Belle entrée en matière pour « Red », second essai de Guillemots. A l’écoute de « Kriss Kross », mise en bouche de ce nouvel opus, le quatuor semble avoir sorti l’artillerie lourde et déboule à toute vitesse, comme une armée prête à piétiner la ligne ennemie et lui faire mordre la poussière. Mais une fois parvenue face à leurs adversaires, les choses ne se passent pas comme prévu. Les Britons changent de stratégie et choisissent de déconcerter leur opposants en leur envoyant à la tronche « Big Dog », une tuerie pop aux accents carrément R’n’B. Ces derniers, plus que surpris, décident alors de déposer les armes pour s’enlacer les uns les autres sur le délicat « Falling Out Of Reach ». Guillemots continue à prêcher les valeurs de l’amour et de la mixité des genres durant toute la première moitié de ce « Red ». La formation commence néanmoins à s’essouffler, en plein milieu du combat, et en arrive presque à frôler la grandiloquence (« Last Kiss », « Cockateels », « Standing On The Last Star », l’ennuyeux single « Get Over It »). Heureusement Guillemots échappera de peu à la potence grâce à la simplicité de « Words » et du « Take Me Home » final. Dans son ensemble, « Red » est donc un second recueil relativement intéressant. Sans plus.
Malgré son jeune âge, ce guitariste allemand a déjà un fameux vécu ; et sa discographie en est la plus belle illustration. A ce jour, il doit avoir concocté pas moins de huit elpees sous son patronyme, sans compter la confection de son superbe dernier DVD, "Live at the Luna Bar". L'artiste aime les couleurs. Il a d’ailleurs intitulé cet opus "Blue in Red". Quand on pense que son gratteur favori n’est autre que Peter Green, la palette de couleurs n’en devient que plus ample. Si le blues constitue son inspiration majeure, il faut avouer qu’elle concède de larges touches de jazz, et plus subtilement de rock. Gregor ne chante pas. Et pour cet album, il n’a pas invité de vocaliste. Son œuvre est donc exclusivement instrumentale. Il est épaulé par les musiciens de son band : le bassiste Sascha Oeing, le drummer Bjorn Puls et le claviériste Horst Bergmeyer. Peu de guests.
La cover du "Breezin'" de Bobby Womack est largement teintée de jazz. La trompette de Christian Kappe est très ‘classe’. Malgré ses accents généreux, elle entretient un climat intimiste. Les nuages bleus de "Blue clouds" planent majestueusement. C’est manifestement ce que Hilden fait de mieux. Sa Gibson Les Paul emprunte la tonalité de Peter Green. Le Green des meilleurs jours. Très subtil, son jeu repose sur une ligne mélodique imparable. Ce titre figurait déjà sur le « Live au Luna Bar ». Et comme je l'avais déjà souligné, il évolue dans un registre fort proche d’un autre guitariste anglais : Snowy White! Belle et atmosphérique, sa musique embrasse un swing élégant. Un swing entretenu par la chaleur de l'orgue Hammond B3 ; mais une nouvelle fois la trompette de Kappe, le sax ténor de Volker Winck et les cordes lumineuses du maître de cérémonie. La sonorité des cordes est tellement généreuse et réverbérée sur "Daydream", qu’il est impossible de ne pas penser à Carlos Santana. Pourtant l’orgue et le piano de Thomas Hufschmidt invitent au cabaret, alors que la richesse de la mélodie est bien présente! L’indolent "CD-Special blues" est de toute beauté. Grégor y conjugue puissance et dextérité, pendant que l’orgue Hammond tapisse l’ensemble de ses sonorités caractéristiques. Hilden vit sa musique. Et il parvient à communiquer ses sentiments de désespoir, même lorsqu’ils sont éphémères. "Zak" baigne dans un jazz pur et dur. La basse est versatile. Les balais graciles entretiennent un swing qui inspire les solistes aux cordes et à l'orgue. "Trading time" constitue la surprise de l’opus. Une compo judicieusement intitulée. A cause des échanges opérés entre les cordes en picking de Hilden et celles de son ami américain Tom Principato, dans un style franchement inspiré par Albert Collins. "Way baxk home" nous replonge dans un climat paresseux et atmosphérique. Ce qui permet au saxophone de Winck de prendre la clef des champs. Plus dansant, "Listen here" évolue quelque part entre le R&B (NDR : fluidifié par l'orgue Hammond, façon Booker T) et jazz plus complexe (NDR : pensez au Ramsey Lexis Trio). Le sax et l'orgue servent encore de rampe de lancement aux cordes étincelantes de Gregor. On n’oubliera pas le titre maître gorgé de swing ; et puis la finale "Shades of gold". Un morceau au cours duquel Hilden tient à cœur de nous quitter sur une touche mélodique et empreinte de charme…
Transposition en Dvd du premier opus d’iLIKETRAiNS, « Elegies to lessons learnt » est le fruit du travail d’Ashley Dean, le responsable des projections chez la formation de Leeds, mais aussi le joueur de cornet. Il avait commencé ce film d’animation en novembre 2006 et l’a terminé en février de cette année. Il décrit les voyages dans le subconscient opérés par un homme tombé dans le coma, suite à un accident de la circulation. Inspiré par les réalisations cinématographiques de Jan Švankmajer, The Bothers Quay et Morph, cette création donne une nouvelle dimension à la musique du groupe insulaire. Toujours aussi ténébreuse, mais plus visionnaire qu’introspective…
Pas folle la Scarlett. Jouissant d’ores et déjà d’une reconnaissance internationale grâce à sa filmographie relativement étoffée, cette énième actrice devenue chanteuse n’aura pas du se décarcasser pour assurer la promo de son premier ouvrage. Cet « Anywhere I Lay My Head » s’attaque à quelques uns des classiques de Tom Waits. Un raison suffisante pour attiser la curiosité. Mais lorsqu’on apprend que Nick Zinner (Yeah Yeah Yeahs), Dave Andrew Sitek (TV On The Radio) ou encore le grand David Bowie font partie de l’aventure, on ne peut que se plier à la volonté de la jeune femme et glisser son œuvre dans la platine. Et c’est là où le bât blesse. En effet, se contenter de contempler la pochette aurait peut-être été la meilleure initiative à prendre. Bien que la bravoure de la blondinette soit admirable, elle n’arrive pas à se montrer à la hauteur d’une initiative certes culottée, mais qui tombe à plat une fois l’introductif et instrumental « Fawn » arrivé à son terme.
