Tout comme son titre l'indique, cet album réunit intégralement les trois premiers EP's du Beta Band. Un groupe fou fou fou, mais à l'imagination fertile. Dans l'esprit de Gorky's Zygotic Mynci, mais en plus audacieux. Ce qui, à premier abord, peut paraître étonnant, lorsqu'on sait que la musique de ce quartette anglo-écossais repose sur une structure fondamentalement folk. Mais ce fil conducteur est étoffé par de multiples paramètres instrumentaux, rythmiques et technologiques. A un tel point que certains développements nous entraînent vers des directions tout à fait inattendues. Que ce soit à cause du groove funkysant propre à Beck ou des expérimentations psychédéliques dignes de Spiritualized, voire de Spacemen 3 ; lorsqu'on ne traverse pas le prog rock des seventies pour y célébrer la rencontre entre le folk insolite de Sound's Jug et le garage cosmique du Jefferson Starship de Paul Kantner et de Grace Slik, circa " Blows against the empire ". A moins qu'on y plonge dans les délires atmosphériques du Gong de Daevid Allen. Et après avoir écouté les douze titres de ce CD, on n'est même pas sûr d'être parvenu à avoir fait le tour du sujet, en expansion constante. Ce qui n'empêche pas le groupe de retomber régulièrement sur ses pattes, et de nous servir également de superbes chansons mélodiques, à l'instar de " She's the one ", qui flirte quand même avec les huit minutes...
Leur rock’n roll doit beaucoup aux sixties, et notamment aux groupes de la West Coast, Buffalo Springfield, Moby Grape et les Byrds. Mais également au Who et aux Rolling Stones. Normal, lorsqu’on sait que la formation est issue de Leicester. Et il y a un peu plus de dix ans que le groupe milite dans le même style. Sans pourtant récolter beaucoup de succès, il faut l’avouer. Ce qui ne l’empêche pas de sortir aujourd’hui son sixième album, dont une édition limitée est doublée d’un deuxième morceau de plastique, consacré à des démos de leur tout premier elpee, " Shakespeare Alabama ". John Butler en est le leader, le chanteur, et le guitariste mais aussi le compositeur. Rebelle littéraire, il aborde dans ses chansons des textes aussi universels que préoccupants que la guerre, la famine, la pauvreté, le racisme, le totalitarisme économique et la violence, avec une honnêteté émotionnelle digne de Bruce Springsteen…
Considéré comme le parrain de la scène hardcore new-yorkaise, Agnostic Front roule sa bosse depuis 1981. Un quatuor drivé par un duo de choc. En l’occurrence, Roger Miret, chanteur, homme de scène charismatique, dont les tatouages lui couvrent le corps comme une véritable peinture. Et Vinnie Stigma. Membre fondateur, compositeur principal et guitariste. Forgé dans la colère et tempérée par la rage, cette formation dispense une solution sonore agressivement brutale ; mais dont les lyrics élégants et engagés alimentent des mélodies contagieuses, dans le sens le plus punk du terme. Non initié(e)s, s’abstenir !
Pour une formation dont l’existence remonte à plus de dix ans, on ne peut pas dire, qu’à ce jour, elle ait fait beaucoup parler d’elle. Faut dire qu’à ses débuts, nonobstant quelques chansons enregistrées sous la houlette de Steve Albini, ce trio chicagolais pratiquait un post punk particulièrement décapant. Depuis, le style de 22 a évolué vers une musique beaucoup plus atmosphérique, ténébreuse, dans la lignée de Zoom, Slint et Arcwelder, même si, tout au long de ce " Watertown ", le climat peut tout à tour être balayé par une brise cold (And Also The Trees ?), se fondre dans l’impétuosité électrique du post grunge (Smashing Pumpkins circa " Siamese Dream "), voire dans la fragilité introspective d’un American Music Club. La voix gémissante, aride de Brian, dont le timbre semble coincé quelque part entre celui de Mark Eitzel et de Bily Bragg, accentuant cette sensation de spleen inconsolable…
Deuxième album pour cet ensemble mancunien, qui était parvenu en 1996, à décrocher un hit single avec la cover euphorique de " Bankrobber " du Clash. Deuxième album qui recèle déjà trois autres tubes en puissance : " Policeman shank ", " Personnal feeling " et " Get out of here ". Maintenant, il est exact que si Audioweb était né quelques années plus tôt, et en particulier en plein boom house, il aurait pu tenir la dragée haute aux Happy Mondays et consorts. Mais aujourd’hui, il est logé à la même enseigne que Black Grape ou Space Monkeys. C’est à dire responsable d’une très chouette musique, mais qui appartient déjà au passé. Ce qui n’est pas une raison pour gâcher votre plaisir à l’écoute de ce " Fireworks city ", riche en samples, en arrangements de cordes, en accès d’électricité incisifs et en percussions viscérales. Un mélange à la fois insidieux, mélodieux mais groovy de rock, de funk et de reggae, qui s’épanouit au cœur même du dub. Même un producteur comme Adrian Sherwood doit regretter de ne pas les avoir pris sous sa houlette ; la mise en forme, ayant été confiée, sur ce morceau de plastique, à Steve Lironi (Black Grape, Space).
