Mark Hummel est originaire de New Haven, dans le Connecticut. Après avoir opéré un crochet via Los Angeles, il s'est établi du côté de Berkeley. Où il vit depuis une trentaine d'années. Il a fréquenté successivement Mississippi Johnny Waters et Sonny Lane, avant de fonder ses Blues Survivors. En 1980. Cinq ans plus tard, il commet son 1er album : "Playing in your town". "Golden state blues" constitue plus que probablement son 8ème elpee solo. Il fait suite à "Lowdown to uptown", paru en 1998. Mark est ici bien entendu entouré de ses fidèles Blues Survivors : Steve Wolf à la basse, Marty Dodson aux drums et le guitariste Charles Wheal. Lors des sessions d'enregistrement, qui se sont déroulées dans les studios californiens de Pacifica, il a bénéficié de la collaboration de quelques amis ; en l'occurrence le réputé Steve Lucky aux claviers ainsi que John Firmin et Robb Sudduth aux saxophones.
En ouverture, toute l'équipe s'attaque avec un réel bonheur à "Beepin' on me", un instrumental qui laisse déjà éclater tout le talent de Mark. Même s'il a longtemps vécu en Californie, l'artiste puise son inspiration essentiellement du côté de Chicago ; et en particulier chez Muddy Waters, Little Walter et James Cotton. Pourtant, son style trempe bien dans la West Coast, tout de jump vêtu, pour attaquer "Honey Do woman". Il bénéficie de la collaboration de deux nouveaux invités, les guitaristes géniaux MM Rusty Zinn et Anson Funderburgh, pour interpréter ce fragment écrit par Sonny Rhodes. Tout est parfaitement en place. L'ambiance tout à fait relax. Anson le Texan est toujours au poste pour attaquer "Right back where I started", un blues lent, plus proche du Chicago classique. Lucky tapote ses ivoires pendant que Hummel dispense un solo hyper émouvant sur l'instrument chromatique. Beau à pleurer ! Rien n'est à jeter sur cet excellent album. La voix nasillarde de Mark lui colle bien à la peau. Elle est soutenue par le sax de John Firmin sur "Don't know what to do about you". Une plage rythmée sur laquelle Charles Wheal démontre tout son talent sur les six cordes. Tellement proche de l'univers personnel de Jimmy Reed, le rythmé "Please" marque un retour à Chicago. L'harmonica pousse dans les aigus pendant que Zinn et Funderburgh s'échangent des phrases sur ce thème familier. "Sometimes baby" est un slow blues brûlant, discrètement cuivré. Le jump et le swing bien californiens reviennent chez "Baby I'm mad with you", un titre qu'il interprète sur scène depuis vingt ans. Enlevé, "I don't know" lui va à ravir. La section rythmique est à la fois légère, sautillante et surtout efficace. Il adapte, d'une manière très personnelle le rocker "Linda Lu" de Ray Sharpe. Une version excellente au cours de laquelle tout s'emboîte tellement facilement. "Blue Jimmy" est un instrumental jazzy dédié à la mémoire de son ancien batteur, Jim Overton. Ce très bon album se clôture dans la joie, par un rock'n'roll vigoureux, dont le thème est inspiré par une gare traversée lors de de leur périple en Suède : "Stockholm train". Un titre qui redémarre en instrumental, après une vingtaine de secondes d'arrêt, sur un tempo infernal du chemin de fer! Mark Hummel ne chôme pas. Il vient d'organiser, au cours de ce mois de janvier, la douzième édition des fameux Blues Harp Blowouts! Un rendez-vous destiné à rameuter, sur la même scène, ses amis souffleurs. Pour la circonstance, James Cotton, Paul de Lay, James Harman, et un certain Junior Watson à la guitare ont répondu présent. Double Mark!
