A l'instar de l'image qui illustre la pochette de ce CD, Tipper se veut une version tuning d'une certaine musique électronique. Les sons sont tordus jusqu'à plus soif, la réverb' bat son plein et l'ensemble est accompagné, sur certains titres, d'une section de cordes ou/et d'une voix (féminine en l'occurrence). Pourtant, si depuis le succès de Björk ce type performance vocale est devenu " la " référence, la chanteuse de Tipper s'en sort malgré tout à son avantage, sans que l'image de l'Islandaise ne revienne sans cesse à l'esprit. Le disque passe de titres plus énergiques en plages plus ambient, plus calmes ; et la couleur apportée par l'orchestre à cordes donne un aspect mélancolique à l'ensemble, avant que ne surgissent des expérimentations sonores plus tarabiscotées (reflet de pensées des musiciens ?).
Premier album solo pour la chanteuse/guitariste/compositrice du trio bostonien Helium. Un disque dont les chansons intimistes confidentielles, courtisent une sorte de folk/prog/rock d'inspiration médiévale, qui aurait pu naître d'une rencontre entre Gentle Giant et Pentangle, après réduction de la forme à son expression la plus lo fi, bien sûr. Si Mary Timony possède un timbre vocal proche de celui de Suzanne Vega, elle prend le soin d'arpéger ses inflexions sur les accords minimalistes d'un piano ou d'une instrumentation réduite. Une guitare, une batterie, un clavier, quelques bandes enregistrées, un zeste de violon et un chouia de flûte. Pas davantage. Juste de quoi lui permettre d'exprimer sa colère, son amertume ou ses états d'âme en rêvant à un bonheur inaccessible...
Wallace Daniel Pennington est originaire de Vernon dans l'Alabama. Il a acquis une solide réputation comme compositeur. Il a notamment écrit pour les Box Tops ("Cry like a baby"), Percy Sledge, Clarence Carter et Aretha Franklin entre autres. Sous son propre nom, il a sorti des albums aussi obscurs que "Nobody's fool" en 73 et "Do right man" en 94. Dan était un habitué des Muscle Shoals studios de Memphis ; et c'est ainsi qu'Irma, la Queen of New Orleans Soul, a atterri dans le Tennessee. Irma possède une voix merveilleuse, chargée de sensibilité et de tendresse. J'ai beaucoup aimé son dernier album, "Sing it", enregistré en la compagnie de Tracy Nelson et Marcia Ball. Hormis l'une ou l'autre adaptation de chansons qu'elle avait déjà sorties voici longtemps, elle nous propose ici de nouvelles compositions écrites par Penn.
Les musiciens font bloc autour du guitariste Michael Toles et de l'organiste Marvell Thomas. Dan Penn a coécrit les chansons en compagnie des pianistes Bobby Emmons et Carson Whitsett. Ils jouent d'ailleurs sur les plages auxquelles ils ont collaboré. L'atmosphère est sereine, douce, parfois mélancolique Une certaine forme de beauté, de majesté même, accompagnent les ballades qui constituent le meilleur de l'opus.
La plage titulaire est abordée d'entrée. L'orgue hammond et le sax soprano de Jim Spake annoncent la voix toujours bouleversante d'Irma. Parmi les ballades lentes, j'adore et je vous recommande "Not enough time to change". Elle chante très tendrement, mais sa voix peut soudain montrer l'étendue de sa puissance, sans jamais forcer son talent. Une chose est sûre, Miss Thomas suscite le respect de tous. Ce même effet de libération des cordes vocales se répète sur "Life at the end of the road". "Irma's song" emporte les mêmes suffrages. Cette femme possède une voix à briser les cœurs. Deux autres chansons douces de Penn avaient été enregistrées par Irma à la fin des 70s. De nouvelles versions ont été ici retenues : "Woman left lonely" et "Zero Will Power". Malheureusement, elle nous rappelle un peu trop rarement qu'elle est une reine de la soul ; même si "Keep it simple" et "If you want it, come and get it!" en sont les trop rares exceptions qui confirment la règle. Irma Thomas est une chanteuse fabuleuse, dont le timbre vocal est un réel plaisir pour les oreilles.