Johansson enchaîne sur un « Town With No Cheer », dont les mots clés sont « No Cheer ». Ces derniers vont d’ailleurs se ressentir tout au long de la plaque, la voix ténébreuse de l’actrice ne dégageant manifestement pas grand-chose et se noyant dans les instrumentations. Même les deux duos partagés en compagnie de Bowie, qui se contente uniquement d’assurer les chœurs, n’ajoutent aucune plus-value à l’ensemble. Etrangement, « Song For Jo » est probablement le seul morceau qui retient l’attention. Coécrit par Scarlett et Dave Sitek, il s’agit de l’unique plage inédite d’une première œuvre peu exaltante. « I Don’t Wanna Grow Up » et son côté eighties procure éventuellement un peu de cachet à un « Anywhere I Lay My Head » manquant cruellement de vie. L’hommage monotone de Scarlett Johansson à son héros ne risque certainement pas de s’inscrire dans les annales…
Mariage banal de Nu Métal et d’electro-punk, la huitième œuvre de Mindless Self Indulgence semble être figée en plein cœur des années ’90. Un peu comme si le quatuor refusait d’accepter le constat que le genre musical auquel il s’accroche, n’est aujourd’hui plus qu’un vague souvenir dans l’esprit des teenagers de l’époque. Parcouru de quelques hauts (le bien nommé « Mastermind » ou un « Bomb This Track » évoquant Hadouken!) et un peu trop de bas (les barbants « Revenge », « Get It Up », « Prescription », « Money »), « If » s’adresse avant tout aux fans de la première heure qui, eux, en auront pour leurs sous, au vu des innombrables bonus qu’il recèle. Outre les quinze morceaux originels de la plaque, la version européenne de cet essai contient donc deux inédits (les énergiques mais dispensables « Uncle » et « 3S ») ainsi que quatre versions remixées du single « Never Wanted To Dance ». De ces dernières, on retiendra principalement la réinterprétation ‘Nine Inch Nails-ienne’ du morceau par Combichrist. Et on évitera à tout prix l’affreux remix electro de Tommy Sunshine. L’énergie et la hargne dont le quatuor manifeste sur ce « If » sont irréprochables. Dommage que la créativité ne suive pas…
Ecouter la musique de Mothlite, c’est comme regarder un film de Stan Brakhage (NDR : véritable légende au sein de l’univers du cinéma expérimental, il est le premier à être intervenu directement sur la pellicule…), un photographe/monteur/acteur/producteur/scénariste américain (1933-2003) qui semble avoir beaucoup inspiré le duo avant-gardiste. Amusant quand on sait que la plupart des œuvres de l’Américain sont muettes et abstraites. C’est en tout cas ce que nous raconte la bio de ce projet. Un projet monté par le Britannique Daniel O'Sullivan et le Finnois Antti Uusimaki, deux personnage qui ne sont cependant pas nés de la dernière pluie. Le premier a bossé en compagnie de Guapo, Miasma, The Carousel of Headless Horses et Sun O))), alors que le second a été ingénieur du son auprès de Brian Eno et Tindersticks. Découpé en six titres étalés sur 49 minutes, cet opus évolue au sein d’un univers atmosphérique évoquant tour à tour la prog (NDR : « Atom heart mother » du Floyd, plus précisément), la musique contemporaine (John Cage), l’indus (Coil) et le post rock (Godspeed You! Black Emperor). « The flax of reverie » constitue leur premier elpee et il mériterait certainement de sonoriser la bande sonore d’une œuvre cinématographique…
Mais où est donc passé le temps où The Roots impressionnait par son mélange de jazz et de hip hop made in Philadelphia. Un style que le combo symbolisait à la perfection. Mais où est donc passée cette énergie créative qui la différenciait de toutes les formations. Car aujourd’hui, si les musiciens jouissent d’un potentiel technique irréprochable, on ressent chez Ahmir Thompson aka ?uestlove, batteur, producteur et tête pensante du collectif, un besoin d’explorer univers plus accessible voire commercial. Une constatation qui ne date pas d’aujourd’hui. Mais bien de 2004. C’est-à-dire depuis la sortie de « Tipping Point », un huitième opus pour lequel le line up du quintet avait subi de profondes modifications. La métamorphose apparemment souhaitée par son leader conjuguée aux départs assez douloureux de Rahzel ainsi que de Scratch n’ont pas débouché sur une revalorisation du style musical. Au contraire ! D’ailleurs ils ne sont plus jamais parvenus à reproduire des œuvres incontournables comme « Iladelph Halflife » ou encore « Things Fall Apart ». Ce qui n’empêche pas The Roots de demeurer une institution dans le monde du hip hop et un véritable modèle du genre. Un groupe hors norme et plus que probablement l’antithèse de tous ces gros groupes US colportant une image Bling Bling pathétique.
Si les nouvelles compos de « Rising Down » se suivent et se ressemblent, on ne peut contester le savoir-faire de ces vétérans. Quinze titres assez brefs qui alternent revendications sociales et invitation à la fête. De quoi parfois perdre le fil de leurs (nos) idées… Heureusement, la présence d’invités aussi prestigieux que Malik B., Common, Mos Def ou encore Talib Kweli rehaussent nettement le niveau et démontre que The Roots est toujours considéré comme une influence majeure. Et pour cause, ?uestlove est devenu un batteur mythique alors que Black Tought, chanteur charismatique, est toujours capable, de son aisance habituelle, à nous surprendre par ses flows toujours aussi efficaces. Malgré la légère déception procurée par cet elpee, on ne peut que s’incliner devant leur persévérance. C’est vrai qu’après dix albums, on ne peut pas dire que leur aventure ait été éphémère…
« Ten Hours », titre symbolique, représente le laps de temps consacré en studio, à l’enregistrement de ce premier elpee d’Otherwise. Issu de Nivelles, le jeune combo (les membres n’ont que 20 ans) à créé au fil des concerts, son propre univers pop/rock, pour finir par le graver sur une rondelle de polycarbonate et d’aluminium. Neuf morceaux sortis des tripes qui se chevauchent et s’emboîtent pour 32 minutes de compositions, essentiellement menées par Arta Ertekin, l’égérie féminine du groupe. L’exercice de ce premier album a le mérite d’être très propre. Les instruments s’enchaînent bien les uns derrière les autres. Mais outre cette volonté de vouloir bien faire, on aurait souhaité un peu plus de chaos. Un besoin de mélanger plus encore les effets, et de déstabiliser le cours un peu monotone de l’opus. D’ailleurs, à mi-parcours, on a la sensation que le combo est victime d’une grosse perte d’énergie. Et c’est un peu sur sa faim que l’on reste après avoir écouté ce disque. Gageons qu’après seulement 3 ans de formation, ces gaillards vont prendre de la bouteille et se permettre plus de liberté, et nous l’espérons, acquérir une touche en plus de charisme.
