Depuis le présumé ‘retour du rock’ et la phénoménale ascension des Strokes, on connaît les noms de chaque musicien du groupe new-yorkais, leurs habitudes, leurs couleurs préférées, leurs attirances sexuelles, etc. Ce sont nos meilleurs copains imaginaires. On a l’impression de les comprendre, d’entrevoir leurs envies, leurs ennuis. Mais aujourd’hui, cette vision de fan stroksien monomaniaque est compromise. En cause, l’arrivée de « Yours To Keep », premier album solo d’Albert Hammond Jr. Ce disque vient détruire nos certitudes à grandes pelletées de riffs futés. Les cheveux ébouriffés, la clope au bec, le froc trop court, le poil trop long, Albert Hammond chante. Il chante ! Oui... Et plutôt bien d’ailleurs. Sous son bras, l’indestructible Fender Stratocaster fait encore un malheur.
Pour son propre compte, Hammond signe dix chansons taillées dans le rock. Sans sonner comme de vulgaires photocopies des échappées soniques de ses célèbres coéquipiers, les compositions d’Albert Hammond tendent, au contraire, à démonter l’impact de ses trouvailles chez les Strokes. Pour finaliser « Yours To Keep », il s’est entouré de la basse de Josh Lattanzi et de la batterie de Matt Romano. Dans le contingent des participants de l’ombre, on reconnaît les figures de Julian Casablancas, l’incontournable chanteur des Strokes, de Ben Kweller ou encore, de Sean Lennon (oui, le fils de). Ce premier effort solo dissimule donc de belles ingéniosités : le sautillant « In Transit », le mélancolique « Blue Skies » ou le musclé « Back To The 101 ». Et pour la petite histoire : « Yours To Keep » sort uniquement en Europe. Moralité : c’est déjà ça de pris aux Américains !
Sur ce premier « This is nowhere to be found », carte postale discographique ouverte sur une Scandinavie flottante, John Roger Olsson propose une photographie de nocturnes romantiques et de paysages écumés. Manipulant subtilement les ambiances polaires et un équilibre apporté par un Gulf stream rythmique, Olsson s’élance dans l'indie rock à travers un projet fait maison, vernissage d’un travail imagé, portant la bannière de « The Grand Opening ».
Enregistré en grande partie par Olsson, sorti sur le label allemand Tapete Records, se nourrissant principalement d’indie, « This is nowhere to be found » impose une douceur colorée sans pour autant se distinguer. Non sans nous rappeler les mélodies nostalgiques d’Ed Harcourt, de Gravenhurst, les ambiances à la Bonnie Prince Billy ou encore Tortoise, John Roger Olsson s’inscrit dans une tradition de folk indie, abondamment peuplée et proliférant dans une lignée tendant quelque peu vers une certaine créativité consanguine.
A l’échelle humaine, une demi-heure ne représente qu’une petite portion temporelle. Après tout, que faire en trente minutes ? Tuer le temps ? Face à l’ennui profond du quotidien, l’option a de quoi séduire. Tuer le temps, c’est plus amusant que de jouer au puzzle, certes. Mais à l’écoute du premier album de The Blow, la traditionnelle demi-heure prend une autre dimension. Surréaliste, forcément hors norme. En quelques beats croustillants, The Blow fait sursauter l’establishment. A l’intérieur de ce « Paper Television », les sonorités mainstream s’accoutument des petites astuces électroniques de cette clique ludique. En provenance de Portland, le duo féminin Jona Bechtolt/Khaela Maricich s’amuse à devancer la pop, à l’effrayer (chez The Blow, c’est tous les jours Halloween !) par quelques délires arty franchement bien sentis. Leurs mélodies sont entêtantes (le génial « Parentheses »), leurs roulements de tambour jouissent du pouvoir d’affoler un bataillon de Gilles de Binche assoiffé d’oranges sanguines (l’improbable tube R’n’B « The Long List Of Girls ») et leur français se chante toujours la tête à l’envers (« Bonjour Jeune Fille »). L’électronique lo-fi déjantée de The Blow se joue ainsi des genres et du temps. Une demi-heure à perdre ?