Lors de la sortie de " 1977 ", en 1996, nous nous étions montrés particulièrement enthousiastes. Malgré un changement de line up, élargi depuis quelques mois à une seconde guitariste, en l’occurrence l’ex Nightnurse Charlotte Hatherling, ce " Nu-clear sounds " nous a de nouveau enflammés. Un opus pour lequel la formation irlandaise a encore reçu le concours d’Owen Morris, qui partage cependant son rôle de producteur et d’ingénieur du son avec le quatuor et Chris Kimsey. Une œuvre plus brute, plus directe, mais toujours aussi mélodique. Mais ce mélange d’énergie, d’intimité, Ash l’exprime avec une sauvagerie punkysante. Comme sur le stoogien " Fortune teller ", le pixiesque " Numbskull ", l’hymne métallique " Death trip 21 " ou le superbe " Jesus says ", digne de Jesus & Mary Chain. La formation accorde bien sûr encore de la place aux ballades hymniques, célestes, à l’instar de " Low Ebb ", ou " Burn out ", d’ " Aphrodite ", ou d’ " I’m gonna fall ", mais en général, le son est plus sauvage, plus percutant, plus noisy même, à écouter de préférence à fond la caisse. Enfin, si la pochette est tout à fait originale, parce qu’insérée entre deux plaques aimantées, on ne peut pas dire que pour l’ouverture et le rangement, ce soit vraiment pratique…
Nonobstant 400 compositions enregistrées sur un quatre pistes entre 88 et 94, la consécration commerciale de Baby Bird ne s’est produite qu’en 1996, lors de la sortie de " Candy girl ". Steve Jones, alias Baby Bird, nous revient avec un nouvel opus. " There’s something going on ". Onze titres caractérisés par l’intronisation d’un véritable batteur en lieu et place de l’ancienne boite à rythmes. Un changement qui pourtant ne perturbe en rien le style adopté par la formation depuis ses débuts. La simplicité avant tout. Des riffs de guitares mélodiques, gélifiés, tendres. Une voix rauque, un peu cassée, généreuse. Des textes mélancoliques, romantiques. L’album est de très bonne facture. Naviguant quelque part entre la new-wave de U2 et surtout d’Echo & the Bunnymen. Mais aussi de la britpop. Circa House of Love voire James. Petit point noir au tableau : l’usage excessif des dispensables ‘la la la…’ ; la simplicité chère à Steve se muant dangereusement en un simplisme grotesque. Pour conclure, disons que ceux qui aiment n’ont pas le droit d’être déçus…
Nouvelle compile pour ce groupe georgien, d’Athens très exactement, qui a marqué l’histoire de la pop/rock américaine entre 1978 et 1985. C’est à dire jusqu’au décès de son guitariste et membre fondateur, Ricky Wilson. Responsable d’une musique sucrée, insouciante, bourrée d’humour, caractérisée par un beat légèrement funk, épileptique, un orgue farfisa intrépide et un son de guitare popularisé vingt ans plus tôt par les Ventures, les B 52’s pouvaient aussi compter sur la complémentarité des vocaux juvéniles de Cynthia Leigh et de Kate Pierson, qui répondaient au débit déclamatoire de Fred Schneider. Le groupe va d’abord accumuler les hits à une cadence vertigineuse : " Rock lobster ", " Planet claire ", " Give me back my man " ou encore " Party out of bounds ". Et la liste est loin d’être exhaustive. Puis connaître une traversée du désert jusque 1988, avant de connaître une résurrection glorieuse lors de la sortie de l’album " Cosmic thing " et surtout du single " Love shack ". Commis en 1992, le très énergétique elpee " Goodstuff " coïncidera cependant avec le départ de Cindy… Bonne nouvelle, après six années d’absence, elle a réintégré le noyau. Qui s’apprête à enregistrer un nouvel album. D’ailleurs, sur cette compilation, qui réunit la plupart des tubes des B 52’s, on y remarque deux nouvelles compositions, " Hallucinating Pluto " et " Debbie ", hommage à la chanteuse du mythique Blondie…
Imaginez le résultat du choc né d’une rencontre hypothétique entre Anthrax et Public Enemy, et vous aurez une petite idée du style pratiqué par Bullyrag. En moins commercial, pour ne rien vous cacher. D’ailleurs tout en tordant son hardcore avec furie et passion, il parvient à picorer dans tous les styles musicaux. Depuis le hip hop au blues, en passant par le rock, la pop, la jungle, la soul, la prog et le punk. Nous n’avons, en outre, pas la prétention d’avoir fait le tour du sujet, tant les références sont multiples…Malheureusement, si le produit fini ne manque pas de groove, il faut reconnaître qu’il manque singulièrement de relief…
