Edible Woman constitue assurément une des bonnes surprises de la fin de ce mois de décembre. Un trio italien injustement méconnu qui évolue dans l’univers du psychédélisme. D’ailleurs, après avoir écouté « Everywhere at Once », on comprend mieux pourquoi Julian Cope est devenu un inconditionnel de la formation. S’inspirant d’une nouvelle de Margaret Artwood, pour choisir son patronyme, le groupe est né 2001. A l’époque, leur musique baignait dans la noisy. C’était juste avant l’arrivée de leur chanteur, Luca Gionni, et la publication d’un premier elpee, intitulé « Space/me Calf ». En 2004. Leur guitariste les quitte, l’année suivante. Et décident de le remplacer par un claviériste. Sous ce line up, ils concoctent le très réussi « The Scum Album ». En 2007. Caractérisés par ses nappes de claviers, leurs compos sont quasiment pop. Et pourtant, leur psyché intègre également des éléments puisés dans le hardcore et le punk.

« Everywhere at Once » est certainement leur œuvre la plus ambitieuse, réalisée à ce jour. Les sources sont identiques. Mais le résultat encore plus probant. Original et bourré d’énergie, également. Passé l’intro folk (NDR : à peine une minute !), on entre immédiatement au cœur de la quintessence de l’opus : « A Small Piece Odissey ». Une compo furieuse, imparable, parsemée de déflagrations sonores et infiltrée d’interventions à l’orgue quelque peu dérangées. Des morceaux comme « The Shadows of Doubt » ou l’irrésistible « Everywhere at Once », caractérisé par des accès jazzyfiants assez prononcés, passent également bien la rampe. Et la ligne de basse particulièrement dynamique d’Andrea Gionni, n’y est pas étrangère. Véritable claque, « Hi, This is Hardcore » clôt ce superbe long playing. Et on reste pantois. En regrettant qu’il soit déjà terminé. Edible Woman ou le meilleur antidote aux Berluscon(ner)i(es) qui éclaboussent l’Italie…

Si vous appréciez Nick Cave, Stuart A. Stapes et Kurt Wagner, Grizzly Adams devrait peut-être vous botter. Ce n’est pourtant ni une formation australienne, britannique ou américaine, mais batave, issue d’Utrecht très exactement, au sein duquel milite un chanteur dont la voix est aussi sombre que celle de ces illustres références. Le groupe a choisi un titre en espagnol pour baptiser son elpee « Hombre Grande ». Il se traduit par ‘grand homme’. Serait-ce la figure iconique de ces chanteurs aux voix profondes ? C’est en tout cas une hypothèse plausible, tant leur album s’érige en une sorte de ‘Best Of Deep Voice’.

Serions-nous en présence d’un pur exercice de style ou d’une caricature ? Peut-être ; mais un destin international semble, en tout cas, ouvrir les bras aux Grizzly Adams, car « Hombre Grande » devrait plaire aux nombreux fans de Lambchop (« Invitation »), des Tindersticks (« Waiting For »), de The National (« Don’t Come ») voire de Nick Cave (« Hello Dan »). Et si le baryton de Daniel Papen n’est pas toujours aussi maîtrisé que celui de ses maîtres, les ambiances, souvent mélancoliques, tissées soigneusement par le groupe, rappellent bien souvent les meilleurs moments de ces artistes notoires. « The Mothers » et « Invitation » constituent certainement les deux meilleures compos de l’opus. Empreintes de mélancolie, les mélodies assument parfaitement leur profil dramatique. Le titre maître et « Desire By Blue River » sont également de toute bonne facture. De petites touches électro judicieuses colorent une expression sonore dominée par les guitares, mais également parcourues d’accords de piano et d’envolées de cordes. Notons également la très belle reprise –crépusculaire– du « Signed DC » de Love, formation californienne mythique.

« Hombre Grande » n’est pas une œuvre qui brille par son originalité, mais elle est parfaitement exécutée et profondément habitée… Et à ce titre, elle mérite qu’on y prête une oreille attentive.