Digne représentant du mouvement Porn Rap aux cotés de Rudy Ray Moore que l'on considère comme les parrains de l’X-Rated Rap, Reid Clarence, aka Blowfly, est une sorte d’antihéros mutilant les tubes de soul, R'n'B, funk, rap et autres standards du rock en hymnes porno. Papy provoc donnant dans le mauvais goût, endossant un nom de scène aux relents de mouche à merde, et paré de ses costumes à la sauce kitsch, Reid débite des parodies classées X avec une rythmique textuelle le plaçant en précurseur d’un genre, notamment sur son tube « Rap Dirty ».
Dans le même temps compositeur R'n'B pour quelques formations mythiques (Betty Wright, Sam & Dave, KC & the Sunshine Band) et Blowfly, rappeur pornographe et légende d’une scène underground, Reid remue les foules et dérange l’opinion publique. Après avoir charcuté tous les genres pendant une vingtaine d’album, Blowfly revient plus inspiré que jamais tout au long de son « Blowfly's Punk Rock Party », une collection de tubes punk revisités sortie chez Alternative Tentacles », le label indépendant de l’ancien leader des Dead Kennedys, Jello Biafra.
Ouvrant le bal de son dernier album par ce qui pourrait être un hymne porno freak ("Punk cock is rock"), Blowfly le ‘World Baddest Nigger’ réchauffe les classiques punk rock des Stooges ("I wanna fuck your dog"), des Clash ("Should I Lay This Big Fat Ho"), des Ramones ("I wanna be fellated"), d'Offspring ("Gotta keep her penetrated") et d’autres Turbonegro, Devo, Black Flag, Billy Idol, Circle Jerks, sans oublier les Dead Kennedys lors d’un spécial "R. Kelly in Cambodia", réarrangé en compagnie de Biafra. Cover dirigé par un Weird al Jankovic du Porn Rap, « Blowfly's Punk Rock Party » demeure un plat énergétique aux textes pétris d'‘explicits lyrics’ et d'un humour bien salé. A consommer sans pudeur.
Depuis son éviction des Take That et sa cure de désintoxication, Robbie Williams s’est montré impitoyable à l’égard des radios. Elles n’en dorment plus... C’est simple, Robbie ne chante que des tubes au potentiel radiophonique surdimensionné. Par ailleurs, sa sortie discographique annuelle engendre un sentiment sécuritaire total chez ses fans. Avec Robbie, ils ne sont jamais seuls. Dès lors, le constat s’impose : Robbie Williams demeure une insatiable machine événementielle, un homme taillé pour le succès. Pourtant, l’Amérique semble encore lui résister. « Rudebox », septième album studio du gigolo de Stoke-on-Trent, s’évertue à convaincre l’autre partie du globe d’adhérer à sa cause. Pour l’épauler dans cette tâche délicate, Robbie peut compter sur l’expérience des Pet Shop Boys et l’énergie juvénile de Lily Allen. L’apport de ces deux recrues fait souffler un véritable vent de fraîcheur sur cette nouvelle production : la petite Lily laisse éclater sa candeur à travers les chœurs, les Pet Shop Boys posent leurs voix sur « She’s Madona » (ou comment conquérir les States en un volume).
Sur « Rudebox », Robbie explore les genres tel un conquistador en quête de nouveaux territoires : dance, pop, ballades à l’eau de rose, world, tout y passe. Et tout est bon ou du moins, loin d’être mauvais. A bien y regarder, la carrière de Robbie Williams s’apparente de plus en plus à celle d’Elton John. A celle d’un artiste extrêmement populaire, courant après les Etats-Unis comme une poule aux œufs d’or cavale derrière un lingot, toujours en mesure de taper dans le tubesque sans jamais être pris au sérieux. Pas simple la vie de star...
