« We are Sport Doen and you are not » constitue le deuxième album des Bruxellois de Sport Doen. Ce quatuor est bien connu dans le milieu punk. Leurs concerts semblent être incontournables et leurs titres sont diffusés sur de nombreuses radios dédiées au genre partout dans le monde (Serbie, Etats-Unis, Pays-Bas, France, Australie, Angleterre, Canada et, bien sûr, Belgique). Il est vrai que les sept morceaux de cet elpee, enregistré à la Soundstation, rappellent les meilleurs groupes de la scène punk, à l´instar des Ramones, des Clash, des Sex Pistols ou encore de MC5. Le cd recèle des hymnes fédérateurs (comme dans « Kevin Spacey ») et des solos de guitare puissants d´une grande qualité.
« We are Sport Doen an you are not » est donc une œuvre bien ‘crade’, qui sent la bière, une œuvre destinée à ces aficionados qui se plantent des épingles à nourrice dans le nez et se coiffent ( ?!?!?) les cheveux en crête. Punk´s not dead !
Scissors For Lefty n’est pas une formation britannique, mais américaine. Issue de San Francisco, en Californie, très exactement. Pourtant, le quatuor est manifestement influencé par la musique insulaire. Celle de Pulp, pour être plus précis. A cause de la voix de Bryan Garza dont les inflexions théâtrales sont manifestement empruntées à Jarvis Cocker, même si le timbre oscille entre celui de Ray Davies, Robert Smith et Ric Ocasek (Cars). Et puis de la musique également. Un peu cabaret, glamoureuse, capricieuse, très souvent dispensée sur un ton insouciant (NDR : les claviers ‘cheap’, le kazoo, les sifflotements et surtout les mélodies contagieuses), parfois même dansant, malgré les lyrics souvent torturés et des cordes de guitare qui peuvent se révéler incisives, dans un style proche des Killers. Particularité, à l’instar de The National et du défunt Immaculate Fools, Scissors For Lefty compte deux paires de frangins. Multi-instrumentistes ! Tout d’abord Bryan et Robby respectivement chanteur/guitariste et guitariste/bassiste. Et puis Peter et James Krimmel. Le premier préposé aux claviers et à la guitare, le second à la basse et aux drums. C’est trop rare pour ne pas le souligner. Bref, si « Underhanded Romance” n’est que le deuxième elpee du groupe, il est très réussi, particulièrement rafraîchissant, et mérite qu’on lui prête une oreille attentive…
Fervents adeptes d’un style noise rock qu’ils défendent à la perfection, les membres de Made out of Babies dégurgitent une musique abrasive sans ambiguïté sur les pas des Jesus Lizard. Une explosion viscérale à laquelle participe activement Julie Christmas, tête pensante d’une conspiration détonante, entourée de ses complices Brendan Tobin (guitare), Cooper (basse) et Matthew Egan (Batterie). Un quatuor de névrotiques new-yorkais qui se débarrasse du superflu tout au long de son nouvel album « Coward », produit par le non moins excellent Steve Albini. Sorti de l’écurie Neurot Recordings (fondée par les membres de Neurosis) cet opus débordant d’agressivité marque davantage les esprits par sa maturité musicale, s’inscrivant ainsi dans la continuité de leur premier LP « Trophy », accouché en 2003. Et c’est tout un déchaînement frénétique auquel joue Christmas qui, par un charisme vocal évocateur de Brody Dalle des Distillers et un timbre vibratoire à la Katie Jane Garside (Queen Adreena), décharge avec force et conviction une énergie dévastatrice, laissant entrevoir ses entrailles sur tout un épisode musical de noise acharnée. De prime abord un album percutant, déconseillé à un public non averti, où s’impose une brutalité sans merci. Le ton désossé agrémenté de saturations irrégulières et d’un souffle rythmique accidenté marque au fer rouge quiconque tend l’oreille. « Coward », album assaisonné de variations atmosphériques efficaces, prend aux tripes et dégage les bronches, opérant un véritable coup de tronche auditif.
Pierre Lapointe est la dernière sensation québécoise. En 2003, il sort son premier album. C´est le début d´un joli succès. Les récompenses pleuvent et l´œuvre est rapidement disque d´or.
Le public québécois répond à nouveau présent pour la sortie de son deuxième cd, « La Forêt des mal-aimés ». En effet, pas moins 48 000 exemplaires sont vendus en deux semaines dans la Belle Province. Il faut dire que le talent et l´originalité caractérisent cet artiste multidisciplinaire (diplômé en arts plastiques, il a également étudié le violon, le piano et l´interprétation théâtrale). Réalisé par Jean Massicotte (qui a entre autres travaillé sur le dernier album d´Arthur H), « La Forêt des mal-aimés » est un conte musical qui nous immerge dans un univers poétique et créatif. Un brin mélancolique aussi. Il suffit d´écouter des morceaux tels que « Tous les visages » ou « Moi, je t´aimerai » pour s´en rendre compte. Grâce aux divers bruitages inclus tout au long de l´album, à ses mélodies gracieuses et ses personnages singuliers (« Le lion imberbe », « Au pays des fleurs de la transe »), l´auteur-compositeur-interprète arrive à créer une ambiance bucolique, qui nous transporte au cœur de cette mystérieuse forêt. Instrument de prédilection de l´artiste, le piano est bien sûr très présent. Un titre lui est même entièrement consacré (« 25-1-14-14 »). Mais l´artiste et son œuvre se veulent éclectiques. On peut dès lors trouver sur cette plaque un morceau aux accents sixties (« Deux par deux rassemblés »), des touches d´électro (comme dans « Qu´en est-il de la chance ? » qui débute comme « Here comes the rain again » des Eurythmics) ou encore des rythmes folks (« Nous n´irons pas »).
Les compositions du jeune homme évoquent tour à tour Michel Berger, Barbara et Michel Polnareff. Ses textes sont touchants et justes. Quant au timbre vocal, si le léger accent étonne quelque peu au début, l´oreille s´y habitue rapidement. On trouve même qu´il apporte un charme supplémentaire à l´ensemble de l´œuvre. Bref, un album imaginatif et romanesque qu´on verrait bien adapté en comédie musicale.
Depuis le carton des White Stripes, on a l´impression de voir fleurir avec un bonheur inégal les formations en duo : The Kills, The Black Keys… Du moins les maisons de disques ne rechignent-elles pas à les mettre en avant dans le grand revival Garage de ces dernières années. Chez The King Khan & BBQ Show, on s´éloigne fortement du format le plus commercialisé de cette mouvance. Mark Sultan (guitare, batterie, voix) et A.A. Khan (guitare et voix), originaires de Montréal, forment une sérieuse paire de ravagés (surprenant de la part d’anciens membres de groupes qui répondaient aux patronymes de Les Sexarrenos ou encore The Spaceshits ?!) bien décidés à secouer leur auditoire à grands coups de garage punk abrasif. Punk, blues, doo-woop, riffs à la Chuck Berry, toutes ces influences assumées sans complexe se conjuguent pour former un mélange détonnant à faire inévitablement remuer les hanches…
Draft est une formation française née en 1999. Issue du Havre, très exactement. « Slow motion suicide » constitue son second elpee (NDR : le premier « Stockholm Syndrome » était paru en 2002). Influencé par les Chevelles, Nada Surf et Faith No More, le groupe définit sa musique comme le fruit de la rencontre entre émocore intense et rock’n roll furieux.
L’album s’ouvre par « Failure of dialectic ». Les guitares claquent mais les drums ne s’emballent jamais. Imaginez Nada Surf s’il s’était converti au hardcore. Totalement différent, « Anus Mundi » permet à la voix plus travaillée du chanteur de se poser. Une voix qui devient même céleste sur le titre maître. Probablement la plage la plus aboutie. L’œuvre laisse aussi la place à l’expérimentation. Les morceaux en profitent pour s’allonger et prendre une forme plus atmosphérique. A l’instar de l’intimiste « Xanax and alcohol helped me to get there » qui s’achève par une explosion libératrice. Morceaux plus incisifs, « Drunk and lost in LH » et « Love is a black orchid » produisent une forme de violence assez déconcertante. Et manifestement, cet opus est loin d'être accessible. Les morceaux peuvent se révéler douloureux ou dramatiques, mais ils sont toujours le résultat de réelles combinaisons déroutantes D’ailleurs, si vous pensez que « Slow Motion Suicide » se résume à « Failure of dialectic», vous pouvez retourner vous coucher. Tout en baignant dans un univers cathartique, « Slow motion suicide » pousse le néo métal au-delà des frontières traditionnelles. Ce qui explique pourquoi, pour bien s’en imprégner, il est indispensable de l’écouter dans son intégralité. Draft évolue déjà sur une autre galaxie musicale, et prouve ainsi que pendant qu'un genre se meurt ou disparaît, un autre est déjà occupé de prendre sa place…
Le Solid´Art festival est né d´une envie de créer un évènement associant culture et solidarité. Son but est d´utiliser cette culture afin de mettre à l´honneur des initiatives solidaires et porteuses d´avenir. Par exemple, la première édition de ce festival, en 2004, était consacrée à la campagne d´Amnesty international contre l’enrôlement d’enfants soldats. L´édition 2006 s´est déroulée, à Bruxelles, les 6 et 7 octobre derniers, dates choisies par les organisateurs afin de clôturer la semaine belge du commerce équitable et de lancer le mois de la Solidarité Internationale de la ville de Bruxelles.
