Mel Brown est né en 1939. A Jackson, dans le Mississippi. Il a grandi au sein d'un environnement familial bercé par la musique. Son père, John Henry ‘Bubba’ Henry, deviendra même une influence majeure pour Mel. Dès son plus jeune âge, il a le privilège de monter sur scène pour accompagner le prestigieux Sonny Boy Williamson. Fin des années 50, il émigre à Los Angeles pour y rejoindre le Johnny Otis Band, au sein duquel il jouera de nombreuses années. En 1968, il signe chez ABC. Il y commettra pas moins de six albums. Jusqu'en 1971. Il passe ensuite chez le Bobby Blue Bland Band. Et en 1983, il devient membre de l'Antone's, célèbre club house band d'Austin, au Texas. Une opportunité qui lui permettra d'accompagner Buddy Guy, Junior Wells, James Cotton, Snooky Pryor, Stevie Ray Vaughan et quelques autres… En 86, il entre chez les Icebreakers d'Albert Collins. Puis flanqué des Silent Partners, il commet l'elpee "If it's all night, it's all right". En 1989. Sur le label Antone's. L'année suivante, il s'installe au Canada. Il ne fera, cependant sa réapparition qu'en 1998. En participant à l'enregistrement de "Can't stop blowin", un opus de son ami Snooky Pryor. Qui paraît sur Electro-Fi. Il opère son retour en 1999. Toujours sur le même label. A travers le superbe "Neck bones & Caviar". Et en 2001, le duo Snooky et Mel se réunit de nouveau pour commettre "Double shot!".
Enregistré en public au Wally's Pub de Guelph dans l'Ontario, " Homewreckin' done live " se limite à un répertoire fort classique. Histoire de mettre son auditoire en poche. Mel est entouré de son band, les Homewreckers : John Lee aux claviers, Al Richardson à la basse, Jim Boudreau aux drums et David Wiffin au saxophone.
En guise d'hors-d'œuvre, il nous sert "Woke up this morning" de BB King. Tous les musiciens sont bien en place. L'ambiance relaxante. La guitare s'évade sans fioritures. Elle n'en fait pas trop. Faut dire que Mel est un musicien d'expérience. Il lève modestement le rythme pour embrayer par une version personnalisée de "Fanny Mae", caractérisée par un riff poussé par le sax. Le ton est au swing. La guitare navigue à un niveau très élevé. Un détour par Chicago se traduit par des canons du blues. Tout d'abord, le très lent et brûlant "The sky is crying". Une compo abordée dans un esprit très classique. "I'm your hoochie coochie man", ensuite. Un titre imprimé sur un tempo plus enlevé que d'ordinaire. Mel Brown attaque alors "I'll play the blues for you", un classique d'Albert King. Le premier solo est accordé par le très doué John Lee, avant que la guitare ne prenne son pied. "Honeybee" est une plage très réussie. Elle adopte un mode west coast, très swing. Le piano de John Lee virevolte dans tous les sens. La guitare opte pour un mode jazzy particulièrement passionnant. Mel se fend alors d'une version kilométrique du traditionnel "Hey Joe". Théâtre d'un long délire de guitares, capable de véhiculer un maximum d'émotions bien senties, elle s'étale sur plus de 12'. L'homme possède de la sensibilité à revendre. La guitare cède le relais au saxophone, sur une rythmique reggae, avant de libérer l'orgue. Le concert se termine par une version nerveuse du "Turn on your love light" de Deadric Malone. Une nouvelle jam de libération. Cet album n'est peut-être pas extraordinaire, mais cette musique ne peut que se goûter live. Lorsqu'il monte sur les planches Mel ne sait pas vraiment quel sera son répertoire. Tout dépend de l'attitude et de la réaction de son public. Une chose est sûre, les Homewreckers sont une excellente machine à jouer le blues.
