Cinq ans qu’on attendait le successeur de « It’s A Wonderful Life » : une putain d’éternité dans le monde de la musique. Mark Linkous aurait pendant toutes ces années traîné une sale déprime dans sa Caroline natale : sa renaissance s’avère d’autant plus belle que le disque en bonus prend aux tripes comme à l’époque du grand « Vivadixiesubmarinetransmissionplot » (ouf). Autant dire que ça fait énormément plaisir de revoir Linkous sur ses deux jambes, au sens propre comme au sens musical… « Dreamt For Light Years… » résonne partout de ce douloureux passé, décomposé. Mais s’il gît parfois dans la rigole, c’est pour mieux faire le mort et ensuite nous surprendre, d’un pétulant éclaboussement. Tel un Pinocchio à la douceur amère, Mark Linkous ‘rêve dans le ventre d’une baleine’ qu’il aimerait faire de la pop. Mais il sait au fond de lui que ses démons le rattraperont toujours, alors sa pop reste marquée par une indicible souffrance. A peine « Don’t Take My Sunshine Away », le titre d’ouverture, nous fait croire un instant que tout va mieux dans la tête cabossée de Linkous. Un son bien pop, bien rock, soutenu par Sol Seppy aux chœurs, Danger Mouse au sampleur, et l’immense Steven Drozd, des Flaming Lips, assis derrière ses fûts (et jusqu’au bout du disque). Mais dès « Getting It Wrong » c’est Waterloo sur les plaines yankees, Cheval Baillard au Mont Mitchell. « Black Douleur », dirait l’autre, et pourtant ça n’a rien de redondant : il fait noir dans le ventre d’une baleine, et la douleur Linkous connaît. Malgré deux sautes d’humeur plus rock’n’roll (« Ghost In The Sky », « It’s Not So Hard »), « Dreamt… » hisse donc le drapeau blanc en signe de détresse : sortez-le de là, il est vivant, il écrit des chansons ! Belles à pleurer, faut-il donc le rappeler, comme ce « Morning Hollow » slowcore qui déchire corps et âme. Là où le bât blesse, c’est que ce titre figure déjà sur « It’s A Wonderful Life », en bonus caché ! Et « Ghost In The Sky », sur son édition japonaise ! Et « Shade and Honey » sur la B.O. du film « Laurel Canyon » (2002) ! Le temps que dure le morceau-titre, un long tunnel instrumental digne du meilleur Labradford, il faut donc se rendre à l’évidence : « Dreamt… » est un sacré bon disque, mais nouveau qu’à moitié. C’est là que la baleine régurgite : elle a eu un haut-le-cœur.
Après s’être fait remonter les guitares par le tandem DFA (James Murphy et Tim Goldsworthy) sur son essai précédent (« Echoes », 2003), The Rapture s’épaule d’un nouveau duo de producteurs en vogue : Danger Mouse (Gorillaz, Gnarls Barkley) et Paul Epworth (Bloc Party, The Rakes, etc.). Dans le genre branchouille, on ne pouvait mieux faire… Alors, dans ces conditions, comment échapper à la hype ? Sensation médiatique mondialement relayée, The Rapture assume son statut sans concession. Leur nouvel album, « Pieces Of The People We Love », affiche encore un goût immodéré pour les pistes de danse. Dix chansons, autant de tubes troussés pour le dancefloor. Sous les stroboscopes, Luke Jenner chante toujours comme un Robert Smith sous acide lysergique. Epileptiques, les riffs s’attaquent au système nerveux. La décharge vient vous chatouiller la moelle épinière et le corps entame un cycle d’indomptables contorsions. The Rapture, formation d’acid house pour boîtes de nuit post-punk, réaffirme son don pour accoucher d’hymnes festifs, jouissifs. « Pieces Of The People We Love » pourrait être l’intitulé branché de la « compil’ de la fête 2006 ». Tous les titres semblent obnubilés par cette même volonté de bouger. Le mielleux « Live In Sunshine » mis à part, nous sommes ici en présence d’une belle machine à danser. Loin de véhiculer les bases d’une nouvelle révolution, cet album constitue néanmoins une belle satisfaction.
?uestlove et sa troupe de valeureux b-boys n’ont certes plus à rien prouver question hip hop de qualité, mais il n’empêche que ce « Game Theory » sonne comme un album mineur dans leur discographie protéiforme. Sans doute est-ce dû à leurs dernières sautes d’humeur, qui les a vus signer chez leur pote Jay-Z (Def Jam) et pleurer sur la tombe de Jay Dee (lire l’hommage de ?uestove dans le livret de « The Shining », le disque posthume de J. « The Immortal » Dilla)… « Game Theory » se la joue donc profil bas, alors qu’il y a deux ans encore « The Tipping Point » battait en brèche le rap de papa à gros coups de beats futuristes et de refrains vengeurs. Pas que ce disque soit mauvais : il est quand même signé The Roots, soit le plus beau triplé d’as en termes de hip hop instrumental, joué avec cinq paires de mains et une grande gueule aux ‘pensées noires’… Mais à force de cachetonner comme backing band pour Justin Timberlake et Kanye West, les Roots ne misent plus que sur leur savoir-faire live et en oublie l’essentiel : qu’un album se doit lui aussi de séduire, au moins un minimum. Mis à part le single (« Don’t Feel Right », du Roots pur jus, en pilotage automatique) et deux-trois titres au groove intact (« In The Music », « Baby » et « Here I Come »), « Game Theory » se révèle aussi ennuyeux qu’une partie de poker sans strip-tease. Le dernier titre, construit sur un sample des Jackson 5 et produit par feu James ‘Dilla’ Yancey, s’intitule « Can’t Stop This » : on est pourtant bien content que ça s’arrête, un peu déçu par tant de suffisance. Echec et mat !
Comme le résume très bien un collègue: Nosfell, on adore ou on déteste. Par contre, une évidence s’impose : l’homme fait l’objet d’une fulgurante fascination qui, dès son premier album, l’a obligé à partager son univers atmosphérique avec de très nombreuses salles. La plupart des spectateurs en sont ressortis unanimes : Labyala Nosfell et son compagnon Pierre Le Bourgeois sont des cas à part, à classer à mi-chemin entre le surnaturel, l’étrange et le paranormal. Ce second album, forcément ultra attendu, plaçait donc cet E.T. musical dans une position évidente : celle de l’ancestrale ‘confirmation’. Et, de fait, il confirme. Que la musique peut exister loin des formats, que son monde n’est pas celui des autres et que sa langue inventée est un terrain de jeu réservé aux oreilles averties, enclines aux obscures humeurs rythmiques. A l’instar du premier album, Nosfell passe de l’aigu au caverneux, et de la science à la démence. Si la première écoute laisse perplexe, la seconde révèle ses qualités et ses défaites. Cette voix qui oscille du coq à l’âme est déstabilisante, voire énervante. Mais ces sons passant d’une ambiance à l’autre détiennent le pouvoir bizarre de nous agripper et de nous emmener ailleurs, là où personne ne nous entend crier. Epinglant quelques passages susceptibles de vous flanquer franchement le frisson. Les adorateurs vont être obligés de retourner le voir sur scène, puisque c’est là que le clown lunatique se met à nu. Les autres s’abstiendront… ou changeront d’avis pour être certains de ne pas s’être trompés la première fois.