Cette compilation réunit donc des morceaux interprétés par différents artistes qui se sont produits durant ces deux jours. La sélection est éclectique, proposant une grande variété de courants musicaux. Le cd s’ouvre par Aidan responsable de rythmes latino. Il nous plonge ensuite dans l’univers du rock (Jelly, Elvis GhettoBlaster, Hemlock Smith), puis du rap (Hydra). La compile fait ensuite la part belle à la chanson française (Guillaume Ledent et Dîne à 4 Orchestra, Philmarie, Bertrand avec D, Pascale Delagnes, Mary M, Jaune toujours, Lè Vangle), pour terminer par du folk (No Mad ?, Follia !) et de l´électro (Technically Normal).
"Wereldcafédumonde" est donc, comme son nom l´indique, un disque aux multiples couleurs destiné à nous permettre de découvrir quinze artistes originaux et talentueux.
Si tout ce qu’on raconte est vrai, ‘Pete Doherty est un toxico. Pete est un salaud. Pete est un escroc. Pete est un séducteur. Pete est un poète. Pete est ce qui est arrivé de mieux à l’Angleterre depuis les Beatles... Pete risque de crever.’ Dans son ouvrage, intitulé et radicalement consacré à Pete Doherty, Busty, journaliste-groupie idéaliste chez Rock&Folk, tente de cerner la personnalité de son idole. Loin de parvenir à ses fins, elle tend à s’embourber dans les bas-fonds d’une adoration sans nom. Dommage. Mais peut-on lui en vouloir ? Le plus difficile chez ce Doherty étant de déterminer la frontière entre son mythe et la musique. Pour éviter de se perdre dans des considérations subjectives, mieux vaut se pencher sur les origines de la saga Doherty : sa musique. Si notre traîne-toxines préféré s’est fait connaître de tous par ses exploits (musicaux et autres) au sein de The Libertines et Baby Shambles, on s’attaque ici à quelque chose de radicalement différent, les chansons favorites d’un groupe en tournée. Oui, tiens, qu’écoute Baby Shambles dans son tour bus ? Qu’écoute Pete Doherty en roupillant entre un concert annulé et une prestation chaotique ? De la très bonne musique : The Creation, The Clash (forcément...), Bert Jansch, Johnny Thunders (évidemment...), Devendra Banhart, Love, The Social ou Belle & Sebatian. Rien à faire, il nous étonnera toujours !
Consacré à William, ce Dvd est un témoignage d’amour manifesté par sa veuve, Jeannette. La première partie est consacrée à un album photo présenté par Jeannette, une séquence entrecoupée d'extraits musicaux et d'entretiens. On peut y revoir William aux côtés de Shakey Jake Harris, Johnny Dyer, George Smith, Philip Walker, Junior Wells, Smokey Wilson, Charlie Musselwhite, Ronnie Earl, Alex Schultz,… Le document recèle une interview accordée par William, dans sa période Alligator, le tout ponctué d’extraits d'un concert accordé au club Rosa's de Long Beach. On a ensuite droit à une vingtaine de minutes de set exécuté dans ce qui semble être un magasin. Pour la circonstance, il est soutenu par deux guitaristes particulièrement affûtés : un jeune Rick Holmstrom et Zach Zunis. Quarante minutes ont été immortalisées lors d’un spectacle concédé au Larry Blake's Club de Berkeley, en Californie. Un autre sommet ! Tournées en noir et blanc, les images sont cependant un peu trop sombres. Heureusement, la musique est d’excellente facture. Elle met même en exergue le talent du gaucher et handicapé Steve Samuels ainsi que celui de l’extraordinaire John Marx. Près d’une demi-heure semble avoir été tournée dans un autre club : le Coors? La prise de vue est assez lointaine. Elle a même été filmée derrière la piste de danse où se pressent de nombreux couples émoustillés par la musique du merveilleux William Clarke. Le Dvd s’achève par un "My last goodbye" en fond musical, une plage extraite de l’elpee "Groove time" (Alligator). D’une durée de près de deux heures, ce testament visuel est un véritable must pour le fan du regretté harmoniciste.
Ces trois albums sont disponibles par e-mail chez Jeannette Lodovici ou chez sa fille Gina.
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De très intéressants documents sont accessibles sur le site www.angelfire.com/blues/williamclarke
Vous pouvez aussi entendre William chanter le blues en s'accompagnant à la guitare, le 1er janvier 1988, en cliquant sur le lien suivant :
http://www.youtube.com/watch?v=r6m1T_EyTq0
Ce premier volume revisite les années 1978 à 85. Dès les premières notes du morceau qui ouvre l’elpee, "Hittin' heavy", nous reconnaissons la présence - excellente par ailleurs - de l'inoubliable Michael Mann, alias Hollywood Fats. Il est même soutenu par son band de l’époque pour cet instrumental bien nerveux ainsi que lors des six plages suivantes. Tout d’abord sur "Blues afterwhile", un autre instrumental très fin de soirée. Déjà une leçon de ce que Smith avait appris à Clarke. Il y manifeste énormément de sensibilité. Mais c’est bien le souffle brûlant du blues qui est ici répandu. Fats et le pianiste John Detherage conjuguent avec bonheur ce blues de l'âme. Le "Diggin' my potatoes" de Leadbetter est imprimé sur un tempo alerte. William chante ; cependant c'est surtout son talent fou à l'harmonica qui nous souffle! Un fantôme passe : la voix chaude de George Smith interprète son "Teenage girl", véritable sommet de cette collection. Smith a conservé sa musique à bouche dans la poche. Ce diable d'homme sait que le souffleur rêvé pour le seconder est bien Bill Clarke. Il se montre insatiable dans l'arrière scène et se réserve un solo dans les aigus vraiment pas piqué des vers. Un privilège qu’il nous accorde l’espace de cinq bonnes minutes! "So all alone" démarre sur un mode funky avant de s'emballer dans le meilleur des Chicago blues. Les fans d'Hollywood Fats seront aux anges en découvrant "Come on baby". Du pur west coast jump qui n'a pas pris une ride. La musique pratiquée par ces jeunes blancs à L.A., fin des 70s, est décidément d'un niveau très élevé. George Smith est à nouveau présent pour chanter "Teardrops fallin', un nouveau slow blues très Chicago Southside, parcouru par la slide de Craig Printup. William est étincelant tout au long de "Blowin' my nuts", pendant que la section rythmique - constituée de Al Bedrosian à la basse et Matt Goodwine à la batterie - produit un groove incroyable. Fats revient gratter ses cordes sur "The little girl I'm lovin", un blues lent généreux au cours duquel Clarke chante vigoureusement face au piano de James Borden. Les quatre dernières plages remontent aux années 80. Plusieurs invités de marque y collaborent. Une belle preuve que Clarke était un musicien confirmé qui faisait autorité dans les milieux branchés blues de L.A. Smokey Wilson se réserve les vocaux sur l’excellent "Fine little mama", une compo puissante mais festive. Une véritable propagande pour le blues à laquelle participent Rick Holmstrom, alors très jeune guitariste, Fred Kaplan au piano, Willie Brinlee à la basse et Eddie Clarck aux drums. William chante autoritairement et avec assurance le slow blues "Give me back that wig" face aux ivoires de Kaplan. Son jeu à l’harmonica amplifié est d'une puissance impitoyable. Dernier invité, Cardell Boyette pose la voix sur son "I miss you so" soutenu par Zach Zunis et Steve F'dor. Cette collection fort intéressante s’achève par "Gina's Groove", un instrumental probablement dédié à Gina, la fille de Bill. Une compo qui réunit toutes les caractéristiques inhérentes au génie de ce souffleur légendaire.
Ce second volume est consacré à la période sise entre 85 à 91. Un autre recueil épinglant une nouvelle fois des plages remarquables, pour la plupart rares ou inédites et impliquant des invités prestigieux. Au dos de la pochette figure une photo qui date de 1982. Elle réunit William et son meilleur ami, Joe Lodovici, un autre brillant harmoniciste qui a aujourd'hui épousé Jeannette, la veuve de William.