Le phénomène néo acoustique prend une telle ampleur, qu'on va finir par ne plus y retrouver ses jeunes. Bromide appartient à ce mouvement. Un trio londonien drivé par un certain Simon Berridge. Il joue de l'harmonica (NDR : un peu à la manière de Neil Young), de la guitare sèche (NDR : pas comme Neil Young…) et chante (NDR : pas du tout comme Neil Young !). C'est d'ailleurs sa voix un peu limite qui fait tâche d'huile dans l'ensemble. Car les chansons ne manquent pas de charme. Enrichies tantôt d'un saxophone, d'un clavier, d'un piano, d'une contrebasse ou de samples, et balayées de percussions discrètes, elles manifestent un sens mélodique inspiré par… Belle & Sebastian. Pas les lyrics, cependant ; Bromide privilégiant plutôt des thèmes aussi futiles que le temps passé par les chats à ne rien faire… (NDR : c'était vraiment très intéressant !)
Ex-Codeine et toujours impliqué chez Come en compagnie de Thalia Zedek, Chris Brokaw vient d'enregistrer son premier album solo. Et difficile de faire plus solitaire, car il y joue de tous les instruments : la guitare électrique (y compris les pédales, le feedback et tout le Saint Tremblement), acoustique (parfois même flamenco), les drums, les percus et même le xylophone. Pas le chant. Tout simplement parce que cet opus est exclusivement instrumental. Un disque découpé en 14 titres qui oscillent du post rock au faux free jazz, en passant par le western spaghetti et le psychédélisme glacé. Mais également de l'atmosphérique à l'audacieux en passant par l'allègre et le douloureux. Un peu comme si l'univers sonore était à la fois hanté par Calexico, Pinetop Seven, Giant Sand, Tom Verlaine et la dernière mouture du Savage Republic (NDR : mais sans les voix !). En fait, Chris opère tout au long de cette œuvre, la fusion de toutes ses expériences musicales. Trois titres vont même au delà. Le sauvage " King Ferdinand " et le crazyhorsien " Shadows ", tout d'abord. Deux fragments au cours desquels l'électricité se conjugue à merveille avec le xylophone. Et puis les 10'38 de l'atmosphérique et bouleversant " The fields (partII) ", un fragment qui célèbre une hypothétique rencontre entre Mogwai et le Red House Painters. Excellent !
Quatrième album pour Conor Oberst, alias Bright Eyes; et le moins que l'on puisse dire, c'est que les expériences qu'il a menées en compagnie d'Olivia Tremor Control, d'Ambulance et surtout de Desaparecidos lui ont ouvert de nouvelles perspectives sonores. Bien sûr, plusieurs fragments de cet opus sont taillés dans la lo fi la plus dépouillée. A l'instar du premier morceau, " Big picture ", qui attend près de 9 minutes avant de se libérer. Neuf minutes d'un long gémissement latent, capricieux, souligné d'un grattage acoustique discordant. " Laura Laurent ", ensuite. Même si en bout de course, il est rejoint par quelques soûlards invités à assumer les chœurs. Et enfin le final, " Let's not shit ourselves " ; une chanson vaguement country de plus de dix minutes. Mais le plus intéressant procède de ses compositions les plus élaborées, les plus agitées. Et je pense tout particulièrement à " Method activity ", un fragment qui capture la douleur de l'émotion, à la manière névrotique du Cure de " Three imaginary boys ". Un climat cold qu'on retrouve sur le superbe " Lover I don't have to love ", une chanson hymnique qui aurait pu naître de la collaboration entre Robert Smith (circa " 17 seconds ") et Lou Barlow (Sebadoh). Tout aussi remarquable mais plus ténébreux encore, " Don't know when, but a day is gonna come " se consume lentement avant d'éclater dans un déluge de cordes et de guitares. La lo fi de Bright Eyes peut se faire également complexe et agitée, à l'instar de " Waste of paint " ; ou encore emprunter le rythme d'une valse languissante. Comme sur " False advertising ". A moins quelle n'épouse un ton désespéré, plus introspectif, emprunté plus que probablement à Will Oldham. Mais cette démarche est beaucoup plus habituelle pour Orberst, car plus proche du style qu'il avait adopté sur ses elpees précédents…
Putain, près de 7 ans à l'attendre cette plaque ! Pour pénétrer dans le monde de Brick Layer Cake, laissez surtout votre morale et vos tabous au vestiaire. Car cette expérience est opérée hors des limites, hors de la normalité. Projet d'un seul homme (Todd Trainer, batteur de Shellac), BLC nous (en)traîne dans les recoins les plus sombres de l'âme humaine. Au programme : 'sex, drugs and rock n' roll'… Avec pour toile de fond la grande faucheuse. Uniquement articulés autour de la voix de Trainer, dont le débit est d'une lenteur inouïe, et le timbre d'une perversité et d'une lubricité rarement atteintes, ces 8 titres épuisent. Parce que à la fois suaves et suintants de toutes les douleurs de la terre, de toute la haine du maître de maison. La guitare, hypnotique, étouffe l'espace de microbulles immobiles; la batterie, lorsqu'elle n'est pas carrément absente, marque le pas, cadence le titre au rythme moyen de 6BPM. Laissant rarement insensible, Brick Layer Cake demeure passionnant, Trainer reprenant les choses là où ils les avaient laissées : à mi-chemin entre l'espoir d'un jour meilleur et la gerbe d'un lendemain de grosse fête. Quoique la balance penche quand même… Encore !