A contrario de revues comme 'Blues & Rhythm' et 'Juke Blues', 'Blues in Britain' constitue le mensuel anglais de blues qui milite en faveur de la scène locale. En fait, il a succédé à 'Blueprint', un magazine qui a porté haut et durant une décennie le flambeau du british blues. Au cours des dernières années, la revue nous a proposé une collection miroir de l'activité locale, une collection réservée aux seuls abonnés, et donc impossible à se procurer dans des points de vente habituels. Pour 2002, on y retrouve pas moins de vingt titres, exécutés par autant d'artistes différents ; la plupart peu ou pas connus. A travers un répertoire né d'un savant mélange du blues électrique et de l'acoustique. Modestement sous-titré "The best of British blues", l'opus débute par un des plus sérieux espoirs anglais : le chanteur pianiste et harmoniciste Dave "West" Weston. Issu du fameux Delta de la Tamise, il est le leader de ses Bluesonics mais aussi membre régulier des Big Town Playboys et des Blues Kings de Big Joe Louis. Il est sans doute l'harmoniciste anglais le plus talentueux. Avec Paul Lamb. Lui aussi inspiré par le 'west coast jump'. Son "I know what's going on" est tout à fait excellent. Son jeu sur l'harmo chromatique est saturé de swing. Son chant lui colle à la peau. Alimentée par la basse acoustique de Ian Jennings, la section rythmique est chargée de groove. Le Daniel Smith Blues Band assurait derrière Mojo Buford, au dernier Spring Blues d'Ecaussinnes. Sur ce "Fast train" il est soutenu par la guitare de Jon "T-Bone" Taylor et l'harmonica d'Alan Glen (ex-Nine Below Zero) ; un solide espoir du piano d'outre-Manche qui incarne ici le successeur des princes du boogie woogie. Les Customtones pratiquent un boogie blues d'honnête facture. Chez "Let's slide", le piano et la guitare passent bien la rampe, mais la voix n'est pas inoubliable! Flanqué de Chad Strentz au chant, un personnage qui fut longtemps le vocaliste des Kingsnakes de Paul Lamb et du guitariste Pete Farrugia, auteur d'un excellent solo, le Breakout Blues tire très bien son épingle du jeu sur "Drunk 'n' homeless". Drivée par le chanteur/harmoniciste Pete G Welland, Pete "G" & the Magnitones est une formation prometteuse. Ses deux guitaristes assurent dans la discrétion sur le relaxant "Big man blues". "Just enough" bénéficie du concours de Sonny Black à la guitare. Un instrumental au cours duquel Lee Badau concède un solo de sax très intéressant. Les Blackjacks évoluent dans un univers fort proche de Little Charlie & the Nightcats. Ils le démontrent tout au long de leur "Blackjack boogie". Etonnant ! Cliff Stocker et Slack Alice me rappellent le Doctor Feelgood du regretté Lee Brillaux. Côté acoustique et roots, trois plages sortent du lot. Tout d'abord "Hallowed ground". Si Guy Tortora y tire son épingle du jeu, ce fragment est traversé par l'accordéon de Charlie Hart, le chauve bien connu chez nous. Eddie Martin et son Acoustic Trio également. Chez "It's a mystery to me". Dino Coccia enfin. Pour un "Hey Renee" au cours duquel on retrouve le merveilleux Gordon Smith au chant et à la guitare. Sans oublier le duo vocal partagé entre Marcus Malone et Papa George. Ce dernier se réservant, en outre, le dobro. Leur "Take it to heart" est tout à fait bouleversant. Cette très bonne collection s'achève par "Blues mag blues" (!!), un instrumental magique, un voyage au cœur du Delta, sur lequel on retrouve Chris Rea à la slide. En fait un fond de tiroir inédit issu des sessions d'enregistrement de son dernier album, "Stony road".
John Adam Estes est un bluesman mythique, réputé et connu de tout esthète confirmé du blues. Il est né en 1899 à Brownsville, dans le Tennessee. Il avait perdu un œil au cours de sa jeunesse et est devenu complètement aveugle en 1949. Sa vie d'artiste a cependant été bien remplie, et ce jusqu'à son décès en 1977. Pourtant, à sa mort, il était dans un tel état de dénuement que ses funérailles durent être payées par souscription. Il a beaucoup enregistré : depuis ses débuts en 1929 pour Victor, et puis successivement chez Decca, Bluebird, Sun et Delmark.