La vieille Albion (et non pas perfide comme l’affirment les continentaux !) a toujours été un terreau musical fertile. Ces dernières années nous ont encore offert quelques jeunes pousses prometteuses au rayon pop. Franz Ferdinand pour ne citer que l´exemple le plus évident. Marshall Smith réunit pourtant des vétérans. Un trio au sein duquel on retrouve deux songwriters : le chanteur/guitariste/multi-instrumentiste Alan Brown et le bassiste Vince Hunt. Deux personnages qui viennent donc de mettre fin à dix-sept années de silence consécutif à la fin de l’aventure A Witness, un combo habitué des John Peel Sessions de la BBC, dans les années 80. Le batteur Darren Garratt est le troisième larron ; un musicien qui milite également au sein des Nightingales de Rob Lloyd. Nos fiers Britons troussent une dizaine de compos pop post-punk non dénuées de potentiel. Vocaux tour a tour désespérés ou caressants, sens mélodique aiguisé, guitares râpeuses et mordantes, feeling légèrement bluesy en filigrane de morceaux comme « A Thousand Curves » ou « Jumpin’ A Red Light », solos discrets mais toujours bien placés… Une pop anglaise efficace, pas tapageuse et servie avec feeling.
La bande à Jonathan Donahue a été invitée à réaliser la B.O. du premier long métrage de Robinson Savary, « Bye bye blackbird ». Pour Mercury Rev, c’est également la première expérience dans le domaine de la musique de film. Photographe pour Rock and Folk et responsable de trois courts métrages entre 88 et 95, Robinson est avant tout le fils du grand homme de théâtre, Jérôme Savary. « Bye bye blackbird » raconte l’histoire tragique vécue par une famille de cirque…
Partagé en 19 plages et deux clips vidéo, « Hello blackbird » est essentiellement constitué de plages instrumentales. Un univers sonore partagé entre musique contemporaine, symphonique et ambient. Exclusivement destiné aux inconditionnels du Rev voire à ceux qui tomberaient sous le charme du film, ce disque ne recèle manifestement rien de bien transcendant. Evidemment lors de cet exercice de style, le son sans l’image suscite rarement l’enthousiasme…
Intitulé « Shrines », le premier album de ce quatuor bruxellois est donc paru le 5 octobre dernier. Né en 2001, le combo s’est tout d’abord produit sous le patronyme de Tous les dimanches, avant d’opter pour Minerale. Et il faut reconnaître qu’il s´est rapidement révélé d´un intérêt particulier. En effet, quatre prix leur ont été décernés lors du Festival Verdur Rock 2004. La même année, ils ont terminé deuxième du Concours-circuit. Il faut dire que la musique de Minerale frappe par son originalité et sa qualité. Le groupe pratique une pop indie captivante, apaisante, planante, agréable, inspirée - suivant la bio - par Pink Floyd et Pavement. Dès le premier morceau de « Shrines » (« In the water ») nous baignons au sein d’un univers envoûtant, charme exercé jusqu´à la dernière note de l´album. Lors de cette immersion, nous rencontrons des titres très dynamiques (« Millionaire », « Touchy Touchy »), empruntant des airs de Phoenix. Nous nous berçons également au gré de quelques ballades à la guitare dépouillée (« Tick Time », « Eyes eyes »). L´album se clôture en beauté, par le magistral « Ignore me », morceau qui renferme toute la richesse et le génie de Minerale. Les sons qui ponctuent les mélodies et le timbre du chanteur (Jacques Moyersoen) ne font que contribuer à cette atmosphère psychédélique, qui évoque parfois Archive. L´excellence de « Shrines » promet en tout cas un bel avenir au groupe. D´ailleurs, les deux premiers titres extraits de « Shrines » (« Eyes Eyes » et « Millionaire ») ont tour à tour été ‘Fresh’ sur Pure fm. Et le concert qu´ils ont donné en compagnie de The Tellers ce 20 octobre à l´AB était sold out. Une vraie révélation, à écouter d’urgence. Et si voulez en savoir davantage, je vous invite à prendre connaissance de l’interview que la formation a bien voulu accorder à Musiczine…
Ouille ! Il s’est passé quelque chose d’étrange : le nouvel album de Miossec n’est plus illustré d’une photo de son géniteur. A l’origine de ce bouleversement, une peinture, signée Paul Bloas, venant immortaliser le portrait de Christophe Miossec. Les couleurs, éclatantes, ornant la pochette semblent d’ailleurs augurer d’un contenu joyeux. Mais ce serait oublier que nous sommes chez Miossec, chantre d’un univers ouvertement mélancolique. Pourtant, d’entrée de jeu, la surprise est au rendez-vous : « Palapa, pa palapa… ». Une mélodie immédiate, un refrain à chanter en chœurs, « La facture d’électricité » réaffirme l’obsession maladive de Miossec pour ces impossibles relations amoureuses. Si le morceau donne l’impression d’avoir été gratouillé en cinq minutes, il confère une spontanéité d’ensemble à son sixième album. Miossec livre ici un hymne mélancolique joyeux, populaire. Les élitistes ingrats lui reprocheront sans doute de trop fricoter avec Cali. Mais tant pis pour eux. Ou plutôt tant mieux… Oui, nous, on s’amuse bien en compagnie de ce nouveau Miossec. Les blasés peuvent crier, aucune critique n’altérera la verve naturelle du Brestois.
Sentimental, Miossec dédie même une chanson à sa « Maman ». Tel un enfant perdu dans un corps d’adulte, il confesse ses grosses bêtises, espérant l’indulgence maternelle. Plus loin, il passe la trentaine au crible. Dans « 30 ans », il se montre critique à l’égard de cette période de sa vie, manifestement pénible. Tendance pop illuminée, toujours affligée, « Mes crimes : le châtiment » et « Quand je fais la chose » s’inscrivent dans la plus pure tradition de son répertoire. Entendez : pas un grand chanteur mais un excellent conteur. La belle « Etreinte » de Miossec se passe, comme toujours, entre un homme et une femme. Et nous, on éprouve énormément de plaisir à observer ce couple. Comme des voyeurs, on s’immisce au cœur de cette relation qui ne nous appartient pas. Vivre « L’étreinte » par procuration : la luxure du moment !
En écoutant pour la première fois cet album, on pense immédiatement à Interpol et aux Editors. Encore qu’en y réfléchissant un peu, les nuances sont beaucoup plus subtiles qu’il n’y paraît. Tout d’abord, Heavens n’est pas un groupe, mais un projet monté par un duo. C'est-à-dire Matt Skiba, le chanteur/guitariste d’Alkaline Trio et Joe Steinbrick le bassiste de F-Minus. Un tandem qui s’est, pour la circonstance, largement nourri d’électronique (boîtes à rythmes, samplers, programmations et tutti quanti). Et il faut être extrêmement perspicace pour s’en rendre compte. N’empêche, le résultat est plutôt à la hauteur, Heavens nous replongeant carrément en pleine cold wave. On se croirait même revenu au début des eighties. Les mélodies sont belles, empreintes d’une grande sensibilité. Le climat ténébreux. Des références ? The Sound (« Counting », « Doves »), Sisters Of Mercy, mais sans la voix caverneuse d’Eldritch (le titre maître), Tubeway Army (l’hypnotique « True hate ») et même Sad Lovers & Giants (le douloureux et superbe « Leave »). Faut dire que le timbre vocal de Matt campe un hybride entre celui de Garce et de Phil Oakey (Human League). Le disque recèle l’une ou l’autre compo plus pop. Notamment « Watching you », très proche d’un Depeche Mode et puis « Dead end girl », morceau qui aurait pu figurer dans le répertoire de Coldplay (NDR : Non, ce n’est pas Jon Buckland qui joue de la guitare). Et puis on en arrive aux lyrics. Et là franchement, on entre dans le sinistre, pour ne pas dire le morbide. « Another night » constituant le sommet de l’horreur. A vous glacer le sang !
