A quoi peut bien servir un nouveau disque d'Arno ? A nous faire plaisir tout simplement. Impossible de dire si " Charles Ernest " est meilleur ou moins bon que ses prédécesseurs. Mais c'est du Arno pur jus, jalonné de fanfares mélancoliques (Lola), de refrains à brailler dans les bars (" je veux nager ") et de rythmes maintenant le lien avec la période TC Matic. Arno reste le roi incontesté des mélanges les plus improbables entre le rock, le blues et la fête foraine ; entre le français, l'anglais et l'ostendais. S'il faut attribuer une touche négative à cet opus, disons que le bonhomme nous avait déjà paru plus inspiré dans ses reprises. Autant, il nous avait charmé en mettant au goût du jour Adamo, Caussimon ou Nougaro, autant cette fois sa version d'Elisa (Gainsbourg), même en duo avec Jane Birkin, n'apporte pas grand chose. Enfin, le pas grand chose d'Arno, beaucoup en ferait volontiers leur ordinaire…
Son vibrato suave et rieur en fait jalouser plus d'un (quel chanteur rasta peut se targuer d'avoir une voix si singulière ?), son sourire enfumé et son ouverture d'esprit lui ont permis de côtoyer les as du trip-hop : Massive Attack et leur Wild Bunch (à qui il doit une partie de sa renommée). Horace Andy est prophète en son pays, et grand ambassadeur de la ganja-attitude partout ailleurs. Son nouvel album, d'ailleurs, s'appelle " Mek It Burn ". Tout un programme qui sent le chanvre à des kilomètres (sur la pochette, Horace fume une grosse pipe fourrée à la " sensemilia " faite maison). On ne change pas une recette qui rapporte : chroniques urbaines sur basse rutilante de Robbie Shakespeare (" Johnny Awful "), odes chaloupées dans un bain d'effluves herbeuses (" Mek It Burn ", et tout le reste), reprises décontractées de standards reggae (" Horse With No Name " de Dewey Bunnell, " Night Nurse " de Gregory Isaacs, le plus célèbre des crooners jamaïcains),… Horace Andy ballade (en zig-zag) sa voix unique dans les méandres planants du ragga de Kingston (" Dancing Shoes ", bondissant). Depuis l'excellent " Skylarking " sorti en 1996 sur Melankolic (label de… Massive Attack), le rastaman continue son p'tit bout de chemin. Tranquille. Sans embûches (et sans surprises). Eh mec, t'as pas une dépanne ?
Tout plaquer en pleine gloire par refus des contraintes commerciales. Et revenir de longues années plus tard, toujours sans aucun souci des modes et du marketing. La démarche suscite la sympathie, l'a priori favorable. Mais ce n'est pas pour cela qu'il faut applaudir les disques de Dick Annegarn sans les écouter. Le plus Lillois des Hollandais n'est pas facile d'accès. A cause de sa voix et de sa prononciation si particulière. De ses penchants pour le jazz, la fanfare et, plus largement, toutes les instrumentations hors-normes. Pour pénétrer dans son univers, il faut donc des clés d'accès. La plus facile est l'humour : " Dans le puit du Puy de Dôme ". La plus partisane est l'engagement politique : dans " Patera ", Dick Annegarn fait une dénonciation poétique et piquante des passeurs de clandestins entre le Maroc et Gibraltar. La plus patiente, c'est tout simplement l'écoute de l'album, qui permet de s'habituer progressivement à ses étranges constructions, de découvrir leurs saveurs cachées…
Nouvel outil d'expression pour Duncan Patterson, ex-bassiste de Anathema, Antimatter célèbre le mariage, heureux et fécond, du gothique et du trip-hop. Du même coup, le groupe nous lègue ce 'Saviour', une des pépites de l'année, à l'esthétique très réussie. Préconisant l'économie des moyens autant que leur optimisation, le groupe génère des plages dépouillées, dont on peut idéalement savourer les ingrédients grâce à une production attentive et nuancée. Aucun exhibitionnisme donc, mais des plages plus séduisantes les unes que les autres, mélancoliques pour la plupart, toujours très élégantes, d'une beauté glacée et envoûtante à la fois. Les chanteuses (idéales, l'une d'elles évoquant celle d'Everything but the Girl) font office de maîtresses de cérémonie, échangeant parfois un dialogue avec une voix masculine. L'album s'écoute volontiers d'une traite, jusqu'à cette longue finale, très simple mais obsédante, qui étale sa langueur puis s'éteint lentement. Un CD hybride, original et succulent, comme un marron glacé qui fond dans la bouche.