Cet album est historique, car il n'a jamais été édité. John était passé, durant l'été 1964, au célèbre Newport Folk Festival. Des séances en studio ont été programmées suite à ce passage. Elles datent du 28 juillet de la même année. Cet album vaut aussi par la présence de ses deux fidèles amis, Yank Rachell et Hammie Nixon. Né en 1910, Yank a joué chez Beale Street avec Sleepy John. Multi-instrumentiste, il était surtout réputé pour son adresse à la mandoline. Il nous a quittés en 1997. Hammie Nixon était également originaire de Brownsville, où il avait vu le jour en 1908. Un remarquable harmoniciste qui a également disparu en 1984.
John ouvre l'opus par "Special agent". Un titre qu'il avait déjà enregistré ; mais sur un 78 tours ! Chez Decca, en 1938. Yank rejoint John et Hammie dès "Wadie green blues". Renforcée par l'harmonica lumineux, l'alchimie guitare et mandoline fonctionne instantanément. Le jeu superbe de Hammie Nixon est sans doute l'élément clef de cet album. Personnellement, c'est même une révélation ! Certaines sonorités atmosphériques balaient "Up & down", une espèce de blues scatologique au cours duquel la mandoline se libère. L'album offre une solide tranche de blues pur. Un folk blues qui ne suscite jamais l'ennui. Depuis le singulier "Need more blues" à "Newport blues", dominé par le brio de Nixon, en passant par "80 Highway", un superbe bues lent que Sleepy John chante avec une passion débordante, "NYC Breakdown" au cours duquel Estes et Nixon s'échangent des phrases vocales sur le mode du dialogue et "Worried mind blues". En fin d'album, Yank Rachell s'assied au piano. Il laisse d'abord Hammie Nixon chanter d'une voix chaude et rassurante, "Poor mother's child" ; avant de prendre le relais vocal pour interpréter "New doorbell blues". Un excellent album de downhome blues !
Exit le claviériste/guitariste Steven Taylor, Sixteen Horsepower est donc réduit aujourd'hui à un trio : Pascal Humbert, Jean-Yves Tola et David Eugène Edwards. Dans ces conditions, vous vous doutez bien que l'électricité à été réduite à s plus simple expression, et que la guitare et les claviers sont devenus les parents pauvres de la musique du groupe. Et vous n'avez pas tout à fait tort. Surtout tout au long de ce quatrième album. Un disque noir. La pochette est noire. Le booklet. Et le reste aussi. Bref, on ne rigole pas beaucoup tout au long de cet elpee. Un disque qui recèle 6 compositions de musique traditionnelle (hongroise, américaine, etc.) et 4 nouvelles chansons. Mais franchement, on ne voit guère la différence, tant le climat, alimenté par un violon acéré, un violoncelle grinçant, un harmonica spectral, un xylophone squelettique, un orgue pieux, un accordéon cajun, un banjo viscéral, quelques drums feutrés et des arrangements contemporains, est ténébreux, pour ne pas dire sinistre. A un tel point qu'au fil de l'écoute, une profonde mélancolie commence à vous envahir. Et ce n'est pas la voix lugubre de David qui va arranger les choses. David pose pourtant des questions. Auxquelles " Sinnerman " semble donner une réponse. Mais pour le reste, " Folklore " constitue un nouveau chapitre du 'Livre des révélations' qu'Edwards semble prendre un malin plaisir à écrire, sous un ciel de mauvaise augure. Brrrr…
Découvert par Bertrand Cantat de Noir Désir, alors qu'il traînait dans le métro parisien, Akosh nous revient avec " Lenne ", un album de free jazz clairement orienté " world ". Installé depuis peu au cœur d'un certain conformisme musical, ce saxophoniste d'origine hongroise continue donc son petit bonhomme de chemin, mais surtout mérite qu'on jette une oreille sur son oeuvre, surtout ses précédents travaux. Par rapport à ceux-ci, " Lenne " correspond davantage à une prestation live, scène où notre saxophoniste se dévoile sous ses meilleurs jours. N'empêche que ce dernier album peut royalement servir d'entrée en matière à cet univers tourmenté, proche des parties de saxe entendues lors de la projection de " Lost Highway " de David Lynch.