Les fans –ados pour la plupart– trépignaient d’impatience et commençaient à trouver le temps long depuis la sortie du cd/dvd « Anywhere but Home ». Enfin, le voilà ! Le groupe d’Amy Lee revient sur le devant de la scène avec un deuxième album studio taillé pour les radios. Tous les titres vont y passer. Le combo lancé en 2003, grâce à l’apparition du titre « Bring me to life » sur la BOF de Daredevil, continue sa lancée dans son univers à la croisée des chemins de la pop et du rock gothique. Les arrangements sont toujours aussi pompeux, la production bétonnée et les mélodies demeurent sirupeuses et calibrées pour toucher les adolescentes en mal de sensations fortes. « Lithium » est le sosie presque parfait du mégatube « My Immortal » sur « Fallen ». Tous les ingrédients sont réunis pour transformer l’opus en or et en platine. Mais ici, tout est si bien formaté que l’on peine à croire en l’honnêteté du combo originaire de Little Rock. Alors que les Gathering, Within Temptation et autre Nightwish n’ont eu d’autres choix que de se battre becs et ongles pour défendre une musique nouvelle et foncièrement honnête, Evanescence débarque et remporte un succès fulgurant dès son premier effort. En utilisant une recette élaborée par des groupes majoritairement européens, mais en arrondissant les angles pour séduire les programmateurs des radios ‘branchées’, la bande à Amy Lee a finalement accouché d’un goth FM. Habillé d’une pochette sombre mais esthétique, « The Open Door » en deviendra probablement un des albums de référence. Préparons nous à un matraquage médiatique. Mais finalement, c’est quand même beaucoup plus sympa de se réveiller au son de la voix sensuelle de Miss Lee que d’enfiler ses pantoufles en écoutant Patrick Bruel, non ?
Son métallique, batterie tribale, guitares terroristes, paroles plus scandées que chantées. A quelque chose près, tout, dans ce disque, rappelle ce mouvement musical du début des années 80 baptisé « No Wave ». Le troisième album de ce trio féminin américain (elles étaient quatre avant) reste totalement fidèle aux codes du genre. Comme James Chance à l’époque, certains de ces titres détournent les clichés du disco et du funk pour les utiliser dans des mélopées où la dissonance fait la loi. A d’autres moments, on croirait entendre les travaux de Lydia Lunch et les premiers Sonic Youth. Même si la voix de Jenny Hoyston évoque plutôt Siouxie. Une demie heure de musique brute et sans concession, mais comme dans le mouvement originel, on appréciera plus la démarche radicale que la qualité des morceaux présentés. Car il ne faut quand même pas l’oublier, la No Wave cherchait avant tout à user les nerfs, à choquer les auditeurs qui osaient s’aventurer dans les concerts et acheter les disques d’hurluberlus furieux comme James Chance. Les « Erase Errata » imitent ce son à merveille, ne cherchant pas à le rendre agréable. Cependant, tout est proposé 25 ans trop tard, sans aucun titre vraiment mémorable.
Des nappes frelatées, des sub-basses qui prennent leur temps plus que leur pied, et justement le kick, souffreteux mais tout de même à la rescousse : depuis plus d’un an le quidam techno s’est mis à la mode ‘minimale’, et voilà que Resist rattrape le wagon en sortant cette compile. Pour ne pas avoir l’air d’être trop à la masse, le label titre avec la ‘destruction’ d’un genre. Comme si c’était suffisant pour ne pas être taxé de suivisme. Mixé par J16, le proprio de City 16, « Destroy Minimal » réunit donc la crème de l’internationale (en gros, l’Allemagne et le Chili) du gros beat en ‘loucedé’ (tu danses encore qu’il s’est déjà barré). Ricardo Villalobos, Luciano & Serafin, Alex Under, Trentemoller, Lindstrom, Booka Shade, Rekid (« minimal funk » ?), Alter Ego et bien d’autres. L’occasion de se replonger dans les discographies respectives de chacun de ses artistes, et d’évoquer Kompakt, Vakant, Playhouse, Trapez, Perlon, Border Community,… en tapant du pied, mais sans emmerder le voisin. C’est ça qui est bien avec la minimale : tu peux danser dessus sans t’arracher une vertèbre. Tayaut !
Si on ne compte ni les compiles, ni les albums commis en compagnie des Commotions ou des Negatives, “Antidepressant” devrait être le huitième opus de Lloyd Cole. Un disque pour lequel il a reçu le concours épisodique de quelques amis, dont Neil Clarke l’ex-guitariste de ces fameux Commotions, un arrangeur de cordes, un bassiste et deux ex-Negatives pour les backing vocaux. C’est tout. Car Lloyd a pratiquement tout assuré seul. Même les bruitages électroniques (NDR : voir à ce sujet l’interview qu’il nous a accordée tout récemment). Découpé en onze plages, « Antidepressant » nous plonge au sein d’une ambiance tendre, mélancolique, paisible, une ambiance bien sûr entretenue par le baryton chaleureux, sensuel, intimiste de Cole. Privilégiant l’esthétisme, Lloyd n’en épingle pas moins l'actrice américaine Scarlett Johansson dans « Woman in a bar » ou la série ‘Six feet under’ sur le titre maître. Certaines compos (« New York City sunshine », « Rolodex incident », « I did’nt see it coming ») renouent (involontairement ?) avec le mouvement postcard (NDR : souvenez-vous des Pastels et surtout d’Aztec Camera), à moins que ces morceaux ne soient tout simplement hantés par le spectre d’Al Stewart (« How wrong can you be ? »). A cause de la guitare jouée en picking, dispensant des sonorités presque hispaniques. Deux titres émargent cependant à la country. Tout d’abord l’allègre « Every song » et puis « Travelling light ». Dépeignant les rêves du Nouveau Mexique, cette dernière aurait d’ailleurs pu figurer dans le répertoire de feu Johnny Cash. Bref, un très bel album auquel il manque peut-être un single potentiel…
Adepte de la musique traditionnelle du Sud des Appalaches, Riley est originaire de la Caroline du Nord. Il joue du violon dès l'âge de dix ans, mais opte ensuite pour la guitare et le banjo. Sa carrière est avant tout personnelle ; ce qui ne l’empêche pas de participer aux aventures du Dirk Powell Band et de Polecat Creek.
Ce nouvel opus nous entraîne à travers un périple au sein de la musique traditionnelle perpétuée en Virginie et en Caroline du Nord. Elle est également appelée ‘old time music’. C'est-à-dire une musique roots music née à l'ombre des montagnes appalaches. Il chante d'une voix triste le titre maître. L’accompagnement est sobre : une guitare et un banjo. Soutenu par ses amis, et drivé par le violon de Dirk Powell ou de Joe Thrift, Riley nous invite à la dance aussi bien pour "June Apple" qu’"Old John Henry". Baugus véhicule, de voix monocorde, empreinte d’émotion, un sentiment de désespoir tout au long de deux ballades : "What are they doing in heaven" et "George Collins". Il démontre ses évidentes aptitudes de multi-instrumentiste sur trois autres plages, mais instrumentales. Au violon lors des très irlandais "Sail away ladies" et "No corn on Tygart". Au banjo sur "Willow tree", une célébration de la musique des montagnes du Kentucky. Riley chante parfaitement a capella. Mais le résultat n’est guère excitant. "Wandering boy" ne transpire pas la joie, mais traduit son amour maternel ; alors qu’en finale, "Now is the cool of the day", est une invocation au Seigneur! Armé de son banjo et épaulé par Tom O'Brien à la guitare, Mr Baugus se frotte même au folk blues. Et en particulier sur "Lonesome road blues". "Long steel rail" s’adresse essentiellement aux adeptes de la musique folk traditionnelle. Un style que j’apprécie tout particulièrement lorsqu’il entretient une chouette ambiance. A l’instar d’"I'm troubled", une composition signée Doc Watson et interprétée en string band.