Liars. Déjà, le nom claque. Les New-yorkais sont violents, sauvages, sexy et insaisissables. Après un premier album punk-funk couillu, un deuxième effort arty au possible, incompréhensible pour 99 pour-cent des oreilles de la population mondiale, voilà que déboule le grand trip cosmique, psychotique à souhait. Probablement influencés par le krautrock ou un groupe comme les Silver Apples, le groupe ne fait aucune concession. La gloire ? Rien à cirer ! Les radios ? Et puis quoi encore ? Céder, c’est mourir. Les leçons de « White Light White Hea »t ont enfin été tirées. Et le projet porte bien son nom, « Drum’s Not Dead » s’exprime essentiellement par la batterie, colonne vertébrale autour de laquelle serpentent voix et guitares incandescentes. Le chant, désormais, est psalmodié. Cris, mantras obsédants, hululements drogués donnent le tournis. La rythmique est répétitive jusqu’à la transe, le chaman déclame des incantations menaçantes, vous prend à la gorge et vous relâche pantelant dans un dernier sursaut de pitié. L’hombre se rapproche. Le sang se glace. Ici, l’indifférence n’a pas cours. On ne peut en sortir indemne. C’est une mer de lave en fusion à laquelle on fait face, un territoire inexploré dont l’Annapürnä est ce « Drum And The Uncomfortable Can », crescendo symphonique d’une intensité brutale et salvatrice. Et au moment où on s’y attend le moins, une berceuse hypnotique en diable « The Other Side Of Mt. Heart Attack », le calme après la tempête, qui vous trotte dans la tête des heures après avoir quitté le disque, comme désarmé devant tant de beauté. Les Liars représentent le passé, le présent et le futur. Les Liars font peur. Et franchement, il y a de quoi. Jamais rien ne sera plus pareil.
Increvables Sparks. Il y a plus de trente cinq ans et vingt albums que les deux frères Mael conduisent leur collaboration artistique. Incroyables Sparks. Alliant depuis toujours audace, humour, singularité et créativité, le duo a connu son heure de gloire vers 73-74, le temps de deux 33 tours : « Kimono my House » et « Propaganda ». Puis il a poursuivi une carrière plus discrète, glissant du rock au pop sans jamais totalement faire taire son élégante extravagance. Improbables Sparks. Après des productions électro-funk glamour émaillées d'expérimentations, il nous revient flanqué d’un CD qui donne des leçons d'originalité aux plus jeunes artistes de ce début de XXIe siècle. Prodigieux Sparks. Avec une effarante économie de moyens (pour l'essentiel, les claviers de Ron et la voix de Russell démultipliée), ces magiciens ont bâti une œuvre où le symphonique côtoie l'absurde, où l'esthétique sophistiquée devient hypnose et l'autodérision une arme de séduction. Ils ont exploité jusqu'à la corde des techniques timidement expérimentées précédemment (« I thought I told You to wait in the Car », par exemple, sur « Gratuitous Sax and Senseless Violins »), transformant l'anodin en péplum grandiloquent et le quotidien en drame à la Kafka. Inclassables Sparks. Ce disque complètement décalé, où les outrances du chant commandent à une musique sobre, malicieuse et irréprochable, agacera les uns et envoûtera les autres. Vous l'aurez compris, je suis l'une des victimes consentantes de ce rapt mondain. Indispensables Sparks!
« Hello Meow » déroule d’entrée de jeu son tapis rouge de snare drums et de lignes de basse congestionnées : rapide, acide, crispant à l’extrême, on retrouve en quelques secondes l’univers frappadingue de Tom Jenkinson, le faux frère jumeau de Richard D. James. Rien n’a changé depuis « Ultravisitor », son précédent album, et sans doute que rien ne changera jamais vraiment pour notre homme aux multiples casquettes (la pochette), qui depuis plus de dix ans nous tanne le cortex de son IDM sans détours. Et même si « Theme For Sprite » sonne quasiment comme du jazz de ferry-boat, ce n’est que pour mieux nous mettre en garde, une fois de plus, à ce qui va suivre : du « Hard Normal Daddy » puissance dix, de la drill’n’bass à plein tube qui balance ses bleeps casseroles sans demander son reste (« Bubble Life », « Planetarium »). Autant dire qu’après l’étirement noisy de « Vacuum Garden », le cerveau crie à l’aide, persuadé qu’un breakbeat de plus pourrait menacer sa routine sensorielle.
Soulagement : « Circlewave 2 » tente l’accalmie en osant faire sonner une guitare acoustique et même un piano satien. On dirait presque du Savath + Savalas à la mode latino, de la bossa-nova à l’ère du digital fractal. La tempête, évidemment, était juste partie recharger ses batteries : au milieu de son œil en spirale qui nous nargue bêtement, nos oreilles essuient vite un revers certain. Les cymbales tombent comme des hallebardes (« Rotate Electrolyte »), il pleut des nappes acides en plein retour vers le futur (« Welcome to Europe »). Schizophrénique en diable, « Hello Everything » n’a rien du disque d’apéro à siffler sous une douche écossaise (l’éreintant « The Modern Bass Guitar »). A la fin des percus en écho nous font croire qu’il existe une soupape, un ailleurs plus serein (« Orient Orange » et ses stridences bouddhistes), mais il est un peu tard : dans notre caboche ça crépite comme dans un bol de Rice Krispies, on ne comprend plus rien, c’est la bérézina.