Dirigé de main de maître par le chanteur/guitariste/compositeur Stephan Jenkins, Third Eye Blind vient de commettre son deuxième album. Un disque qui fait la part belle au post grunge contagieux, filtré soigneusement dans la pop mélodique, à l'instar de Super Deluxe, de Sugar ou de Nada Surf. Beaucoup d'électricité donc, sur cet opus, mais également d'intensité émotionnelle, qu'accentue le vocal de Stephan, dont l'amplitude capable de passer du falsetto à l'irascible, humanise, en quelque sorte le déferlement sonique. Et lorsque le quatuor de San Franciso se met à tutoyer le metal, c'est même à Led Zeppelin que l'on se met à penser. Un chouette album qui recèle en " Wounded ", " Never let you go " et " The red summer sun " des futures hits en puissance...
A lui seul, Therion, groupe métal aux racines death, est un phénomène à part entière. Inventeur de l'opéra heavy, le groupe du maître d'œuvre Christopher Johnsson vénère autant Carl Orff et Richard Wagner que Black Sabbath et lron Maiden. Ambitieux et à contre-courant des tendances du moment, Deggial, son nouvel opus, confirme la détermination du combo dans sa recherche d'une musique raffinée et authentique, n'en déplaise aux nombreux détracteurs du métal rock. De A à Z, tout est vrai dans Deggial. Ni samplers, ni bidouillages électroniques ! Therion s'est entouré d'un orchestre à cordes et d'un bouquet de choristes pour l'enregistrement de ce petit joyau, certes parfois un brin pompeux, mais toujours d'une redoutable efficacité. Malgré le manque de pêche des guitares sur certaines compositions, l'ampleur des parties vocales renforcent le côté heavy des onze fragments d'un des albums les plus déroutants du moment. Reste à savoir comment le groupe arrivera à restituer ce remarquable travail de studio sur scène.
Therapy ? est probablement le seul groupe au monde à avoir participé à tous les festivals de la terre. Une performance, lorsqu'on sait que la formation ne compte que 10 années d'existence. Et cet anniversaire méritait bien une rétrospective. Voilà qui est chose faite ! En une décennie, Therapy ? a produit pas moins de 7 albums et 3 Eps. ! Je dirais même plus : 8 cds en 5 ans ! Faites vous-même le calcul. Cette frénésie de sorties n'a pas été sans conséquences pour le groupe. Soit le public en avait assez d'être constamment abreuvé, soit le groupe a accusé le coup d'une telle charge de travail. Une critique discrète de " Semi-detached " en 1998 a été fatale à Therapy ?, puisqu'il a été vidé par A&M pour atterrir sur ARK21, structure plus modeste et plus à même de tolérer des ventes sans cesse fléchissantes… " Suicide Pact - You First " paru en 1999 semblait redresser la barre, le groupe ayant trouvé une nouvelle identité musicale, loin des produits formatés des dernières sorties. L'intérêt de la presse n'a pas été suivi par le grand public, plus habitué à un Therapy ? directement accessible. Les nouvelles compositions sont plus âpres, plus sèches ; l'aspect pop prisé à la grande époque du groupe a complètement disparu. Cette compilation semble vouloir remettre les pendules à l'heure. Elle permet en 16 titres, puisés dans toute la discographie du groupe, de constater que Therapy ? n'a jamais eu peur d'évoluer. Des titres franchement industriels des tous débuts aux 2 nouveaux titres inclus dans ce best of, le groupe n'a cessé de se remettre en question. Tous les styles rocks ont été visités et Andrew Cairns est le seul chanteur à avoir eu aussi peu de respect pour sa voix ; le groupe s'aventurant même parfois dans des morceaux plus expérimentaux qui auraient fait rougir les Butthole Surfers. Mais seulement voilà, malgré tout le respect que l'on doit porter à Therapy ?, il semblerait que la roue ait tourné pour nos valeureux Irlandais. Reste une compilation de tout premier choix, avec son lot de titres imparables. Jamais ennuyeux, que du contraire, " So much for..." est, je l'espère, annonciateur d'un retour plus marqué du groupe sur l'avant-scène musicale. A l'écoute de cette compilation ce ne serait que justice !
En 1998, " Aégis " marquait un sérieux virage dans la carrière de Theatre Of Tragedy. Il tirait un trait sur son passé death atmosphérique, pour s'adonner à un métal gothique directement inspiré par l'école Sisters of Mercy et Fields of the Nephilim. Ce virage bien entamé se confirme davantage avec le sublime "Musique" qui laissera sans aucun doute plus d'un fan perplexe. Car il s'agit bien ici d'une plaque 100%, électro-métal, taillée pour les pistes de danse des boîtes rock germaniques. TOT et sa blonde chanteuse Liv Kristine, à la voix aussi douce qu'une gelée royale, font peau neuve ; mais avec une telle classe, il serait incongru de leur jeter la pierre. L'ombre des derniers Rammstein, Paradise Lost et même d'un certain Kraftwerk plane sur l'oeuvre tubesque qui réjouira tant les fans de métal que les nostalgiques de la new wave des années 80. Douze titres, douze hits en puissance! Véritable joyau de près de cinquante minutes de pur bonheur, "Musique" constitue un véritable remède contre la déprime. Achetez-le, volez-le, mais surtout, si vous vous rendez chez votre disquaire préféré en vue de vous offrir le précieux objet dans son digipack, n'oubliez pas de prononcer le titre de l'album "à la française", faute de quoi vous risqueriez de claquer 700 balles pour vous faire refiler le "Music" de Madonna.