31Knots est sans conteste l’un des trios les plus inventifs et passionnants de la scène indie. Sur scène, la formation originaire de Portland exploite au maximum ses capacités et se réinvente systématiquement. Côté discographique, Jon Haege et ses deux partenaires n’ont cessé d’épater et d’émouvoir depuis le génial « Talk Like Blood » et plus, récemment « The Days And Nights Of Everything Anywhere ». « Worried Well » change quelque peu la donne. Après « Baby Of Riots », une intéressante introduction de quelques secondes, le trio déverse des morceaux blafards par rapport à ses œuvres précédentes. « Certificate », « Take Away The Landscape » ou le banal « Worried But Not Well » n’arrivent pas à égaler la puissance foudroyante des « No Sound », « Man Become Me » ou « The Story Of Ivan Normal ».
« Worried Well » fait état d’un 31Knots usé au niveau de l’écriture. Quelques extraits tels que « The Breaks », « Opaque », « Statics And The Heart Of Man » et l’excellent et original « Update The Mandate » permettent à la formation d’étaler un semblant de motivation. Ce nouvel essai laisse penser, dans l’ensemble, que l’aventure studio du trio soit en pleine phase d’affaissement. Une pente descendante toute relative cependant, « Worried Well » étant en réalité la première faute de parcours de 31Knots. Ne leur reste plus qu’à publier un essai ‘live’ afin de motiver à nouveau les troupes.
A peine quelques mois après la sortie de leur premier essai, le duo I Was A Cub Scout a décidé de mettre la clé sous porte. Pour justifier cette décision, Todd Marriott et William Bowerman ont évoqué des difficultés artistiques et personnelles.
The Bon Bon Club, qui compte dans ses rangs Claire Hill de Slow Down Tallahassee ainsi que deux membres des Long Blondes, publiera le 23 juin un EP comptant trois reprises. Il s’agira du « Lullaby » des Cure, « Love Is Blind » de Pulp et « Romantic Rights » de Death From Above 1979.
Mogwai publiera le successeur de « Mr. Beast » à la rentrée. Intitulé « The Hawk Is Down », il sera précédé par « Batcat », un EP qui contiendra 2 morceaux extraits de ce nouveau recueil (« Batcat » & « Devil Rides ») ainsi qu’un inédit au titre éloquent, « Stupid Prick Gets Chased By The Police And Loses His Slut Girlfriend ». « The Hawk Is Down » sera dans les bacs le 22 septembre et l’EP « Batcat », le 8 septembre.
Les Butthole Surfers viennent d’annoncer leur réunion, dans le line-up original des années 80. Pour l’instant seule une tournée américaine est au programme. Le temps dira si un éventuel recueil inédit ou une tournée européenne viendra s’ajouter à leur agenda.
Vingt ans après sa sortie, « Operation Mindcrime » constitue toujours le chef-d’œuvre absolu de Queensrÿche. Non seulement les arrangements sont d'une précision chirurgicale, mais les compositions sont superbes et les lignes mélodiques vocales parfaites.
Mais avant toute chose, commençons par analyser les aspects négatifs de ce type de musique, pour mieux les balayer ensuite :
- Le heavy métal, sauce opéra rock affiche un côté kitch sur scène. C'est vrai ! Mais le show est tellement impressionnant qu'il est difficile de ne pas être précipité dans de l’univers de Nikki, Mary et du Dr.X,
- Les membres du groupe ne communiquent pas avec le public. Quelle autre solution adopter, lorsqu’on sait qu’ils jouent une intrigue devant nous. D'une rare cohérence, cette histoire ne peut être interrompue à aucun moment.
- L'AB était loin d'être comble, mais les tentures noires tirées devant les balcons et les gradins rendaient les lieux beaucoup plus intimes. On avait même l’impression que la salle était pleine à craquer.
- Enfin, comment analyser un tel show, lorsqu’on sait que les musiciens ont composé cet « Operation Mindcrime », en 1988. Et en précisant que les 3/4 du public qui ont acheté ce disque –à l’époque, ils avaient alors 15 ou 20ans– ont vieilli eux aussi. Peu de gamins, d'ailleurs, pour ce concert conceptuel, exercice auquel finalement peu de groupes osent se frotter.
Le concert démarre dès 19h00 par l'intégrale d'« Operation Mindcrime », volume I. Introductions bien entendu suivies par "Revolution Calling" et "Operation Mindcrime" qui nous plongent tout de suite dans l'ambiance : un rock déchaîné caractérisé par ses guitares acérées, et une mise en scène digne de cette épopée, alimentées d’intrigues sociales, politiques et religieuses, racontant le récit du mystérieux Dr. X qui cherche à conquérir le monde. Pour atteindre son but, il prend le pouvoir sur le naïf junkie Nikki, qu'il remodèle jusqu'à en faire une machine à tuer. L'histoire se déroule sur les planches, comme sur l'album ; à une différence près : Mary, l'ange gardien de Nikki, jouée par Pamela Moore, se suicide sur scène suite à un appel téléphonique de Dr.X ; et son corps disparaît dans les flammes au terme d'un "Needle Lies" d'une puissance incroyable (NDR : malgré les quelques imperfections vocales manifestées par Geoff Tate). Signalons quand même qu’hormis l’un ou l’autre détail, le son est tout bonnement magistral. L'alternance entre les passages chantés et les riffs sont remarquables. Les duels entre les guitares d'anthologie. Les figurants sont présents sur la moitié des titres afin d'illustrer le propos des chansons. Un écran géant a été placé en hauteur. Des images relayant les titres y sont projetées ; mais également captées en live durant le concert. Histoire de parachever l'impression d'assister tant à un spectacle qu'à un concert de heavy metal.
Détail piquant, mais totalement inhabituel aujourd’hui : ce sont les deux mêmes guitares qui sont utilisées tout au long du set... Quand on pense que des groupes de gamins comptant à peine un disque à leur actif en consomment parfois une kyrielle, pour une heure de show....