L’opus s’ouvre par "Early in the mornin", un blues d’une grande richesse. Slow blues, "The feeling's gone" se singularise par son dépouillement. Le booklet ne signale pas le line up des musiciens qui constitue le backing group. Pourtant, le piano se révèle primordial dans le décor sonore. Très zélé, Bill dispense un divin souffle sur son harmonica chromatique. "Give me mine now" évolue sur un tempo assez proche du feeling rencontré à la Nouvelle Orléans, une sensation accentuée par le piano très rythmique. William est sur scène, derrière son idole George Smith. Ce dernier chante. Les deux hommes soufflent à l’unisson. La prise de son n'est guère brillante, mais l'émotion est bien présente. La profondeur aussi. Ils sont à nouveau soutenus par des illustres inconnus. Jeannette a retrouvé toute une série de bandes dans un tiroir. Mais elle ne fournit autre information à ce sujet. Ni le lieu, ni l’époque, ni l’identité des collaborateurs. Cependant, quel rare bonheur de découvrir ces musiciens qui jouent avec cœur. Rasheed Abdallah manifeste beaucoup d’enthousiasme pour chanter "Should kept on runnin". Clarke en profite pour exploser comme bien peu d'autres harmonicistes rêveraient de le faire. Mais ce musicien ne se contente pas de s’acharner ; il se révèle largement au dessus du lot. On a même l’impression que lui et son instrument miniature ne font plus qu’un. Le "Lookin for trouble" d'Eddie Taylor est sculpté dans le Chicago Blues le plus pur. A cause de l’orgue et puis du piano joué dans ce bon vieux style d'Otis Spann. "Bloody tears on my pillow" est un très long blues lent. Le jeu inventif, créatif, brillant du guitariste se détache. Ce qui n’est guère étonnant lorsqu’on sait qu’il relève de Ronnie Earl. Il porte même William vers les sommets sur son harmo chromatique. La reprise du célèbre "Ice cream man" de John Brim est un autre grand moment. Un Chicago shuffle qui bénéficie du concours d’un très bon pianiste (Fred Kaplan?). Deux plages mettent en présence deux harmonicistes. Tout d’abord Johnny Dyer. Il pose la voix avec beaucoup de sensibilité sur le "So glad I'm livin" de Sonny Boy Williamson. Mitch Kashmar, ensuite. Il est flanqué de ses Pontiax pour attaquer l'instrumental "Horn of plenty". William rivalise avec ce dernier. Les échanges de notes d'harmo évoluent à très haut niveau. Les trois dernières plages immortalisent un concert remarquable accordé au Starboard Attitude de Redondo Beach, le 11 avril 1987. Des enregistrements qui figuraient sur l'album "Rockin' the boat", paru en 88 sur Rivera. Pas la peine de vous faire un dessin, Bill est épaulé par des musiciens très talentueux : Joel Foy à la guitare, Fred Kaplan au piano, Willie Brinlee à la basse et Eddie Clarck aux drums. Toute cette équipe est responsable du torride shuffle "Deal the cards". Et puis du tonique "Boogie woogie woman". De la pure dynamite!
Est-il possible de pondre 12 fois le même morceau sur un seul album ? A cette question saugrenue, The Clientele répondra ‘oui !’. Auteurs d'un deuxième LP qui porte décidément bien mal son nom ("Strange Geometry"), nos petits amis originaires du Royaume-Uni auraient en effet tout intérêt à varier quelque peu leur songwritting... D'une linéarité somme toute assez évidente, les titres présents sur cette œuvre sont en effet tellement semblables qu’il est impossible de les distinguer les uns des autres... ! Les choses commencent pourtant assez bien, puisque "Since K Got Over Me", premier titre de l'opus, ouvre les débats de manière convaincante. Faisant la part belle à une voix nasillarde et à un concert de guitares cristallines, l'ensemble rappelle certains bon morceaux de Love pour ne citer que les influences avouées du combo... Le gros problème survient par la suite ; et en particulier lorsque The Clientele s’évertue à reproduire les même gimmicks, les mêmes enchaînements couplet/refrain, les mêmes tics d’interprétation pour finir par décourager un auditeur pourtant initialement bien disposé... S'il n'y avait un "Step Into the light" agrémenté de splendides cordes, véritable balise lumineuse au milieu de ce sombre océan, on parlerait presque de naufrage complet. Même la production, pourtant soignée par un certain Brian O'Shaugnessy - réputé pour ses collaborations avec Beth Orton - paraît bien pâle après quelques écoutes... Il est dès lors difficile de recommander cet album qui, paradoxalement, ne peut être qualifié de ‘mauvais’. Certains parleront de mélancolie. Nous serions plutôt tentés d'évoquer un manque d'inspiration...
Ma mère voici le temps venu d’aller prier pour notre salut, Jarvis est revenu. Bien sûr, certains pinailleurs nous dirons qu’il n’est jamais vraiment parti. Qu’entre l’épisode Relaxed Muscle, des chansons pour Harry Potter ou des textes pour la muse Charlotte, il n’a pas perdu son temps. Billevesées que tout cela ! Rien à secouer ! Le dandy maudit, le poète élégant, voilà celui que nous réclamions à corps et à cris, qui manquait tant à nos petites vies. Et le voici débouler, à nouveau soutenu par l’admirable Richard Hawley et le collaborateur de longue date Steve MacKey. Nouvel album sous le bras comme un présent sous la cheminée. Une plaque remplie jusqu’à la lie de mélodies renversantes, d’hymnes homériques et de tubes à la pelle. Pas forcément au sens radiophonique du terme mais plutôt d’instants à garder au creux des reins comme un amour caché. Qu’ils se fassent acerbes (« I Will Kill Again ») ou tendres (« Baby’s Coming Back to Me », déjà offerte à Nancy Sinatra tout comme « Don't Let Him Waste Your Time » d'ailleurs), Cocker et sa plume touchent au plus profond des âmes. Trop rarement souligné, notre homme est également un immense interprète et chante à présent mieux que jamais. Sérieusement, tout touche ici à la perfection, du crescendo tout en cordes de « Big Julie » à la merveille power pop « Fat Children ». Si l’on tente de reprendre son souffle et d’analyser froidement la chose, rien n’y fait. « Jarvis » est bel et bien l’album solo de l’année. Et on pèse nos mots.
Etendu sur le sable de Californie, les pieds en éventail, Chris Cohen observe le ciel, songeant à The Curtains, son projet personnel. Rêveur, il se souvient de ses beaux jours en compagnie des autres musiciens de Deerhoof. Il s’interroge, se demande si, oui ou non, le choix de quitter sa formation après la publication de l’excellent « The Runners Four » était judicieux. Probablement pas... Pour concevoir « Calamity », quatrième album de The Curtains, Chris Cohen a préféré s’isoler, quitter définitivement Deerhoof et se recentrer sur ses tentations musicales les plus fortes. La pop fleur bleue, le jazz, le rock classique, le punk et le rock garage se mélangent ainsi dans le cerveau de cet artiste obnubilé par les harmonies défendues par un Brian Wilson légèrement fendu.
Treize compositions, une trentaine de minutes et une solide sensation de longueur plus tard, on peine à comprendre le but ultime de cette entreprise. Comment expliquer cette volonté contemporaine de réunir les Who et Miles Davis sur une planche de surf usée par les Beach Boys ? En équilibre instable, le timbre vocal enfantin de Cohen paraît bien vulnérable. « Calamity » glisse sur des vagues écumées depuis des années. Et de fait, c’est moins fun que prévu...
Elle semble bien loin l’époque de "The Hour Of The Bewilderbeast" et de ses exquises perles pop… Après un léger regain d’inspiration étalé sur la bande son du film « About A Boy » et le gentillet « Have You fed The Fish ? », l’homme au bonnet a foncé droit dans le mur. En cause, un album assurément inutile (« One Plus One Is One »). Du coup, « Born In The U.K. », hommage à Springsteen, apparaît comme une tentative désespérée de remonter la pente. Si une bonne partie du disque patauge dans une guimauve plate et visqueuse, Damon Gough alias Badly Drawn Boy arrive à s’y extirper de justesse sur quelques morceaux (« Nothing’s Gonna Change Your Mind », « Welcome To The Overground », « The Way Things Used To Be » et la plage titulaire). On ne peut pourtant pas parler de réelle déception, « Born In The U.K. » se révélant légèrement supérieur à ses deux prédécesseurs. Et à l’homme au bonnet de clôturer son œuvre en demi-teinte par « The Time Of Times » rappelant furieusement « The Shining », plage d’ouverture de son premier essai. S’il s’agit pour lui d’une autre manière d’annoncer que la boucle est bouclée, il est bien mal barré le bonhomme…
Fort d’une intensité majestueuse et d’une fidélité accomplie, le projet « Aluminium » de Richard Russell, à la tête du label des White Stripes (XL Records), demeure l'aboutissement d’une sublime réflexion musicale. Pour ce projet, Russell s’entoure des meilleurs musiciens classiques britanniques. Réalisé sans le concours du groupe et en collaboration avec le compositeur Jody Talbot, « Aluminium » a été enregistré entre août 2005 et février 2006 aux Studios Intimate, à Londres. Le projet revisite dix morceaux des White Stripes, réarrangés par un orchestre symphonique, donnant ainsi une nouvelle dimension à des compositions électrifiantes telles que « Astro », « The Hardest Button to Button », « Why Can't You Be Nicer To Me ? » ou, encore, « Aluminium ».