Lorsqu'un artiste ou un groupe décide d'éditer la compilation de ses plus grands succès, je ne peux m'empêcher d'émettre des doutes quant à la pureté de ses intentions. Surtout lorsqu'on connaît son évolution douteuse. En comparant le premier et le dernier morceau de cette compilation, pas la peine d'écrire une encyclopédie sur la fulgurante ascension commerciale de Texas qui contraste avec la lente et abominable déchéance musicale. " I don't want a lover " était une composition rafraîchissante, teintée de country, de folk et de pop. La voix de Sharleen était majestueuse, envoûtante, puissante. " Say what you want (All day every day) ", remix hip hop du single sorti quelques années auparavant et le très glamour "When we are together", extrait du dernier album, n'ont plus rien à voir avec le style d'antan. Pas que la musique soit devenue exécrable. Non, l'écoute reste agréable. Mais l'argument " notre musique a évolué " sent l'hypocrisie à plein nez. Madonna injecte aujourd'hui dans ses produits marketing quelques éléments pop ou rock. Le combo écossais a noyé feeling, émotion et profondeur dans une super production quasi hollywoodienne. Et avec un peu de franchise, il faut avouer qu'on a parfois du mal à faire la différence… C'est peut-être le prix à payer pour devenir le chouchou d'MTV et compagnie. Enfin, sachez encore que ce " Greatest hits " ne contient aucun titre du second elpee " Mothers Heaven ". Un comble lorsqu'on sait que ce disque est tout simplement leur meilleur. Par contre, la plupart des autres " classiques " n'ont pas été oubliés. Ce qui devrait décider certains acheteurs potentiels mais hésitants à se procurer la compile. C'est à dire ceux qui ne voient en Texas qu'une usine à tubes. D'autant plus que dans cette optique, elle est financièrement avantageuse. Et pour d'autres aussi…
De la pop hop! C'est le nom que donne ce quintette à sa musique. Mais la démarche va bien au-delà du simple mélange entre la pop et le hip hop, puisqu'elle intègre une multitude d'autres influences. Qui vont du jazz au garage, en passant par le funk, la techno, le rock et bien d'autres choses. Un peu comme chez Beck. Mais avec le feeling ‘dance’ des Beastie Boys et le sens de l'ironie d'un Cake. Enfin, lorsque les chansons sont purifiées par des harmonies vocales, c'est même à Chumbawamba, qu'on se met à penser… Bref, un chouette album qui a, en outre, bénéficié du concours des Dust Brothers à la production et au mixing. Excusez du peu !
Que de chemin parcouru par Marc Thijs, depuis ses débuts musicaux en 1986 ! Depuis l'enregistrement live au Banana Peel, commis en compagnie de son premier groupe, Finsbury Park Empire, en passant par l'étiquette texane, collée par les Slime Hunters. Marc est d'ailleurs proche de Kim Wilson quand il chante et souffle dans l'harmonica. Après avoir transité discrètement par les Healers, Marc s'est mis, avec un réel bonheur, à la guitare. Et en montant les Electric Kings, il est devenu le leader de notre meilleur blues band, avec El Fish. Les fréquents trips accomplis sur la West Coast, au cours de ces dernières années, lui ont apporté l'expérience du terrain qui lui manquait sans doute encore.
Marc avait frappé très fort, lors de son passage au BRBF de Peer. Il frappe aussi fort avec la sortie de ce nouvel album. Un disque très personnel, enregistré pour la plus grande partie en Californie. Les merveilleux musiciens qui l'accompagnent sont des amis, des grands qui ont toujours cru en son remarquable talent. On y retrouve ainsi l'ancien bassiste des Paladins, Tommy Yearsley, le bassiste et saxophoniste Jeff Turmes. Un compagnon de longue date de James Harman qui a depuis monté son propre groupe, en compagnie de sa ravissante compagne, Janiva Magness.
