quatuor mixte issu de Chicago, New Black produit une musique fourre-tout, où se croisent les B’52 et la musique synthétique du milieu des années 80 ; le tout pimenté d’une pincée de rythmiques punky. Bref une plaque bien dans l’air du temps. Les 9 titres s’écoulent paisiblement même si une volonté de se démarquer apparaît en filigrane : chant partagés, formant des “dialogues”, petits bruitages tentant de rendre l’ensemble bizarre et inquiétant. Il y a des idées, mais il manque peut-être une transgression réelle et effective des règles. Ce qui rend malheureusement ce premier effort relativement inoffensif.

Chroniques

Ivan Neville

Scrape

Écrit par Enzo Porta

Sideman pour les Rolling Stones, Bonnie Raitt et les Spin Doctors, Ivan Neville est un multi instrumentiste qui a appris à bonne école. Son père était le chanteur des Neville Brothers, les pères du funk de la Nouvelle Orléans. Ses oncles ont fondé les Meters, groupe génial archi-samplé par les producteurs de hip hop… « Scrape » est le quatrième effort solo d’Ivan. Il était déjà sorti il y a deux ans sur le label de l’acteur Bruce Willis. N’ayant pas recueilli le succès escompté (à peine 1000 copies), Neville a décidé de le ressortir chez les anglais de Compendia. Il faut dire que Ivan a des invités de choix : Keith Richards, Bonnie Raitt, Aaron Neville ou encore Bobby Womack. Les styles abordés sont évidemment le funk, la soul (tout en réservant de multiples hommages à Marvin Gaye) mais aussi et surtout les ballades. Loin d’être de mauvaise facture, les morceaux sont plutôt classiquement efficaces et laissent apparaître tout le métier de notre homme. Malheureusement le son est trop léché accrocher à l’album. Un comble pour du funk, sensé être une musique brute de décoffrage. « Scrape » reste toutefois une plaque d’un niveau tout à fait honorable qui séduira plutôt les auditeurs de Classic Rock (la nouvelle chaîne radio du « colossal » Ysaye) que les fans des Meters.

Chroniques

John Nemeth

Come and get it

Écrit par Jean-Claude Mondo

John Nemeth nous vient de Boise, dans l'Idaho. Aujourd'hui installé sur la West Coast, il écume les scènes internationales depuis une bonne dizaine d'années ; notamment comme chanteur du groupe de Junior Watson. En 2002, il avait commis " The Jack of hearts", en compagnie des Jacks. Et d’ici la fin de l’année, il devrait sortir un album de jazz, flanqué du Frim Fram Four.