Le nouvel opus d'Aston Villa célèbre le retour de Renaud Létang et de Franck Pilant (Manu Chao, Alain Souchon, Sergent Garcia), à la production. Un disque qui a reçu le concours de quelques collaborateurs réputés. Tout d'abord le percussionniste argentin Eduardo Tomassi. Hawkley Workman, ensuite. Préposé aux backing vocaux sur "Wah up my soul". Jean Fauque, le parolier de Bashung, également. Il signe le très beau " Prière ", une plage agitée par un tempo rumba et enrobée d'arrangements symphoniques somptueux. Des arrangements qui privilégient les cordes sur le titre maître, nonobstant son tempo new wave. Aston Villa ne néglige pas pour autant la technologie moderne. Evoluant constamment sur une boucle hypnotique, le vibrant " Distok " en est le plus bel exemple. Des éléments électroniques 'strange' parfaitement intégrés tout au long de l'opus. Les lyrics sont toujours aussi humoristiques et ironiques. Jeux de mots et collages de phrases continuent de s'articuler autour d'un véritable message. Et certains refrains, entonnés sous forme de slogans, en deviennent même hymniques. A l'instar du contagieux et allègre " Voiture française ". Mmais le groupe est également parvenu à élargir sa palette de chansons ; s'autorisant un rock canin, à travers le hit potentiel " Le chien " ( ?!?!?). Edictant une ballade à résonance métallique à travers " L'accident ". Et en final rendant hommage au cuisinier Pierre Gagnaire, chez " Slowfood ". Une lecture à plusieurs voix d'un de ses menus, à laquelle ont participé Jean-Louis Aubert, Zazie, Bashung, Reuno (chanteur de Lofofora), les Robins des Bois et l'inévitable Jean-Pierre Coffe. Excellent !
Au pays des songwriters qui font mouche, la Scandinavie fait partie désormais des valeurs sûres : Kings of Convenience, St Thomas, voire Royksopp (pour son électro plus proche des formats " chanson " que de Biosphere) et Lee Hazlewood (un Américain jadis en villégiature en Suède, comme en témoigne son " Cowboy in Sweden ")… Autant de jeunes (et moins jeunes) compositeurs qui allient le flegme nordique aux sonorités les plus sereines. Pensez à ce " Quiet is the new loud " érigé en manifeste par les Kings il y a plus d'un an, et que l'Angleterre s'est empressée de récupérer sous l'appellation moins poétique de " new acoustic movement "… Un retour aux sources de la guitare folk et country dont Kristofer Astrom semble être le nouvel ambassadeur (un de plus). Son " Northern Blues " fait en effet la part belle aux ambiances tristounettes, le spleen comme nouvelle arme de séduction et la libido scandinave sacrifiée au profit d'une langueur toute hivernale. Pas qu'il fasse froid chez Astrom : ses chansons parlent quand même d'amour (" All Lovers Hell ", " You Don't Know How Good You Are ", " She Loves Me ", " Connected "), mais d'amour déchu, raté, fini. " I hope you'll burn in hell ", lance-t-il par exemple à sa belle dans " How Can You Live With Yourself ? ". Astrom, bourreau des cœurs ? Sur " You Don't Know How Good You Are ", il tente pendant dix minutes de se faire pardonner… Peine perdue : la belle est partie. " I've been the lonely one since you've been gone " (" Years Since Yesterday ") : t'en fais pas, mon vieux, elle reviendra… La preuve avec " She Loves Me " et " Summer Version " en final de ce beau disque. L'été en Scandinavie, ça existe donc bel et bien ? Ouaip, et il paraît même que ça dure six mois. D'ici là, on espère qu'Astrom n'aura plus trop le " Northern Blues ", et que son disque continuera à rythmer nos saisons.