En avril dernier, l’homme qui change de chemise comme de pseudonyme, avait publié le premier tiers de son triptyque, « One One ». Un recueil de chansons pop minimalistes, au cours desquelles, pour la première fois, l’Anglais poussait la chansonnette. Toujours aussi versatile, dans ses choix, Matthew Herbert a décidé de nous entraîner sur les dancefloors des night-clubs. Un disque enregistré au sein du mythique club ‘Robert Johnson’ de Francfort. Ce qui explique son titre : « One Club ». Disque riche en expérimentations sonores, son originalité procède du contexte qui a entouré son enregistrement. En fait, il a recueilli des tas de sonorités ‘live’ au cœur de la foule présente dans l’enceinte du ‘Robert Johnson’ (danses, embrassades, sonneries de téléphones, conversations privées et même bruits produits dans les toilettes) entre 20h00 et 22h00. Il a ainsi disséminé ses microphones au sein de l’immeuble, fréquenté alors par 600 personnes. Il ne lui restait alors plus qu’à coller le résultat sur des beats et boucles techno. Tour à tour percutantes ou contemplatives, les plages produisent un effet saisissant. Matthew est un artiste qui ne manque pas d’idées, c’est une certitude. Mais en privilégiant la recherche pure, on ne voit pas trop comment on pourrait remuer le popotin, à l’écoute de sa solution sonore. Dont les titres, plus anecdotiques les uns que les autres, sont à des années-lumière de refléter une image ‘mainstream’. Mais après tout, on s’en tape ! En attendant « One Pig », ultime galette de la trilogie d’Herbert est hallucinante et mérite une écoute, à sa (très) juste valeur !

Parmi les revivalistes 80’s, on en voit des vertes et des pas mûres. Le dernier en date ? Un duo synthé-pop affreusement gominé répondant au patronyme de Hurts. Et ouais, ça fait mal ! Le look serait essentiel dans la musique, paraît-il. Adam Anderson et Theo Hutchcraft ont donc vraiment tout compris lorsqu’il s’agit de se nipper comme de vrais ringards. Enfin excusons-les de ce mauvais goût. Finalement, le but n’est-il pas de causer musique, Ca tombe bien ! Car leur premier opus « Happiness » mérite vraiment qu’on s’y intéresse. Car parfois, ça fait du bien de se lâcher sur les grosses productions foireuses ! Cette rondelle en est une dans toute sa splendeur. La voix mielleuse de Hutchcraft et les sonorités spatiales électroniques sont à vomir (« Silver Lining »). Les textes sont à l’eau de rose (« Blood, Tears & Gold »). Et même le duo gnangnan échangé en compagnie de Kylie Minogue (« Devotion ») fait pitié. Bref ce « Happiness » possède toutes les propriétés pour nous rendre malheureux ! Il y a des jours où je préfèrerais être sourd plutôt que de devoir me farcir un truc aussi médiocre…

Diffusé par le label Grolektif depuis le 9 novembre dernier, le second disque de N'Relax se révèle être assez surprenant. Bien qu'inégal, l'album "Oak Tree" démontre que le groupe possède de réelles qualités et une personnalité qui s'affirme. Si la voix de Marine Pellegrini s'inscrit dans la mouvance déjà surchargée des chanteuses-femmes-enfants, initiée par Björk ou Joanna Newsom, l'instrumentation tour à tour jazz, électronique ou pop, dessine des ambiances originales.

Le premier groupe de Marine Pellegrini s'appelait Pink Petticoat, et l'on peut écouter sur leur MySpace de jolies compositions, mêlant habilement jazz et chanson française. Déjà, à l'époque, le goût du texte était présent. 

N'Relax est la suite de son parcours, pour lequel la chanteuse s'est entourée de Pierre Vadon pour la guitare et les claviers, Lucas Garnier à la trompette, Matthieu Play au sampler et les ‘petits instruments’ ainsi que Nicolas Taite pour la batterie. Voix et instruments s'entrecroisent en d'obsédants vas-et-viens. Les textes, hypersensibles et corrosifs, sont chantés avec une certaine malice qui les rend plus légers. Un côté un brin désuet, romantique et brut à la fois, des textes récités sur quelques notes, souvent à la première et deuxième personne, charpentent une musique intimiste.

