On se demandait comment le groupe de Hounslow allait se dépatouiller pour s’extraire de sa britpop sentimentale et moelleuse, qui avait prévalu sur son premier album, " Expecting to fly ". Pas que cet opus était de mauvaise facture. Mais, dans le style, il faut reconnaître que la formation avait largement fait le tour du sujet. " Return to the last saloon " est une réponse cinglante à tous les détracteurs potentiels. Un superbe album qui coupe définitivement le cordon ombilical avec les influences post Oasis et post Smiths, pour embrasser une pop plus intense, plus sauvage, plus électrique, adrénalisée par la conscience du Stone Roses originel, mais également des Charlatans et du mythique et mésestimé Sad Lovers & Giants. Epatant !
Un premier titre qui pète des flammes, " Rain " (NDR : allo ?), et puis plus rien, ou plus grand chose. Coup de pompe ? Feu de paille ? On n’en sait rien. Mais le quatuor allemand constitué de trois filles et d’un kid ne parvient plus jamais à retrouver son second souffle, s’éteignant au fil des 11 ballades plutôt carrées, parfois semi acoustiques, souvent insipides, sans doute sub Texas mais sans la voix de Spiteri.
Après nous avoir mis l’eau à la bouche, lors de la sortie de " Butterfly teeth ", single enrichi de deux morceaux tout aussi remarquables ; en l’occurrence " Honeyhead " et " Dream a dream ", nous étions en droit de nous attendre à un premier album exceptionnel. Il est excellent, pas exceptionnel. Bien sûr, il reprend ces trois compositions, mais nous laisse un goût de trop peu, sans pour autant réellement décevoir. Hormis le dispensable (Alanis Morissette ?) " Top of the mountain ", ce " Hi fi junkie sonata " nous réserve quand même de bons moments. Notamment le ‘verucasaltien’ " Dirty kat ", le psychédélique " Little secret ", " Know ", plus byrdsien encore, ainsi que le mélancolique (Smashing Pumpkins ?) " Myth ". Le reste batifolant tantôt dans la britpop (Sleeper, Echobelly), le folk rock (Timbuck 3) et même l’urban rock (Iron Butterfly). Mais la force de Blue Van Gogh procède de la complémentarité des vocaux délicieusement mordants de Ray Andersen et de Patti-M-Yodlowsky, des vocaux épousant à merveille une texture instrumentale qui mêle avec beaucoup de subtilité instrumentation électrique et acoustique pour créer une pop originale, mélodique et contagieuse…
Issu du nord-ouest de l’Irlande, Perry Blake revendique pour influences majeures Brel, Cohen, Nick Drake et Scott Walker. La voix de Perry navigue d’ailleurs dans des eaux aussi troubles que ce dernier. Une voix à la fois belle, profonde et austère qui sied à merveille à ses compositions romantiques, raffinées à la fois par des orchestrations de cordes, assurées par le London Metropolitan Orchesra, et par la technologie de pointe ; mais surtout susceptibles de nous replonger dans l’univers fragile et éternellement adolescent du " Grand Meaulnes " d’Alain Fournier.
Créé en 1993 sur les cendres (ou les consignes, c’est comme vous voulez !) du défunt et narcotique Happy Mondays, Black Grape est parvenu à égaler, voire supplanter la popularité des premiers (givrés) cités. La formation réunit alors l’ancien guitariste de Paris Angel, deux membres du combo (rap évidemment) The Ruthless Rap Assassins (dont le célèbre Kermit) et inévitablement les rescapés des joyeux lundis, soit le danseur fou Bez, et Shaun Rider, l’homme à la vie exemplaire. Le premier opus avait atteint la première place des charts anglais. Celui-ci devrait en faire tout autant. D’autant plus que tous les ingrédients funk, groove, rap, gospel, punk, soul, rock et évidemment l’humour exquis, ingrédients que l’on avait vraiment appréciés sur " It’s great when you’re straight… yeah " n’ont ni été noyés dans la bière, ni galvaudés en fumée... Et si vous ne nous croyez pas, écoutez la reprise exceptionnelle de Pierre Henry… " Money Back Guaranteed ". A en perdre son souffle ! Dernier conseil, lorsque vous découvrez deux yeux globuleux vous observant dans un rayon musical, n’hésitez pas… achetez-le ! Maintenant, le big problem, c’est que ce Black Grape risque fort de passer bientôt à la trappe. Motif, Shaun Ryder a viré tout le monde… Encore une histoire de pétés, mille pétards…