Après avoir rendu hommage à la musique du Moyen-Orient, et ne particulier à la culture égyptienne, à travers " Gedida " et " Ayeshteni ", Natacha a décidé d'explorer de nouveaux horizons sonores. Enregistré sous la houlette de Mark Eagleton, " Foretold in the language of dreams " se tourne ainsi vers la new age. Peu ou pas de rythmes sur ce disque, mais de l'ambient brumeuse, chatoyante, presque mystique, destinée à nous plonger dans un univers visionnaire, empreint de quiétude, parfumé d'ésotérisme et propice à la méditation. D'autant plus que les lyrics véhiculent, pour la plupart des messages philosophiques. Des messages chargés de poésie, inspirés par un livre de Gurdjieff, qui trait de la recherche de la connaissance et de la sagesse. Un bouquin qui avait d'ailleurs inspiré un film de Peter Brooks, tourné à la mi-seventies, et auquel Natacha fait également référence. Concept album, " Foretold in the lanquage of dreams " fait également allusion à l'écrivain brésilien Paolo Colho. Ce qui amplifie encore davantage l'esprit méditatif de cette œuvre. Qui émarge pourtant toujours bien à la world music. Car, Natacha chante en arabe, toujours de cette voix de rossignol, sur une musique ici davantage inspirée par l'Orient, voire l'Inde, que le Moyen-Orient. Pour enregistrer ce disque, elle a bien sûr reçu le concours de toute une panoplie de musiciens dont plusieurs émargent à ce courant " world ". Pour y jouer des instruments aussi insolites que le qanum (Abdullah Chdaleh), le zither, le fujura et le va-wu (Andrew Cronshaw), le sitar (Shima Muckerjee) ; sans oublier la collaboration de l'ensemble grec Avaton sur deux fragments. Quelques instrumentistes plus conventionnels ainsi que des computers, des samples et autres gadgets technologiques complétant le décor. Jamais, au cours de son existence, Natacha Atlas n'a autant frôlé l'univers du défunt Dead Can Dance. " Foretold in the language of dreams ": vous venez d'ouvrir un livre de songes…
Afin d'être concise mais précise, la critique de cet album pourrait se résumer en une phrase : les chants espagnols s'exportent assez mal, surtout enrobés dans un style punk rock… L'emploi du terme " espagnol " ne signifie pas que le groupe vient d'Espagne mais d'Argentine (NDR : attention les yeux !). Selon la bio, cet album est le couronnement de 14 ans de carrière et de 11 albums à succès (???). Donc, " Caña ! " est en fait un 'best of' et celui du plus grand groupe de punk-rock………argentin. Si cet album est leur 'best of', il ne vaut mieux pas écouter le reste, alors… Formé en 1987, Attaque 77 doit s'être forgé un nom en Argentine et même en Amérique du Sud (NDR : sinon je suppose qu'on ne les aurait pas laissé commettre 11 albums.). Honnêtement, je dois avouer ne jamais avoir entendu parler de cet ensemble. Mon système auditif ne possède peut-être pas une grande tolérance aux chants accordés dans la langue de Cervantès, mais j'ai rencontré d'énormes difficultés pour écouter ce disque d'une seule traite. Les arrangements musicaux sont brouillons ; on dirait même qu'ils ont été réalisés dans la précipitation. Le registre vocal est saccadé, haché, bref dérangeant. A contrario de Yesterday's Kids, Attaque 77 massacre le genre musical au sein duquel il cherche à évoluer. La mondialisation offre de bons côtés, c'est indéniable ; mais elle débouche également sur de mauvaises surprises…
Trois nouveaux titres d'Autechre, le duo choc du label Warp qui, une fois encore, ne fait pas dans la dentelle : rythmiques épileptiques, stridences synthétiques, beats tout de bruits et de fureur, plaisir démoniaque à triturer les sons et nos nerfs jusqu'à l'épuisement auditif (le tétanisant " Cap.IV "). Plus proches de leurs anciens travaux que de leur dernier album " Confield ", ces trois titres devraient plaire aux amateurs d'électro sans concessions, fans de Mego et de Mille Plateaux. Avec en prime trois clips conceptuels, dont l'un signé Chris Cunningham, l'enfant terrible de la vidéo à qui l'on doit déjà les horribles images de " Windowlicker " et de " Come To Daddy " d'Aphex Twin. Tout un programme !