Les dernières notes de "Eyes of a Stranger" ont à peine fini de résonner que les musiciens quittent la scène. Les lumières de la salle se rallument. Les Queensrÿche méritent en effet bien une pause ; ne fût-ce que pour permettre à Geoff Tate de se refaire une ‘beauté’ : son maquillage a eu le temps de couler ; à un tel point que son regard en devenait inquiétant sur les derniers titres. Outre ses capacités de vocaliste de haut vol en matière de metal, il a un don inné pour mimer son show.....
Retour en salle sur une bonne nouvelle. Alors que les photos n'étaient usuellement autorisées que sur les 3 premières chansons (NDR : lors du premier « OM »), le second opus est ouvert aux courageux photographes qui le souhaitent. Une condition : rester dans la salle. Frontstage interdit. Je dois reconnaître qu'excepté votre serviteur, il ne doit pas y en avoir eu d’autre. Ce deuxième tome d’« Operation Mindcrime » a tellement été décrié à sa sortie. Notamment par les fans de la première heure. Normal, ils l'ont plus que probablement trop comparé à son homonyme de 1988. Aussi, je n'en attendais pas beaucoup sur scène. Grave erreur : Geoff revient vêtu d’un superbe costume noir. Il assiste à son procès sur les notes de "I'm American" qui trouve en live toute sa dimension hardeuse. Suivent différents épisodes consacrés à la vengeance de Nikki. Après sa descente aux enfers traduite par 18 ans en prison, il cherche à retrouver le Dr.X pour lui faire regretter tout le mal qu’il lui a fait et venger Mary. C'est sur "The Chase", lors de la confrontation entre Nikki et le Dr.X, qu’intervient la grosse déception de la soirée. Dans la version studio, c'est Ronnie James Dio qui tient le rôle du Dr.X. Je n’imaginais même pas entendre Dio chanter sa partie vocale. Mais quelle déception de devoir se contenter d’un enregistrement de sa voix… et aussi de celle de Geoff Tate ; alors que les quatre musiciens continuaient à jouer en live. Et ils remettront le couvert, même si Geoff assurera alors quand même sa propre partie.
Hormis cette remarque, « OM2 » prend tout son sens sur scène. L'atmosphère est manifestement impitoyable, ténébreuse et glauque (Geoff exécute un prisonnier d'une balle dans la tête, envisage de mettre un terme à ses jours, s'abandonne aux drogues et à l’alcool). L'absence de claviers sur scène renforce encore cette impression et les interventions nombreuses de Pamela Moore –qui tenait le rôle de Mary une heure plus tôt– apportent une touche plus lyrique aux chansons. Bref, une version ‘live’ qui prend largement le pas sur la ‘studio’. "All the Promices" clôt ce second volet. Rejoints par Pamela, les musiciens viennent saluer et remercier le public. Geoff sourit enfin ; après avoir joué pendant deux heures un rôle de sinistre personnage…
Les Queensrÿche remontent sur le podium quelques minutes plus tard pour accorder pour un rappel de 3 titres, au cours duquel ils peuvent enfin partager avec le public leur joie, voire leur bonheur, d'être sur ces planches. Et franchement, ce bonheur est communicatif. Et tant pis si la voix de Geoff a pris un coup dans l’aile ; il assure encore, le bougre.
Dommage que la salle n'était pas comble ; comme aux grandes heures où Queensrÿche remplissait des temples de la taille de Forest National. Mais comme je le rappelais en début de compte-rendu, nombre de fils du métal sont maintenant pères de famille ; et la nouvelle génération a l’embarras du choix, quand elle souhaite se déplacer pour un concert… même de métal.
La Rotonde se remplit difficilement. Tokyo Police Club avait pourtant séduit par son premier EP, assurant admirablement la succession des Strokes de leurs débuts. « A lesson in crime », en condensé de guitares explosives mais mélodiques, annonçait un avenir radieux pour les quatre Canadiens.
D’observer la salle aussi aérée soulève quelque scepticisme ; et la première partie, The Moebius Band, est accueilli avec la plus grande réserve. Pourtant le trio new-yorkais déjanté fait tout son possible pour égayer l’atmosphère. Les compositions partent dans tous les sens, dégagées de tout conformisme, au risque de sacrifier la cohérence et la structure. Batterie, basse et guitare sont soutenues pas des machines, dans une formule électropop qui, malheureusement, ne couve plus beaucoup de mystères. La performance s’écoulera finalement sans heurts, comme sans véritable accroche malgré le bon esprit et la qualité de l’instrumentation. Il manque l’assaisonnement pour s’émoustiller. Pas de rappel ; les applaudissements s’éteignent rapidement et le ton hagard s’installe, qui ne quittera plus la soirée. Les Nuits du Botanique ont-elles épuisé tous les mélomanes ?
L’énergie de Tokyo Police Club fera à peine sourciller. Les guitares s’affolent toujours autant sur les premiers morceaux, tirés de leur dernier « Elephant Shell ». Mais l’urgence n’est plus fondue dans les mélodies croustillantes qu’on leur connaissait. Les visages s’animent surtout lors de l’interprétation de morceaux plus anciens, comme « Nature of the experiment » ou « If it works » ; mais davantage d’efforts sont nécessaires pour adhérer aux nouvelles créations. Seul le single "Your English Is Good" ranime spontanément l’effervescence du public. Pour le reste, la formule, toujours aussi brute et en puissance, a malheureusement perdu en efficacité. Les rythmes s’effilochent, la mélodie est moins perceptible, le son moins franc, le tout moins échevelé. Pourtant, la mise à l’honneur du synthé ajoute une consistance bienvenue et on ne devrait que se réjouir de voir ainsi s’émietter la parenté avec les Strokes. Malheureusement, ce qu’« Elephant Shell » gagne en singularité, semble fondre dans une power pop encore en cheminement et sans grande conviction.
L’indécision du public signe l’absence de rappel. Légère déception pour ce (très) jeune quatuor sur qui la presse et le buzz avaient peut-être simplement misé trop d’attentes.
Organisation Botanique
« Með suð i eyrum við spilum endalaust » (traduisez ‘un bourdonnement dans des nos oreilles et nous jouons indéfiniment’) est le titre du nouvel opus de Sigur Ros, le cinquième, dont la sortie est prévue pour le 23 juin prochain. La mise en forme a été partagée entre le groupe et Mark Ellis (Nine Inch Nails, Smashing Pumpkins).