Marc a surtout œuvré dans le jump style ces dernières années. Il va encore plus loin dans l'authenticité avec "This is Tee". Cela saute aux oreilles dès les 1ères mesures de "All the time". Un exercice vocal, très doowop, sur fond musical minimaliste, partagé entre la basse acoustique de Tom les drums de Tee. Le sax de Jeff Turmes fait son entrée pour "Tell me where". L'exercice vocal est manifestement le haut fait du Marc T "2000". L'orgue de Frederik Vandenberghe ouvre "Just what it takes" au sein d'un environnement très gospel. Titre exceptionnel, "Nothin' but a nothin" produit un son pourri, d'une autre époque, mais avec classe. Le rythme y est. Marc chante comme un shouter et libère enfin ses cordes. Le travail vocal est impressionnant, sur le bien nommé "Happy guy". Marc est super heureux et prend un réel plaisir à l'écoute du trombone de Tom Yearsley Junior, 10 ans à peine, sur le tout aussi bien nommé "Life ain't funny". Et lorsque Marc est au bout du rouleau, il parvient à nous arracher des larmes. Il est alors très proche d'un Screamin' Jay Hawkins au sommet de son art. Impression similaire qui se détache de "Can't stand the way you love me", lorsqu’il nous plonge dans un climat volontairement lugubre. Le guitariste réapparaît souverain sur "Feel so good". Un rock'n'roll, ficelé comme le meilleur Little Richard. Le tempo reste au rouge pour "Through the bottle in my hand". "Time" campe un rockabilly R&B participatif, marqué par les hurlements du sax baryton de Roel Jacobs des Seatsniffers. Au piano, Frederik est au diapason des autres musiciens. Il y fait sautiller ses notes pour la reprise extraordinairement rythmée de "Voodoo woman blues", de Jimmy Witherspoon. Et pour clôturer l'album, il nous réserve une autre reprise, "In my lonely room" de Titus Turner (NDR : dont le surnom était, tiens donc, "Tee" !). Tee Thijs n'a pas créé une nouvelle musique, bien sûr ; mais si nous venons de faire un bond dans le passé, et en particulier dans les 40s et 50s, il parvient également à se démarquer du papier carbone, souvent utilisé ces derniers temps Il réunit des atouts que peu de ses pairs peuvent présenter Une voix (NDR : et quelle voix !), un musicien qui touche à tout, un compositeur et un producteur qui possède la faculté étonnante de tout intégrer dans l'ensemble. Chapeau bas!
Moins arty mais aussi brillant que Lesser, son compagnon de label, Techno Animal nous livre un megaton lourd marqué par le drum'n' bass/ hip hop indus et le post rock ambient. Quant à Dälek, il est responsable d'un hip hop accusé de classical homicide, un hip hop dont les vocaux urbains et glacés narrent l'histoire d'un meurtre dans toute sa crudité banale. L'un et l'autre, ensuite, s'amusent respectivement à les triturer. Le concept permet de mesurer, s'il le fallait encore, le soin apporté par Matador à ses signatures ; et les nouvelles pistes arpentées par le hip hop après une courte période de nostalgie old school. Riches et complexes, torturés mais totalement libres, Techno Animal et Dälek ressemblent aux électrons libres du rap tordu et ouvert. Respect.
TC Matic, c'était avant tout Arno Hintjens et Jean-Marie Aerts. Si le premier n'est plus à présenter, le second n'était pas un illustre inconnu, puisqu'avant de rejoindre le groupe, il avait sévi comme guitariste chez Raymond Van Het Groenewound ; et puis surtout était considéré comme un des meilleurs producteurs de Belgique. Flanquée d'un drummer, d'un claviériste et d'un bassiste, la formation parviendra à enregistrer quatre elpees, avant de se séparer en 1986. Sans oublier les singles, devenus, pour la plupart, de véritables standards du style. Et on pense plus particulièrement à " Oh la la la ", " Putain, putain " ou encore " Elle adore le noir ". Des compositions qui figurent bien évidemment sur ce double CD. A côté d'autres chansons moins connues, mais aussi de remixes, de prises " live ", de versions démo et d'inédits. Trente-six titres en tout. De quoi rappeler d'excellents souvenirs à ceux qui ont été fascinés par un des rares groupes belges exportables de l'époque new wave; et puis peut-être de permettre aux profanes de mieux cerner le caractère insolite de TC Matic, dont la réputation de groupe de scène n'était pas usurpée…
Malgré ses 40 ans, Melvin appartient à la jeune génération. Issu de Chicago, ce chanteur guitariste roule sa bosse sur les routes depuis pas mal d'années ; est paradoxalement il est devenu très populaire en France, où il a enregistré ses deux premiers albums pour le label Isabel, "Blues on the run" en 1982 et "Plays the blues for you" en 84. Guitariste à la technique très fouillée, hyper doué qui pêche parfois dans l'excès, l'homme possède d'énormes ressources, cela ne fait aucun doute. Il a joué jadis dans le Legendary Blues Band, monté par Pinetop Perkins après la mort de Muddy Waters. Il y a tout appris du blues des années glorieuses, mais il n'en est pas resté à ce stade. A l'écoute de Wes Montgomery et Georges Benson, il a rapidement introduit des éléments de jazz dans son style. Réceptif au r&b et au funk, il a toujours prêté une oreille attentive au grand Jimi Hendrix. On ne sera donc guère étonné de l'amplitude de son jeu.