" Smitten " constitue le sixième album du trio de Somerville, près de Boston, dans le Massachusetts très exactement. Un disque qui laisse bien sûr encore une bonne place à l’électricité. En particulier sur " Register side " et " Walking wounded ". Mais qui se veut plus éclectique. D’abord, la six cordes acoustique ou semi-acoustique y est plus présente. Un phénomène qui s’explique assez facilement, lorsqu’on sait que Bill Janovitz avait sorti début 96 un album solo minimaliste. Ensuite, Phil Aiken, le nouveau claviériste, intervient assez régulièrement au clavier ou au piano. On a même droit sur " Scottish widows " à la participation d’une section à cordes. Mais le plus intéressant procède de la plus grande participation de Chris Colburn aux vocaux. Son timbre particulièrement chaud, coincé quelque part entre celui de Paul Weller et de Rod Stewart, neutralise les inflexions abrasives, sableuses de Bill. Et si Buffalo Tom n’a rien perdu de sa profondeur émotionnelle et de sa fraîcheur mélancolique, force est de reconnaître qu’il lorgne de plus en plus dans le jardin de Crowded House ou de Lemonheads. Enfin, sur l’étonnant " White paint morning ", il participe à un exercice de style syncopé, digne du Jam. Etonnant ! Maintenant, sans paraître oiseau de mauvais augure, la prise de conscience de Chris, comme chanteur, n’est pas du tout salutaire au futur du groupe…
Destin tragique pour la famille Buckley, qui a vu le père, Tim, décéder d’un arrêt cardiaque, suite à une overdose, à l’âge de 28 ans, alors que le fils s’est noyé l’an dernier dans les eaux du Mississipi. Jeff n’avait pas 31 ans. Et tout comme son paternel, il risque de devenir une légende posthume. Pas parce que son label veut tirer parti de ce drame, mais simplement parce que cet artiste était bourré de talent. Bourré de talent et en même temps détenteur d’une voix exceptionnelle, sorte de falsetto poignant, à mi chemin entre le timbre de son père et celui de Thom Yorke (Radiohead). Voyez le topo ! Double CD, " Sketches for my sweetheart the drunk " réunit des compositions que Jeff avait prévues pour son nouvel opus. Quatre d’entre elles avaient d’ailleurs déjà été produites par Tom Verlaine. Et puis des raretés, notamment, des démos qu’il avait réalisées à son domicile. 21 titres alimentés par une musique cosmique, underground, tramée dans une sorte de blues/folk/jazz/rock alternatif. Mais underground dont l’originalité pourrait bien, d’ici quelque temps, inspirer une nouvelle génération de créateurs. M’enfin, seul l’avenir nous le dira…
Fin 1996, Stone Roses splitte. Dans la foulée, John Squire, le guitariste fonde Seahorses, groupe qui sort un premier album en juin de l’année suivante. Ian Brown accuse le coup. Mais passée la déception, il décide de refaire surface. En solo. Enfin, presque. Puisque pour concocter cet " Unfinished business ", il a reçu la collaboration de deux anciens Stone Roses. Mani et Reni. Respectivement bassiste et drummer du line up initial. Sur un des meilleurs fragments de l’elpee, " Can’t see me ". Plus Stone Roses que nature. Parce que sur ce morceau de plastique, on y découvre d’excellentes choses, comme les acoustiques " Sunshine " et " What happpened to ya part I " ; le premier, sous influence " sydbarrettienne ", le second respectant une forme davantage bluesy. Sans oublier le superbe single " My star ", qui réalise la fusion idéale entre le psychédélisme des Beatles circa Magical Mystery Tour et la house des Happy Mondays. Dommage d’ailleurs que toute l’œuvre de soit pas de cette trempe ; sans quoi nous aurions décrété que cet " Unfinished business " était déjà sélectionné pour figurer parmi les meilleurs albums de l’année 1998…
Considéré, à l’origine, comme un projet éphémère, Brad vient d’avoir la bonne idée de sortir un deuxième album. Excellente idée, d’autant plus qu’à l’instar de son premier " Shame ", cet " Interiors " est de la même veine. Et, on pense, ici plus particulièrement à " Secret girl ", qui réverbère des échos de " Search and Destroy " des Stooges, à la ballade ténébreuse, languissante, 'procolharumesque' " Upon my shoulders ", ainsi qu’au funkysant, 'lennykravitzien' " Sweet al George ". Autre bonne nouvelle, le line up n’a pas changé. On y retrouve donc toujours Shawn Philipps (Pigeonhead, Satchel), Regan Hagar (Satchel), Stone Gossard (Pearl Jam) et le solitaire Jeremy Tobback (NDR : rien à voir avec l’intérieur ! ! !). Pour enregistrer cet opus, le groupe a quand même reçu le concours de Mike Mc Cready (Pearl Jam) sur " The day brings ", à la guitare, et du producteur Brendan O’Brian sur trois autres. A la six cordes sur le dépouillé, presque ‘harvestien’ (Neil Young ?) " Some never come home ", le mid tempo " Lift ", ainsi qu’ " I don’t know ", fragment sur lequel il se réserve également les claviers. Un disque dont les mélodies qui rôdent, secouées par une foultitude de sous courants rythmiques, fouillent au plus profond de l’émotion. Une sensation amplifiée par les timbres vocaux de Shawn et de Jeremy. Le premier vibrant, déchiré par la détresse, le second, falsetto, aussi limpide que celui de Robert Wyatt.
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