Edité à 3.333 copies CD et 999 copies vinyles, propre au fétichisme tertiaire de Jack White, l'album est surprenant de virtuosité. Aussi nous amène-t-il à porter un regard neuf sur des compositions existantes. L'initiative de Russell nous immisce dans un cercle inédit auquel on goûtera avec un plaisir non retenu. Le raffinement et l’élégance de l’ensemble, associés à l’énergie des progressions dynamiques, en font une œuvre inouïe. « Aluminium » repousse les limites instrumentales jusque dans leurs moindres subtilités, donnant un caractère précieux aux arrangements. Il s'agit là d'une véritable féerie sonore, mettant en scène deux univers musicaux, ouvrant la voie sur une nouvelle approche des genres. Eclatante de finesse, cette pièce est tout simplement monumentale.
On tenait jusqu’ici Montevideo comme la grande success story de l’année 2006. Le peuple ayant tendance à s’emballer de façon éphémère, c’est au tour d’Arker de, déjà, prendre le relais. En témoigne « Humdrum Street ». A peine lâché sur les ondes qu’il devient le tube incontournable, obligatoirement playlisté dans le iPod des jeunettes en quête de cooltitude. Après avoir pris d’assaut les scènes du Suikerrock ou Nandrin l’été dernier, l’auteur-compositeur de 24 ans délivre « Them & I », première oeuvre à l’image de son single : frais, simple et résolument pop. Bénéficiant d’une production plutôt bien léchée, les douze pépites d’or incluses sur ce disque pourraient sans grand mal connaître la même destinée audiovisuelle que le single susmentionné. La voix ‘Stef Kamil-ienne’ d’Arker finira de convaincre les oreilles étanches à la pop issue de Wallonie. Un très bon point pour le nouveau label No Vice Music, dont Arker est la première signature.
Non ce n’est pas Bob Dylan qui est venu prêter sa voix pour enregistrer cet album, mais bien Hamilton Leithauser. Il ne prête d’ailleurs rien du tout puisqu’il est le chanteur de The Walkmen, un quintet issu de New York. Pourtant, le constat est troublant. Et franchement, vous pourriez facilement mettre en couleur 99% de vos cobayes. Maintenant, pour la musique c’est quand même fort différent. Tout d’abord, la formation est manifestement influencée par le Velvet Underground. Le phrasé de guitare dispensé par Paul Maroon en est la plus parfaite démonstration. Encore que parfois il vire au psychédélisme (NDR : ou à la noisy). Celui (NDR : ou celle) de My Bloody Valentine, pour ne rien vous cacher. Ce qui ne l’empêche pas d’opérer l’une ou l’autre incursion dans le surf. Un peu à la manière d’Alan Price Set. Une structure bien électrique sur laquelle The Walkmen tisse alors de multiples nuances. Mariachi (voire cajun), dès que les cuivres entrent dans la danse ou que le piano bar résonne un peu ‘ragtime’. Garage quand les claviers entretiennent un climat ‘vintage’, spectral, malsain. A cet instant, on ne peut s’empêcher de penser à un Sir Douglas Quintet en moins r’n’b. On a aussi droit à de la lo fi et du punk. Parfois à des percussions tribales. Le dernier morceau de l’elpee (« Another one goes by ») épouse même le tempo d’un paso doble. Côté lyrics, les chansons abordent des sujets souvent décadents, éthyliques. Et de ses conséquences… On a parfois même l’impression que les chansons de ce disque ressemblent à autant de fresques peintes par Toulouse-Lautrec. Et il y en a douze sur « A hundred miles off », le troisième opus de The Walkmen…
Emmené par Cassandra Ford, The Vincent Black Shadow nous vient de Vancouver, au Canada. Une formation conduite par Cassandra Ford, une vocaliste au timbre immaculé, tantôt puissant, tantôt mélancolique, particulièrement troublant. Et pour cause, il est tellement proche de celui de Gwen Stefani. Maintenant, pour la musique, TVBS évolue dans un tout autre registre, carburant à l’énergie et manifestant beaucoup de créativité. Faut dire que la diva charismatique bénéficie du soutien d’un excellent backing group. Impliquant les frères Kirkham (guitare, basse et batterie) et puis une claviériste (NDR : très talentueuse) qui répond au nom de Mary Ancheta. Au menu de ce « Fears in the water » une volée de hits potentiels. « Metro » tout d’abord. Une compo efficace, endiablée et mélodique qui ouvre l'album. On nage ici en plein soft punk au refrain énergique et enivrant. « Control » ensuite et ses riffs vibrants. Le contagieux "Bullet on the Tracks". Et enfin la ballade savoureuse, amère, tendre et raffinée "Don't go Soft". Une plage qui nous plonge dans un univers magnifique, empreint d’une grande mélancolie. Le climat de ce disque est d’ailleurs très souvent subrepticement sombre. Cet à cet instant qu’on se rend compte de la capacité du combo à explorer d’autres horizons sonores. Autres que pop, rock ou punk. Plus proche d’Evanescence même. A l’instar du grandiloquent « Valentine » ou encore de « Broken », probablement le meilleur morceau de la plaque. Voix superbe, conjugaison de guitare et de claviers, refrain d’enfer et rythmique implacable dominent parfaitement leur sujet. Et le final n’est pas en reste, TVBS terminant cet opus par un dantesque « Letter to no one » : les soli de guitares, les claviers et les drums s’en donnant à cœur joie. Et davantage qu’Evanescence, c’est à No Doubt qu’on pense alors, probablement l’autre influence majeure de The Vincent Black Shadow…
Le tennis peut donner des envies de musique : on se rappelle Philippe Dewulf, ce fameux joueur flamand qui réussit l'exploit, bien avant Justine et Kim, d'atterrir en demi-finale à Roland Garros… Un jour il chiala presque à l'idée de devoir jouer, alors que les Smashing Pumpkins donnaient un concert à la même heure. Car comme le déclare si bien Nelson Montfort, 'les raquettes sont des instruments à corde', d'où le support act de Phoenix ce soir à l'AB, les bien nommés Housse de Racket, en fait un duo batterie-guitare. Déguisés en tennismen à la Das Pop, ces deux Français jouent (en double) de la pop rythmiquement soutenue, comme une finale de grand chelem entre Federer et Nadal. Dommage qu'ici l'on pense avant tout à Thierry Hazard, voire aux Prototypes, à Bosco et aux zigotos de Ratatat. Triple faute, zéro pour-cent de premières balles, direction le vestiaire malgré deux-trois coups droits bien balancés qu'on mettra sur le compte de l'humour.
La dernière fois qu'on avait vu Phoenix c'était il y a des plombes, à l'époque de « United », bref il y a au moins 5 ans. Dans nos souvenirs tout ça manquait de pêche, d'où une légère appréhension à les revoir sur scène, même si leur dernier disque est une sacré tuerie. Le doute ne durera que le temps d'une petite « Ritournelle », le splendide morceau de Sébastien Tellier jaillissant des enceintes avant l'extinction des lumières. Surprise : les quatre Français sont accompagnés de deux musiciens supplémentaires, l'un en renfort batterie, l'autre aux synthés. Retentissent alors les premières notes de « Napoleon Says », le titre d'ouverture d'« It's Never Been Like That », autrement dit un tube. Auquel viennent s'accrocher d'autres, pour à la fin former une belle brochette de hits qui valent bien une grande farandole, de type 'C'est la chenille qui redémarre'. Il faut bien l'avouer : le Phoenix d'aujourd'hui n'a plus grand chose à voir (et surtout à entendre) avec celui d'hier. Le son est carré, la dynamique impressionnante, la classe folle. Quasi l'intégrale des dix titres d'« It's Never Been Like That » est passée en revue, du sautillant « Consolation Prizes » au groove instrumental de « North », qui évoque justement « La Ritournelle », version guitares. Côté vieux hymnes les Parisiens nous auront gratifié d'un « If I Ever Feel Better » enlevé - sans doute le climax du concert, tout en étirement rock - et de l'incroyable « Funky Squaredance », mix virtuose de proto-prog et de synth-pop eighties : une tuerie, qui laissera pourtant les nouveaux fans de marbre, plus à l'aise lors du rappel et d'un « Too Young » interprété vite fait. A l'issue de ce concert furibond, d'une élégance pop-rock jamais démentie, Phoenix peut prétendre à la distinction du 'meilleur groupe français' 2006, catégorie 'machine à hits'. Du travail de pro, qui en plus donne la banane : tu parles qu'on se sent mieux !