Pourquoi Ash n'est-il toujours pas parvenu à accéder à la reconnaissance internationale ? C'est un véritable mystère. Car en 10 ans d'existence, le groupe irlandais a quand même commis un mini Cd, trois albums et une volée de singles dont les mélodies ravageuses, d'une efficacité redoutable, libèrent des giclées d'adrénaline totalement débridée. Dans un style punk/pop juvénile, un style inspiré à la fois par les Buzzcocks, le Wedding Present et les Smiths. Alors pourquoi un groupe présentant une telle carte de visite et capable de dispenser des sets live aussi réussis que décapants, ne parvient toujours pas à décrocher la timbale ? A cause de l'image, peut-être. Ou du manque d'intérêt que leur réserve la radio et la TV. Surtout lorsqu'on évolue dans l'univers de la britpop. Espérons que la sortie de leur single " Envy " et du clip qui lui est consacré permettra de débloquer cette situation. C'est tout le mal qu'on leur souhaite. En attendant, la bande à Tim Wheeler vient de sortir un recueil de leurs meilleurs singles. Dix-neuf en tout ! Depuis " Girls on Mars " à " Petrol ", en passant par " Goldfinger ", " Oh yeah ", " Kung Fu ", " Candy " et bien sur " Envy ". L'édition limitée est, en outre, accompagnée d'un deuxième disque réunissant vingt-deux faces B de leurs singles. Des titres qui auraient d'ailleurs mérité, pour la plupart, de figurer également en single.
Richard Ashcroft a beaucoup de choses à raconter. Sur la religion, Dieu, l'amour et la nature. Des thèmes spirituels et visionnaires qu'il communique en y injectant des sentiments de douleur, de passion et de désir. Et tout au long de " Human conditions ", il s'efforce de nous faire passer ses messages. De sa voix expressive, crépusculaire, profonde qu'il épanche sur une musique majestueuse, somptueuse, mais parfois aussi un peu pompeuse. Faut dire que pour les arrangements, il n'y pas été avec le dos de la cuiller. Orchestrations de cuivres et de cordes, piano, guitares et tout le Saint Tremblement participent à l'élaboration de cette trame sonore maximaliste (NDR : par opposition au minimalisme). Et sous la houlette de Wil Melone. C'est souvent remarquable. A l'instar du très beau et légèrement jazzyfiant (pour la six cordes !) " Check the meaning ", de " Bright lights ", fragment déchiré entre psychédélisme, métal et orientalisme, qui bénéficie du concours de Talvin Singh au tabla. Du crépusculaire " Paradise ", rappelant " Lucky man " de l'elpee " Urban hymns ". Du tourmenté, bluesy et confessionnel " Lord I've been trying ". Et du très pop et contagieux " Science of silence ". C'est moins évident sur le mystérieux " God in the numbers ", même si en fin de parcours, on retrouve le délire opulent des débuts de The Verve. Même remarque pour " Man on a mission ". Par contre le trop glacé " Running away " marche un peu trop sur les plates bandes du dernier Spiritualized, alors que " Buy it in bottles " s'abandonne dans le slow. Enfin, " Nature in the law ", qui bénéficie pourtant du concours de Brian Wilson des Beach Boys et de chœurs gospel, tombe presque dans l'easy listening ; un peu comme si on assistait à une interprétation de Neil Diamond sous mogadon… Pas un mauvais album donc, mais un peu trop mou à mon goût. Faudrait peut-être que Richard réapprenne à se faire violence, un peu comme à l'époque des premier pas de The Verve…