Il y a bien bien longtemps que Beck Hansen ne nous amusait plus. Mais tout semble rentrer dans l’ordre : « The Information ». D’abord, c’est franchement bidonnant de concevoir la pochette de son nouveau disque. Plein de petits stickers à coller partout, des vignettes barrées pour bricoler une jaquette délirante. L’initiative est originale. Un peu trop fantaisiste, d’ailleurs, au goût de nos amis Anglais. Ces derniers ont, en effet, interdit l’album de hit-parades. Pour cause, « The Information » enfreint la loi ! Et oui, la petite singularité du packaging confère au disque un avantage considérable et déloyal dans l’impitoyable lutte mercantile de ce début de siècle. Moins drôle l’information, hein ? Pourtant, Beck a le sourire : ce genre d’anecdote tend à semer les germes d’une belle campagne promotionnelle. Et le consommateur ? Il trouve ça cool, merci pour lui. La transgression des interdits demeure l’éternelle source de motivation des jeunes générations. « The Information » circulera dans les cours de récréation britannique. Soyez sans crainte.
Le neuvième album de Beck tient le bon bout. Fouillé, bidouillé, décontracté. Trois qualificatifs disparus depuis bien longtemps (« Odelay », 1996 ?) de l’univers de notre blond scientologue. Franchement, on n’y croyait plus. Et pourtant… « The Information » relance l’intérêt. Beck redevient cette drôle de machine détraquée, ce sampler fou. Folk, rock, jazz, lo-fi, hip-hop : le grand bordel organisé se joue ici en toute désinvolture. Et ce nouvel album remet un peu de désordre dans sa discographie. « One, two : you know what to do ! ». Yeah ! Dès « Elevator Music », on se déhanche telle une super limace bionique. Derrière les manettes, Nigel Godrich assiste Beck dans ce regain de coolitude. « Think I’m In Love », « Cellphone’s Dead » ou « Nausea » invitent le hip-hop à folker sur des hymnes de défoncés. Beck surprend et, en fin de parcours, on ne sait vraiment pas où le petit blond nous a largué. On est perdu. Mais heureux d’avoir retrouvé notre vieux pote !
Au lendemain de l’ouragan Franz Ferdinand, le monde a changé. Désormais, le rock fait danser les filles. Dès cet instant, on s’attendait à remuer son popotin sur les chansons de Box Codax. Mais comme le sous-tend la pochette d’« Only An Orchard Away », le nouveau projet de Nick McCarthy semble tourner le dos aux commodités populaires. Inutile donc de chercher un « Take Me Out » ici bas. La lo-fi disco pop bidouillée de Box Codax s’adresse davantage aux nerds énervés, aux clubbers de salon, voire aux Travoltas du dimanche matin. Nick McCarthy vient nous présenter son nouvel Alexander. Exit Kapranos. Cette fois, il se nomme Wagner. Visiblement, les deux hommes s’entendent bien. Ensemble, ils s’accordent deux courtes sessions de cinq jours. En résulte ce disque : « Only An Orchard Away », hérésie pop-rock du mois, tout et n’importe quoi. Punk chloroformé (« Dogs To The Beaches »), hip hop « lo-filisé » (« Naked Smile ») ou bossa nova pour cow-boys délétères (« Do It With Charm »). En définitive, Box Codax ne respecte aucune ligne de conduite. C’est naïf, bordélique et sans ambition. Un side-project, tout simplement.
Alors que le premier album d’Adem, « Homesongs », sentait le disque fait maison, « Love… » surprend d’entrée de jeu par son aspect davantage fouillé. Un xylophone, des chœurs, une guitare plus charnue, et même de la batterie, aux détours de certaines chansons : même si Adem continue à chanter sur le fil, il ne le fait plus sans filet. Sans doute que le succès de « Homesongs » a ragaillardi un peu notre homme, qui doit se sentir un peu moins seul. On passera les détails de l’album-concept (les étoiles, la galaxie, cfr l’interview), pour s’attarder sur le son, moins fragile. Et qui a pris de l’altitude. Comprenez de l’amplitude. Dommage qu’Adem soit avant tout un producteur, et pas un authentique chanteur : une faiblesse notamment décelable sur la chanson-titre (un comble), qui laisse comme un goût amer. A force de jouer au songwriter dépité qui geint dans son home-studio, Adem finit par agacer. Une déception : on s’est peut-être emballé un peu vite.
Originaire de Portland, dans l'Oregon, ce géant se produit régulièrement aux Pays-Bas. Un chanteur guitariste influencé à l’origine par Stevie Ray Vaughan et Johnny Winter ; mais qui est parvenu, au fil du temps, à se forger son propre style. Sa discographie est assez difficile à établir car ses enregistrements sont partagés entre les Etats-Unis et l'Europe! Commis en compagnie des Bublinos, son premier opus, "Straight", remonte déjà à 1989. En 1993, il grave "The mean eighteen" chez Tramp (NDR : le label batave de Paul Duvivié), puis "Obvious rock", l’année suivante. Sur Locals Only. Tout comme "Unglued", paru à la même époque. En 96 il concocte une elpee acoustique : "I see trouble". Puis "Man on the floor" en 97, "Prove me wrong" en 1998, un disque enregistré à Amsterdam en compagnie du batteur Boyd Small et de musiciens hollandais dont Mischa den Haring (guitariste de T-99), Kim Snelten (harmoniciste de Drippin' Honey) et Jasper Mortier (bassiste de Sugarcane et Doug Jay). L'an dernier il avait édité une collection intitulée "Big Monti". Son nouvel opus a un nouvelle fois été réalisé en Hollande. Un disque pour lequel il a reçu le concours de musiciens locaux et puis encore de Boyd Small, chanteur/compositeur/batteur également originaire de Portland et exilé aux Pays-Bas depuis près de dix ans.
"Hello sundown" (un classique R&B signé Graham Bell et Booker T Jones) est imprimé sur un tempo lent. Le chant de Monti est doublé par celui de Boyd Small. Les accords de guitare sont parcimonieux. "Somebody's happened to our love" évolue sur un mid tempo, une plage funky, assez R&B. Les parties vocales sont excellentes. Monti met le turbo, et rock'n'rolle comme un beau diable tout au long de "Let me know". Constituée par Boyd et le solide bassiste hollandais Bart Kamp, la section rythmique soutient parfaitement l’ensemble. Si le solo de guitare ne manque pas de pêche, il rappelle quand même très fort la technique immortalisée par un certain Stevie Ray Vaughan. Plusieurs compos signées Boyd Small adoptent un profil particulièrement blues rock ; et comme il ne possède pas une voix puissante, sa démarche ressemble à celle des jeunes blues rockers américains. Second guitariste, Danny Dewijlder (un musicien de Boyd) se réserve la rythmique ; mais pour la circonstance son rôle est déterminant. L'envol des cordes opéré sur "On a roll" est brillant et lorgne derechef vers le grand Stevie Ray! L'album monte en puissance mais également en diversité. Superbe blues lent, "Plain as day" sent le vécu. Celui d’Amundson qui le chante avec beaucoup de sensibilité. Mais c’est surtout la guitare qui accroche. Le son. Les notes dispensées parcimonieusement. La réverb. On est ici plus tellement loin de l’univers du grand Peter Green voire de Ronnie Earl. Une plage qui à elle seule vaut l'achat de cet album! Monti force sa voix sur "Six shots". Jouée en slide, sa guitare sonne très primaire, volontairement sale. Amundson conserve sa slide pour embrayer par "What's it coming to". Le tempo est rapide. Les cordes puissantes échafaudent un riff lourd réminiscent de "The train kept a rollin". Le travail opéré par les guitares est impressionnant. "Woe to me" adopte un rythme répétitif, assez hypnotique. Les cordes réverbérées sont un atout que Monti utilise avec bonheur. D’excellente facture, cette fin d'album est marquée par les interventions judicieuses d’Admundson. Un disque qui s’achève par "Thinking about crying", un boogie rapide et entraînant rehaussé par la présence d’un autre invité batave, l'harmoniciste George Reithogger.