Beaucoup moins de spectateurs lors de cette troisième journée. Faute de grosse tête d'affiche, plus que probablement. Aucune des formations programmées ce soir ne jouissant de la popularité des Kooks. Mais c'est souvent l'occasion de faire des découvertes…
On a retrouvé Blanche Neige ! D'origine pakistanaise, elle vit à Brighton, en Angleterre. En vérité, elle s'appelle Natasha Khan, drive un groupe qui répond au nom de Bat For Lashes et possède une voix remarquable dont le timbre rappelle tantôt Kate Bush, tantôt Björk, tantôt Sinead O' Connor. Et elle est très jolie (NDR : non, les membres de Spinto Band ne rôdaient pas dans les coulisses). Elle est fascinée par tout ce qui touche au surnaturel et le reflète à travers ses chansons qui relatent tantôt des contes de fées, tantôt des romances épiques. Elle est entourée de trois autres filles. Coiffées comme des indiennes, les quatre musiciennes se partagent une multitude d'instruments. Conventionnels (violons, basse, guitare, piano, claviers, accordéon, boîte à rythmes) et insolites (des percussions en tous genres et une mini harpe). Mais si la structure instrumentale tient parfaitement la route, les mélodies délicatement tissées nous plongeant au sein d'un climat où se mêle harmonieusement fantaisie, sensualité, innocence, mystère, inquiétude et passion, c'est surtout la voix de Natasha qui domine le sujet. Parfois on en a même la chair de poule. Le plus étonnant, c'est qu'elle avait pris froid, s'excusant auprès du public de son état de santé. Suis certain que dans la foule, il y avait centaines de chevaliers qui auraient accepté de jouer le rôle du Prince Charmant…
Fyfe Dangerfield s'assied au milieu de son armada de claviers. On dirait presque qu'il est dans un bunker, tant il est difficile de l'entrevoir au milieu de son attirail. Son timbre vocal âpre, chaleureux, légèrement opératique, vous hante, vous envoûte instantanément. Greig Stewart est aux drums. Sa manière un peu frénétique et désarticulée de jouer me fait parfois penser à Animal, le batteur fou du Muppets Show. MC Lord Magrão, le guitariste, ne tient pas en place une seule minute. On a même l'impression qu'il danse avec sa guitare, tout en la torturant. Aristazabal Hawkes se réserve la contrebasse. Elégante et sexy dans sa robe rouge moulante, cette très belle fille de type latino apporte une coloration jazzyfiante aux compos. Tout comme les deux cuivres, qui se sont postés à l'arrière de la scène. Et je dois avouer avoir été impressionné par leur set. Très en relief, énergique, riche, diversifié, il contraste totalement avec leur premier album (« Through the Windowpane ») dont la mise en forme a tellement été léchée, qu'il en est devenu insipide (NDR : à leur place j'irai casser la gueule au mec - le producteur ou l'ingénieur du son - qui a complètement bousillé leurs chansons). Alors surtout ne tenez pas compte de cet accident de parcours, Guillemots possède un potentiel inouï. Il l'a en tout cas démontré ce soir. Et si vous avez l'occasion d'aller les applaudir, ne les manquez sous aucun prétexte. C'est dit !
Love Is All est la formation dont toute la presse indie parle. Mais dont les journalistes n'ont pratiquement jamais rien entendu. Le quintet suédois vient pourtant de sortir un premier mini album (« Nine Times That Same Song »), mais pour l'instant, il n'est disponible qu'en import. Dirigé (NDR : et le mot est faible !) par la chanteuse Josephine Olausen (tout de noir vêtue, y compris la minijupe et les bas collants), une vocaliste/claviériste au timbre glapissant, strident, rappelant Karen O (Yeah Yeah Yeahs), Annabella Lwin (Bow Wow Wow), voire Poly Styrene (X-Ray Spex), L.I.A. implique également dans son line up un guitariste, un bassiste, un drummer et un saxophoniste. Combinant divers éléments qui oscillent du post punk à la new wave en passant par le Riot Grrrl et la no wave, leur musique ne manque ni d'énergie, ni d'enthousiasme. Dans ses moments les plus dansants, elle peut même faire penser aux B52's. Malheureusement, cette exubérance doublée d'excitation est tellement constante, qu'elle en finit par en devenir linéaire et surtout à lasser. Dommage, car l'ensemble pourrait franchement mettre le feu, s'il mettait un peu plus de variation dans son expression sonore. Ce n'est peut-être qu'une question de temps…
Il revenait à Midlake de clôturer cette soirée. Une formation texane (NDR : de Denton très exactement) dont les influences oscillent de Grandaddy aux Flaming Lips en passant par Coldplay. Enfin, c'est l'impression laissée par leur deuxième album, « The Trials of Van Occupanther », paru voici quelques mois. Sur scène le line up est constitué de cinq musiciens. Seuls le drummer et le claviériste se concentrent sur leur instrument. Les trois autres se partageant les claviers, la guitare électrique, la guitare sèche dont deux d'entre eux le chant (NDR : franchement le concert m'a tellement passionné que je n'en suis plus tellement sûr, mais la description doit être plus ou moins fidèle). Derrière le groupe, des clips vidéo sont projetés sur un écran. Certaines d'entre elles relatent des batailles de l'époque napoléonienne. Et régulièrement la pochette de leur dernier elpee s'intercale entre les minis films. L'essentiel de la concentration se focalise d'ailleurs sur cet écran, car la musique ne parvient pas à accrocher l'esprit. Et sans ses projections, on piquerait bien un petit roupillon. Vu la fatigue et l'heure avancée, si la salle avait été garnie de sièges cinéma, cela n'aurait pas fait l'ombre d'un pli. D'ailleurs aux deux tiers du set, j'ai pris la bonne décision de vider les lieux et de reprendre la route pour y retrouver mon lit…
La nouvelle m'est parvenue au dernier moment : j'irai donc voir les Two Gallants au Bota. C'était le 10 novembre dernier… Agréable surprise s'il en est, car depuis plus d'un mois je n'ai cessé d'entendre parler de ces deux kids américains, que beaucoup me décrivaient comme de géniaux musiciens folk, tatouages en plus. Arrivé sur place, j'apprends avec délectation que les hostilités prendront place dans cette chère petite rotonde, tant affectionnée. Aucun autre théâtre ne m'a, de mémoire, proposé une si parfaite synthèse de chaleur, d'intimisme et de promiscuité. Le temps de retrouver mon complice du soir, de vider une petite mousse et de prendre un bol d'air en bonne et due forme, puis nous entrons tous deux dans une salle déjà bien garnie.
La formation en charge de la première partie répond au nom de Cold War Kids et défend, ma foi, fort bien son dernier opus. Ça swingue, les deux voix sont sympathiques et, une fois n'est pas coutume, on savoure calmement l'orage avant la tempête.
Arrivent ensuite les deux comparses de Two Gallants et la salle s'embrase. Cela se sent, les gaillards sont attendus impatiemment depuis la sortie de leur dernier album « What the Toll Tells » et leur apparition à l'AB ou durant les festivals de l'été (à l'affiche de Dour, notamment). Si Tyson Vogel (batteur) et Adam Stephens (guitare et chant) débarquent tout juste de leur Californie natale, et de San Francisco pour être précis, leur show n'en dégage pas moins des effluves d'Amérique profonde. Sans devoir fixer des yeux les premiers rangs (pas une fois on n'a eu la chance d'apercevoir les prunelles du batteur fou, dissimulées derrière sa longue tignasse inflammable, quant à son collègue, il ne semble pas être un inconditionnel du 'yeux dans yeux'), les deux artistes plongent l'assemblée dans une contemplation non feinte, et votre serviteur, bien que novice en la matière, opine du chef la bouche en cœur… Les aficionados d'Eddie Vedder, de Jack White voire de ce bon vieux Kurt auront, sans conteste, apprécié le folk torturé du duo et la facilité avec laquelle ses notes décharnées oppressent agréablement. On ne sort pas indemne de ce genre de concert, on m'avait prévenu… C'est soit la nuit d'introspection, soit le tournis… Après un rappel et un ban d'applaudissements de circonstance, je sens que pour moi il n'y aura pas d'introspection et je me précipite dehors vers un second bol d'air salvateur. Un camarade assez chargé arrose d'ailleurs déjà le jardin botanique de ses émotions éthyliques. Peut-être touche-t-on ici vraiment à l'essence du Rock'n'Roll… Un live des Two Gallants, c'est décidément éprouvant… Mais on en redemande !