Il entame son nouvel opus par "She belongs to me", un titre composé par Magic Sam. Musicale et modulable, sa voix impressionne par l'étendue de son registre. L'accompagnement est sobre et solide. Et le premier à opérer une sortie n’est autre que le guitariste. En l’occurrence Junior Watson. Un invité de luxe ! La version du "Ain't too old" d'Al Simmons est très nerveuse. La voix purement R&B de John sort décidemment de l'ordinaire. Elle rappelle parfois celle de l’actuel chanteur harmoniciste de Roomful of Blues. Les musiciens sont bien en place. Et notamment Andy Cortens, au piano. Nemeth sort pour la première fois son harmonica. Une intervention très efficace et sans la moindre fioriture. "Come and get it" libère beaucoup de swing et de groove. Vance Ehlers à la basse et Jimmy Mulleniux aux drums, constituent une solide section rythmique. John est un excellent instrumentiste. Il se sent comme un poisson dans l’eau. Ses échanges opérés avec Junior Watson sur "Bring it on back home" sont de véritables régals pour les oreilles. D’une pureté rare et chargée de sensibilité, la voix de Watson introduit impérialement "What have I done wrong". Une compo imprimée sur un tempo lent, proche du swing de T-Bone Walker. Le "Romance without finance" de Charlie Parker évolue dans un registre très jazz, une plage qui démontre que notre artiste est à l'aise dans des styles bien différents. Nemeth nous réserve quelques compositions personnelles qui tiennent facilement la route. "I don't think I could", tout d’abord. Un fragment emmené avec beaucoup de légèreté par harmonica. Ce qui n’empêche pas la guitare et le piano de se manifester à l'avant-plan. Le rythme est enlevé. "Don't you talk" est un des sommets de l'album. Une superbe plage aux parfums des Caraïbes. La section rythmique et le piano de Cortens assurent à merveille. John sort son harmonica chromatique. Il en joue avec douceur, légèreté et inventivité. Une technique qui me rappelle parfois le regretté William Clarke. Le boogie de Nemeth s’inspire très fort du meilleur des 50s. Excellent harmoniciste, il bénéficie du concours d’un Watson en verve. L’échange est de haute volée. Percutante, la voix respire le rythme. Elle sonne comme un instrument. Et devient même magique, très en relief, sur le plus lent "Let me hold you". Un autre sommet de l’elpee ! Pour la circonstance, Junior Watson ne tient plus en place. Il prend un plaisir évident à jouer ; et quand ce monstre sacré se sent inspiré, il nous embarque pour un fameux voyage au coeur du blues. Acharné sur ses cordes, Watson arrive à nous arracher des larmes tout au long du nonchalant et brillant "Love in vain". John puise son inspiration dans la musique de Nouvelle Orléans pour interpréter "I'm gonna drop you". Proche des envolées rythmiques de Fats Domino, le piano d'Andy se déchaîne. Nemeth reprend d'ailleurs "Yes my darlin" du même Domino. Sous une forme très originale, proche de la country. La version du "Careless love" de W.C Handy accomplit une démarche semblable. Largement inspiré par la musique des 50s et des 60s, ce superbe album s’achève par "She's gona way but, she'll be back", caractérisé par une nouvelle performance vocale et instrumentale

Chroniques

Needle & The Pain Reaction

Obsessions of an Epic Womanizer

Écrit par Enzo Porta

Ce power trio gantois laisse un peu perplexe quant à son premier effort solo. On a droit ici à du pop rock comme on en entend souvent, énergique et toutes guitares en avant. Fort bien Justin, mais dans ces cas là il vaut mieux avoir de solides morceaux et un bon chanteur pour se lancer dans cette périlleuse formule. Et des bons morceaux, il y en a malheureusement fort peu. Quelques uns de niveau honorable comme « Guts » ou « Weasel » et leurs saveurs britpop. Plein d’autres remplis de clichés tellement usés (chœurs à la Pixies, solos de guitare à la pelle) qu’on se demande pourquoi les Needle s’y accrochent comme des acharnés. Situation d’autant plus étonnante quand on sait que le boss de Kinky Star et un musicien d’An Pierlé jouent dans ce groupe. Auto indulgence crasse ou suicide commercial ? L’ambiguïté subsiste, comme dans les paroles de « Minorities part2 » où l’ami Wim Deliveyne chante « don’t ever trust minorities, they’re scum and they’ll shit on you ». Racisme pour rire ? On ne le saura jamais, mais il paraît qu’Abouh Jahjah est sur le coup et qu’il projette d’envoyer une patrouille à Gand pour voir s’il n’y a pas là matière à manifester. La suite dans les pages faits divers de la DH.

Chroniques

The Nectarine N° 9

I love total destruction

Écrit par Bernard Dagnies

Pour enregistrer leur cinquième opus, cette formation écossaise (NDR : d’Edimbourg pour être plus précis), a reçu le concours du guitariste Malcolm Ross (Josef K, Orange Juice) et de Gareth Sager (The Pop Group) au piano et à la clarinette. Ce dernier avait déjà participé à la confection du précédent elpee, « Received transgressed and transmitted », paru en 2001. Nonobstant deux fragments qui s’égarent dans le reggae/dub, « I love total destruction » trempe dans la pop expérimentale. Expérimentale, mais toujours mélodique. Fruit d’un mélange subtil d’influences qui oscillent de Captain Beefheart (le désordre créatif) à Orange Juice (postacard oblige !), en passant par le Fall, Beck (lorsque la basse roule son groove), T Rex (les harmonies vocales glamoureuses du titre maître et d’« I am the sky), Supergrass (le très contagieux « Hanging around ») et Tortoise (dès que le post rock navigue aux confins du jazz et de l’électro). On y trouve même du garage (l’excellent « The end of definition »), quelques effluves jamaïcaines, un peu de free jazz (les drums surtout) et une forme de psychédélisme très personnelle. Bref, un elpee fort intéressant, original, auquel il y manque cependant un titre véritablement accrocheur pour mériter de décrocher un must…

