Approche originale pour cet album : les Tassilli Players ont composé leurs chansons en s'inspirant des endroits visités lors de leurs voyages. Là, nous disent-ils, ils ont ressenti ‘a strong roots I-bration’. Et apparemment, cette ‘I-bration’ est bien présente partout à travers le monde. Disons que la chose qui m'a le plus surprise dans cette démarche, est l'utilisation (parcimonieuse) de machines. Et dans le domaine du dub et du reggae, c'est assez surprenant. Enfin, pour ce que je connais de ce style musical. Pour le reste, " An atlas of… " consomme un dub plutôt conventionnel, demandant une ouverture d'esprit particulière, pour être apprécié à sa juste valeur…
Ronald Lippock et Bernd Jestram sont de redoutables manipulateurs du son. Ce duo berlinois avait d'ailleurs sévi en 1998, en commettant " Silur ", un premier album dont la perception, à la fois émerveillée, distordue et troublante de l'électronique lui avait valu l'étiquette de post rock. En fait, Tarwater réalise la parfaite fusion entre le kautrock référentiel de Kraftwerk, voire de Can, la forme néo industrielle de Cabaret Voltaire et le trip hop de Massive Attack, Tricky et bien sûr Portishead. Il nous plonge ainsi dans un univers visionnaire, sis aux confins de la new wave atmosphérique; un univers virtuel peuplé de boucles insidieuses, de tics percussifs, bruissements organiques, samplés ou en couche, et autres gadgets technologiques tels que le stylophone, au sein duquel le timbre vocal impassible, neutre de Ronald, rôde tel un oiseau de mauvaise augure. Le sinistre " All of the ants left Paris " atteignant même le degré reedien sur l'échelle du Velvet…
Ne vous fiez pas au titre de cet album, Taboo Blue n'est pas un groupe de swing moderne comme il en existe tant aujourd'hui, mais un roots rock band qui nous vient du Minnesota. J'avoue que j'en ignorais presque l'existence, mais son album m'a plu tout de suite.
Diable, entamer les hostilités par un rock boogie tel que "67 Fairlane" est idéal pour la route. La slide gronde et le piano piétine. Si on faisait abstraction de la voix, ce titre aurait pu figurer sur un bon album de Bob Seger. Deux guitares, celles de Leon Laudenbach et de Johnny Schwartz, ainsi que les claviers de Chris Schuette, forment la base d'envol de Taboo Blue. "Burn in Atlanta down" qui suit, s'ébroue calmement, monte progressivement en puissance, et au contact de la slide, prend feu en fin de parcours. Ce haut niveau n'est pas cependant pas présent d'un bout à l'autre de l'album ; mais d'autres instants intenses réapparaissent çà et là! Très rythmé, " Death bed confession " est agrémenté d'un petit break d'harmonica destiné à neutraliser les cordes qui n'attendent que le moment de cracher à l'avant-plan. Le bluesy "Ooh Pee Doo" est amusant, et le très roots "Bury the plow", apaisant. "Jack the Cat" demeure dans cet esprit très roots, mais en plus rock. Le piano en assure la base, alors que Mark Anderson a troqué son harmo contre un sax. Si la plage titulaire séduit en légèreté, elle n'en succombe pas pour autant au swing, cherchant plutôt à entretenir une ambiance où règne la bonne humeur. Et lorsque l'album est terminé, nous avons encore droit à quatre plages live. Quatre bonus tracks enregistrées au Novaks de Saint Paul. Et surprise, nous découvrons un blues band efficace qui se frotte avec beaucoup de bonheur à des reprises de classiques : "Crosscut saw", "Back door man", "Leaving your town" (de Charlie Musselwhite) et "Come back baby" (de Billy Boy Arnold). Et lorsqu'on sait que ce sont les mêmes musiciens, il y a vraiment de quoi se poser des questions. Chauffe Taboo Blue!
Peter Steele, le géant vert de Type O Negative, est heureux ! Avec cette compile d'incontournables, il vient enfin de couper le cordon ombilical qui le liait au label hollandais Roadrunner, avec lequel il entretenait une relation faite de tout, sauf d'amour et d'eau fraîche. The Least Worst Of Type O Negative (NDR : traduisez, le moins pire de Type O Negative) rassemble les classiques du groupe dans des versions remixées ou inédites. Le tout enrichi de quelques raretés. "Everyone Is Dead", "Black N° 1", "Christian Woman", "Black Sabbath", "Cinnamon Girl", "My Girlfriend's Girlfriend". Rien que du bon ! Anecdotique pour les fans, indispensable pour tout ceux qui sont passé à coté de Bloody Kisses et d'October Rust.