Enormément de monde pour ce deuxième jour des Inrocks de Lille. Le premier s'était déroulé la veille à la Maison des folies de Wazemmes. Et beaucoup d'Anglais et surtout d'Anglaises avaient traversé la Manche pour assister au set des Kooks. De très jeunes britanniques ! Depuis tôt le matin elles étaient collées à la grille d'entrée pour pouvoir pénétrer dans la salle et s'installer le plus près possible du podium. Un engouement que l'on rencontre rarement sur le Vieux Continent. Par contre, le service de sécurité a confondu festival rock et meeting politique voire syndical. Le syndrome Sarkozy continue de faire des émules. Admettre les spectateurs frigorifiés au compte-gouttes m'a semblé quelque peu déplacé. Mais on peut le comprendre au vu des fouilles minutieuses réservées à la carte. Séparer ceux-ci en deux files : une pour les filles et l'autre pour les garçons m'a donné la nausée. Un comportement peu accueillant, c'est le moins que l'on puisse dire. On était même à la limite du déni de démocratie ! Faisant remarquer cette situation aux organisateurs, ce service d'ordre m'a même intimé l'ordre de la fermer. Qu'ils fassent leur boulot, d'accord ; mais faut pas prendre les gens pour du bétail. Ni pour des imbéciles. C'est sans doute ce qu'ils pensent des journalistes. A leurs risques et périls…
Il revenait à Mumm-Ra d'entamer la soirée. Six très jeunes insulaires issus de l'est du Sussex. De Bexhill-on-Sea, très exactement. Leur musique ? De la britpop dans la lignée de Snow Patrol, mais en plus brouillon. Le claviériste essaie bien de rendre l'expression sonore la plus homogène possible, mais il ne peut manifestement colmater toutes les brèches. James Arguile n'est pas un mauvais chanteur et son jeu de scène quelque peu théâtral rappelle parfois Jarvis Cocker. Mais leur style redondant finit par lasser. Franchement, sur la scène belge, il y a des groupes qui leur sont dix fois supérieurs…
La bonne surprise nous est venue de Boy Kill Boy. Enfin, pas tout à fait une surprise puisque ce quatuor londonien puise manifestement ses influences dans la musique des eighties. Et en particulier chez les Smiths et Julian Cope. Un peu comme The Killers, Bloc Party et Maxïmo Park. Chris Peck, le chanteur, possédant d'ailleurs un timbre fort proche de Paul Banks. Pourtant, BKB n'a pas trop bonne presse en Grande-Bretagne. La formation était-elle dans un état de grâce ? On n'en sait strictement rien. Une chose est sûre, leur set est très précis et libère une énergie pure. Les riffs sont efficaces et les mélodies hymniques, mélancoliques, contagieuses. En outre, le claviériste, qui assure également les backing vocaux, apporte une petite touche new wave à l'ensemble, de manière à alléger et surtout équilibrer une expression sonore susceptible de basculer à tout instant dans un climat ténébreux. Et heureusement, ce n'est jamais le cas.
Toute la presse branchée crie au génie en parlant de Spinto Band. Un combo américain issu de Willington, dans le Delaware, qui existe depuis déjà une bonne dizaine d'années. Un méga hit à leur actif : « Oh Mandy ! », que la formation va d'ailleurs interpréter au beau milieu de sa prestation. Une prestation guère convaincante, il faut l'avouer. Pourtant, leur power pop insouciante, sucrée, mélodique, contagieuse possède tous les atouts pour faire la différence. Evoquant même parfois les Posies voire Weezer. A moins que ce ne soit les Talking Heads. A cause de la voix nasillarde de Nick Drill, proche de David Byrne. En outre, les musiciens déménagent sur les planches. Parfois un peu trop. De petite taille (NDR : heureusement, ils ne sont que six !) ils usent et abusent de clichés : poses semi-convulsives, conjugaison de choeurs sur un même micro, etc., au point d'en oublier l'essentiel : la musique. Et finalement on en prend plein la vue, alors qu'il n'y a pas grand-chose à se mettre dans le tuyau de l'oreille. En résumé, Spinto Band est à Talking Heads ce que Clap Your hands Say Yeah est à James. Des hypes tout simplement ! Vous n'avez pas rencontré Blanche Neige ?
La tête d'affiche revenait incontestablement aux Kooks. Ils jouissent d'une incroyable popularité aux Iles Britanniques. Ce qui explique pourquoi l'Aéronef avait été envahi par l'Albion lors de cette soirée des Inrocks. Et surtout par des filles. Honnêtement en plus de 35 années de concerts, je n'avais vu ni entendu une telle hystérie émanant de fans. Peut-être lors d'un concert de T Rex. Mais c'était il y a bien longtemps. J'avais l'impression de revoir les images si souvent passées à la TV, en noir et blanc, des Beatles au milieu des sixties. Etonnant ! Ces aficionados connaissent toutes les chansons de leurs idoles par chœur, et les interprètent en même temps que Luke. Ah oui, mais le concert alors ? De bonne facture, sans plus. Les Kooks possèdent un énorme potentiel, mais ils sont encore très jeunes et doivent encore apprendre à le maîtriser. Luke passe successivement de la guitare électrique à la sèche. Le son est puissant. Même pour les compos les plus intimistes. Ce qui rend la prestation un peu trop linéaire. Coiffés de superbes chapeaux, Hugh Harris, le guitariste soliste et Max Rafferty, le bassiste, sont postés respectivement à gauche et à droite de Pritchard. Les tubes (toutes les compos sont des tubes !) s'enchaînent. Et manifestement, c'est en 'live' qu'on se rend compte de l'influence exercée par Police, époque « Regatta de Blanc », sur le groupe. Blanc comme le funk blanc ! En fin de set, l'intensité monte d'un cran. Et la ferveur du public n'y est pas étrangère. Conclusion, les Kooks accordent un rappel au cours duquel il interpréteront leur inévitable cover, « You make me crazy ». Et puis Luke de terminer son show debout sur les barrières 'nadar' devant un public conquis (NDR : celui des premiers rangs, of course…)
Rien n'est simple : la vie est compliquée, le monde imparfait. Oui, c'est vrai. Dans un monde parfait, les albums de Sharko se vendraient à la pelle. Le nom du groupe à peine susurré, les fans s'évanouiraient. Oui, c'est vrai. Dans un monde parfait, les trois Bruxellois se paieraient les scalps de Placebo et de Shakira. C'est comme ça. Malheureusement, la terre tourne à l'envers. Et à l'heure de la sortie de « Molecule », le nouvel album de Sharko, l'énorme potentiel du groupe de David Bartholomé demeure encore insoupçonné par les nombreux fans d'un rock puissant et racé. Une fois encore, les nouveaux morceaux de Sharko affichent l'envergure de leur ambition. Au fait, il n'est jamais trop tard pour changer le monde, changer de vie...
En s'attardant sur votre discographie, on constate que la mise en œuvre de ce nouvel album vous a demandé plus de temps que d'habitude : trois ans. Il s'agit du laps de temps le plus important entre deux disques de Sharko. Comment expliquez-vous ce constat ?
Cette période a été très difficile. Elle correspond à une remise en question totale, à une envie de tout arrêter... Nous vivions une impasse artistique : impossible d'écrire de bonnes chansons. Celles écrites à l'époque étaient inutiles, vaines, vides de sens. Les morceaux composés pendant cette période étaient comme 'des mobylettes sans essence'. Parfois, on retrouvait l'amorce de bonnes idées. Quelques unes se retrouvent d'ailleurs aujourd'hui dans « Molecule ».
Quel est, selon vous, l'événement qui a marqué le début de cette période de doute ?
Nous sommes rentrés d'une tournée en France. Ensuite, nous devions bosser sur notre nouvel album dont la sortie était prévue pour septembre 2005. Mais dès le début du processus d'écriture, le cœur n'y était pas. Aucune sensation : rien ne venait, rien ne sortait...
Comment êtes-vous retombés sur vos pattes ?
Le premier déclic repose certainement sur cette volonté d'arrêter le projet, d'en finir avec Sharko. Le choc a vraiment été terrible pour les autres membres du groupe. Une fois cette déclaration passée, la deuxième étape thérapeutique est à mettre à l'actif des nombreux messages d'encouragement envoyés par Teuk et Julien, mes deux musiciens et amis. Ils insistaient : 'On a peut-être pas tout donné ! Il reste encore de nombreuses choses à écrire, etc.' Aujourd'hui, je n'ai pas encore décelé l'origine de ce ras-le-bol. C'était sans doute lié à un contexte général, à des problèmes personnels. Tout cela demeure très complexe...
Aujourd'hui, tout est rentré dans l'ordre. Le nouvel album est là. Il s'intitule « Molecule » et a été mis en forme par Dimitri Tikovoi, une grosse pointure en matière de production. Son nom est souvent rapproché des œuvres de Placebo, Archive, Goldfrapp ou, encore, Shakira. Comment vous êtes-vous rencontrés ?
