S'ils passaient pour des ‘ringards’ il n'y a pas si longtemps encore, les groupes de heavy métal qui s'attachent à une certaine tradition mélodique, voire symphonique, héritage d'un courant né dans les années 80, retrouvent depuis peu un certain crédit auprès du public hard. Aujourd'hui Dream Theater remplit l'Ancienne Belgique, Gamma Ray s'offre une place de choix dans le référendum d'Hard Rock Magazine, et Stratovarius, groupe finlandais, cartonne sur MCM. Solos flamboyants, refrains accrocheurs, nappes de claviers omniprésentes caractérisent la musique de la formation du pays du froid, qui signe là un huitième album que d'aucuns annoncent décisif pour sa carrière. A l'écoute de cette nouvelle livraison à la pochette somptueuse, le single " Hunting High n'Low " décoiffe d'entrée de jeu et annonce la couleur. Désormais, les prouesses guitaristiques du talentueux Timo Tolkki apparaissent comme l'élément majeur du combo mélodique, mais puissant. Stratovarius a innové, mais pas trop, juste assez pour séduire un public plus large, sans trahir ses fans de la première heure. Avec " Infinite ", même les adeptes du rock progressif trouveront leur bonheur ; des titres comme " Mother Gaia " ou " Celestial Dream " marchant allègrement sur les plates-bandes d'un Saga ou même d'un Genesis période Collins.
Stonedigger est un quatuor belge, de Saint-Trond très exactement, qui peut compter sur deux chanteurs dont les timbres vocaux sont complémentaires : Olivier Elen et Steve S'heeren. Et franchement, si ce dernier n'est pas né aux States, il n'y a rien à comprendre, tant son accent yankee est prononcé ; tant il est nasillard, si vous préférez ! Et ce sont finalement ces harmonies vocales qui apportent une coloration très personnelle à leur musique. Qu'on pourrait qualifier de noisy/popcore. Encore que sur les morceaux les plus tendres, la conjugaison des voix me fait plutôt penser à la pop narrative d'Eels. Une noisy/popcore qui chercherait le point de rencontre entre les Pixies et Dinosaur Jr. ; mais avec un état d'esprit aussi torturé que celui de dEus ou de Zita Swoon. Et hormis la reprise approximative du " Space Oditty " de Bowie, le résultat n'est pas mauvais du tout. Il se révèle même excellent sur " Paranoid " (NDR : rien à voir avec le Black Sabbath !), une chanson profilée sur une basse caoutchoutée, saupoudrée d'une pincée de claviers et traversée de sous-courants d'électricité fiévreuse qui jaillissent lors de la finale. Le disque recèle, en outre, deux compositions beaucoup plus minimalistes. Tout d'abord " Blue bus ", limité à une six cordes électrique, deux voix et un clavier, et puis " Stargazer ", réduit aux deux voix et à une sèche.
De son vrai nom Sarah De Koster, cette jeune artiste belge est très appréciée en Flandre. L'an dernier, elle avait ainsi obtenu le prix de la presse pour sa chanson " He's the one " ; alors que déjà en 1997, elle remportait le VTM Soundmix-Show pour l'interprétation de " You ought to know " d'Alanis Morisette. Une vocaliste que doit beaucoup admirer Sarah. C'est flagrant sur les 13 fragments de son deuxième album. Un peu trop à mon goût. Enregistré à Fort Lauderdale, en Floride, sous la houlette d'Erwin Muspers, personnage dont la carte de visite mentionne pourtant la mise en forme d'œuvres d'Anouk et de Bon Jovi, ce disque ne devrait récolter de succès que dans la partie nord du pays. Suffit pas de chanter dans la langue de Shakespeare pour pouvoir s'exporter ? Faut aussi faire preuve d'originalité !
Les membres de Spiritual Beggars ont fait de l'oeuvre de Deep Purple et Grand Funk Railroad une véritable religion, imposant une relecture heavy du hard seventies qui connaît aujourd'hui un renouveau à travers les mouvements ‘Stoner’. Mais le groupe de Michael Amott, ex Carcass, pousse le bouchon encore plus loin que les Fun Manchu et autre Kyuss. L'orgue Hammond tient une place considérable tout au long de ce digne successeur du déjà très prometteur "Mantra III". Le mellotron y est utilisé avec parcimonie sur certaines plages, et l'iconographie de la pochette n'est pas sans évoquer le graphisme et les symboles du mouvement psychédélique. Néanmoins, on sent chez Spiritual Beggars cette volonté d'aller de l'avant, tout en s'appuyant sur des racines délicieusement rétros, comme si ce voyage vers les étoiles (Ad Astra) constituait le chaînon manquant entre "In Rock" et "Superunknown". Une entreprise rondement menée!