Notoire pour être un des plus grands shouters de tous les temps (NDR : sinon le plus grand), Joe Turner est né à Kansas City, dans le Missouri en 1911. Joe était grand et il pesait dans ses meilleures années plus de 120kg. Ce qui lui a valu, dans le futur, le surnom de Big Joe. Ses 1ères armes, il les a accomplies, en duo avec le célèbre pianiste Pete Johnson. Son boogie woogie est pur et dur et sa voix puissante. Comme sur "Roll 'em Pete" et "Goin' away blues" ; et nous ne sommes qu'en 1938 ! Le style de Joe, c'est aussi le jazz, très populaire en 39. Peuplé de cuivres, "Cherry Red" en est un beau témoignage. Il avait également une manière naturelle de chanter le blues ; et rien ne pouvait arrêter sa voix de shouter "Piney Brown blues", en 40. Il enregistrera avec Pete Johnson jusqu'en 1945.
Neuf plages sont ici présentes dont le fabuleux "Rebecca". De la dynamite! C'est ensuite l'après-guerre, popularisant le jump blues et annonçant le R&B, dont on retiendra le fabuleux "My gal's a jockey" ; mais aussi le blues plus cabaret, "Miss brown blues", avec un bon Ike Perkins à la guitare et Albert Ammons au piano. En 47, il retrouve Pete Johnson au piano. Pee Wee Crayton est à la guitare ; et ils interprètent "Low down dog". Le reste de l'album date de la fin des 40s. On y retrouve toujours un savoureux cocktail de boogie woogie, jump, blues et de jazz. Rien à jeter! Personnellement, la quintessence de cette collection remonte à 49. Deux titres : "I don't dig it" et "Ooo-Och-Stop, flanqué du Flennoy Trio, qui n'a pas pris une seule ride, tant le jeu de guitare de Leonard " Lucky " Enois est moderne. Superbe!
Si Soundgarden a été, d'une certaine manière, influencé par Black Sabbath, les membres de Tummler ont beaucoup écouté Soundgarden. C'est une certitude. Ce qui explique pourquoi, ces mêmes musiciens ont une propension à recourir aux rythmes binaires, mid tempo ; et leur chanteur à adopter un timbre un brin nasillard, légèrement en retrait, ainsi que des inflexions qui s'appuient un tantinet sur les syllabes de fin de phrases. Rien de bien désagréable n'est cependant à déplorer, tout au long de ces 6 longs fragments (NDR : plafond à 21min, plancher à 5) de cet opus ; mais rien non plus de bien percutant à épingler. Le groupe devient peut-être plus intéressant lorsqu'il aborde des plages atmosphériques, propices à la mise en place progressive d'une ambiance plus étrange. Et les breaks batterie/cymbales/basse alimentent parfaitement ce climat. Pour le reste, si ce disque reste d'honnête facture, il n'est guère transcendant.
Nouvel album live pour Walter avec ses Free Radicals ; en l'occurrence Bernard Pershey (batterie), James Trapp(basse) et Paul Kallestad (orgue Hammond). Le style de Walter Trout campe un hard rock mélodique et bluesy, sans doute trop hard rock pour les amateurs de blues, mais pas trop blues pour les fans de hard rock. Car, n'en doutons pas, Walter Trout possède de nombreux admirateurs. Le combo est constitué de solides musiciens, reconnaissons-le ; et lorsque l'orgue prend toute sa coloration dans cet enregistrement public, la guitare, bavarde, n'est pal mal jouée par Trout. Mais une question me hante l'esprit : pourquoi donc veut-il jouer tant de notes, alors qu'il pourrait en pondre deux fois moins avec un meilleur effet ? Tout simplement parce que c'est le style du musicien et c'est ainsi que nous devons le prendre.
Walter enregistre beaucoup d'albums. Celui-ci constitue déjà son 8ème depuis 1990 ; son second live, après "No more fish jokes". Il avait, souvenez-vous, fait partie de Canned Heat et des Bluesbreakers de John Mayall. Plutôt des références, non? Les meilleurs titres, il les commet, lorsqu'il s'attaque à des tempos lents. Parce que sa voix se prête bien à cet exercice, et que son style mélodique en devient plus accrocheur. Il se plaît à faire hurler ses cordes comme celles d'un violon. Et dans ce style lent, "Tired of sleeping alone" n'est pas mal du tout...