Adrienne Pauly, comédienne de formation, rêvait de chanter depuis des années. Il lui aura fallu quelques rencontres musicales (en compagnie, entre autres, de Camille Bazbaz) avant de sauter le pas. On peut dire qu´elle a eu raison de le franchir ! En effet, ses textes audacieux, ses mélodies pop-rock-folk réussies et sa voix de titi parisien lui donnent une véritable empreinte. Sur cet album éponyme, Adrienne Pauly chante les hommes, l´amour qui ne vient pas, l´alcool, le cafard… Nous sommes tour à tour emmenés dans un café glauque, dans une chambre ou encore dans la rue. Tantôt drôles (« J´ai fait l´amour avec un con »), tantôt attendrissants (« Chut », « Dans mes bras »), les différents morceaux de cet opus nous révèlent l´incroyable talent de cette jeune auteur-compositeur-interprète. Une reprise de Serge Gainsbourg (« L´herbe tendre ») vient clôturer en beauté et délicatesse ce cd bourré de charme et d´originalité, qualités partagées par son auteur. Ce charme a d’ailleurs déjà fait mouche: la demoiselle compte ainsi parmi ses musiciens et admirateurs le génial M, Mathieu Rabaté et Philippe Paradis, tous deux fidèles collaborateurs de Zazie. Sûr que nous entendrons parler de cette artiste à l´avenir…
La Marsmobil est en marche. Si le Gainsbarre était encore en vie aujourd’hui, il se serait certainement plu à produire le second album des Italo-teutons… après avoir engagé avec Air une petite bataille pour les manettes. Une collaboration plus ou moins amicale serait ensuite née de cette discorde. Et « Minx » aurait alors été la parfaite résultante de cette coopération. Traversé par une brise délicieusement 70s, « Minx » fait la part belle aux atmosphères spatiales, presque trip hop (« Reversed Mantra », « Astralbody »…). Menée par Roberto Di Gioia, multi-instrumentiste aux influences incalculables, cette formation au nom improbable est connue en Allemagne pour avoir composé « Munich Loves You », hymne de la dernière coupe du monde de foot. Si ce « Minx » a le potentiel d’élargir ce succès à l’ensemble de l’Europe, il le doit, entre autre, aux vocalises lisses et rassérénantes de Martine Rojine. Inégalable lorsqu’elle susurre quelques mots doux en italien (le single « Mangia amore ») ou se confesse en français (« Je suis lâche »). « Sovatex 2055 » et « From Elsewhere To Nowhere », les deux titres d'electronica instrumental clôturant l'album, se marieraient à merveille à une éventuelle B.O. d’un hypothétique remake de « 2001 : A Space Odyssey ». Même en l’absence du single « Munich loves You », Marsmobil marque un joli but.
« Supply And Demand ». Un titre peut-être trop révélateur. Après un chaleureux premier essai éponyme (sorti en 2005), Amos Lee revient avec ce qui ressemble de près à un album de commande. On imagine facilement son entretien avec les grands pontes de chez Capitol : 'Bon, Amos, tu dois te dépêcher de nous sortir un petit disque.' Lui : 'Ouais mais hé, je sors à peine de la promo du précédent…'. Eux : 'On s’en fout. Ce n’est pas ça qui arrête Robbie Williams, non ? Allez hop, au travail !' Du coup, Amos se hâte, compose quelques titres afin de répondre au plus vite à cette demande. Au final, le travail est bâclé. Pas le choix. Juste histoire d’avoir au moins une invitée sur son nouvel album, il dégote Lizz Wright (qui traînait certainement dans les bureaux le jour de l'entretien). Evidemment, ce n'est pas Norah Jones, mais c’est déjà ça. 'En plus', se dit-il, 'mes nouvelles compos ressemblent aux précédentes, donc si je dois la réinviter celle-là, je suis mal barré côté critiques.' Et, en deux temps trois mouvements, « Supply And Demand » et son folk jazzy teinté de soul se retrouvent dans les bacs. Les fans se précipitent sur les bornes d’écoute. L’effet est immédiat : 'Heu… Excusez-moi, monsieur du magasin, je crois qu’il y a une erreur. C’est le premier album que vous avez glissé dans le lecteur.' Le monsieur du magasin : 'Non, non, c’est vous qui faites erreur.' Désarçonné, le client dépose les écouteurs et continue sa balade dans le magasin avant de revenir à la charge, incrédule : 'Etes-vous certain ?' Et oui, mon gars. Y’a vraiment pas d’erreur...