Je ne vois pas pourquoi Spineshank ne pourrait pas récolter sa part du gâteau, alimentée par cette mouvance appelée ‘néo-métal’… Bien que le terme soit non seulement réducteur, mais surtout vide de sens, il ne fait aucun doute que le groupe sera affublé de cette étiquette. Maintenant si ce terme néo-métal s'applique uniquement aux rythmes ou à la structure des morceaux, peut-être y-a-t-il quelques ressemblances... Mais oubliez l'influence rap et hip Hop revendiquée par la plupart des chefs de file de ce style musical. Par contre, là où se démarque franchement Spineshank, c'est dans l'utilisation de sonorités électroniques qui teintent l'ensemble d'une note industrielle assez dure. Et là, il faut plutôt se tourner vers Fear Factory pour déceler l'influence purement métal ; vers NIN pour observer le climat dégagé. Même si l'ensemble est assez frontal, on sent poindre, ça et là, une volonté de ne pas faire uniquement du rentre dedans, surtout dans les parties vocales (alternance voix saturées et ‘lyriques’; tiens, tiens, encore Fear Factory ?). N'ayez crainte, vos parents ou vos voisins ne seront pas encore débarrassés de cette musique de sauvage, que vous écoutez d'habitude…
Encore un groupe suédois. De Västerbotten très exactement, dans le nord. Un quatuor qui reconnaît pour influence majeure Weezer, Foo Fighters, Elvis Costello, les Beach Boys et les Beatles. Chez qui ils puisent l'essentiel de leur inspiration pour concocter une power pop particulièrement mélodique, pour ne pas dire contagieuse. Une power pop qui véhicule des lyrics fort intéressants, satiriques, sorte de diatribe des concepts maladivement superficiels entretenus par notre société contemporaine...
Hormis l'intro et la finale, c'est à dire le single " Oklahoma ! ", dont le tempo est aussi excitant que le célèbre " Spanish stroll " de Mink Deville et " Howling Christmas ", pastiche du tout aussi célèbre " Happy Xmas " de feu John Lennon, le deuxième opus de Spearmint affiche deux physionomies. Tendre, intimiste, pour ne pas dire confidentielle, la première nage dans les mêmes eaux minimalistes que Belle & Sebastian. La voix de Shirley Lee, dont le timbre campe un hybride entre celui d'Al Stewart et de Ian Broudie, collant parfaitement à ce type de composition. La deuxième plus rythm'n blues. Mais un rythm'n blues light. Dont le groove languissant doit largement plus à Dodgy, Lightning Seeds, Style Council ou Scritti Politti, qu'à Booker T. Echevelé et ondoyant, " The locomotion ", constituant l'exception qui confirme la règle. Tout ceci abordé avec un esprit aussi détaché, fugace que celui de Pulp. Bref, un chouette album qui nécessite cependant plusieurs écoutes avant d'être apprécié à sa juste valeur.