Issu de Boston, Westbound Train appartient à cette catégorie de groupes qui imitent à merveille le son jamaïcain des années 60, au moment où l’énergie du ska cédait le pas à l’élégance du rocksteady. Rien de bien original sur ce troisième album de la formation (ce n’est de toute façon pas le but) mais une copieuse collection de chansons destinée à ressusciter les fantômes des Skatalites, Prince Buster, Heptones, Ansel Collins, Pioneers, John Holt, Wailers et consorts qu'il serait fastidieux d’énumérer. Le son est moins brumeux que chez les artistes dont ils s’inspirent mais tout aussi 'vintage', au point que l’instrumental « The Test » aurait très bien pu être un inédit des Skatalites (en compagnie desquels les Westbound ont tourné). Le timbre vocal particulièrement soul du chanteur tromboniste Obi Fernandez illustre de chouettes compos décontractées dont les refrains réchaufferont nos cœurs déjà meurtris par cet hiver qui s’annonce sans pitié. Des jolies mélodies et un bon karma, que demande le peuple ?
The Whitest Boy Alive est un projet fondé à Berlin qui réunit le bassiste Marcin Öz, le drummer Sebastian Maschat, le claviériste Daniel Nentwig ainsi que le chanteur/guitariste norvégien Erlend Øye, mieux connu comme partenaire d’Eirik Glambek Bøe chez Kings Of Convenience. A l’origine (2003), le concept devait être consacré à la dance, mais l’orientation s’est rapidement tournée vers la pop/rock. Ce qui ne veut pas dire que la technologie moderne soit absente. Elle enrichit et raffine simplement la solution sonore. « Dreams » constitue leur premier album. Un disque dont les compos élégantes, contagieuses, soyeuses, capricieuses, savoureuses, mélancoliques, subrepticement ‘funkyjazzyfiantes’ auraient pu naître de la rencontre entre Kings of Convenience (of course), un Style Council sevré de r&b, Police circa « Regatta de blanc » et Luna. La voix très caractéristique d’Erlend Øye apportant la note chaleureuse, intimiste aux mélodies. Pas de titre faible sur cet opus, mais 10 chansons à faire tourner en boucle dans votre lecteur. Surtout lorsque vous êtes au calme, dans votre sofa, votre rafraîchissement préféré à portée de main…
Le concert accordé au Botanique le 16 octobre affichant complet, il ne restait donc plus aux aficionados de The Divine Comedy qu'une seule alternative : se déplacer jusque l'Aéronef de Lille. Une opportunité qu'il ne fallait louper sous aucun prétexte ; car la bande à Neil Hannon ne se produit pas souvent sur le Vieux Continent. En outre, son tout dernier album, « Victory for the coming muse » est vraiment d'excellente facture.
En première partie, The Duke Special nous a gratifiés d'un show à la fois 'vintage', humoristique et romantique. Romantique à cause des chansons de Peter Wilson, chansons qu'il interprète d'une jolie voix rappelant tantôt Rufus Wainwright, tantôt Damon Gough, mais avec un accent irlandais (NDR : il est issu de Belfast !) en s'accompagnant d'un piano droit en bois, plutôt étroit et assez vétuste. Physiquement, il ressemble à un jeune Robert Smith qui aurait laissé pousser de longs dreadlocks. Humoristique a vu des frasques continuelles de Chip Bailey Wilson. Sosie de Charles Dickens, mais la chevelure bien plus longue, ce pince-sans-rire bien britannique se réserve les percussions. Toutes les percussions. Aussi bien conventionnelles qu'insolites. A sa droite, il a installé une énorme caisse de profil. Devant lui, toute une série de boules semblables à des émoticônes, mais de la dimension des noix de coco. Sans oublier le kit de batterie 'dit' classique. Régulièrement, il s'approche du bord de la scène pour y produire des sonorités plutôt singulières à l'aide d'une sorte de manche à balai surmonté d'une cloche. Il se sert également d'une râpe à fromage et autres ustensiles de cuisine dont des couvercles de casseroles. 'Vintage' au vu du décor au sein duquel le duo a évolué tout au long de son set. Un décor qui ressemblait plus à une brocante (les gramophones, les vieux tourne-disques !) qu'à une scène de concert. Et non seulement la mise en scène a eu de quoi mettre de bonne humeur le public, mais la prestation de Duke Special s'est révélée absolument convaincante.
Huit musiciens montent sur les planches : un drummer, un percussionniste, un bassiste (NDR : le trio est posté au fond de la scène, mais sur une sorte de podium), un guitariste, un violoncelliste (qui double parfois aux claviers), un claviériste/pianiste et une violoniste (NDR : vêtue d'un tailleur strict, elle aurait pu relever d'un orchestre symphonique). Sans oublier Neil Hannon. Très mince, de petite taille (NDR : il ne doit pas mesurer 1m70 !), ce dandy possède une fameuse personnalité. De l'humour aussi, parfois teinté d'une pointe de cynisme. Une très belle voix : son baryton sensuel, parfois volontairement emphatique, vibrant, magnifie, en quelque sorte, toutes les chansons. Du charisme aussi. A moins que ce ne soit du cabotinage (NDR : une divine comédie ?). Lunettes de soleil sur le nez, il entame son répertoire en s'accompagnant à la guitare sèche. Par « Mother dear », une compo issue de son dernier elpee. Des lunettes et une six cordes qu'il va abandonner respectivement lors du quatrième et du cinquième morceau, pour se concentrer sur le chant. Il nous invite alors à danser lors de « Diva lady », un fragment franchement latino. Pour « Threesome », il rejoint les deux autres claviéristes derrière les ivoires : piano pour trois mains ! Epatant ! Une cover : le « Raspberry Beret » de Prince. Lors de « Mutual friend », tel un chanteur de charme, Hannon vient s'asseoir sur le bord de la scène, puis termine le show par « Tonight the fly » sous les acclamations de la foule. Si le set est parfaitement équilibré, mené de main de maître par Neil ; il faut également souligner le rôle joué par le violoncelliste et surtout la violoniste. Une véritable virtuose qui parvient non seulement à se fondre dans l'ensemble tout en donnant davantage de relief aux compos. Qui n'en manquent pourtant pas. Mais si sur disque, fruit de la rencontre entre musique de chambre, music hall et pop, la solution sonore de The Divine Comedy peut parfois sembler tendre et satinée, en 'live' le résultat est beaucoup plus pêchu et dense. Faut dire que l'osmose opérée entre les différents instruments frôle la perfection.
Après les deux titres accordés en rappel, la foule acclamait à tout rompre, reprenant même en chœur les paroles de « National express ». Impressionnant ! Quand reviennent-ils ?
Tracklist
Mother dear
Alfie
Bad Ambassador
The light of day
When the lights
Gen sex
Diva lady
Lady of a certain age
Dadys car
Plough
Mastermind
Threesome
Don't look down
Weekend
Raspberry Beret
Mutual friend
Tonight we fly
To die a virgin
National express
Organisation FLP
Votre nouvel album s´intitule « dot », c´est-à-dire 'point'. Pourquoi avoir choisi ce titre ?