Il débute par la plage titulaire, écrite par Eugene Gales de Memphis. Dont le frère Eric est bien présent pour l'interprétation d'un " Bang that bell " qui me rappelle Jimi Hendrix, époque Band of Gypsies. La reprise de "Trick bag" d'Earl King est un autre modèle du genre. Melvin produit une version énorme de "Another bad day" de Larry Garner. Sa guitare emprunte le mode jazzy, avec un clin d'œil à Carlos Santana. Réjouissant! Sugar Blue fait son entrée pour un rockant "It's later than you think", écrit par John Tiven. Blue est un harmoniciste tellement différent des autres. Et c'est avec un réel plaisir que nous le retrouvons sur "If you're goin' to the city" de Mose Allison. Melvin chante " My life " de manière très relaxante. Proche dans la démarche, de Tony Joe White, son intervention sur les cordes est une nouvelle fois brillante. La section rythmique, composée de Dave Smith à la basse et de Steve Potts à la batterie, tire bien l'épingle de son jeu. Sa cohésion sur le funky "Don't cloud up on me" pousse Melvin à libérer sans cesse ses cordes. Un blues lent, "A quitter never wins", de Tinsley Ellis, apporte la preuve, si besoin en était, que Taylor avait tout intégré. Dommage que MT ne compose pas. Excellent !
L'indiscutable ‘Queen of the blues’ de cette fin de siècle a incontestablement droit aux égards qui lui sont réservés, et son album mérite donc, tout simplement, de s'intituler "Royal Blue". Cette reine du Chicago blues est pourtant née à Memphis voici 66 ans. Elle est sous contrat chez Alligator depuis 1975 ; et cet opus constitue déjà le 8ème pour Bruce Iglauer. N'oublions cependant pas les superbes enregistrements qu'elle a commis au cours des 60s et des 70s, pour le label Chess. Alors que son propre groupe est suffisamment talentueux, elle bénéficié du concours de certains invités de prestige, pour enregistrer " Royal blue ".
Elle aborde en force "Save your breath". Sa voix légèrement rauque, naturellement puissante enlève avec aisance cette plage rythmée, accentuée par l'orgue Hammond de Dolphis Fowler Jr et traversée par la guitare bien contemporaine de Criss Johnson. Tout ce beau monde est rejoint par Johnnie Johnson au piano, pour "Hittin' on me". Un blues bien rythmé écrit par Buddy Johnson (ça en fait des fils de John!!). L'évitable Kenny Wayne Shepherd ramène ses cordes bavardes sur "Bring me some water". Et il ne faut pas trois secondes pour reconnaître B.B King, l'ami de Memphis, qui a ramené Lucille pour "Blues Hotel", tout en donnant les répliques vocales à Koko. Quel duo! Le bon Chicago Southside comble nos oreilles avec le sublime "Ernestine". Johnnie Johnson tapote au piano et le grand souffleur Mathew Skoller a ramené sa musique à bouche inspirée. Mais Koko donne le meilleur de son art dans l'exercice du blues lent. Elle peut alors aller au plus profond d'elle-même, et chanter avec ses tripes. A l'instar de "Buy on this other hand". On mesure également la cohésion de ses musiciens et le talent fou de Criss Johnson qui lance les célèbres petites phrases d'Albert King, sur le séduisant "Fuel to burn". Il déborde d'énergie naturelle sur le très Memphis R&B, "Keep your booty out of my bed". Enfin, le plus beau moment est atteint, lorsqu'elle forme un duo Keb' Mo. Ses cordes acoustiques font ainsi le plein d'émotion tout au long de "The man next door". La claque ! Cinq minutes de bonheur!! Cet album de classe s'achève sur fond de cuivres, le temps d'exécuter "Keep your mouth shut and your eyes open".
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