Michaël est originaire du Canada. Ce multi-guitariste est capable de jouer aussi bien de la guitare acoustique, du fiddle que du banjo; mais aussi de passer du kazoo au foot washboard. Cet opus nous invite à vivre un grand périple : voyage dans le temps (répertoire essentiellement pré-war blues mais avec des covers plus contemporaines), voyage dans l'espace (l'ensemble des plages nous permet de traverser différents Etats des U.S.A), et enfin un voyage dans les styles (cajun, delta blues, Piedmont blues, Texas blues, cajun et créole).
Mais tous ces voyages n'ont qu'un maître-mot : l'authenticité ! J.Brown revisite un ensemble de traditionnels dont deux sont chantés en français. Ce qui apparemment ne pose aucun problème pour ce Canadien forcement un peu french lorsqu'il exécute le créole "les plats tous mis sur la table" ou le cajun "la danse carrée / la belle Catherine". Et pas davantage, lorsqu'il propose avec beaucoup de bonheur des reprises qui ne trahissent pas les interprètes originaux. A l'instar du "Wartime blues" signé Blind Lemon Jefferson, du "You can't keep a good man down" de Jesse Fuller ou encore de "Green river blues" composé par Charlie Patton. Le "Saturday night rub" de Bill Broonzy devrait plaire à notre ami Elmore.D. Michaël ne se contente pas uniquement d'adapter des reprises classiques du pré-war blues. Il s'attaque également à "Manic depression" de Jimi Hendrix. J. Brown n'est pas seulement un bon guitariste ; c'est aussi un excellent chanteur. Cover surprenante et séduisante des Talking Heads, "This must be the place" confirme l'éclectisme de l'ensemble. La majorité des titres sont joués en solo ou en duo avec Jordan Officer, également à la guitare. Cependant, Browne a également le bon goût de s'entourer d'un groupe sur trois titres ; ce qui donne encore une autre couleur à cet opus. Ah, oui, j'allais oublier la reprise endiablée de l'incontournable "Boogie Chillen". Je le recommande à celles et ceux qui aiment le blues roots authentique, tant de l'époque des pionniers que des géants du delta ; d'autant plus que le confort du son est assez impressionnant. Un album très agréable qui devrait plaire aux amateurs de folk blues…
Mel Brown est né en 1939. A Jackson, dans le Mississippi. Il a grandi au sein d'un environnement familial bercé par la musique. Son père, John Henry ‘Bubba’ Henry, deviendra même une influence majeure pour Mel. Dès son plus jeune âge, il a le privilège de monter sur scène pour accompagner le prestigieux Sonny Boy Williamson. Fin des années 50, il émigre à Los Angeles pour y rejoindre le Johnny Otis Band, au sein duquel il jouera de nombreuses années. En 1968, il signe chez ABC. Il y commettra pas moins de six albums. Jusqu'en 1971. Il passe ensuite chez le Bobby Blue Bland Band. Et en 1983, il devient membre de l'Antone's, célèbre club house band d'Austin, au Texas. Une opportunité qui lui permettra d'accompagner Buddy Guy, Junior Wells, James Cotton, Snooky Pryor, Stevie Ray Vaughan et quelques autres… En 86, il entre chez les Icebreakers d'Albert Collins. Puis flanqué des Silent Partners, il commet l'elpee "If it's all night, it's all right". En 1989. Sur le label Antone's. L'année suivante, il s'installe au Canada. Il ne fera, cependant sa réapparition qu'en 1998. En participant à l'enregistrement de "Can't stop blowin", un opus de son ami Snooky Pryor. Qui paraît sur Electro-Fi. Il opère son retour en 1999. Toujours sur le même label. A travers le superbe "Neck bones & Caviar". Et en 2001, le duo Snooky et Mel se réunit de nouveau pour commettre "Double shot!".