Nous connaissions Dimitri grâce à son travail de production sur le projet Trash Palace. Nous l'avions approché quatre ans plus tôt. Depuis, il a produit des artistes de dimension internationale. Après avoir composé les chansons du nouvel album, nous recherchions un producteur. Nous avons alors songé à le contacter... Mais il était injoignable et certainement trop cher pour nos moyens... Mais coup de bol : on avait conservé son adresse personnelle ! Dès lors, on lui a envoyé notre démo fin mai. Trois jours après l'avoir reçu, il nous a contactés, nous posant pas mal de questions. Après cet interrogatoire téléphonique, il nous a confié : 'Je suis disponible dès le trois juillet, est-ce que vous êtes prêts ?' Force était d'admettre que nous n'étions pas encore tout à fait au point... Finalement, s'il a accepté de travailler avec nous, en passant au-delà de notre maigre apport financier, c'est en grande partie en raison de la souplesse de notre musique. En arrivant, la première question qu'il nous a posée était : 'Etes-vous déterminé à vous laisser diriger ?' Notre réponse était spontanée : 'Si on fait venir un mec de Londres, ce n'est certainement pas pour lui donner des ordres !'
Après cette rencontre et cette collaboration, considérez-vous son apport comme majeur dans le compte rendu final de « Molecule » ?
Le résultat final est très éloigné de la démo envoyée dans sa boîte aux lettres ! Essentiellement au niveau de la profondeur des sons et du discours...
La pochette du nouvel album bouleverse la conception esthétique de votre discographie. Pour la première fois, ce sont vos visages qui illustrent votre album ? Est-ce une volonté de se mettre davantage en avant ?
On s'est réunis pour écouter l'album et discuter de sa pochette. Nous ne voulions pas entrer dans un plan graphique à la Franz Ferdinand. Nous cherchions quelque chose de simple, spontané, radical, sombre : une image correspondant parfaitement à l'esprit de ce nouveau disque. La première idée venue était celle d'une photographie de nous trois, en noir et blanc. Il n'existe rien de plus franc et radical.
Sur « Molecule », deux chansons se référent au concept de 'Bug' : « Love is a Bug » et « Bug ». Eprouvez-vous une fascination pour cette notion ?
La double signification de ce mot est captivante. 'Bug' peut se traduire par 'petit insecte' : une coccinelle, par exemple. Mais il peut aussi s'agir d'un 'dérèglement'. Sur la première chanson de l'album, nous voulions retrouver un son très puissant, évoquant une attaque d'abeilles. On a beaucoup joué là-dessus. Par ailleurs, les paroles de la chanson parlent d'un gars dévoré par les problèmes. A la fin, il prend conscience qu'il est quand même quelqu'un de bien... Ça vous rappelle quelqu'un ?
Le premier single de l'album s'intitule « Motels ». Pourquoi avez-vous opté pour ce titre pour lancer le disque ?
En réalité, nous ne l'avons pas choisi ! Le patron de notre label souhaitait que « Motels » soit ce premier single. C'est un bon titre... Alors, pourquoi pas ? Personnellement, j'aurai davantage misé sur « Trip », un morceau agressif, immédiat, très court. Dans un monde idéal, mon choix se serait porté sur cette chanson. Mais on ne fait pas toujours ce qu'on veut... Par ailleurs, nous accordons une entière confiance aux décisions de notre label.
Les nouvelles chansons touchent essentiellement au thème de l'amour. On pense à « Sweet Protection », « I Need Someone ». Pensez-vous qu'il s'agisse d'un thème inépuisable dans l'univers de Sharko ?
Nos textes se référent aux relations. Qu'elles soient amoureuses ou humaines. Nous aimons mettre en parallèle la relation avec 'soi-même' et essayer de projeter cette vision vers une relation extérieure. C'est également une relation avec l'intimité.
Pour votre retour à la scène, vous avez joué deux dates. La première s'est déroulée au Cirque Royal, la seconde à La Cigale, à Paris. Comment le public réagit-il à l'écoute de vos nouveaux morceaux ?
Le public semble heureux de nous retrouver sur scène. A Paris, c'était une sensation extraordinaire : nous étions fiers d'être Belges... Cela peut sembler un peu idiot. Mais nous avons ressenti quelque chose de très puissant. Devant le public du Cirque Royal, l'émotion était intense. On revenait de loin... Avant de monter sur scène, nous ressentions une terrible montée d'adrénaline. Le silence régnait, nous échangions des regards et, soudain, le concert a commencé...
Sharko est de plus en plus présent sur la toile. Pour de nombreux artistes, Internet constitue désormais un important moyen de diffusion. Votre implication sur un site comme MySpace en témoigne. Que pensez-vous de cette évolution ?
C'est dans l'air du temps, on ne peut plus s'en passer... D'ici cinq ou dix ans, le support disque risque de disparaître. Pour de nombreux artistes, Internet va alors devenir le seul média de diffusion et de promotion. Certes, il y aura toujours des gens pour défendre la cause des cd's. Mais il faut se faire une raison : l'industrie ne nous demandera pas notre avis. A-t-elle demandé l'avis des gens lorsqu'elle a décidé de débarquer le disque vinyle ? Combien de collectionneurs de vinyles se sont retrouvés dans l'impossibilité de lire leur disque parce qu'ils ne pouvaient plus se procurer le tourne-disque nécessaire à leur bonheur ? Les gens ont été obligés de passer aux cd's. Et pensez-vous que quelqu'un nous demandera notre avis le jour où la FNAC fermera ses portes ? Dans quelques années, il est évident que les 'petits artistes' ne jouiront plus du luxe d'un support plastique... Paradoxalement, les gens n'ont jamais autant écouté de musique qu'aujourd'hui. Les sites d'échange, les plates-formes MySpace, les blogs, les pages personnelles : la musique est partout !
L'ouverture, très punk, assenée par le premier morceau éponyme (« Blood Vision ») donne le ton au projet solo de Jay Reatard (paru sur le label californien In The Red Records). On adhère aisément à cette énergie débordante, directe et spontanée enchaînant les rebonds au fur et à mesure que l’on s’avance dans cette lecture à l’avant-goût fort agréable, notamment sur les morceaux « It’s so Easy » et le sublime « My Shadow ». Jouant sur un tableau dépeint de punk rock garage et de new wave, l’entrée prometteuse et engagée de « Blood Vision » s’enlise ensuite dans de vaines mélodies mielleuses. Pourtant, leur jeu rythmique est dynamique, mais traîne en longueur. Dès lors, les compositions de Reatard s’écoutent, se chantent, se dansent même, mais loin de toute exaltation radicale.
Jay Reatard est sérieusement ancré dans le mouvement punk. Quelques œillades en direction de la durée de ses morceaux, de la prolifération de ses démos et de ses multiples formations parallèles (The Reatards, The Lost Sounds, Final Solutions) suffisent à comprendre l'engagement du bonhomme. Reatard va même jusqu’à créer son propre label (Shattered Records) en compagnie d'Alix, sa compagne, avec laquelle il forme aussi le duo new wave garage Angry Angles. Jay Reatard est un acharné, un de ces workalcoholics fanatiques d’un genre dont il ne démord pas. Longtemps assimilé au groupe The Oblivians (tous deux originaires de Memphis, Tennessee) qu’il copiait de façon notoire, Reatard essaye aujourd'hui de se distinguer, de se façonner un son propre, mélodique, entraînant, dynamique. Malheureusement, l'ingurgitation excessive de ses influences le conduit à affaiblir son propos. Le projet prend alors des airs de covers.
Aucune originalité donc et ce, malgré l’énergie débordante de cet opus aux multiples influences. Pour résumer: un croisement entre les Stooges et Devo, les New York Dolls et les Ramones, et une voix hybride, évoquant l'improbable rencontre entre les timbres de Frank Black et de Gaz Coombes (Supergrass). On regrettera le coté répétitif de cet album, ces morceaux sculptés sur des sonorités redondantes, des couleurs musicales motrices d’un leitmotiv soporifique.
Après quatorze années d´existence et cinq albums, PPz 30 nous propose « Ovni tender ». Une chose est sûre, le groupe n´aurait pu choisir meilleur titre pour cet opus. En effet, ce cd semble être le produit d´artistes issus d´une autre planète. L´excentrique formation définit elle-même sa musique comme du 'Freaka-Rocka-Funky-Dirty'. Tout un programme ! L´album débute par un morceau digne des Beastie Boys, un rap anglophone au débit rapide, posé sur une mélodie groovy. Ce groove est d’ailleurs prédominant tout au long de ce disque. A cause des excellents cuivres qui rythment à merveille l´ensemble de l´œuvre. Cet opus est cependant traversé d’autres courants musicaux. La country, par exemple. Comme sur le furieux « Crazier by the minute ». Le rock également, « Hound dog » et « Bogey Man » affrontant même une intensité électrique digne du Led Zeppelin. Impressionnant ! Quant au chant ou plutôt au phrasé, il varie d´un morceau à l´autre, rappelant tantôt Shaggy tantôt Brian ‘Dexter’ Holland (Offspring). L´album s’achève par un « Oh oui, encore ! » irrésistiblement féminin. Bref, un groupe frapadingue responsable d’un cd tout aussi déjanté, la folie traduisant ici leur incroyable talent! Parfait pour un public à la recherche d´insolite…
En compagnie d’Aimee Mann, les surprises tombent souvent du ciel. Et, quand elle chante, on ne sait jamais ce qui va s’écraser sur nos têtes. La dernière fois, parapluie en main, nous essuyions une terrible pluie de grenouilles au côté de Tom Cruise. C’était dans le fameux "Magnolia" de Paul Thomas Anderson. Cette fois, des milliers de petits flocons se laissent porter par les vents, tapissant l’horizon de son blanc manteau. Aimee Mann chante donc Noël. Le temps de dix chansons, dénichées dans le répertoire des grands standards du genre, elle contribue à cette vieille coutume saisonnière : le disque de Noël.