Luc Haines est un type très occupé. Non content de driver les Auteurs et d’expérimenter ses idées les plus baroques chez Baader Meinhof, il vient de s’associer au projet Black Box Recorder, en compagnie d’un ex drummer de Jesus & Mary Chain, reconverti depuis en multi instrumentiste, John Moore et de la vocaliste Sarah Nixey (NDR : et pas d’erreur de prononciation, bande de coquins !). Une chanteuse dont le timbre intimiste, particulièrement sensuel, fait penser à celui de Nina Persson des Cardigans, alors que le ton déclamatoire épouse plutôt celui de Jane Birkin. Musicalement, BBR génère une atmosphère sombre, languissante, mystérieuse, beaucoup trop minimaliste pour fréquenter le monde du trip hop, même si inconsciemment, l’esprit de Portishead plane tout au long de cet " England made me "…
Si vous aimez les Pastels et que vous regrettez toujours la disparition de Felt et surtout des Smiths, Belle & Sebastian devrait vous combler de bonheur. Un ensemble écossais, constitué de huit musiciens, dont l’imagination perverse et romantique, est sculptée dans une forme de folk esthétique et délicat. " The boy with the arab strap " constitue le troisième album de la formation. Un disque dont la résonance poétique doit beaucoup à son chanteur/compositeur, Stuart Murdoch. Encore que sur cet opus, le maître ait accepté de céder la plume à Isabel Campbell et Stuart David, sur quatre fragments. Ce qui ne change, cependant, pas grand chose au style proposé par le groupe, sur ce disque. L’instrumentation basiquement folk est toujours judicieusement enrichie d’une panoplie d’instruments, dont un violoncelle, une trompette, un hammond et une boîte à rythmes. " Post postcard " pour les puristes, ce disque est considéré, outre-Manche, comme un des meilleurs albums de l’année 1998…
Deuxième opus pour ce septuor écossais, glasgowégien très exactement, dont le patronyme trahit un sens très aigu de l’esthétisme, tout en exhalant un parfum étrange, presque euphorisant de romantisme adolescent. Pourtant, si Belle and Sebastian conjugue l’insouciance des Pastels, la sensibilité acoustique de Nick Drake, l’intimisme chaleureux de Pale Fountains, la qualité des arrangements du mythique Go-Betweens et la fibre poétique d’un Donovan, il atteint la richesse instrumentale d’un Felt et la poésie des Smiths. Ce qui lui permet de ne pas se contenter de se lover dans la tendresse moelleuse, souvent responsable de chansons aseptisées. D’autant plus que les mélodies, contagieuses, astucieuses, sont servies par des lyrics aussi mordants et décapants que ceux de Jarvis Cocker (Pulp)…
Des apiculteurs qui butinent ! C’est le monde à l’envers. Et qu’est-ce que butinent ces Irlandais de Derby ? Le pollen du punk rock insulaire, pardi ! Et tout particulièrement celui des Undertones et de Stiff Little Fingers. Mais avec des appétits aussi gloutons que ceux de Manic Street Preachers, China Drum, Joyrider ou de 3 Colours Red. Ce qui vous donne une petite idée de la qualité du miel sonore produit par les Beekeepers. Une gelée énergétique, tumultueuse, chargée d’adrénaline qui dégouline à travers les mélodies hymniques. Et pour raffiner le nectar de ce "" Third party, fear and theft ", le groupe a reçu le concours de Marco Pirroni à la production. Pas sur tous les titres, mais presque…
" Mutations " constitue le cinquième ou le troisième album de Beck, suivant que l’on comptabilise ses expérimentations menées pour les labels indépendants ou pas. En fait, à l’origine, cet opus composé de chansons écrites au cours des quatre dernières années, devait paraître sur " Bongload ", à l’instar de " Mellow Gold ". Mais, après avoir écouté les bandes démos, Geffen a mis le paquet (au propre comme au figuré) pour le récupérer. Et à notre humble avis, ce n’est pas à fonds perdus. Car ce disque ne manque pas d’allure. Plus confessionnel, plus confidentiel, à l’instar d’un Bob Dylan qui aurait été piqué par l’acid rock médiéval, capricieux, de Syd Barrett, au point de virer parfois dans le Pink Floyd cosmique. Pour la plupart des compositions. Car, ce disque recèle également quelques fragments traditionnellement country/folk, où Beck se montre aussi à l’aise que Neil Young à l’harmonica ; et puis surtout son lot de surprises. Notamment le single " Tropicalia ", hommage au révolutionnaire brésilien Caetano Veloso, relaté sous une forme allègre et pétillante de samba typiquement latino-américaine. Et puis, également, " Oh Maria ", trempé à la fois dans le jazz et le cabaret. Peu de traces de hip hop, cependant, sur " Mutations ", mais quand même une petite incursion dans l’underground, exercée sur " Diamlond bollocks ", avec beaucoup d’imagination…