En 1994, les Breeders commettaient " The last splash ", un disque sur lequel figurait le remarquable single " Cannonball ". Ce fût le chant du cygne… Depuis, la formation a connu une véritable traversée du désert. Déjà que Tanya Donnelly etait partie fonder Belly, avant d'entamer une carrière solo ; mais les expériences respectives des sœurs Kelley n'ont guère été couronnées de succès. Ni Kim à la tête de Kelley Deal 6000, ni Kim chez les Amps. Sans oublier la cure de désintoxication que Kelley a dû suivre pour se débarrasser de son héroïnomanie. Bref, plus personne n'aurait osé parier un dollar sur le futur des Breeders. Et puis, en été 1999, les jumelles ont décidé de retourner en studio. Sans Tanya, bien évidemment. Mais aussi sans Josephine Wiggs et Shannon Doughton. Des sessions qui allaient déboucher sur la promesse de l'enregistrement d'un nouvel opus. Suffisait de retrouver des musiciens pour les accompagner. Le guitariste Richard Presley, le bassiste Mando Lopez et le drummer Andrew Jaimez, membres du groupe punk californien Fear, ont répondu favorablement à la proposition, même si Andrew sera rapidement remplacé par un autre ami de Los Angeles, Jose Mendeles. Et tout ce petit monde est retourné en studio sous la houlette de Steve Albini pour enregistrer ce " Tittle K ". Un disque ténébreux, parfois même sinistre, qui m'a franchement laissé sur ma faim. D'abord, l'absence de Tanya fait cruellement défaut. En particulier la sensibilité romantique qu'elle était capable d'injecter dans les mélodies. Enfin, le son est terne, aride, glacial. Même le 'pixiesque' " Full on idle ", la ballade " Off you " et le poppy " Forced to drive " ne parviennent pas à s'extraire de cette morosité ambiante. Flanquée du groupe, Kim a produit cet opus, alors que Steve s'est contenté du rôle d'ingénieur du son. Une collaboration qui, il faut l'avouer, n'a pas porté ses fruits…
Pour enregistrer son 25ème album studio, Bowie a fait de nouveau appel à Tony Visconti, le producteur de la plupart de ses albums commis au cours des 70's (NDR: " Low ", " Heroes "), avec lequel il n'avait plus collaboré depuis 20 ans. Et cela s'entend tout au long de l'opus. Notamment au niveau des arrangements qui mettent bien en valeur la voix envoûtante et majestueuse de Bowie. Il a également reçu le concours de quelques grosses pointures. Entre autres Matt Chamberlain, Lisa Germano, David Clayton et bien sûr Tony Levin, son inséparable bassiste. Pete Towshend du Who, aussi. Sur le mid tempo "Slow burn". Dave Grohl (Nirvana, Foo Fighters), également. Lors de la reprise particulièrement réussie d' "I've been waiting for you" de Neil Young. Le disque recèle également deux autres reprises. " Cactus " des Pixies " et " I took a trip on a gemini spaceship " de Legendary Stardust Cowboy. Quelque part entre pop, rock et électro, " Heathen " revisite le passé le plus glorieux de l'artiste. A l'instar du 'ziggyesque' " Slip away ", du titre maître ténébreux, presque new wave, qui aurait pu relever du répertoire de Gary Newman (NDR : oui je sais, Newman a été