Fondé en 1979, Spandau Ballet était, à l'origine, considéré comme un groupe poseur, élitiste, juste bon à peupler les potins mondains et les rubriques de mode. Et pourtant ! C'est en faisant les beaux jours du Blitz londonien de Steve Strange que le quintette rencontre Richard Burgess, grand manitou du label Landscape. Résultat des courses, le combo se décide à enregistrer un single : " To cut a long story short ". Le succès est immédiat. Et à partir de cet instant, une pluie de hits va commencer à s'abattre sur les charts britanniques : " Glow ", " Chant n°1 ", " Paint me down ", " Instinction ", " True ", etc., sur une période qui ne dépassera pas quatre années. La formation devient ainsi, malgré elle, le reflet musical d'une certaine génération, qu'on taxera par la suite de néoromantique. En fait, à l'instar de celle des eighties, leur musique ne s'adressait plus seulement aux oreilles et au cerveau. Mais aussi et surtout au corps. A cause de cette approche funk de la compositions. Mais un funk blanc mâtiné de soul américaine. Ce que des gens comme Bowie ou Talking Heads, avaient bien compris avant eux. Spandau Ballet ouvrait ainsi une porte à une nouvelle sensibilité pop crédible mais populaire, dansante mais ambitieuse. Sans pour autant répondre au synthétisme new wave, comme l'Angleterre en connaîtra à profusion, à cette époque. La qualité des compositions y était sans doute pour quelque chose. Des compositions littéralement ciselées par Gary Kemp, maître à penser du combo. Son style impeccable et emphatique finira malheureusement par s'enfoncer dans ses propres stéréotypes. Et après quatre albums, l'ensemble disparaîtra… Pour les nostalgiques de cette légende, cette compile est une véritable aubaine, puisqu'elle réunit l'intégralité des hits de Spandau Ballet. Depuis l'inévitable " To cut a long story short " à " Gold ", en passant par " Paint me down ", " Instinction ", " Chant n° 1 ", " True ", " Only when you leave ", et bien d'autres…
Si vous appréciez la lo fi de Smog, Will Oldham, Lamchop, Navigational et consorts, vous ne pouvez passer à côté du premier album de cet ensemble texan, de Denton pour être plus précis. Un projet, plutôt qu'un groupe, puisqu'on y retrouve les quatre membres de Centro-matic, rejoint pour la circonstance par le percussionniste/bruitiste de Stumptone, Chris Pladival. Chez South San Gabriel, ce sont apparemment Will Johnson et Scott Danborn qui tirent un peu toutes les ficelles. Ils chantent à tour de rôle. Le premier possède un timbre écorché. Il se réserve les compositions les plus minimalistes, en s'accompagnant même parfois uniquement de sa six cordes. Le second un timbre falsetto. Qu'il met au service des chansons les moins dépouillées. Et même d'une chanson tout à fait pop, commis dans l'esprit d'un Sunny Day Real Estate, " Proud son of gaffney ". Ou encore sur les deux plus belles compositions de l'opus, " Glacial slurs " et " Innocence kindly waits " ; Will en profitant pour y démontrer tout son talent de violoniste. Et lorsqu'il passe au piano, c'est pour nous transpercer l'âme sur le douloureux " One-hundred thousand bridesmaids ". Dommage d'ailleurs que tout l'opus ne soit pas de la trempe de ces quatre petites perles, la fragilité émotionnelle du reste de l'album nous plongeant dans un climat tellement morose qu'il en devient déprimant…
Toujours aussi vert Mike Muir ! Suicidal Tendencies pourrait donner des leçons à toute une génération de groupes catalogués ‘punk-rock’. Inutile de tous les citer ici, la liste serait trop longue. Mais voilà, nos amis californiens n'ont pas la dégaine du moment. Bon nombre de majors se sont cassés les dents à essayer de faire de Suicidal Tendencies un hype. Finalement l'avantage que le groupe a pu tirer de cette autonomie a été la constitution d'un noyau de fans irréductibles… Et à l'âge de Muir, bon nombre de formations auraient déjà vendu leur âme à la toute puissante industrie du disque, pour au moins rentrer dans les bonnes grâces des majors.
De tels plans de carrière n'ont pas de raison d'être pour Suicidal Tendencies. Intransigeant depuis les débuts, le groupe n'a jamais eu sa langue dans la poche pour faire prendre conscience d'une certaine… réalité. Leurs arguments valent ce qu'ils valent, mais une chose est sûre : voilà des gens convaincus. Et pas près de retourner leur veste ! Ce nouvel opus poursuit dans la même veine que les précédents : ça va vite, ça dénonce (tout le monde en prend pour son grade) et ça balance pas mal. Même si Robert Trujillo n'officie plus à la basse, le groupe s'est quand même dégotté un slapper de tout premier choix. Et là, il avouer que cette touche plus mélodique emballe tous les titres d'un rythme funky particulièrement bienvenu. Finalement, ce " Save your soul… " est le parfait mix entre les efforts punk-hardcore de Suicidal Tendencies, dans ses moments les plus radicaux, et le côté plus grovvy des biens nommés Infectious Groove. En conclusion, un album qui peine peut-être à décoller (les 2 premiers titres ne sont pas les meilleurs), mais sprinte finalement sur près de 13 morceaux… Essoufflements garantis !