Difficile de chroniquer un album que toute la presse spécialisée s’est empressée d’encenser, alors que nous l’estimons d’honnête facture, sans plus. C’est vrai que le groupe célèbre ses dix années d’existence, et compte à son actif sept albums ! Que depuis que Paul Heaton a abandonné les Housemartins pour fonder Beatiful South, les hits singles se sont succédés à une cadence régulière, et les différents albums ont atteint une place de choix dans les différents charts. En plus, Norman Cook, le bassiste de la défunte formation, est venu donner un petit coup de main, lors des sessions d’enregistrement. Mais ce qui nous chagrine le plus, c’est que si les 13 compostions de " Quench " ont tout pour plaire, elles sont façonnées dans un même moule depuis 1988… Ce qui n’empêche pas la formation de faire preuve de beaucoup de charme et d’élégance dans l’approche du sens mélodique. De pouvoir compter sur des lyrics souvent sarcastiques, engagés, rebelles dans le contexte sociopolitique actuel. D’entretenir un climat intimiste, mélancolique, au sein duquel la voix chaude, souple de Paul Heaton, se sent comme un poisson dans l’eau. Tout irait pour le mieux dans le meilleur des mondes, si justement ce disque n’avait pas cet arrière-goût de déjà entendu…
En dix-sept années d’existence, le quintette californien (Los Angeles) n’a pratiquement pas changé de line up, mais surtout a commis neuf albums studio, un ‘live’, quelques ‘best of’, deux Eps et une flopée de singles. Un parcours exclusivement attaché aux valeurs sociales, écologiques, donc politiques, accompli à travers un punk pop bourré d’énergie. Musicalement, on n’est cependant très loin de l’aridité d’un Fugazi, Bad Religion accordant une grande importance au sens mélodique de ses chansons que nous pourrions qualifier de contagieuses, d’impétueuses et surtout d’hymniques ; mais également à la qualité des harmonies vocales. Et ce " Substance " n’échappe pas à la bonne règle, rappelant même parfois les meilleurs moments des Buzzcocks, ou dans un registre plus contemporain le très britannique China Drum…
Difficile d’imaginer que ce quintette suédois en est déjà à son quatrième album, alors qu’il n’existe que depuis fin 92. Faut dire que le groupe peut compter sur la plume particulièrement prolifique de Peter Svenson, qui se réserve en outre les parties de guitare. Mais, le personnage central chez les Cardigans, demeure bien évidemment Nina Persson. Jolie, blonde, nordique, comme on colle aux affiches, douée d’une voix à la fois limpide et sensuelle (NDR : c’est tout ?)… Enrichi d’un superbe booklet consacré aux paysages scandinaves, " Gran turismo " implique davantage d’éléments technologiques, s’imposant de plus en plus comme le chaînon manquant entre Saint Etienne et Dubstar. A la recherche de sonorités électro-atmosphériques que ne désavoueraient ni Pizzicato Five, ni Bel Canto, ce chouette album épingle quelques hits en puissance, tels que le remarquable " My favourite game " ou encore " Erase rewind " ; mais surtout des chansons abordées avec une insouciance délicieuse, réminiscence de la pop des sixties, qui parviennent à réaliser la balance entre la pensée et la spontanéité, le calme et la folie…
Pour enregistrer son premier album solo, le guitariste d’Alice In Chains a notamment reçu un coup de main de deux de ses condisciples ; en l’occurrence le drummer Sean Kenny et le bassiste Mike Inez ; mais pour deux titres seulement. Un disque qui baigne inévitablement au sein d’un climat post grunge. Surtout à cause du timbre vocal languissant, mélancolique de Jerry. Et puis de l’aspect insidieux, teinté d’amertume des mélodies. Mais la texture instrumentale se révèle beaucoup plus riche, plus élaborée. D’abord, les parties acoustiques et les poussées de métal sont bien équilibrées. Certaines compositions adoptent même un profil franchement country. Et la présence d’une slide n’y est certainement pas étrangère. Une country originale qui nous rappelle, quelque part, un certain Poco. D’autres encore s’aventurent, à l’instar d’un Brad, dans le funk, le jazz et même la prog. Des expériences que Cantrell mène avec beaucoup de bonheur ; et qui, en tout cas, nous ont agréablement surpris…
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