Pour vous embêter…
Oui, mais encore…
Au début, c´était un détail graphique. On bossait sur le nouveau logo du groupe et ce point est sorti de notre imagination. Et quand on a commencé à chercher un titre pour l´album, on s´est dit qu´on avait la solution ! Il signifie tellement de choses et pas grand-chose à la fois…
Ce point est également au centre de votre nouveau site Internet…
Oui. Sur le site, mais aussi sur scène. Il y a un rappel de ce point ou plutôt de ce cube.
Vous aviez déclaré que l'enregistrement de votre précédent album « We are ready » avait été difficile. Avez-vous mieux vécu les sessions de « dot » ?
Le jour et la nuit ! Ici, les conditions étaient presque optimales parce qu´on a pris notre temps avec notre producteur (NDR : Gareth Parton, un personnage dont la carte de visite mentionne des collaborations, entre autres, pour Placebo, The Killers, the Pipettes…). Il est tout à fait charmant. Au niveau humain, l'expérience s´est donc extrêmement bien déroulée. Par rapport au premier enregistrement, on a vraiment pris du plaisir en studio.
Comment est née cette collaboration avec Gareth Parton ?
Par hasard… Au début, on ne cherchait pas vraiment de producteur. Mais le label a mis à notre disposition un budget pour cette tache. On a donc commencé à sonder. On ne voulait pas un nom pour un nom, mais quelqu´un qui tirerait le groupe vers le haut, amènerait un plus. On lui a envoyé nos démos et il a aimé.
Quel est le processus d'écriture de vos morceaux ? Qui fait quoi ?
L'idée de départ émane souvent d'un des deux guitaristes. Il apporte une mélodie de base. Et puis, les morceaux se construisent en les jouant au fur et à mesure. Les mélodies-chants et les textes viennent par après. C'est un peu différent du premier album quand une personne amenait 75% de la chanson.
Vous travaillez donc plus en équipe…
Oui. Il faut dire que l´équipe a changé.
Aujourd´hui, vous êtes cinq. J´imagine qu´il doit parfois y avoir des tensions entre vous…
Comme dans toute vie en groupe et en communauté. C´est ce qui en fait la difficulté et son charme. Il est important que chacun puisse amener ce qu'il représente. Dans la vie de tous les jours, ce n´est effectivement pas évident. Il y a parfois des tensions, c´est logique ! Mais je pense qu'elles permettent de faire avancer les choses aussi. Le plus intéressant, c´est qu'en prenant le temps de concocter ce disque, on a également pris le temps de se découvrir un peu plus.
J´ai été étonnée par la durée de l'album : 35 minutes. C'est assez court, non ?
Oui, mais il ne comporte que dix titres, c´est donc normal. En fait, au départ, sur toutes les chansons écrites, on en avait gardé une quinzaine. Mais on a décidé de ne sélectionner que les meilleures, de ne pas en laisser une pour 'faire nombre'. Il reste les dix chansons dont nous sommes convaincus à 100%.
Le premier morceau extrait de votre album « Mad about your sister » a été 'Fresh' sur Pure fm bien avant la sortie du cd. Que pensez-vous de cet engouement ?
Il faut remettre les choses à leur place. Il est vrai que pour un groupe comme nous, responsable d'un rock dit 'alternatif', Pure fm est la radio de référence. Maintenant, comme tout le monde le sait, ce n´est pas la radio la plus écoutée en Wallonie et à Bruxelles. Mais, bien évidemment, au niveau du public, ce soutien est très important. Il faut dire qu´à l'époque, Radio 21 nous avait déjà aidés. Pure fm continue. On leur a transmis l'album, ils ont accroché, tant mieux !
Les paroles de « Monster=you » et « Special gun » sont assez percutantes. Qui vous a inspiré celles-ci ?
La vie en général…
Pas une personne en particulier ?
Si une personne doit se sentir visée par ces textes, elle se reconnaîtra…
Un des morceaux de l´album parle de votre ami Dan ? Qui est-il ?
Ou qui sont-ils ? Il y en a peut-être plusieurs… Difficile de livrer les clés d´un morceau, surtout celui-là qui dégage une atmosphère très particulière, tranche avec ce qu´on avait l´habitude de faire. En fait, quand on commencé à écrire de nouvelles chansons, on a systématiquement enlevé celles qui ressemblaient trop à ce qu´on avait déjà proposé et on a essayé de prendre des voies susceptibles de surprendre. Au final, je pense que ce sont les morceaux les plus réussis. Ils sont très représentatifs du son particulier, de l'ambiance particulière souhaitée par Showstar aujourd'hui… Ils ne ressemblent à aucune chanson d'un autre groupe ! Mais, pour en revenir à ta question, ce titre parle de quelqu´un ou de plusieurs personnes en particulier. Il joue plus sur la fibre des choses vécues, des émotions, des rencontres.
Avez-vous l´impression que cet album est un renouvellement de Showstar ?
C´est un renouvellement et une continuité à la fois. Il recèle toujours des morceaux qui vont dans le même sens que le premier album, avec des guitares pop, et d´autres qui essaient de toucher d´autres rivages.
Au niveau du chant, sur certains morceaux, je trouve que ta voix se rapproche de celle de Liam Gallagher ou de Billy Corgan. Ces deux personnes ou plutôt les groupes dont ils sont leaders font-ils partie des influences de Showstar ?
En tout cas, ils en ont fait partie vu qu´ils datent des années 90 et que c´est l´époque où on prenait tous tout ce qui venait en musique. En fait, les exemples sont bien choisis parce qu´ils représentent les deux côtés de l´Atlantique. On nous a souvent reproché d´être trop 'anglais', mais nous avons aussi beaucoup d´influences issues des Etats-Unis. The Smashing Pumpkins est un exemple mais il y a aussi The Pixies, Nada Surf, Weezer… Quant au timbre de voix, je ne me force pas dans un sens ou dans un autre, je chante comme je peux !
Depuis le 30 août, vous avez accordé quelques concerts. Vous avez donc testé les morceaux de « dot » sur scène. Comment a réagi le public?
Jusqu´à présent, tout s´est très bien passé. Je pense que l´effet exercé par le public ou qu'il va exprimer en écoutant l'album se répercute aussi sur scène. La plupart des gens nous ont témoigné leur surprise, leur étonnement… mais dans le bon sens ! Ils ne s´attendaient pas spécialement à ce résultat. Mais nous avons travaillé dans ce sens, en amenant un plus sur scène ; notamment au niveau de l'aspect visuel. De l´attitude également. On apporte davantage que dans le passé !
Après la sortie de votre premier album, vous aviez donné énormément de concerts, en particulier lors des festivals. Ensuite, vous ne vous êtes plus produits sur scène pendant 3 ans. Ne vous a-t-elle pas manquée?
Si. Mais c´est un choix délibéré. On a décidé de tout arrêter, de respirer un peu, et de laisser respirer le public également. Je peux comprendre que lorsque les mêmes groupes sont à l'affiche de tous les festivals, des concerts organisés dans n´importe quelle ville, le public est au bord de l'asphyxie. Ce choix était donc judicieux aussi bien pour lui que pour nous. D´un autre côté, il y a un danger lorsqu'on ne donne plus signe de vie pendant trois ans. L´eau coule sous vite les ponts et on risque fort de nous oublier. Mais comme aujourd´hui on propose quelque chose de différent et de surprenant, on n´a plus les repères précédents. Notamment lorsqu'on interprète les anciennes chansons. D'ailleurs, on ne les joue même plus.
Quel est votre meilleur souvenir scénique ?