Et pour vous mettre l’eau à la bouche, rien de tel que de découvrir le premier single issu de cet opus, « Gobbledigook :
Il sera aussi en prévente sur ce site ainsi que sur iTunes à partir du 2 juin 2008 et tous ceux qui auront commandé le disque auront la possibilité de l’écouter en streaming à partir du 9 juin.
Tracklisting :
1. Gobbledigook
2. Inní mér syngur vitleysingur
3. Góðan daginn
4. Við spilum endalaust
5. Festival
6. Með suð í eyrum
7. Ára bátur
8. Illgresi
9. Fljótavík
10. Straumnes
11. All alright
Pour plus d'infos : http://www.sigurros.com
EMI a décidé de sortir une rétrospective des douze années passées par Radiohead au sein de son écurie. Au menu, un Cd (NDR : le tracklisting du Cd simple correspond à la 1ère rondelle du Cd double), un double Cd et un Dvd. Ces disques sont dans les bacs depuis le 2 juin.
CD 1
1. Just
2. Paranoid Android
3. Karma Police
4. Creep
5. No Surprises
6. High and Dry
7. My Iron Lung
8. There There
9. Lucky
10. Fake Plastic Trees
11. Idioteque
12. 2+2 = 5
13. The Bends
14. Pyramid Song
15. Street Spirit (Fade Out)
16. Everything In Its Right Place
CD 2
1. Airbag
2. I Might Be Wrong
3. Go To Sleep
4. Let Down
5. Planet Telex
6. Exit Music (For A Film)
7. The National Anthem
8. Knives Out
9. Talk Show Host
10. You
11. Anyone Can Play Guitar
12. How To Disappear Completely
13. True Love Waits
Trackilisting DVD
Creep (réalisé par Brett Turnbull)
Anyone Can Play Guitar (réalisé par Dwight Clarke)
Pop Is Dead (réalisé par Dwight Clarke)
Stop Whispering (réalisé par Jeff Plansker)
My Iron Lung (réalisé par Brett Turnbull)
High And Dry (UK version) (réalisé par David Mould)
High And Dry (US version) (réalisé par Paul Cunningham)
Fake Plastic Trees (réalisé par Jake Scott)
Just (réalisé par Jamie Thraves)
Street Spirit (Fade Out) (réalisé par Jonathan Glazer)
Paranoid Android (réalisé par Magnus Carlsson)
Karma Police (réalisé par Jonathan Glazer)
No Surprises (réalisé par Grant Gee)
Pyramid Song (réalisé par Shynola)
Knives Out (réalisé par Michel Gondry)
I Might Be Wrong (réalisé par Sophie Muller)
Push Pulk / Spinning Plates (réalisé par Johnny Hardstaff)
There There (réalisé par Chris Hopewell)
Go To Sleep (réalisé par Alex Rutterford)
Sit Down Stand Up (réalisé par Ed Holdsworth)
2+2=5 (Live au Festival de Belfort) (réalisé par Fabien Raymond)
Pour voir le clip de « High and Drive » (US Version)
Pour voir le clip de « Sit down Stand up »
Il y a deux ans, Honest Jon’s s’est rendu à Lagos en compagnie du drummer Tony Allen, pour y immortaliser ses premiers enregistrements accomplis lors de ses années passées avec Fela Kuti. Classique de l’afro-beat contemporain, “Lagos No Shaking” en est le résultat.
Dans la foulée, le label a sollicité la participation de légendes de la culture dance comme Basic Channel de Berlin ou le père fondateur de la techno de Detroit Carl Craig, ainsi que de jeunes loups tels que les Newham Generals de Dizzee Rascal, Diplo (le producteur de MIA basé à Baltimore) ou Bonde Do Role, nouveaux venus sur la scène carioca, originaires de Rio de Janeiro.
Honest Jon’s a commissionné des enregistrements au Caire, à Saturn, Bogota et Kingston en Jamaïque, et donné naissance à de nouvelles interprétations ou une relecture complète par le pionnier du space jazz Salah Ragab, un orchestre de rue influencé par le Sun Ra’s Arkestra (Hypnotic Brass), des batteurs afro-colombiens venus du village de San Palenque De Basilio inspirés par le highlife, et un vétéran de Mystic Revelation Of Rastafari de Count Ossie.
“Sanfoka” et “Reggae Land Dub”, basés sur le style de batterie de Losun et Ise Nasa, Carl Craig, Bonde Do Role, Mark Ernestus et Moritz Von Oswald ont fourni des remixes de titres de “Lagos No Shaking”. Les Newham Generals ont rebondi sur le très percussif “Gbedu”, “Samba” est une relecture de la chanson folk “Awa Na Re”, et Salah Ragab livre ici une version originale de “Ole”. On trouve des samples de batterie du groupe Elewedu Of Agege dans “Fuji Ouija”, enregistrés durant les séances de “Lagos No Shaking” et disponibles sur des maxis Honest Jon’s.
(d’après communiqué de presse)
Tracklisting :
Hypnotic Brass Ensemble - “Sankofa”
Carl Craig - “Kilode Remix”
Bonde Do Role - “Awa Na Re Remix”
Mark Ernestus - “Mark’s Disco Dub”
Wareika Hill Sounds - “Reggae Land Dub”
Newham Generals - “Tetsuya’s Theme”
Son Palenque - “Samba”
Diplo - “Fuji Ouija”
Salah Ragab - “Ole (Cairo Remix)”
Moritz von Oswald - “Ole Remix”
John Pugh et Madeline viennent de signer chez DFA sous le patronyme de Free Blood. Une signature déjà ponctuée par un vinyle trois titres. A suivre de très près, quand on sait que John est un ex- !!!...
En 1908, la compagnie Gramophone, ancêtre de EMI, a ouvert une usine de pressage de disques à Hayes, dans le Middlesex (Angleterre), et rapidement atteint le nombre de 30 000 exemplaires gravés par mois. De la musique de tous les styles, issue du monde entier, y était pressée. C’était une époque pionnière, idéaliste et particulièrement dynamique. A son retour d’Orient en 1903, l’ingénieur du son maison, Fred Gaisberg, avait ramené plus de 1700 enregistrements et, en 1929, Gramophone employait 7500 personnes à Hayes. En 1912, des bureaux et des studios d’enregistrement ont été ajoutés au complexe.