influencé par Bowie !), du mélodramatique " I would be your slave " ou encore de la prière électrique " A better future ". Ce qui ne l'empêche pas d'opérer de nouvelles expérimentations. Il mêle ainsi instrumentation acoustique, insolite (stylophone, theremin), à cordes (Scorchio quartet) et synthés organiques, avec un réel bonheur. Bien malgré lui, Bowie est également redevenu visionnaire. Mais dans le domaine des lyrics. Ses textes introspectifs et prophétiques reflètent ainsi son état d'esprit face à la menace du terrorisme. C'est tout à fait évident sur " Sunday ", " Afraid " et " Slow burn ". Bowie vit depuis quelques années à New York. Et les paroles de ses chansons ont été écrites, bien avant le 11 septembre. Mais il est vrai qu'en tant que citoyen britannique, il était bien conscient de la menace d'un acte terroriste. A contrario du peuple américain, qui imaginait être à l'abri de ce type de cataclysme… Une édition limitée de l'œuvre propose un second CD sur lequel figure un remix de " Sunday " opéré par Moby, un autre (" A better time ") exécuté par Air, une version alternative de " Panic in Detroit " datant de 1979, et " Conversation piece ", un fragment qui aurait dû figurer sur " Toy ", elpee qui est toujours demeuré à l'état de projet…
Les compiles consacrées à David Bowie se succèdent à une cadence vertigineuse. A un tel point que parfois on ne sait plus où donner du portefeuille. Surtout les inconditionnels de Mr Jones ! Ce double CD s'adresse cependant à un public beaucoup plus large, puisqu'il propose 39 des plus grands hits de l'artiste. Depuis " Space Oditty " à " Absolute beginners ", en passant par " The man who sold the world ", " Ziggy stardust ", " The Jean Genie ", " Rebel rebel ", " Young americans ", " Heroes ", " Ashes to ashes ", " China girl ", " Golden years " et l'inévitable " Let's dance ". L'opus recèle même trois fragments qu'il avait commis en compagnie d'autres artistes : " Under pressure " avec The Queen, " This is not Amercia ", flanqué du Pat Metheny group et " Dancing in the street, qu'il partageait avec Mick Jagger. Vous savez tout. Maintenant, vous savez ce qu'il vous reste à faire…
Si vous aimez les surprises, n'écoutez pas ce disque. Tout, absolument tout, y est convenu. Prenez les reprises par exemple : " Avec le temps " de Ferré, " Amsterdam " de Brel (a capella), " Et maintenant " de Bécaud, " Non, je ne regrette rien " de Piaf, on ne surprend pas l'auditeur avec ça. Sauf à le reprendre en hard rock ou en reggae, mais Isabelle Boulay n'a rien d'une joyeuse iconoclaste. Elle reste bien sage, chante bien comme on leur apprend, là, au Québec. Manifestement, un certain public adore, à entendre les réactions dans les salles de Paris et Montréal où cet album en concert a été enregistré. Personellement, ça me laisse absolument froid ; mais, si ça vous tente, sachez qu'elle chante encore Aznavour, Reggiani, Cabrel et Bruel, ses propres succès (" Je t'oublierai ", " Parle-moi "...) et offre les inévitables inédits (" Perce les nuages ", " Sans toi ", " Au moment d'être à vous ").