Drôle de groupe que voilà ! Le moins que l'on puisse dire de cette ‘œuvre’ est qu'elle inspire le voyage, la rêverie. Elaboré en chapitres, la teneur de ce recueil, aussi bien dans la musique que dans le propos, se veut réfléchie ; avec une finalité, un sens à donner. Avec la volonté de mélanger les formes d'expression (ici la littérature et la musique) sans pour autant savoir avec précision lequel sert l'autre. Bien sûr on pourrait taxer cette volonté d'intellectuelle (d'ailleurs le groupe a déjà joué au Beursschouwburg, lieu pas spécialement reconnu pour sa pauvreté culturelle), mais pourquoi pas ? La discographie de cette formation est à l'avenant : projet multiforme, Trespassers W peut se vanter d'avoir une production aussi variée, mais parfois aussi obscure, que celle de leurs compatriotes, les Legendary Pink Dots...
Auteur des hymnes hard " Doctor, Doctor " et " Rock Bottom ", le vétéran UFO s'est reformé autour de Michael Schenker, Pete Way et Phil Mogg, trois de ses membres originaux. Après avoir bouclé une tournée mondiale en 1999 et enregistré la même année l'excellent " Walk on Water ", l'OVNI a connu différents changements de line up. Simon Wright a aujourd'hui rejoint DIO, formation qui s'est imposée en Allemagne et surtout au Japon, où le succès du groupe est énorme. Fruit d'une année de péripéties, ce " Covenant " ne rivalise pas d'inspiration avec son prédécesseur et apparaît comme une parenthèse dans l'imposante discographie d'UFO. Conscients des faiblesses de leurs nouvelles compositions, les trois larrons ont fait le choix d'offrir en bonus de la nouvelle plaque, un second CD live qui n'arrive malheureusement pas à faire oublier le monumental " Strangers in the night ", commis en 79. Cerise sur le gâteau, le livret ne précise ni la date, ni le lieu d'enregistrement de ce témoignage accordé devant un public fantôme. On vu des come-back beaucoup mieux réussis !
Ce quatuor écossais (NDR : issu de Glasgow, très exacteme nt) nourrit un intérêt certain pour la musique de Sonic Youth, de Jesus & Mary Chain et du Velvet Underground. Il ne s'en est jamais caché. Et c'est toujours le cas tout au long de cet " Everybody loves… ". Cependant, Urusei Yatsura y manifeste une nouvelle approche de la mélodie. Plus pop, plus contagieuse. Et surtout très proche d'Ash. Enfin, sur quatre compositions de ce troisième opus. Et en particulier tout au long de " Our shining path ", " Superdeformer ", " Thank you " et " Eastern youth ". Ce qui n'empêche pas la formation de continuer à jongler avec sa noisy excentrique, trempée dans le feedback, dont l'intensité électrique est si rafraîchissante. Cet " Everybody loves… " nous réserve d'autres surprises. Comme " Random cruise ". Aussi impitoyable et gémissant que le Smashing Pumpkins circa " Siamese dream ". Enfin, si " Kubrick in town " épouse la tendresse capricieuse de Pavement, rogné de claviers, " Silver dragon " répond à des critères garage punk, alors que la férocité de " Faking it " atteint une intensité véritablement pixiesque…
Tout comme les Chemical Brothers, Underworld appartient à la branche expérimentale de la musique électronique. Ce qui explique sans doute pourquoi j'y accorde beaucoup d'intérêt. En outre, lorsqu'une formation comptabilise dix-sept années d'existence, elle mérite un certain respect. Réduit à un duo depuis le départ de Darren Emerson (NDR : il a quitté le navire début de l'an 2000), Underworld nous revient cette fois avec un opus " live ". Constitué de fragments issus de différents concerts. Accordés tantôt lors du festival " Fuji " au Japon, " Coachella " de Palm Spring en Californie et " Glastonbury " en Angleterre. Huit titres en tout ! Karl Hyde et Rick Smith y démontrent toute l'étendue de leur talent à déverser d'énormes vagues d'émotions synthétisées sur (NDR : ou dans ?) la tête de leur public. Et ils le font avec tellement d'habileté et d'imagination que celui-ci finit par communier avec cette musique, répercutant ces vagues à travers leurs acclamations. Une sensation que l'on ressent très fort à la fin de l'elpee. Et en particulier sur le monstrueux de sauvagerie " Rez/Cowgirl ". Malheureusement, il y manque l'image. Ce qui explique sans soute pourquoi le duo a décidé de sortir une version de ce " Live/ Everything, everything ", en DVD…