Près d’un siècle plus tard, l’équipe de Honest John’s a passé 18 mois dans l’immense centre de stockage des archives de Gramophone (maintenue à température constante) situé au même endroit, à Hayes. L’équipe a passé en revue près de 15 000 disques 78 tours ! Il s’agit de documents absolument stupéfiants qui remontent à l’origine de la musique enregistrée sur tous les grands labels de la famille EMI, et plus spécialement The Gramophone Company, Zonophone, His Master’s Voice et Parlophone.
La réédition d’une série d’enregistrements extraits des archives de Hayes va démarrer au mois de mai 2008 par la publication d’un disque consacré à la musique jouée par la communauté ouest-africaine établie à Londres à la fin des années 1920 (“Living Is Hard : West African Music In Britain 1927-1929”). D’autres volumes, consacrés à des enregistrements venus d’Irak, de Turquie, du Caucase, du Liban, de Grèce, d’Iran, d’Egypte et du Congo belge suivront. Ces disques seront fabriqués dans l’esprit de la série “Music Is The Place For Me”, avec des notes de livret, traduites lorsque ce sera possible, et de sublimes visuels.
(d’après communiqué de presse)
Le concept de cette revue de R&B est née lors de l'une de ces croisières emportant les voyageurs dans les eaux bleues des Caraïbes ; croisières au cours desquelles des bluesmen talentueux se produisent sur la même scène. Quatre artistes sont ici impliqués : le chanteur/guitariste de San Francisco, Tommy Castro, le génial harmoniciste Magic Dick, le pianiste/saxophoniste Deanna Bogart et le chanteur/guitariste de couleur noire, Ronnie Baker Brooks (NDR : c’est également le fils du notoire Lonnie). Sur les planches, chaque artiste dirige la manœuvre pendant une demi-heure. Ils sont tous épaulés par le Tommy Castro Band. Et puis, enfin, ils se mettent à jammer tous ensemble. C'est ainsi qu'est venue l'idée d'enregistrer live ces fameux concerts accordés lors d'une tournée en Californie et en croisière.
Nous sommes en automne 2007. Les musiciens ne tardent guère à mettre le feu au plancher du Horseman's Club de Sacramento par "Can't you see me". Ronnie Baker Brooks chante ce rock'n'roll endiablé avec une folle énergie. Il dirige la manœuvre par les riffs rock de sa guitare. Il nous rappelle qu'habituellement, derrière Eddie Clearwater, il a souvent l'opportunité de tisser les accords de Chuck Berry, tandis que le vieux bluesman noir exécute sa marche de canard. Une excellente mise en jambes pour le public nombreux. Le Californien Tommy Castro effectue son entrée et chante "I feel that old feeling coming on". Le tempo reste vif. Les vibrations sont excellentes. Le rhythm & blues show est sur les rails. Les cuivres reçoivent leur billet de sortie : Keith Crossan sur son saxophone et Tom Poole à la trompette. Et ce n'est qu'un début, car la féline Deanna a abandonné ses ivoires pour empoigner son sax ténor ; en outre, elle se met à honker de bonheur et d'ivresse. La lutte des cuivres est poignante. Soudain, derrière le rideau, on aperçoit une chevelure crépue se distingue : Magic Dick vient rejoindre le team. Il met ses poumons en jeu pour souffler un "Whammer Jammer", tel un Sonny Terry dynamité, comme à la meilleure époque du J Geils Band! Deanna n’a pas l’intention de passer inaperçue dans le décor. Elle chante son "Still the girl in the band". C’est la seule femme de la formation et sa présence est très remarquée. Elle manifeste beaucoup de vivacité pour interpréter ce boogie derrière son piano. « See you hurt no more » évolue sur un rythme particulièrement lent. Un de ces R&B indolents qui faisait la fierté du label Stax. Et on pense inévitablement à Otis Redding. Ronnie tire ici son épingle du jeu aux vocaux. Un rôle qu’il partage avec Deanna. Il excelle également aux cordes, ponctuant son intervention d’un solo brillant.
Lors de la croisière, d'autres artistes étaient également parfois montés sur scène. Cette réunion était consacrée au Chicago blues. Curtis Salgado chante et joue de l'harmonica sur le "If it ain't me" de Jimmy Rogers. Deux dames se partagent le piano : Miss Bogart et la longiligne Marcia Ball. Tommy Castro chante le blues, "If I had a nickel". Sa voix est pure et délicieuse. Il possède un organe vocal tout à fait extraordinaire, susceptible de communiquer une large palette d’émotions. Il est soutenu par son backing band au grand complet. En outre, il démontre ses talents incontestables de guitariste. La cover du "Will it go round in circle" de Billy Preston opère un retour au R&B. Les quatre vedettes se partagent le chant et se réservent des escapades solitaires sur leur instrument! Baker Brooks se met également en vedette lorsqu’il se fait Chicago southside. En l’occurrence quand ses cordes bien senties attaquent le célèbre "She's nineteen years old" de Muddy Waters. Magic Dick chante le "Tell me Mama" de Little Walter. Il malmène encore sa musique à bouche sur le bouillant "Looking for a love". Les vocaux de Tommy et de Deanna sont détonants. Tous les acteurs sortent tour à tour de leur réserve. L'ambiance est torride jusqu'à son terme. Elvin Bishop vient gratter personnellement sur "High on the hog". En finale, Marcia Ball chante pour l'occasion l’inévitable "Sea cruise" de Huey P Smith. Cet album est dédié à la mémoire d'Ike Turner. Ce n’est pas le meilleur opus ‘live’ du style enregistré à ce jour, mais il propose une solide tranche de blues et R&B, découpée par des artistes qui se donnent à fond pour leur public! Si vous souhaitez vous embarquer pour la prochaine croisière, pas de chance, celle d'octobre est déjà sold out. Elle épinglera Etta James, Koko Taylor, Dr John, Los Lobos, Magic Slim et bien d'autres dont Baker Brooks et Castro. Il ne vous reste plus qu’à vous inscrire pour celle de janvier 2009. Elle embarquera Taj Mahal, Etta James, les Fabulous Thunderbirds, John Hammond, Sugar Blue et quelques autres.
Hawksley Workman prendrait-il exemple sur Ryan Adams ? Non content de jouer aux artistes prolifiques en publiant son nouvel ouvrage seulement cinq mois après la sortie du précédent (« Between The Beautifuls », réservé au marché canadien et contenant quelques titres de ce nouvel opus), le singer-songwriter prend un nouveau virage en dépoussiérant ses grosses guitares. « Los Manlicious », ce sixième recueil, est à Hawksley Workman ce que « Rock’n’Roll » est à Ryan Adams. C’est-à-dire un faux-pas majeur, à la limite du pitoyable.