Peut-être un rien troublé par d'incessantes tournées, Botch raccroche aujourd'hui les gants. Non sans avoir marqué durablement les esprits. Originaire de la Côte Ouest des Etats-Unis, le band s'est retrouvé assez rapidement associé à la scène " mathcore " américaine (ISIS, Cave In, TDEP, …), pour y prêcher, à qui veut l'entendre, la bonne parole. Radical, complexe, furieux, technique, sans jamais être démonstratif, constituent des adjectifs qui caractérisent le mieux leur musique. Son écoute suspend le temps, bannissant toutes autres (pré)occupations ; l'attention se concentrant alors sur cette pure décharge d'énergie. Les surprises sont au rendez-vous et l'esprit malmené. Où allons-nous ? Coupable de prestations scéniques sans commune mesure, le groupe prépare le DVD d'un live, accordé devant 2000 personnes ; un témoignage qui devrait restituer toute l'ampleur de leur musique. Suivant les déclarations du groupe, la musique de Botch devait bifurquer vers plus de simplicité instrumentale. D'ailleurs les premières mesures du titre clôturant l'ep confirme cette direction ; piano et cordes accompagnant ce qu'on pourrait considérer comme un chant du cygne. En théorie, car lorsque l'assistance s'en retourne vaquer à ses occupations, dans un sursaut d'orgueil, la furie se (re)déchaîne. Telle la main qui surgit de terre à la fin de Carrie (désolé pour ceux qui n'ont pas vu le film), Botch pourra toujours nous agripper le poignet. Mais cette fois pour ne plus le lâcher.
Au fil du temps, Renaud Patigny est devenu une des valeurs sûres du boogie woogie international. Sa frêle silhouette, surmontée de son Stetson inamovible, est bien connue des milieux blues et boogie de notre pays. S'il est déjà apparu plus de mille fois sur les scènes de nombreux pays, ce pianiste de 40 ans accorde de plus en plus d'exercices de style pianistiques, en compagnie de quelques uns de ses pairs. Il compte déjà pas mal d'enregistrements à son actif, dont "Tritons dance" en 1997, qui incluait des covers de Cow Cow Davenport et de Jimmy Yancey, "Live 98", et enfin "Tribute to the Giants" en 2000, un opus qui rend hommage aux grands ; en autres : Albert Ammons, Pete Johnson, Meade Lux Lewis et Big Maceo. Ce sont ses trois derniers elpees officiels. Sur ce disque, il est accompagné de Carl Sonny Leyland. Carl est né en Angleterre en 1965, mais s'est établi aux Etats-Unis depuis 1988. A New Orleans tout d'abord. A Orange, en Californie, ensuite. Carl ne se cantonne pas au seul boogie woogie. Il n'hésite pas à attaquer le blues classique, le R&B, le rockabilly et le rock'n'roll. Il a, lui aussi, beaucoup enregistré. Ces deux pianistes se partagent cet album live. En solo ou en duo ; mais en bénéficiant du concours du batteur de jazz belge, Bob Dartsch. Bob n'et pas un inconnu, puisqu'il a sévi, tout comme le pianiste Marc Herouet (ex-Wallace Collection, Salix Alba, Ragtime Cats), chez Buddy and the Swing.
Leyland ouvre le feu. Seul ou flanqué de Bob, il passe en revue les excellents boogies "47th Street Jive" et "Swanee River boogie", ou encore les blues purs "Old before my time" (NDR : de sa plume) ainsi que "Four o'clock blues" de Roosevelt Sykes. Il est aussi un vocaliste talentueux, doué d'une voix autoritaire, taillée pour le blues, à la manière d'un Big Maceo Merryweather ou d'un Memphis Slim. Renaud Patigny embraie par les boogies "Daily stream boogie" et "Willie the Strider", puis dans un style plus velouté, poursuit par "Low down Walk". Si sa voix est plus grêle que celle de son comparse, il chante d'un ton juste le traditionnel "My baby left me". Enfin, le duo termine par quatre plages intéressantes dont les boogies puissants "Boogie party" et "Big finish boogie". Signalons que cette plaque est encore au stade de la maquette. Elle devrait, en outre, inclure deux titres enregistrés 'live' au dernier Spring Blues Festival d'Ecaussinnes, en mai dernier.