Chroniques

The National

Cherry Tree

Écrit par Bernard Dagnies

Auteur d’un remarquable deuxième album fin de l’année dernière (« Sad songs for dirty lovers »), The National nous revient avec un EP 7 titres. Soit cinq nouvelles compositions et une version ‘live’ sauvage et décapante de « Murder me Rachel ». Fasciné par la poésie urbaine de New York, métropole au sein de laquelle la formation a élu domicile, cette formation mélange pop, rock et folk avec une redoutable efficacité. N’hésitant pas à passer du plus électrique au plus acoustique, du plus violent au plus tendre, du plus emphatique au plus minimaliste, du plus allègre au plus dramatique, pour nous communiquer leur spleen. A charge du baryton fatigué de Matt Berninger de canaliser toutes les émotions. Si vous appréciez Swans, Tindersticks et le défunt Triffids, vous ne pouvez passer à côté de The National !

Chroniques

Nina Nastasia

Dogs

Écrit par Grégory Escouflaire

Vu que tous les gens qui ont écouté « Run to Ruin » (2003) l’ont trouvé fantastique, Touch & Go réédite le premier album de Nina Nastasia, passé complètement inaperçu à l’époque de sa sortie. Egalement produit par Steve Albini, « Dogs » sonne plus lo-fi, plus dépouillé, mais n’en est pas moins d’une force et d’une profondeur impressionnantes. Nina Nastasia aurait pu être la nouvelle Chan Marshall, l’équivalent arty de Julie Doiron, la face sombre et cachée d’Hope Sandoval… A défaut, on la considérera pour ce qu’elle est : une grande songwriter, tout simplement (ou pas), qui possède un excellent sens de la mesure (« less is more », bref un peu de violon, de contrebasse, de batterie en sourdine). Il est temps de rendre justice à Nina Nastasia, sa classe, son talent, ses intonations troubles. En un mot : écoutez-la.

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Chroniques

Joe Nadeau

Burning sands

Écrit par Jean-Claude Mondo

Chanteur, guitariste et compositeur, Joe Nadeau est un musicien texan. Début des années 90, il rencontre un très jeune guitariste doué : Kenny Wayne Shepherd. A Dallas. Ce dernier devient alors son élève. Et lorsque l'élève commence à se forger une certaine réputation, il demande à l'enseignant de se joindre à sa formation. Joe Nadeau devient alors son guitariste rythmique. En tournée ; mais également lors de l’enregistrement des deux premiers elpees de Shepherd : "Ledbetter heights" en 95 et "Trouble is" en 97. Joe reprend alors sa liberté pour pouvoir interpréter ses chansons. Des chansons sur lesquelles il peut intégrer soul, folk, country, blues et rock. Signé par le label louisianais Louisiana Red Hot, il commet ce "Burning sands" en 2002. Un disque qui bénéficie du concours de Greg Archilla, personnage qui travailla pour Albert King, à la production.