Finie la fraîcheur pop des « For Him And The Girls », « The Delicious Wolves » et « Lover/Fighter » ou la douceur de « Treeful Of Starling ». Workman veut désormais s’envoyer des gallons de bière au fond du gosier, sentir la sueur et casser la gueule aux mauviettes qui oseraient se mettre sur son chemin. Le Canadien tape du poing et entreprend sa métamorphose sur « When You Gonna Flower ? », premier morceau dispensable d’un ouvrage qui s’enfoncera progressivement le nez dans le derrière. Enchaînant les riffs attendus, Hawksley Workman dévoile un aspect de sa personnalité qu’il aurait bien mieux fait de garder pour lui. Hormis « Piano Blink », seul morceau plus ou moins potable, l’ensemble est souvent casse-bonbons et semble peu réfléchi. Comparé au reste de la discographie du bonhomme, « Los Manlicious » est une énorme déception.
Après avoir concocté une magnifique symphonie pop intitulée “New Magnetic Wonder”, malheureusement passée un peu inaperçue, la troupe de Robert Schneider publie cette compilation d’inédits. Des titres enregistrés entre 1995 et 2007 réunissant des démos, des faces ‘b’, des titres enregistrés pour internet et une série télé.
Cette indie pop ultra mélodique constitue la marque de fabrique du groupe. Elle rappelle les 15 ans de votre serviteur. Le timbre très ‘lennonesque’ de Schneider est bien soutenu par celui plus délicat de Hilarie Sidney. Pas question ici de sophistication psychédélique à la « New Magnetic Wonder », mais une fraîcheur d’ensemble et une énergie très rock’n’roll qui va comme un gant à cette pop inspirée. En vérité, pas mal de groupes se contenteraient bien de ces plages pour sortir un album digne de ce nom, tant certaines d’entre elles (« Shine », « Onto Something », « On Your Own ») sont tout simplement excellentes.
Une ‘time capsule’ parfaite pour les trentenaires qui ne se sont toujours pas remis de la fin de Pavement ; mais aussi pour le public soucieux de comprendre la signification du courant ‘indie pop’.
Après les multiples versions de “La Musique de Paris Dernière”, imaginées suivant le module de versions improbables de covers ( ?!?!?), par des artistes parfois aussi inconnus que talentueux. Après les albums de reprises de Bowie (« Bowie Mania »), de musique classique (« Classic Mania »), de Claude François (« Cloclo Mania »),... débarque sous le jupon de Béatrice Ardisson, « Rock at Kong volume 2 ». Cette dernière galette est la suite logique du « Volume 1 », paru en 2005. Le principe est identique. Le Kong est un restaurant parisien qui appartient à Laurent Taïeb. La jolie Béatrice est employée comme DJ, sous le décor de David Starck. Non contente d’y proposer des univers sonores particuliers, elle invite les clients du restaurant à voter à la carte pour les morceaux qu’ils souhaitent entendre lors de leurs repas. Et on ne refuse rien à cette ‘illustratrice sonore’. Arès avoir opéré une sélection dans les suggestions, avancées au cours de ces différentes soirées, la belle en a retenu seize. C’est ce qu’elle nous propose aujourd’hui. Il s’agit donc plus d’une compilation des choix effectués dans l’établissement, que réellement de ces surprenantes reprises, comme la DJette à l’habitude de nous balancer. De Supergrass en passant par Jet ou Justice, le tracklisting épingle des morceaux archis connus de rock et d’electro. Préparations gastronomiques ou digestives. Il y subsiste, malgré tout, quelques reprises de bonne facture, comme le « Paint In Black » des Rolling Stones par GOB, « Creep » de Radiohead par Gazz ou le « I Love Rock’n’roll » de Joan Jett par Queen Of Japan. Des exercices de style rappelant le cachet habituel de la donzelle. Un restaurant, au sein duquel on propose ce genre de musique, ça ne peut exister qu’à Paris.
J’avais été agréablement surpris par leur set accordé début de cette année, dans le cadre du D’hiver Rock à Tournai. J’attendais donc leur tout premier album de pied ferme. Un disque pour lequel, le quatuor a reçu la collaboration du producteur Luc Van Acker (NDR : il est un des membres fondateurs de Revolting Cocks en compagnie d’Al Jourgensen de Ministry, mais a aussi mis en forme une multitude d’elpees de formations électro belges, parmi lesquelles figurent Arbeid Adelt !, The Neon Judgment, etc.) Et il faut reconnaître que ce personnage a apporté un soin tout particulier à la finition des compos. Douze en tout. Dont deux s’écartent de l’ensemble. Tout d’abord « The pop (in) song », une chanson dont les sonorités surannées peuvent rappeler les années 30. Et puis « White man’s right ». Alternant phases mid tempo parsemées de dérapages psychédéliques et envolées d’intensité (parfois presque symphoniques) elles peuvent rappeler le « Stairway to heaven » du Led Zeppelin. D’ailleurs, on a l’impression que les deux guitaristes sont manifestement influencés par les seventies. Et en particulier par les formations de blues/rock basique de l’époque. Pensez à The Cream ou à Free. Un des gratteurs joue d’ailleurs un peu à la manière d’Adrian Gurvitz, un londonien qui avait fondé Gun en 1967 ; un combo responsable d’un hit single, « Race with the devil » (NDR : c’est flagrant sur « Pictures of you » et « On your trail »). Deux fois six cordes dont les riffs ravageurs, tranchants, souvent décapants contrastent avec les mélodies franchement (brit)pop, souvent contagieuses, parfois soulignées d’harmonies vocales glamoureuses (NDR : et le timbre vocal falsetto de Fabrice accentue cette impression), dans l’esprit de Kiss et de Sweet, et balisées par une section rythmique solide, métronomique, parfois même binaire. L’opus recèle bien sûr des morceaux destinés à la bande FM (NDR : ou des singles si vous préférez !). Et notamment « Sentimental zoo », « Messiah of the nineties » ou encore « Foe of needless expenditure » ; mais si l’ensemble tient bien la route, et s’avère même agréable à écouter, on aurait espéré davantage de créativité dans leur chef. Surtout qu’ils en ont le potentiel. Et le final de cet opus éponyme en est la plus belle illustration…
Bien plus qu’un simple recueil farfelu, « Flight The Conchords » est un bijou d’humour concocté par un duo de comédiens néo-zélandais. Bande son de la série musicale éponyme (diffusée en Belgique sur BeTv), le troisième essai des zigotos condense les meilleurs passages chantés de cette dernière. Entamé par « Foux du Fafa », morceau interprété dans un français délicieusement approximatif, la collection de drôleries présente un très large éventail de genres, tout en conservant une étonnante cohérence du début à la fin.