La réunion de ces deux célèbres gratteurs texans a été immortalisée dans leur jardin, au célèbre Blue Cat de Dallas.
Jim Suhler est de Dallas. Il a été découvert en 90 par George Thorogood et a régulièrement tourné avec ce dernier. Il compte trois albums à son actif. Deux commis en compagnie de son band, le Monkey Beat ("Radio Mojo" en 93 et "Shake" en 95, sur Lucky 7), et un autre dont il partage la paternité avec Mike Morgan ("Let the dogs run", en 94, sur Black Top).
Alan Haynes nous vient d'Austin. A son actif, deux albums : "Seventh son", en 84 et "Wishing well", en 94, sur Focus. A l'écoute du premier et merveilleux titre, "Too poor to die" de Louisiana Red, cette association laisse augurer de grandes choses. Cette réunion sur les mêmes planches d'une guitare et d'une slide rappelle d'ailleurs ainsi par instants, le Fleetwood Mac de la grande époque. Autrement dit celle de Jeremy Spencer et de Peter Green. Mais tout le répertoire n'est pas à cette trempe. D'autres ombres planent sur cet opus. Et ce n'est guère surprenant, lorsqu'on sait que nous sommes au Texas. Elles appartiennent au tandem Johnny Winter/Rick Derringer!
En effet, Alan Haynes chante le "Knockin' at your door" d'Eddie Taylor à la manière de l'albinos de Beaumont, TX. Et même si ce n'est pas du plus haut niveau, il faut confesser que l'énergie libérée n'est pas banale. Le Blue Cat devait ressembler à une sacrée bouilloire cette nuit d'hiver 1998. L'approche des soli sans slide d'Alan et de Jim est cependant plus classique, plus mesurée, à l'instar d' "I wonder why", de Freddie King. Blues rock lent que les rockers affectionnent, "Down and out in Texas" obéit à une rythmique, sans légèreté aucune. "Oh my baby's gone", de Ray Sharpe, est mené tambour battant, alors qu'en finale, Jim Suhler revêt la tenue de Jimi Hendrix, pour recréer "Are you experienced". La légende de Jimi n'est pas prête de s'éteindre.
En 1998, cette formation batave qui répondait alors au nom de Blues Factory, avait sorti un album intitulé "Take-a-stroll!". Le leader est le chanteur guitariste Bas Flesseman, un gars drôlement doué, toujours entouré d'une section composée de trois cuivres. Matthijs Willemsen à la trompette, Jan Spijker au sax tenor et Aldo Groen au trombone. Il a conservé Jasper Mortier à la basse et c'est l'Américain du Nord Ouest, Boyd Small, qui tient ici, avec un réel bonheur, les percussions.
Sugarcane s'embarque sur un "Hate to be messed with" dont le rytme soutenu est largement cuivré. Bas plonge ensuite ses acolytes dans le climat lugubre de " Get a heart ". L'ombre des cyprès se découpe au cœur des swamps endormis et une lap steel bien paresseuse apparaît à l'avant-plan. Saisissant et parfaitement réussi! Un effet qui se retrouve sur "Is it a crime?". L'atmosphère persiste, le rythme s'accélère, le tempo épouse le riff de Bo Diddley, la section rythmique porte l'équipe, la guitare sonne très métallique et le sax s'évade sur "It tears me up". La pédale des gaz est poussée à fond. Les cuivres impriment un rythme très élevé pour la plage titulaire. La guitare surfe au milieu des vagues. La voix légèrement fausset de Flesseman, peut faire penser à un Dr John plus mâle. On n'est pas trop surpris de se retrouver aux portes de la Nouvelle Orleans, avec "Wouldn't know". Le son pourri de la guitare se reflète dans son rythme. La slide de Richard Van Bergen, invité sur le trop court "Baby you got what I want", sautille d'aisance. Sugarcane a produit un excellent album, original, dont le style bien personnel est très perceptible sur les titres lents, mais également dans le rythme qui peut faire alors penser à nos Seatsniffers. Vous adorerez ce dutch swamp blues.