De son véritable nom Mark Feld, Marc Bolan a connu une ascension aussi fulgurante qu'elle ne fût éphémère. Entre 1970 et 1973 (NDR : et encore, l'album " Tanx ", paru en 1973, trahissait déjà des signes d'essoufflement), son T Rex va cumuler les tubes ; mais surtout devenir un des symboles du glam rock et une des sources d'inspiration du mouvement punk. Fin des sixties, son duo Tyrannosaurus Rock, qu'il partageait déjà avec son inséparable percussionniste Mickey Finn (NDR : il vient de décéder, voici quelques jours), lui vaudra essentiellement la reconnaissance au sein des milieux underground. Enfin, la production réalisée jusque son décès accidentel, c'est à dire le 16 septembre 1977, est d'un intérêt secondaire. Destin cruel, puisque c'est à cette époque que les Damned et Elvis Costello essayaient de relancer sa carrière. Maintenant, il faut reconnaître qu'au cours de ces quatre années fastes, Bolan va se forger une image mythique : celle d'un chanteur au look dandy et d'un poète visionnaire responsable d'une musique sensuelle, à la spiritualité naïve, presque enfantine, une musique qui puisait elle même ses sources dans la spontanéité du rock'n roll. Pas pour rien d'ailleurs qu'il avait repris " Summertime blues " d'Eddie Cochran. Un titre que l'on retrouve d'ailleurs sur cette compile. Quant à savoir si elle mérite le titre d' " Essential collection ", c'est autre chose. En se limitant à 24 fragments, ce recueil ne pouvait qu'oublier certains titres essentiels. Et je pense tout particulièrement à " Is it love ", à " Jewel " ou encore à " Mambo sun ". Maintenant, Bolan a déjà tellement fait l'objet de rééditions, de 'best of' et tutti quanti, que ces quelques oublis ont probablement déjà été réparés sur l'une ou l'autre plaque précédente. Sans quoi, cet elpee réunit les inévitables " 20th century boy ", " Get it on ", " Telegram Sam ", " Chidren of the revolution ", " Jeespster ", " Hot love " et encore bien d'autres…
Il y a quatre ans, Boards of Canada sortait son premier album " Music Has the Right to Children ", l'une des plus belles réussites électro de la décennie passée. Disciples d'Autechre et d'Aphex Twin au sein du label Warp, les deux membres du groupe n'évoluent pourtant pas dans la même aire de jeu, leur musique rappelant davantage les verts pâturages de l'Ecosse dont ils sont originaires que les froides résonances industrielles martelées par Sean Booth, Rob Brown et Richard D. James. Plus pastorales que sépulcrales, leurs compositions en tiroirs sèment leurs charmes par petites touches, emportant l'auditeur dans une spirale sonore où les mélodies se heurtent aux rythmes déstructurés, mais sans jamais se faire mal. C'est là que réside la grande différence avec Autechre et tous ces ouvriers métallurgistes qui coulent leur musique dans un moule en béton armé : ici, elle respire au grand air, " in a beautiful place " (écoutez " Sunshine Recorder "), dans une atmosphère bucolique à la National Geographic, les échos des machines en plus. " You Could Feel The Sky ", titre d'ailleurs l'un des morceaux, comme pour mieux souligner l'état de lévitation dans lequel nous plonge l'écoute de ce " Geoggadi " aux splendeurs infinies… Avec ce mix étourdissant de techno-psychédélisme fleur bleue et de poésie dub vespérale, Boards of Canada vient de nous livrer un autre chef-d'œuvre. Rien que ça.
Révélé il y a deux ans par " Nothing Changes Under The Sun ", Blue States (alias Andy Dragazis) s'adjoint cette fois-ci les services charmeurs de la chanteuse Tahita ‘Ty’ Bulmer, une Londonienne à la voix délicate et vaporeuse. Sur 5 titres, l'alchimie entre le trip-hop d'Andy et le songwriting de Ty fonctionne ainsi à merveille, rappelant le meilleur de Air, voire les standards sixties de Burt Bacharach. Pour le reste, c'est toujours ce kaléidoscope de cordes, de cuivres et de samples accroche-cœurs, mix épique d'ambiances cinématiques, de ‘symphonies de poche’ à la Gainsbourg et de paysages sonores en superbe technicolor. Clou de l'album, " Season Song " réunit une cathédrale de chœurs enfantins sur des cascades de nappes synthétiques et de guitares wah-wah. Une sorte d'hommage déguisé au Langley Schools Music Project de Hans Fenger, cette chorale pré-pubère des seventies qui reprenait " Space Oddity " et " God Only Knows " sous une pluie diluvienne d'arrangements baroques. Magique !
Nederlands 
Français 