« One More Drifter in the Snow » ressemble à ces disques des années 50. Il vient ainsi réveiller les souvenirs d’une époque où les cadeaux se déballaient autour d’un feu de bois chaleureux. Mais, pour l’heure, il convient d’écouter religieusement cet honorable album, cliché sonore d’un temps où les flocons tombaient encore. Le réchauffement climatique rapplique, les fêtes de Noël en short se précisent. Que se passera-t-il dans vingt ans à l’écoute de ce « One More Drifter in the Snow » ? Le timbre nostalgique d’Aimee Mann nous rappellera-t-il les bonhommes de neige de notre enfance ? Le 25 décembre sera-t-il synonyme de brochettes de dinde grillées sur quelques terrasses ensoleillées ? Rien n’est (moins) sûr.
Un événement. Comme toujours. La sortie d’un nouvel album des Melvins constitue le pinacle de l’année pour les fans endurcis. Année bénite, soit-dit en passant. Deux sorties en cet an de grâce. D’abord le live de Houdini au grand complet. La meilleure plaque de 2006 ne serait-elle pas un album de 1993, a-t-on entendu clamer quelque aficionado sûr de son fait ? La prestation, décharge héroïque monstrueuse, dévoile que la question mérite d’être posée. A la première écoute de « (A) Senile Animal », l’impression se révèle plus diffuse. Le troisième titre, « Civilized Worm » plutôt catchy, se laisserait même siffloter sous la douche. Pause. On s’assied, on reprend son souffle et on se concentre. Et là, c’est la claque, l’apnée de quarante minutes, la braise et la tempête. Entrée en matière, « The Talking Horse » vous étrangle après trois petites secondes. « Blood Witch » qui suit, tronçonne au plus près de l’os et déjà, les mains des plus robustes deviennent moites. Le son est herculéen, même si l’on peut palabrer sur la pertinence des deux batteries. A l’instar de la performance du Fantômas Melvins Big Band, même si le duo de cogneurs apporte une indéniable puissance, la formule montre parfois quelques limites. On aurait préféré une frappe plus polyrythmique, plus scindée comme sur le triptyque « Faced Granny - The Hawk - You’ve Never Been Right », illustration parfaite et absolument renversante de cette formule. Les Melvins ont toujours le talent pour perpétrer un riff bien lourd et le coup asséné à « A History Of Bad Men » est des plus pesants. C’est donc face contre terre qu’on enchaîne sur l’ultra-malade « The Mechanical Bride », virée malsaine et glaciale au sein d’une psyché tourmentée. Quoi d’autre sinon ? Retour au calme et à la raison, « A Vast Filthy Prison» permet de quitter le disque sur la pointe des pieds. Mais qu’on ne s’y trompe pas, vous ne retrouverez une sensation terminale pareille que chez l’équarrisseur du coin. Magistral !
Même si huit années nous séparent du premier disque de Sean Lennon, le fils de John est loin d’avoir chômé. Il a collaboré avec une multitude d’artistes : Yoko Ono (logique), Thurston Moore ou encore Handsome Boy Modeling School. Il signe ici un album sentimental et feutré, mélancolique et romantique, hanté par la mort et légèrement psychédélique. Au risque d’enfoncer des portes ouvertes, les chansons de « Friendly Fire » rappellent fortement les Beatles période « Abbey Road » et, en particulier, celles composées par Lennon père pour le compte des scarabées. Les plus douces, bien sûr ! Mais Sean Lennon possède assez de talent pour ne pas se contenter de singer ses illustres aînés. Les chansons proposées vont droit au cœur grâce à des mélodies imparables, des arrangements classieux et le soin tout particulier consacré à la sonorité des instruments. Le disque audio est, en outre, enrichi d’un dvd : un film ambitieux illustrant les chansons de « Friendly Fire ». Réalisé par Michele Civetta, il représente de manière rêveuse ces histoires d’amour contrarié, où notre ami Sean Lennon ballade sa bouille de clown triste au sein de décors psychédéliques. Chaudement conseillé !
Il est décidemment difficile de s’y retrouver chez Dennis Lyxzen, le chanteur de The Lost Patrol Band. Non seulement le Suédois jongle entre plusieurs formations mais également entre les genres. Après la séparation de son premier groupe, The Refused, il fonde The (International) Noise Conspiracy. Une déception sentimentale plus tard, il reprend The Patrol Band, un projet solo mis sur pied juste après la séparation de Refused, afin de creuser la veine punk abandonnée par sa défunte formation. The Patrol Band grandit pour finalement devenir The Lost Patrol Band. En 2006. Lyxzen y revisite ses premiers amours: punk-rock à la Clash, Buzzcocks, et autres Nerves. Même le look du groupe trahit cette nostalgie : crinières blondes ébouriffées, blousons de cuir badgés et grosses guitares électriques sont de sortie.
Les auditeurs en quête de l’originalité réputée dans l’écriture de Lyxzen ne devraient pas perdre de temps en compagnie de cet album. Celle-ci y est, en effet, inexistante. Les textes sont légers, presque dénués de sens. A noter, dès le départ, qu'il a été clairement entendu que The Lost Patrol Band constituait, avant tout, un territoire propice au fun. Rien de bien surprenant donc à se mettre dans l’oreille. Pourtant certains titres manifestent une certaine efficacité et séduisent rapidement. A l’instar de "I Don't Understand", de "City of Dead" ou encore d’"Automatic Kid". A la première écoute, c’est catchy. Mais l’effet est éphémère. Maintes fois reprise, cette recette du rock des early eighties a fait son temps. Seul "Safety Pin" relève le niveau faisant - enfin - preuve d’un semblant de diversité et d'élaboration, une chose dont manque cruellement ce nouvel opus.
Plutôt court (28 minutes), ce disque se veut être une déclaration d’amour à la power pop, un hommage aux sonorités de la fin des années 70. Mais il laisse perplexe. "Automatic", album superficiel ou exercice de style un peu trop forcé ?
Véritable thérapie sonore élaborée dans un laboratoire d’expérimentations vocales, instrumentales et bruitistes, « The Intelligent Design of Joan of Arc », rétrospective incontournable de Joan of Arc, nous rend témoin, acteur et observateur d’une recherche, d’un psychisme atypique, s’étalant sur dix ans de moments forts, d’une histoire décousue, jouée en beauté : Tim Kinsellas dans le rôle principal. Cette compilation, signée sur le nouveau label indépendant Polyvinyl Records, regroupe des raretés (19 morceaux inédits), des chansons en forme de collection définitive. L'ensemble est frappant d’authenticité et chaque écoute marque les bases d'un renouveau perpétuel.
Loin de se freiner dans une continuité et l'anticipation d’un son trop souvent formaté, Kinsellas navigue à contre-courant, à bord d’une machine expérimentale qui allie guitares acoustiques, samples vocaux et subtilités électro-synthétiques. On célèbre ici le mariage d’une musique conceptuelle et atmosphérique. Formant une armada au sein de la scène rock indépendante de Chicago, cette communauté artistique marque les années 90 par l'entremise d'une formation initiale de courte durée baptisée ‘Cap n’Jazz’, mais aussi par les perturbations cycliques de ses membres, la multiplication des projets parallèles de Kinsellas et comparses (Sky Corvair, Owls - dont la collaboration en 2001 avec Steve Albini reste significative - ou encore Make Believe) et la naissance de Joan of Arc en 1996. Depuis, plusieurs albums émergent sporadiquement de cette formation déstructurée, longtemps signée sur le label rock émo Jade Tree Records, tenant, en grande partie, la route grâce aux nombreuses collaborations externes, parmi lesquelles figure, notamment, Bundini Brown (Tortoise, Gastr Del Sol).
Après une reconnaissance acquise sur le tard, Tim Kinsellas s’érige en véritable gourou des ambiances pittoresques. Là où plusieurs histoires se mêlent, jonglant avec les esprits, nous propulsant à différentes altitudes, dans une légèreté et une ubiquité naturelle tout à fait convenable.
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