En fait, on se souvient toujours des plus mauvais concerts! Mais ce n´est pas très intéressant. En réalité, les meilleurs souvenirs sont liés, non pas à un endroit ou au nom prestigieux de la salle, mais au public. Parfois, des choses se produisent, un lien virtuel se crée entre les gens et le groupe. Et lorsque le concert s´arrête, on se dit 'c´est déjà fini' ! Ce phénomène s´est produit plusieurs fois mais je serais incapable de te donner les dates ou les lieux exacts.
Y a-t-il un artiste musical en compagnie duquel vous rêveriez de travailler ?
Il faudrait que les autres membres du groupe soient présents pour répondre à cette question. Pour ma part, John Lennon.
Ca va être difficile…
C´est pour ça que je le dis, c´est moins casse-gueule (rires) !
En ce moment, on parle énormément du rock belge. On a un peu l´impression qu'il est devenu un phénomène de mode. L'estimez-vous plutôt positif ou plutôt négatif ?
Le danger des phénomènes de mode, c´est qu'ils disparaissent rapidement. Maintenant, nous n´avons pas l´impression d'appartenir à un phénomène. Il est clair que l´engouement manifesté par le public lors des concerts est plus conséquent aujourd'hui. Mais j´ai un peu l´impression que c´est de l´autocélébration. Vu de l´extérieur, on ne peut parler de phénomène de mode. Nous avons enregistré à Londres. Ce qui fait tout de suite réfléchir, remet les pieds sur terre. On se dit 'quel effet de mode' ?
Mais on peut quand même parler d´un effet de mode au niveau de la Wallonie…
Moi, je n´aime pas trop parler de 'rock belge'. On y englobe des choses tellement différentes. Déjà, le rock belge et le rock anglophone sont totalement différents. J´ai l'impression qu´on mélange tout et que l´on fait feu de tout bois. Nous, on n´a pas envie d'entendre, à l'étranger, le gens se dire en nous entendant : 'tiens, le nouveau groupe belge' ! On se fout de savoir si on vient de Durbuy, Bruxelles ou Charleroi. Tant que les gens apprécient. C´est pourquoi on essaie de rester en retrait par rapport à cette conjoncture.
Rêvez-vous d'une carrière internationale ?
Comme beaucoup de gens le savent, il est très difficile de vivre de la musique en Belgique. Ce n´est pas un reproche, c´est à cause de la taille du pays. Donc, la seule survie pour un groupe est de sortir de nos frontières. Il est donc nécessaire de dénicher des licences en France, en Allemagne, en Hollande, en Angleterre, en Espagne ou en Suisse. A partir de ce moment-là, on peut éventuellement envisager de vivre de notre art. Il ne faut pas toujours se plaindre, mais essayer de faire ce qu´on aime à fond et tant mieux si ça marche. Evidemment, on rêve d´aller jouer un peu partout. Quand on a 14 ans et qu´on voit les grands groupes de rock, on rêve de marcher sur leurs traces...
Et avez-vous des projets à l´étranger ?
On a transmis l´album tout azimuts et on a enregistré des retours assez positifs. Mais les réactions sont très lentes. Nous avons décroché un contact en France, un en Angleterre, un en Allemagne. On verra pour la suite…
Le clip de « Leave me alone », un des titres de votre précédent album, était une vraie réussite. En avez-vous d'autres en préparation ?
Dans notre tête, oui ! Maintenant, c´est une question d´argent. Cela va dépendre de beaucoup de choses. De nos sorties à l´étranger justement. Un clip, c´est bien mais si c´est uniquement pour le placer sur notre site Internet, je ne vois pas vraiment l'intérêt. Il faut un rapport entre l´investissement et ce que ça apporte en retour.
Quels sont vos projets pour les prochains mois ?
Concerts, concerts, concerts… et rencontrer des gens !
Né il y a trois ans, Kéréon a forgé sa réputation sur les planches : plus de quatre-vingt scènes à ce jour. Excusez du peu ! « Mi ombre - mi lumière » constitue donc son premier elpee. Un disque découpé en 10 fragments. Son crédo ? Un pop/rock bourré de punch. A cause des guitares électriques puissantes, des drums hyper speedés et du chant énergique. Malheureusement, les mélodies évoluent trop souvent dans un registre très (trop) proche de Kyo. Le morceau maître semble même avoir été calqué sur « Je cours », tube du groupe préféré des ados. L´opus recèle cependant quelques ballades (« Je dis non », « Gravé dans ma mémoire » et « Je m´demande encore »), un exercice de style au cours duquel le timbre vocal du chanteur ressemble étrangement à celui de Jean-Jacques Goldman. Et si au fil de l’écoute d’autres influences transparaissent (NDR : notamment celles de Nek et de Calogero), il faut reconnaître que « Mi ombre - mi lumière » souffre de deux problèmes majeurs. Tout d’abord, l´impression de déjà entendu. Ensuite, la bonne compréhension des textes. En cause : l’articulation insuffisante du chanteur. A travailler, c’est une certitude. Tout comme leur style. Que ces six jeunes Alsaciens ont intérêt à se forger. Le plus personnel possible. C’est ce prix que Kéréon devra payer pour sortir de l’anonymat…
Quoique fondé en 2002, le groupe El Gato vient de commettre son tout premier album : « Who I really am ». La formation lilloise joue du rock. Tous les types de rock. C’est sans doute là que se situe la richesse de ce combo qui puise ses influences dans toute l’histoire de cette musique.
« The man who wasn’t really there » nous replonge dans les années 70. Celles des Beatles circa « Let it Be ». Et puis des Stones. A l’instar de « Soldiers ». La plage éponyme lorgne davantage vers le punk des années 80. Encore qu’en y réfléchissant bien, elle aurait pu figurer dans le répertoire des Subways. « #3 » ressuscite le grunge. Celui de Nirvana, bien évidemment. Quant à la paternité de « Sky », un fragment bien plus métallique et musclé, elle aurait pu être revendiquée par Korn voire Rammstein. Bref, on peut affirmer que chez ce quatuor l’éclectisme est de rigueur. Et ma foi, il s’en sort plutôt bien. D’autant plus que cette diversité ne nuit pas à l’homogénéité de l’ensemble. Puissants ou intimistes, les 13 morceaux (NDR : 12 + 1 caché) de ce disque sont d’excellente facture. En outre, la formation bénéficie de la présence d’un chanteur au timbre particulièrement ample, oscillant entre celui de Brian Molko, Michael Stipe et de feu John Lennon. Un album étonnant pour un groupe tout aussi surprenant. A suivre de très près…
Fondé en 2004, Aquamarine est une formation réunissant des musiciens issus de la région de Tournai et de Mons. Un quatuor : le bassiste Philippe Saucez, le drummer Jérémy Maes, le guitariste Raphaël Lefebvre et la chanteuse Evelyne Groult. Une vocaliste dont le timbre rappelle tantôt la charismatique Shirley Manson (Garbage), tantôt Patti Smith. Leur démo est partagée en quatre titres. Deux jolies balades tout d’abord, dont la première (« Victorian lady ») est très réussie. A cause de la mélodie rock folk, proche d’un Chris Isaak. Deux morceaux plus rock et remuants ensuite. Malheureusement, nonobstant les guitares cinglantes, ils se révèlent bien moins séduisants. En outre, les mélodies paraissent un peu fades. Maintenant, il faut reconnaître que tous les morceaux manifestent un potentiel scénique certain. Faudrait donc voir le groupe en ‘live’ pour pouvoir en dire davantage…
Sam VerleN est breton et sa musique lui ressemble. A des sonorités modernes (cuivres, guitare, batterie) viennent s’intégrer des instruments traditionnels (accordéons, bohdran). Sur ses musiques tantôt festives, tantôt touchantes, il vient poser des mots, des mots de têtes comme des mots doux. De fable folle fine et fantasque (« La fée ») en confession amoureuse (« Ma maîtresse »), Sam VerleN trace son petit bonhomme de chemin, quelque part entre La Rue Kétanou et Vincent Delerm. ‘Ceux qui louvoient, ceux qui gravitent, seulement là où ça leur profite, j’évite. La sérénité, le bon temps, les jours heureux depuis longtemps, j’attends.’ (« Je »). Sam VerleN élude et encaisse, pleure et écrit, part et chante. Et sa musique est mise à monde.