Il se montre bon texan dès l'ouverture "Now she's mine". Un shuffle hanté par Stevie Ray Vaughan, sa première source d'inspiration. Non seulement Joe est un excellent compositeur, mais il dispose d’un bon organe vocal. Bien rythmé, "High cost of livin' low" est superbe. La guitare est gouailleuse. L'orgue Hammond de Derrick Jackson emprunte des accents à Memphis, Tennessee. La section rythmique exerce également parfaitement son rôle : Dave Smith à la basse et Yvette "Baby girl" Preyer aux drums. "Tell me what it's all about" est un rock'n'roll qui ne manque pas de punch. Le gamin Kenny Wayne est venu épauler son ami à la guitare, tandis que Jimmy Wallace se démène comme un beau diable sur son piano. Cet opus affiche une grande variété dans les styles. Jolie ballade avec chœurs féminins et guitares acoustiques, "Burning sands" nous rappelle les Stones. Le sens mélodique est très présent tout au long du brillant "Just another day". Une autre ballade R&B, alanguie, trempée dans le son majestueux de l'orgue Hammond. Largement cuivré, "The lovin' is right" est un autre shuffle. Le piano est bien animé. On se croirait en présence d’un Roomful of Blues en miniature. L’elpee recèle également quelques plages plus rockin' blues. Et je pense tout particulièrement à "Raise your right hand" et au boggie léger "It's on". En fin de parcours, l’éclectisme refait surface et se concrétise à travers la ballade "How it all went down", un blues lent bien électrique ; ainsi que le très bien rendu "I'll help you pack", fluidifié par l'indispensable orgue Hammond. Plage rock'n'roll, "What you do to me" achève cette oeuvre. Bien que ne se révélant pas d’une grande originalité, ce disque reste d’honnête facture.

Chroniques

Now It´s Overhead

Fall back open

Écrit par Jérôme Broucke

Les jeux olympiques viennent à peine de s’ouvrir qu’une première médaille d’or vient d’être décernée. Croyez le ou non, NIO nous vient tout droit d’Athens, mais en Georgie. Pour la petite histoire, une floppée de groupes émergent de cette partie des States. Allez savoir pourquoi ? Parmi eux, R.E.M. dont le leader vient prêter incognito sa voix sur ce “Fall back open”. Et il n’est pas le seul, puisque Conor Oberst de Bright Eyes, est également crédité de quelques parties vocales. Vous admettrez que comme parrainage, nous avons vu pire. De plus le mélomane perspicace aura certainement remarqué que cet opus relève de Saddle Creek, un label qui pourrait devenir le giron d’une musique droite dans ses bottes (et ses influences), en privilégiant émotion et/ou sensibilité. D’ailleurs, NIO sait se faire des amis : autour d’Andy LeMaster (comment voulez-vous ne pas avoir une carrière toute tracée lorsqu’on traîne un nom pareil ?), compositeur en chef, viennent graviter des musiciens à qui on ne la fait pas : David Barbe (ex bassiste chez Sugar et pote du légendaire leader d’Hüsker Dü, Bob Mould) ainsi que Maria et Orenda (Azure Ray, également signé chez Saddle Creek). Le quatuor est donc prêt à dominer (tout) le monde. Car ce croisement entre mélodies toutes droites sorties des 80’s (Depeche Mode surtout; The Cure un peu moins) trempées dans un climat qui flaire manifestement les 90’s (My Bloody Valentine, Spiritualized, Superchunk) synthétise près de 20 ans de musique et pourrait s’inscrire durablement dans l’histoire. En conclusion : à écouter de préférence avant le prochain Coldplay.

Chroniques

Fernando Noronha

Changes

Écrit par Jean-Claude Mondo

Issu de Porto Allegre, ce chanteur guitariste brésilien vient d’accomplir une tournée chez nous. Il est largement influencé par le blues rock texan, et notamment par Stevie Ray Vaughan. Depuis la formation de Black Soul, en janvier 95, il compte déjà plusieurs elpees à son actif : "Swamp blues" en 1996, "Heart full of blues" en 98, "Blues from hell" en 2000 (NDR : opus pour lequel il a reçu le concours de Ron Levy à l'orgue Hammond B3 et à la production) et "Live in Europe" en 2002 (NDR : un set immortalisé en automne 2001, au Gouden Leeuw de Dongen aux Pays-Bas). Fernando avoue s'inspirer de BB, Albert et Freddie King, Buddy Guy, Coco Montoya, Jeff Healey ainsi que Chris Duarte. Pour ce nouvel album, notre gratteur brésilien a reçu le concours du pianiste/organiste (NDR : un hammond, of course !) Luciano Leaes, du drummer Ronie Martinez et du bassiste Xico Pretto. Xico est également executive producer et manager ; mais plus que probablement le bailleur de fonds chez Black Soul. L'album a été produit et mixé par Chris Duarte depuis les studios de la School of Music d'Austin.