J'ignore si cette formation texane (NDR : d'Austin très exactement) cherche à figurer dans le Guiness book pour la longueur de son patronyme ; mais une chose est sûre, elle est réputée pour ses prestations live dévastatrices. Que vous supposez sans doute taillées dans le punk. Oui, mais un punk yankee. A la fois expérimental, viscéral, menaçant, implacable et tentaculaire. Un peu comme le pratiquait Sonic Youth, il y a près de quinze ans. D'ailleurs, Sonic Youth est probablement une des influences majeures chez A.Y.W.K.U.B.T.T.O.D. ; et en particulier l'album " Daydream nation " (NDR : paru en 1988). Heureusement, le groupe ne se contente pas de marcher sur les traces de son maître spirituel. Il a aussi le bon goût d'élargir son horizon sonore. Et c'est le cas sur leur nouvel opus, " Source tags & codes ". A la new wave, tout d'abord. Rien que pour le tempo imprimé tout au long de " Another morning stoner ". D'une manière plus évidente chez " Baudelaire " et " Life is elsewhere ". A cause de ce sens mélodique ténébreux, dramatique, emphatique, si bien maîtrisé par feu Adrian Borland, lorsqu'ils'était encore à la t^te du Sound. Et si " It was there that I saw you " navigue quelque part entre U2 circa " Boy " et Hüsker Dü, l'excellent titre maître est tellement riche et contagieux qu'il aurait pu relever du répertoire d'un Built To Spill voire du défunt Cell. A contrario, il est vrai qu'" Homage " épouse plutôt le hardcore d'un Fugazi. Mais c'est plutôt l'exception qui confirme la règle. Et si le combo a recours à la technologie moderne, c'est avant tout pour entrelacer les 13 fragments de l'opus, un peu comme s'il avait voulu accomplir un concept album. Une bonne surprise !
Alfie nous vient de Manchester. Un quintette qui parvient à filtrer une multitude de styles musicaux (house, psychédélisme, pop, jazz, funk, prog, hip hop, etc.), pour en extraire un néo folk cotonneux, pastoral, candide, mais bourré de charme. Une solution sonore caressée par des harmonies vocales particulièrement soignées. Un peu comme chez Gomez, mais sans le timbre rocailleux de Ben Ottewell. Mieux encore, le titre maître conjugue ces harmonies comme chez Crosby, Stills & Nash. Flanqué de connotations médiévales, le dernier fragment de l'opus, " The lighthouse keeper ", intègre même voix et contre voix dans un style sinusoïdal, fort proche de Gentle Giant. Plus atmosphérique encore, à cause des claviers ouatés, " Rain, heaven, hail " flirte même avec la prog la plus paisible du Genesis de l'Archange Gabriel. Le reste de l'opus épouse cependant une forme moins revivaliste. " Not half " transite ainsi du flamenco à la valse, en passant par le dixieland. " Bends for 72 miles " adopte un groove scally, sur un lit de cordes de guitare gémissantes. " The reverse midas touch " évolue sur un mode quasi funk et " Halfway home " sur une ligne mélodique sinueuse. Mais le morceau le plus original, pour ne pas dire insolite, nous vient de " Me and mine ". Une plage au cours de laquelle, un des musiciens souffle avec beaucoup de talent… dans des bouteilles. Bref, un disque qui ne manque pas de charme, mais parfois de punch. C'est surtout là que le bât blesse…
En 27 minutes et quelques secondes, ces quatre filles de Portland nous parlent de leurs amourettes (" Canadian Boyfriend ", " Later Operator "), de leur permanente (" Cut Your Hair "), bref de leurs petites vies de provinciales white trash passées devant le miroir de la salle de bain à imiter les Bangles, voire Papas Fritas. Difficile d'affirmer qu'il y a du second degré derrière ces courtes saynètes noisy-pop, mais une chose est sûre : c'est frais, c'est gai, c'est rondement mené. Si Phil Spector commençait sa carrière de grand producteur aujourd'hui, sûr qu'il choisirait ces quatre petites teigneuses comme ambassadrices rock de son " wall of sound ". Pour l'épauler aux " lyrics ", Jonathan Richman ferait bien l'affaire, sans oublier Courtney Love, toujours bonne conseillère juridique… All Girl Summer Fun Band : des filles, du fun, du soleil. C'est presque le " Sea, Sex and Sun " de Gainsbourg, bref c'est parfait comme bande-son de l'été.