Quintette japonais réunissant un graphiste, un webmaster, un ingénieur du son et (évidemment) des musiciens, Ultra Brain a imaginé le renouvellement du concept ‘punk rock’ en surpassant les clichés propres au genre. Vaste programme né dans l’esprit de Akihiro Namba, ancien leader de Hi-Standard, combo punk fort respecté au pays du Soleil Levant. La musique dispensée ici hésite entre collages électro-lounge un peu convenus (« Monkiki », « Bouncing Betty »), cavalcades électro-punks peuplées de chœurs destinés aux stades de foot (« Ghost Busterz », « Ants Are Walking On My Sunglasses », « Ninja Night School », « Vis ») et autres moments plus dancefloor réminiscents de l’Electro Body Music cher à Nitzer Ebb et consorts. Un regret : la quasi absence de bons morceaux et des sonorités fortement datées qui imitent (mal) le hip hop du début des années nonante (dans le style du premier album de De La Soul). En bref : à éviter.
Il est des musiques qui vous envahissent, vous imprègnent de leur atmosphère. C’est le cas de ce dernier album de Transmissionary Six. Mais gare ! Car en l’occurrence, il s’agit d’une atmosphère plutôt sombre, voire glauque parfois. Le premier titre (« In spades ») nous plonge dans des ténèbres comparables à ceux d’un David Lynch. Il faut dire que les rythmes soutenus conjugués à la voix grave de Terri Moeller (batteuse des Walkabouts) y sont pour beaucoup. A peine a-t-on eu le temps de se remettre que l’envoûtant « Broker » nous précipite à nouveau dans la nuit profonde, sur une route déserte qui ne serait éclairée que très partiellement par une faible lueur de phares. Si « Radar » offre également des chansons aux mélodies moins sombres (« Transmission line », « When Rowan and Martin saved the day » ou encore « Top of your lungs »), les textes nous ramènent rapidement à la noirceur des premiers instants : « The world’s gonna spin while you watch to the crack of a hollow door with a flame to your ass. » (“Top of your lungs”) Pour clore l’album, un “Bye Bye Blackbird” s’éteint sur près de deux minutes, entre distorsion et émotion. La nuit sera longue, de celles qui n’en finissent pas. Au grand bonheur des insomniaques.
Triosk est né en 2001. Cette formation australienne (un trio, tiens) tente vaillamment de subvertir les genres (ici le jazz et l’électro) en frictionnant vigoureusement sa colonne vertébrale. En médecine on parlerait de scoliose, ici d’expérimentation, voire d’improvisation, mais ça ne fait ni mal au dos, ni aux oreilles. Adrian Klumpkes (piano, synthés, samplers), Laurence Pike (batterie, percus) et Ban Waples (basse) n’ont donc pas peur d’envoyer valdinguer toute bienséance en matière de jeu (de chaises) musical(es) : ce n’est ni du jazz à papa, ni de la musique électronique, mais les deux à la fois (et plutôt deux fois qu’une). Après « Moment Returns » et « 1+3+1 » (NDR : Jan Jelinek y participait), leur troisième album marque une nouvelle avancée en termes de fusion électro-acoustique, et surtout de production. « The Headlight Serenade » creuse le vocabulaire imaginé par le groupe depuis sa formation : la batterie, la basse, le piano et les beats convolent joyeusement en noces, sans se tirer la couverture au moment de l’orgasme. Comme dans tous bons préliminaires les Australiens prennent d’abord leur temps pour installer l’ambiance, épinglant comme premier climax ce « Lazyboat » rêveur, à la texture idoine (cfr. Fennesz, Radian). Peu à peu les circonvolutions sonores prennent davantage d’ampleur, jusqu’au final épileptique de « Moment Returns » et de « Fear Survivor », qui porte bien son titre. La dynamique toute en boucles de Triosk laisse augurer un avenir serein pour les musiques dites ‘en marge’ : perdue au milieu de ces breaks rageurs et de ces notes suspendues (Keith Jarrett vs. Fridge ?), l’oreille se dilate et frétille à l’idée d’être ainsi malmenée. Pour rester aux abois, il faut de la tension. Et ce disque en regorge, de la plus belle manière.
Ils ne sont que deux (Andrew Derek Ross Abbott à la guitare et James Richard Islip aux fûts, ‘sans toms’), et ils aiment faire du boucan. Parmi leurs fans on compte Andy Cairns de Therapy ?, groupe irlandais qui pour rappel sort toujours de bons disques (« Suicide Pact, You First », par exemple, auquel on pense d’ailleurs à l’écoute du cinquième morceau de cet album coriace, « The Freedom of Music »). Et U2, alors ? Ils ne sont pas oubliés : c’est marqué dans le titre. Spéciale dédicace donc à ce ‘nain qui brame’ de Bono, jamais avare en bonnes paroles humanitaires. Les Fucking Tank se foutent bien, quant à eux, de l’avenir incertain de notre planète, ils préfèrent écorcher nos tympans en envoyant la sauce. Son goût : du proto-metal instrumental qui rappelle The Invisible Frog et Lightning Bolt. Normal, c’est le même genre de plan : deux types qui jouent à même le sol au milieu d’une foule en délire, en tabassant bien fort leurs cordes et leurs peaux de bêtes. « Simply the Beast » ? C’est eux qui le disent, et l’on acquiesce comme de bons vieux headbangers en mal de sensations fortes. Certes, « The Day of Death… » n’arrive pas à la cheville du dernier Lightning Bolt (« Hypermagic Mountain », une tuerie), mais il vaut bien quelques torticolis. Selon les Fucking Tank eux-mêmes, leur musique sonne comme ‘le « War » de Satriani, mais sans aucun solo’. Ne reste plus qu’à baisser l’annulaire et le majeur, et de gueuler : ‘Lands & body, go wiiiild !!!’, en signe de soumission.
A chaque sortie ‘In The Red’, c’est inévitablement l’affolement, le souffle haletant, le palpitant qui s’emballe. Bref, une nouvelle naissance messianique. Cette frénésie peu commune est certainement due au glorieux passé de la maison qui affiche au palmarès les très cultes Black Top (Mick Collins ex-Gories), Dirtbombs (oh tiens, Mick Collins) et autres Pussy Galore (John Spencer’s first blues explosion). Sans parler des plus jeunes Hunches, au son plus crade que les chiottes de Trainspotting. Nouvelles recrues, les Submarine Races sortent la tête hors de l’eau et pointent leur périscope droit sur nous. Porté par le guitariste Ian Adams, qui a, toute une époque, officié chez les très chouettes Ponys (In The Red off course), notre trio de sous-mariniers en goguette se la joue arty-pop, tendance très en vogue ces jours-ci. Revisitant de leur propre aveu, le catalogue complet des Easybeats, agrémenté ajoutera-t-on, d’une pincée de désinvolture à la Modern Lovers. Hélas, si la formule sied aux tympans le temps de quelques mesures, force est de constater que la lassitude l’emporte bien vite. On aurait préféré plus de hargne, de fulgurance, et somme toute plus d’efficacité. Déception donc, un peu comme quand on nous promet un coup d’enfer et que l’on rentre la queue entre les jambes, les bourses trop lourdes. Allez, la prochaine sera plus entreprenante.
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