Dix des onze plages ont été écrites par Fernando. Black Soul s'embarque dans son trip texan dès "Nothing but love". Quelque peu brisée et passablement ravagée, la voix de Fernando passe bien dans ce type de répertoire. L'orgue Hammond B3 de Luciano est un élément indispensable au son de la formation. C'est la vieille guitare Stratocaster 1962 de Fernando qui occupe le centre de la scène. Il libère ses cordes sans pour autant en remettre une couche. L'empreinte de S.R.V. est scellée dès la seconde plage : "The hound". Principalement à cause de l’approche rythmique adoptée pour aborder ce shuffle. L'orgue reste bien présent pour colorer l’ensemble. La musique de Noronha est plus légère, manifeste bien moins de vécu et de groove que celle de son maître, mais l'approche assez mélodique de son expression sonore n'est certes pas désagréable à l’oreille. L’originalité du Brésilien procède de son souci à constamment maintenir dans son écriture un sens de la musicalité et de mélodie. Et "Driftin" est sans doute un des meilleurs exemples. Le jeu ne cherche pas à bouleverser par sa complexité, mais plutôt à s’inscrire dans un ensemble. Ici, tous les instruments font bloc. Fernando chante correctement "White trash", un slow blues classique. L'intervention sur les cordes est de bonne facture. Si le titre maître demeure dans la tonalité d'ensemble, Noronha s'inspire ici davantage de Jimi Hendrix. Son jeu est essentiellement focalisé sur les effets sonores produits par le recours aux diverses pédales, ainsi que sur le rythme même de cette composition. La formation de Porto Allegre se sent de plus en plus chez elle à Austin, et nous délivre un autre shuffle instrumental, "Pig foot". Ballade blues très personnelle, "Blues for Jimmy King" constitue un hommage au regretté Little Jimmy. Nouveau shuffle à la texane, "Love is just a gamble" déménage, alors qu’"On the road" flirte allègrement avec le funk. L’opus recèle une seule reprise : le "House of blues" d'Eric Gales (NDR : le frère de Jimmy King !). Typiquement rockin' blues, cette plage clôt ce "Changes", un album d’honnête facture commis par un artiste qui affiche live, une figure assez charismatique.

Chroniques

Stina Nordenstam

The World Is Saved

Écrit par Grégory Escouflaire

L’impression d’être perdu dans les bois, les doigts gelés et les pieds en compote. Au loin ricoche l’écho d’une voix fluette mais rassurante, parmi ce noir, ces épines, cette argile. Un ange ? Un fantôme ? La silhouette se faufile entre les arbres, tel un elfe apeuré qui n’aurait jamais vu d’hommes. Dans sa fuite, ses pas tintinnabulent : on dirait de la musique. On dirait celle de Tina Nordenskjöld : boisée, vaporeuse, parfois mutine mais aussi inquiétante. On l’écoute comme on lit un conte qui fait peur, même si on s’efforce de rire, pour se donner bonne contenance. Mais qui se cache derrière cette voix apparemment docile ? L’apparence : chez Tina Nordenskjöld tout est affaire de suggestion. Dans les films d’horreur, c’est ce qui donne le plus la chair de poule. « Cat. People », la Suédoise ? Ses griffes rétractées, on dirait qu’elle est câline… Mais sous ces mélodies fragiles, presque pop, se cache un univers bien plus obscur, ésotérique (la pochette/le jazz à la Garbure). Tina Nordenskjöld, égérie d’un monde spectral, aux contours flous, qui d’abord réconforte puis angoisse ? Si ce monde-là est sauvé, nous autres sommes en danger.

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