Enregistré en public au Wally's Pub de Guelph dans l'Ontario, " Homewreckin' done live " se limite à un répertoire fort classique. Histoire de mettre son auditoire en poche. Mel est entouré de son band, les Homewreckers : John Lee aux claviers, Al Richardson à la basse, Jim Boudreau aux drums et David Wiffin au saxophone.
En guise d'hors-d'œuvre, il nous sert "Woke up this morning" de BB King. Tous les musiciens sont bien en place. L'ambiance relaxante. La guitare s'évade sans fioritures. Elle n'en fait pas trop. Faut dire que Mel est un musicien d'expérience. Il lève modestement le rythme pour embrayer par une version personnalisée de "Fanny Mae", caractérisée par un riff poussé par le sax. Le ton est au swing. La guitare navigue à un niveau très élevé. Un détour par Chicago se traduit par des canons du blues. Tout d'abord, le très lent et brûlant "The sky is crying". Une compo abordée dans un esprit très classique. "I'm your hoochie coochie man", ensuite. Un titre imprimé sur un tempo plus enlevé que d'ordinaire. Mel Brown attaque alors "I'll play the blues for you", un classique d'Albert King. Le premier solo est accordé par le très doué John Lee, avant que la guitare ne prenne son pied. "Honeybee" est une plage très réussie. Elle adopte un mode west coast, très swing. Le piano de John Lee virevolte dans tous les sens. La guitare opte pour un mode jazzy particulièrement passionnant. Mel se fend alors d'une version kilométrique du traditionnel "Hey Joe". Théâtre d'un long délire de guitares, capable de véhiculer un maximum d'émotions bien senties, elle s'étale sur plus de 12'. L'homme possède de la sensibilité à revendre. La guitare cède le relais au saxophone, sur une rythmique reggae, avant de libérer l'orgue. Le concert se termine par une version nerveuse du "Turn on your love light" de Deadric Malone. Une nouvelle jam de libération. Cet album n'est peut-être pas extraordinaire, mais cette musique ne peut que se goûter live. Lorsqu'il monte sur les planches Mel ne sait pas vraiment quel sera son répertoire. Tout dépend de l'attitude et de la réaction de son public. Une chose est sûre, les Homewreckers sont une excellente machine à jouer le blues.
Le phénomène néo acoustique prend une telle ampleur, qu'on va finir par ne plus y retrouver ses jeunes. Bromide appartient à ce mouvement. Un trio londonien drivé par un certain Simon Berridge. Il joue de l'harmonica (NDR : un peu à la manière de Neil Young), de la guitare sèche (NDR : pas comme Neil Young…) et chante (NDR : pas du tout comme Neil Young !). C'est d'ailleurs sa voix un peu limite qui fait tâche d'huile dans l'ensemble. Car les chansons ne manquent pas de charme. Enrichies tantôt d'un saxophone, d'un clavier, d'un piano, d'une contrebasse ou de samples, et balayées de percussions discrètes, elles manifestent un sens mélodique inspiré par… Belle & Sebastian. Pas les lyrics, cependant ; Bromide privilégiant plutôt des thèmes aussi futiles que le temps passé par les chats à ne rien faire… (NDR : c'était vraiment très intéressant !)
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