Derrière le titre de fable "Tiger and sparrow" (le tigre et le moineau) se cache l'histoire d'une maladie (le tigre) et d'une âme (le moineau), vivant à l’intérieur de la même cage thoracique, rappelant le nénuphar grandissant dans le poumon de Chloé ; celui de « L'Ecume des jours » de Boris Vian. ‘You know this place is too small for both of us’ dit le moineau au tigre, ‘I can't see the light’. "Early autumn" se réfugie dans un jazz mélancolique, laissant place à la trompette et à la voix pour un duo digne de Beth Gibbons. Quelques titres sont chantés en français, comme "La treille des rêves" qui débute sur quelques notes d'accordéon-jouet, derrière lequelles on entend des oiseaux. La voix dépose des mots acérés. Quelques sonorités de carillon et l'univers se dessine. Ces poèmes chantés révèlent une certaine qualité d'écriture. Les morceaux n'abusent pas des effets, le son semble brut, peu retouché. Certains morceaux sont plus acidulés, sur des mélodies pop rappelant Ellen Allien, comme "L'horloge" et son refrain de générique de dessin animé. "Eddy (part I)" est léger et grave à la fois, répétant le même refrain soutenu par une batterie et une trompette. "Eddy (part II)", superbe dans sa lenteur, débute sur quelques notes de guitare, à laquelle viennent s'ajouter un tuyau chantant dans les airs, et une trompette funèbre. Le chant forme comme une ligne ininterrompue, jusqu'au manque de souffle. "I can see" commence ainsi : ‘I can see myself dying everyday, on the street, on the way’, puis Marine Pellegrini énumère les façons dont elle s'imagine mourir, écrasée par un bus, par une étoile… le tout sur une ballade mi-entrainante mi-angoissante soutenue par des violons. "Eddy (part III)", avant-dernier morceau du disque, offre la même simplicité de composition (quelques notes de carillon, synthé et voix) et une densité émotionnelle similaire.

L'album oscille entre accords dissonants, jazz fusion, et ambiances plus convenues. N'Relax cherche dans différentes directions ; mais, n'est-ce pas ainsi que l'on découvre des chemins inconnus ?

N'Relax pourrait partir encore plus loin dans cette fouille viscérale. Même si les Lyonnais flirtent avec des ambiances pop acidulées, leur originalité procède plutôt de ce regard introspectif, certainement plus difficile, et du goût du texte, qui prend toute son ampleur quand celui-ci est dans la langue de Molière.

Pour ma part, je parierais bien volontiers que l'on entendra parler de cet ensemble lyonnais d'ici peu.

Sharko, c’est David Bartholomé. Et David Bartholomé c’est le Tintin du rock belge… Ses débuts, il les a accomplis en solitaire. Déjà. Dès 1992. Mais il meuble rapidement sa solitude, à l’instar du plus illustre reporter de notre plat pays. Et pour cause, après avoir publié un premier cd solo, intitulé « Feuded », en 1997, dont il extrait l’excellent single « Wake Up », il s’adjoint les services d’un fidèle compagnon. Depuis le second millénaire, dans le rôle de l’inséparable Milou, Henri Teuk l’épaule donc aux guitares.

Douze mois plus tard, vêtu d’un imperméable vert (NDR : celui de Tournesol ?), Julien Paschal débarque et récupère les baguettes que David se réservait énergiquement jusqu’alors. Le line up résiste jusqu’en 2008 où, fatigué par le rythme et lassé des tournées, le drummer passe le relais à Charles Decroix (Dupont ?), lui-même remplacé en 2010 par Laurens Smagghe (Dupond ?)

Depuis les prémices de sa carrière, David a toujours privilégié la musique qui pouvait ‘percuter’ sur scène. C’est dans ce contexte qu’il faut donc aborder ce Be(a)st of. Quinze titres qui sont autant de crochets à la face, de directs au foie, d’uppercuts au menton ou de jabs en pleine poire. Après douze ans de carrière, notre Tintin national a choisi et remasterisé ce qu’il y avait de plus révélateur parmi ses cinq albums studio. Dans sa sélection (elle aurait pu être plus large encore), on épinglera plus particulièrement les trois versions inédites de « Excellent », « Spotlite » et du très dance-floor « We Should Be Dancing ». A ces trois nouvelles versions s’ajoutent pêle-mêle, pour le plus grand bonheur des fans, des titres tels que « Rise up », « Motels », « Sweet Protection » ou encore « Since You Called » et « Yo Heart ».

Une excellent sélection, donc pour ce Be(a)st of, résumé parfait d’une carrière débutée, ben oui, en 1992, où exilé aux USA, David faisait déjà parler de lui dans de petits clubs folk-grunge de la côte ouest.

‘Tintin en Amérique’, seconde version, en quelque sorte !!!

A voir d’urgence sur scène si vous n’en n’avez pas encore eu l’occasion. Son dernier set, auquel j’ai pu assister était même mémorable. C’était dans le cadre de l’édition 2010 du festival Sugarock (NDR : voir le compte-rendu consacré à cette prestation, dans notre rubrique festivals).

A qui attribuer le rôle du capitaine Haddock, dès lors ???

Ben ce s’rait p’têt bien leur producteur Dimitri Tikovoï (Placebo, The Horrors, Goldfrapp) qui, depuis cinq ans, se décarcasse pour les pousser vers le haut en leur donnant toujours plus de puissance et de moyens d’expression.

Indispensable !