Ce qu'Unbelievable Truth vient de nous pondre trouvera plus que probablement sa place parmi les plus belles œuvres de cette année 2000. Un album qui creuse encore l'énorme fossé existant entre ce que fait la bande à Andy Yorke et celle du frérot Thom (Radiohead). Alors que l'Angleterre se convertit insidieusement au Radioheadisme (Travis, Muse, Coldplay,…), le trio ose un opus aux références bien plus éclectiques, tout en libérant une formidable énergie. Un opus, cependant, beaucoup moins accessible que son précédent, " Almost here ". Il faut d'ailleurs se farcir plusieurs écoutes avant que ce " Sorrythankyou " ne produise ses effets. Passant de la vitalité bouillonnante des guitares électriques à la tendresse féminine du piano ou d'une sèche, des atmosphères étranges aux sonorités plus classiques ; alternant structure décousue puis recousue, Andy déclame ses poèmes mélancoliques sur d'irrésistibles mélodies. Un fait tellement rare pour une formation insulaire, que nous sommes incapables de leur coller une étiquette musicale. Encore que parfois, nous pensons à Sophia ou à Deacon Blue. Mais j'arrête ici les comparaisons. En seulement deux albums, Unbelievable Truth a atteint un stade que certains artistes ne connaîtront jamais. Un degré de maturité musicale caractérisé par l'intelligence lyrique et la fraîcheur mélodique. Le New Musical Express rapportait qu'avec cette formation, il n'y avait pas de demi-mesure. Un peu comme lors d'une relation sentimentale, si on est amoureux ou indifférent. Dans ce cas de figure, disons que je viens d'être victime d'un coup de foudre…
Le label Indigo poursuit sa série consacrée aux hits du R&B des années 40. L'année 49, qui annonçait déjà la future décennie, fut marquée par quelques étincelles, dont l'inoubliable "Boogie Chillun" de John Lee Hooker est sans conteste le plus célèbre. Il n'empêche, certaines des plages ici présentes, ont passé avec aisance l'épreuve du temps ; et sont encore régulièrement écoutées aujourd'hui. Et notamment "T-Bone shuffle" (T-Bone Walker), "Drinkin' wine spo-dee-O-dee" (Stick McGhee), " Saturday night fish fry " (Louis Jordan), "Roomin' house boogie" (Amos Milburn) et "Rock the joint" (Jimmy Preston). On écoutera avec beaucoup de plaisir le sax hurleur de Big Jay McNeely sur "The deacon's hop", la douceur cabaret, précieuse, de Charles Brown au sein de "Trouble blues" et de Jimmy Witherspoon pour " Ain't nobody's business ", le swing et la fraîcheur de Roy Milton avec "The hucklebuck", la guitare innovatrice de Clarence Gatemouth Brown chez "Mary's fine", le blues pur et souverain de Lowell Fulsom qui baigne "Come back baby", tout en sensibilité de Ivory Joe Hunter qui berce "Blues at midnight" ou simplement beau à pleurer de Ruth Brown, au fil de "So long". Wynonie Harris chante déjà "All she wants to do is rock('n' roll)" ; et pourtant nous ne sommes pas encore en 1950!! Je ne puis conclure dans évoquer le blues frissonnant, beau à couper le souffle, de Lightnin' Hopkins, "T Model blues", et de Robert Nighthawk, "Annie Lee blues".
Double CD pour le troisième volet des "10 Days" qui propose pas mal de variété dans les genres retenus. Remixes en pagaille et enregistrement live, drum'n'bass, house et techno enrobent les classiques (Jeff Mills, Luke slater, Plastikman) et les moins classiques. Parmi ceux-ci, Rinôçérôse, qu'on vous recommande une fois de plus, surtout en live, mais aussi Green Velvet et les Basement Jaxx avec un titre vaguement électro, absent de leur récent album. Notez enfin que cette compile-ci, contrairement au "Volume 7" de I Love Techno, fait la part belle aux productions belges (Lester Lewitt, Anton Price, Swirl People...)
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