Composition du mythique John Lee ‘Sonny Boy I’ Williamson, "Sugar Mama" est une formule magique dans l'univers du blues. La première fois que j'ai entendu ce titre, c'était en août 1968. Lors du National Jazz & Blues Festival. Des flashes traversent mon esprit. J'étais étendu sur l'herbe de l'hippodrome de Sunbury. Un petit bonhomme à la longue crinière, vêtu d'un blouson de cuir miteux, armé déjà d'une vieille Statocaster se raccorde à l'ampli, puis se retourne rapidement vers le public dans une explosion sonore. Le trio qui venait de monter sur scène s'appelait Taste ; et le petit homme n'était autre que Rory Gallagher. J'ai pris une de ces claques!!! Ceci pour vous dire que Sugar Mama est une expression qui m'interpelle. Et voici 11 ans, quelques vétérans, champions du blues du Nord et Pas-de-Calais réunis, l'ont choisie pour patronyme.
Trêve de plaisanterie ! L'homme qui dirige cet aréopage, assis de manière spartiate derrière ses caisses, les baguettes à la main, répond au nom de Patrick ‘Matthew’ Dallongeville. Il est également la moitié de l'âme de BluesBoarder. Pour signer ses débuts officiels, le groupe a choisi de se faire enregistrer live. Un bon choix, parce que nos musiciens nordistes sont certes possédés par le blues, mais restent modestes. Ils ne sont pas des créateurs, mais des colporteurs. Ces ambassadeurs de la bonne parole sont trop heureux de pouvoir témoigner de leur foi musicale. Le bouche à oreille n'a-t-il pas permis aux bons us et coutumes de survivre ? Alors ouvrez les grandes, vos oreilles. Imaginez-vous au cœur d'une salle sentant bon le goudron et les vapeurs d'éthanol. Relevez vos manches, le virus du blues va vous être administré. Celui que nos quatre amis ont reçu une bonne génération plus tôt. En l'occurrence le blues urbain électrique, le Chicago blues des années 50, celui de l'écurie Chess. Un ange passe ! Dans l'ombre, des pouces se lèvent. Ceux de Willie Dixon, de Robert Johnson et de Muddy Waters. Ces dieux du passé ont le sourire aux lèvres.
Nous sommes fin octobre 1999, à Fâches-Thumesnil, aux Arcades. Le public est bien présent, de Benoît-Philippe Abeloos à Alexandre Waymel. Mathias, Patrick, Gaby et Serge, entrent en scène, affublés de John the Conqueroo. Le black cat bone et le mojo au col, ils entament l'heure qui leur est créditée. Admirons au passage la rigueur de la section rythmique, la classe montante et épanouie de Mr Dalle, la voix grave à l'accent continental et le saxo de Gabye (NDR : pas assez mis en évidence à mon goût). C'est bien parti ! Pour le vieux blouseux que je suis, je leur dirai, poursuivez l'expérience de votre écriture, "I'm worried", "Shakin' up the joint" et "Blues for Zeph". Voilà bien le Sugar Mama du nouveau millénaire. God bless you folks!
Une pareille découverte me met de bonne humeur toute la journée. Oh bien sûr, ce trio britannique en est déjà à son troisième album. Et son existence remonte quand même à 1995. Mais je souhaite bon courage à quiconque de récolter quelque information sur ce groupe. A croire qu'il s'agit d'un des secrets les mieux gardés de la scène pop insulaire. Une chose est sûre, cet opus est épatant. Hormis le complexe et éthéré " Your dog ", plus que probablement inspiré par le " Rock bottom " de Robert Wyatt, le reste est aussi contagieux que savoureux, aussi mélodique que rafraîchissant. Et chaque fragment possède ce petit quelque chose qui le différencie des autres. Bien sûr, il y a des constantes. Le timbre vocal gémissant, étranglé par l'émotion de Murray Torkildsen (Peter Perret ?) Ses interventions à la guitare tantôt crépitantes, tantôt limpides, mais toujours chatoyantes. Sans oublier, pour les trois quarts du disque, ces chœurs féminins plutôt kitsch. Mais lorsque tour à tour, des références au Who, aux Beatles, au Jam, à Elvis Costello, à Green Day, à Gentle Giant, à Gomez et même à Eels vous traversent l'esprit, vous ne pouvez être déçu. D'autant plus que ces influences sont tellement bien digérées qu'il faut vraiment décortiquer chaque morceau pour parvenir à les déceler. Remarquable !
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