Déjà, " Cold Water Music " impressionnait : ces rythmiques hip hop passées au crible d'une soul lancinante, ces beats cotonneux allongés sur un tapis de cordes en velours, ces voix frémissantes et canailles, ces atmosphères embuées de fin de soirées,… Avec ce superbe album, Andy Turner, petit protégé du label de Rae and Christian, renvoyait tous les apprentis serveurs du Buddha Bar à leur vaisselle sale. Aujourd'hui, la lounge est partout, du magasin de fripes rue Neuve au resto ‘branché’ pour adolescents fans de Saint-Germain. Aim, pourtant, n'a rien à voir avec ces loqueteux pseudo-bouddhistes (Claude Challe en tête) qui mixent Nusrat Fateh Ali Khan sur un fond trance Goa de la pire espèce (un scandale). Il est vrai que l'une de ses plus belles compositions, " Cold Water Music ", s'est retrouvée sur des compiles " Lounge Classic vol. 3 ", entre tonton Jarre repris par Ravi Shankar et le jingle du Bigdil remixé dub par Daddy DJ. Mais c'est sans doute une grossière erreur de sa part, rachetée haut la main par la qualité de ce deuxième album qu'il nous livre dans son écrin magnifique. Car " Hinterland " brille de milles feux, aidé en cela par les interventions de Kate Rogers (déjà présente sur " Cold Water Music ", avec le sublime Sail), Stephen Jones (de Baby Bird, ici en surprenant crooner), les rappeurs de Souls of Mischief et Diamond D. Chef-d'œuvre de hip hop baroque et de soul blanche voluptueuse, " Hinterland " prend aux tripes et laisse pantois d'admiration. Et même s'il ressemble fort au premier, laissant de côté toute surprise (si ce n'est le très wilsonien " A Twilight Zone ", chanté par Turner lui-même, en digne élève du maître Bacharach), " Hinterland " demeure une très grande réussite dans le genre. Aim, on t'aime.
Contrairement au titre, cet album n'est pas très sérieux, et encore moins de haute fidélité : A n'est qu'un groupe de nu-métal de plus, à ranger sur l'étagère à côté de Blink 182 et de Sum 41… Pourtant, les poseurs-skateurs de A n'en sont pas à leur premier essai. Ils comptent même déjà deux albums à leur actif : " How Ace Are Buildings " et " Monkey Kong " ; et leurs pantalons baggy rapiécés aux genoux à cause de leurs trop nombreuses chutes les feraient presque passer pour de vieux lascars de la cause punk-métal-hardcore,. Mais cette fois-ci, la fin du tunnel semble proche : leur premier single, Nothing, cartonne sur les " college radios ", profitant du regain de popularité du rock US chez les jeunes en culottes courtes. C'est tant mieux pour A, dont on vante justement l'origine anglaise (" A, la réponse aux groupes amerloques ", etc.), mais ce n'est en rien une réponse - encore moins une alternative - aux Blink 182 de chez l'Oncle Sam. Non : c'est du pareil au même. Parfois cela ressemble à du Feeder survitaminé qui imiterait la voix de Sting (en plus braillard), mais quand même, c'est assez tannant.