Les deux hommes amusent la galerie, lui envoyant un amusant pastiche de Pet Shop Boys circa ‘80s (« Inner City Pressure ») avant d’embrayer –sans la moindre transition– sur un hip hop croustillant (« Hiphopopotamus vs. Rhymenoceros »), un folk ironiquement gentillet (« Think About It »), un soul r’n’b bien barré (« Ladies Of The World ») ou un morceau pop carrément psyché (« The Prince Of Parties »). L’hommage à Bowie sur… « Bowie » et le susmentionné « Foux du Fafa » valent à eux seuls le détour. Aussi délirant qu’un Tenacious D, la subtilité en plus, « Flight Of The Conchords » est, comme en témoigne la jolie pochette, une œuvre haute en couleur. Se consommant à volonté et indépendamment de son support télé, cette bande-son ravira les fans de la série et ralliera les novices à la cause des nouveaux trublions du paysage audiovisuel.
L’Allemagne pourrait remplacer la France comme pourvoyeur européen d’artistes reggae. Après Seeed, Patrice et Jahcoustix, bienvenue à Otto Tillman. Issu de Cologne, il se produit sous le patronyme de Gentleman. Passionné de musique jamaïcaine depuis ses 17 ans, le bonhomme est tellement mordu de reggae qu’il a potassé le dialecte ‘yardie’ ; et il y a recours pour interpréter ses chansons. Son quatrième album est ambitieux. Il a bénéficié du concours de pointures comme l’omniprésent Dean Fraser, Alborosie (NDR : cet artiste sicilien jouit d’une certaine notoriété en Jamaïque), Sizzla et Bobby Digital. Gentleman compose la plupart des titres. Il explore une veine neo-roots très mélodique et légèrement mélancolique. Le copieux menu (17 titres) de cet elpee suscite le respect. A cause de la qualité musicale du travail proposé. Malheureusement, les compos manquent quelque peu de consistance. D’une part l’elpee souffre d’un trop grand éclectisme. En outre, la succession de titres mid tempo finit par lasser. D’autre part, et c’est ici que le bât blesse, cette imitation respectueuse de modèles jamaïcains trahit un manque flagrant de personnalité. Une impression renforcée par cette imitation d’un patois –à mon humble avis– guère pratiqué du côté de Cologne. Next time, more Germany, less Kingston !
Sous un titre fallacieux, Hot Chip espérait-il nous faire avaler avoir concocté son dernier elpee « Made in The Dark », à l’abri des sunlights du show bizness ? Ou alors, Alexis Taylor et sa bande de nerd auraient-ils chaussé des lunettes de soleil pour ne pas être aveuglés ? En tout cas, ils remettent le couvert, deux ans seulement après nous avoir infligé une magistrale claque sous la forme de « The Warming ». Souvenez-vous, l’album précédent était blindé à la gueule de singles plus dance les uns que les autres ; et il était rare de passer une journée sans que nos oreilles ne viennent croiser les accords de l’un de ceux ci. Etait-ce un coup de bol d’être parvenu à réunir autant de bombes sur le même support ? Pour rappel, paru en 2004, le premier essai (« Coming On Strong ») n’avait pas vraiment réussi à faire décoller le groupe, même si la galette était déjà d’excellente facture. Ce troisième album était donc solidement attendu au tournant. Au moins pour voir s’ils étaient capables d’égaler à nouveau leur dernière performance. Et manifestement, l’objectif est atteint. Ils auraient pu s’endormir sur leurs lauriers, et enregistrer vite fait un album, afin de rallonger la sauce. Que nenni, c’est à l’issue d’un travail plus introspectif, qu’ils dégainent leurs 13 dernières cartouches, en proposant des sons plus expérimentaux. Une démarche destinée à opérer une recherche plus approfondie du beat. De « Out at The Pictures » en passant par « Bendable Poseable », « Touch Too Much » et « Don’t Dance », on sent la volonté d’emporter l’auditeur dans des lieux plus intimes ou tout son contraire, totalement en exhibition. C’est balancé d’émotion en émotion, que l’on s’enfile les 54 minutes de l’album et l’on finit par tirer son chapeau aux Londoniens, les moins bien habillés de la scène electro. Ce qui, peut-être, est le seul défaut susceptible de leur être reproché.
“Silence is golden” constitue le deuxième opus des Hush Puppies. Une formation française dont la plupart des membres sont originaires de la région de Perpignan. Elle s’est cependant établie à Paris, pour des raisons de visibilité bien compréhensibles. Le quintet a même décroché deux contrats publicitaires pour réaliser la bande son de spots publicitaires chez Mennen et Toyota. Ce qui manifestement leur a permis de mettre du beurre dans leurs épinards.
Partagé entre ballades, parfois mid tempo et titres garage, cet album s’inscrit parfaitement dans la ligné de « Trap », leur précédent long playing. Les claviers rognés infiltrent la plupart des compos. Les chœurs sont souvent vindicatifs. Les mélodies hymniques. Pour le public ado, la solution sonore évolue à la croisée des chemins de The Coral, Blur, Inspiral Carpets et The Hives. Pour le critique moins jeune, elle puise directement son inspiration dans les sixties. Pensez aux compiles Nuggets et Pebbles. Pourtant, si leur musique est manifestement revivaliste, elle n’en est pas moins rafraîchissante et même très excitante. Ce « Silence is golden » s’aventure même dans le psychédélisme, A l’instar du single « Bad taste and gold on the doors », imprimé sur un tempo tribal. Et puis en finale, « Harmonium » lorgne manifestement vers les débuts d’Oasis ; le vocaliste épousant même les inflexions de Liam Gallagher, sans en avoir le timbre. Enfin, pour que votre info soit complète, sachez que ce disque a été enregistré aux studios Black Box d’Angers, sous la houlette de Peter Deimel, c’est à dire le même personnage qui avait bossé sur leur premier essai.
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