Add N To (X), ou le rétro-futurisme en pleine ébullition. Quelques synthés analogiques, un theremin, des vocodeurs, de vieux machins électroniques d'avant la révolution industrielle, bref plein de boutons qui font un bruit d'enfer, genre distorsions, reverbs, et tout le toutim. Une nouveauté : des guitares abrasives, de plus en plus de voix et de vrais refrains, une vraie batterie, métronomique. C'est que le quatrième album de ces Anglais détraqués, " Loud Like Nature ", lorgne méchamment du côté du rock'n'roll, mais d'un rock mutant, qui serait né des expériences fantasques d'un Dr Frankenstein sous ecstasy. " Sheez Mine ", " Large Number " ou " Take Me To Your Leader " révèlent ainsi une nouvelle dimension du trio londonien, plus garage, plus immédiate, comme si Kraftwerk avait changé sa panoplie de costumes robotiques contre l'intégrale des Stooges et de Funkadelic. Enfiévré et dévastateur, " Loud Like Nature " pète toujours un câble, certes, mais sans foutre constamment le bordel, comme c'était le cas, par exemple, avec " Avant Hard ". Il en résulte un album abouti (et embouti), composé de vraies chansons qui swinguent et qui giclent, pleines de Moog, de sexe, et, oui, de rock'n'roll. On pensait voir Add N To (X) disparaître aussi rapidement qu'il était apparu sur le devant de la scène, porté par une branchitude caustique qui voyait en ces musiciens fous des bêtes de foire et de laboratoire. Pas de bol : ces Londoniens sont vraiment doués. " Loud Like Nature " : à écouter, de fait, ‘at maximum volume’.
Ils sont trois. Ils jouent du didgeridoo, du saxo et du tambour, et leur musique est franchement nauséabonde. Oser reprendre John Coltrane et Charlie Mingus en soufflant dans un tronc d'eucalyptus évidé par les termites, c'est non seulement une atteinte insoutenable à deux des plus grands génies qu'a connu le jazz, mais c'est aussi franchement laid. Passe encore pour des morceaux traditionnels bretons et bulgares, mais ici, c'est impardonnable. Quand David Bowie reprend le Grand Jacques ou quand Nick Cave s'amuse avec le " Disco 2000 " de Pulp (rebaptisé pour l'occasion " Disco 2002 "), c'est beau, émouvant, amusant aussi. Quand on se tape des bruits de succion de grosses branches d'arbres pendant dix minutes, c'est nettement moins passionnant.
Les Bordelais d'Aeroflot affichent un goût certain pour les mignardises électro-kitsch à la Add (N) To X : vieilles machines qui toussent, les synthés qui rotent, les voix moulinées au vocoder, les dialogues de film sans queue ni tête,… La musique d'Aeroflot suinte de partout. Mais il est difficile de la sauver du naufrage. Pourtant, leur électro-rock mutant peut s'avérer cocasse, comme ce " Bacon Con Gueso " plutôt trivial, à l'écoute duquel on se fait tout un film… Genre Grease, mais avec Alan Vega à la place de John Travolta. Le reste est à l'avenant, vintage en tout cas. En fin de compte, cet " Especial " n'a rien de très spécial.
Alliant allègrement influences lyriques, classiques, métal et progressives, After Forever vient d'enfanter une deuxième œuvre qui restera à jamais gravée dans l'histoire du métal gothique. Bien sûr, on évolue en terrain connu, et les Therion, Within Temptation ou même Lacrimosa ne sont pas loin ; mais le groupe hollandais s'écarte du conformisme en alternant les ambiances dans une formule superbement maîtrisée. Illuminée par la jolie voix de sa non moins charismatique chanteuse Floor Janssen, la musique des bataves remplit l'auditeur d'émotion ; et la fleur de Hollande sait se muer tantôt en sirène, tantôt en chanteuse soprano d'une très grande classe. Son frère Mark Jansen apparaît gutturalement sur quelques titres. Les mélodies ensorcelantes se font plus fortes encore lorsqu'un quatuor à cordes (violon, violoncelles et alto) intervient pour soutenir cinq choristes. Ambiances orientales, folk et baroques se mêlent aux sonorités heavy, donnant à l'ensemble une impression de puissance aux mélodies qui brillent sans esbroufe et autres interventions pompeuses. Chaque chanson a son orchestration, chaque instrument a un son pour chaque chanson, bref After Forever n'a pas fait dans la facilité. Une initiative à saluer, d'autant plus qu'il s'agit là seulement du deuxième effort du groupe du pays du fromage et des tulipes. Pour les collectionneurs, sachez qu'il existe une version vinyl picture disc pressée à mille exemplaires seulement ! L'objet est absolument sublime, mais il n'y en aura pas pour tout le monde !
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