Que faire ? Oui, que faire en présence d’un tel album ? L’écouter en boucle dans l’espoir de comprendre, enfin, où ses géniteurs voulaient en venir ? Ou bien le mettre de côté en se disant qu’il n’est finalement que vanité et prétention artistique ? Bien malin qui pourrait le dire tant, en effet, « They mean us » s’avère déroutant… Cependant, et c’est suffisamment rare pour le mentionner, ce ne sont pas ici les compositions, le chant ou encore la production qui effraient nos oreilles… Non, c’est la batterie… Martelées habilement (?) par Zach Hill, membre honoraire de Team Sleep (side-project de Chino Moreno, le chanteur de Deftones), les caisses et autres cymbales sont jouées, sur cet album, avec un tel non-sens rythmique et une telle décharge d’oripeaux que les morceaux en deviennent complètement indigestes. Que ceux qui aiment les doubles pédales mal calées et les doubles-croches à gogo se ruent sur cette plaque ! Pour les autres, il ne reste qu’à s’interroger sur le but recherché par les deux compères (Rob Crow, le leader de Pinback, et Zach Hill) responsables de cette œuvre qu’on aurait presque pu qualifier de pop, s’il n’y avait ce délire de batteur frustré… On dit souvent que Max Roach est l’inventeur du jeu de batterie moderne. Un jour, peut-être, Zach Hill sera-t-il lui aussi considéré comme un musicien avant-gardiste… Toujours est-il que, pour l’instant, on peine à comprendre le sens de sa démonstration…
Le titre le dit bien : Kurt Wagner a connu l’année dernière un accès de déprime, qui a failli l’envoyer au tapis. Dès lors, quoi de mieux comme catharsis d’enregistrer un nouveau disque de Lambchop, le neuvième, deux ans seulement après le double « Aw C’mon / No, You C’Mon » ? Personne n’est à l’abri d’une petite baisse de tension, c’est bien connu... Que Kurt Wagner nous raconte ses déboires en évitant de tirer sur la corde lacrymale, voilà la bonne nouvelle… Mais si « Damaged » sonne comme l’album le plus apaisé du groupe de Nashville, il n’en est pas le plus éblouissant. Aux oubliettes les envolées soul-folk du magnifique « Nixon », et si les cordes subsistent, elles crient ici un peu famine. Enregistré par le fidèle Mark Nevers en compagnie du duo électro Hand Off Cuba, « Damaged » ne laissera sans doute pas de grandes traces dans la discographie du groupe, sauf peut-être dans la tête de Wagner. Après les crépitements introductifs de « Paperback Bible » et sa mélodie profil bas, on attendra en vain un sursaut mélodique de la part de Lambchop. Las : « Damaged » pêche par gracilité, et on se surprend à bâiller aux corneilles devant ces dix titres aux ambiances frelatées. Unicolore et redondant, « Damaged » manque un peu de cette fougue qu’on aimait chez Lambchop. « Damaged » ? Plutôt « dommage », oui... Mais n’est-ce pas là le lot de toute mélancolie existentielle ?
Certes, chacun des neuf morceaux de cet album (le quatrième) fait montre d’une technicité jamais mise à mal, d’un sens de la construction a priori inébranlable… Mais qui finissent par ennuyer à force d’être sans cesse dupliqués, un peu comme à la chaîne. Chaque titre se voit ainsi divisé en autant de parties calmes/brutales. Turner chante puis hurle, et ainsi de suite : autant dire qu’à la fin on sait d’avance ce qui va se passer, et c’est là que le bât blesse. Le parfait disque anti-climax, puisqu’il sonne comme bloqué sur la touche 'repeat'. Vous avez raté la chanson 2, en plein assoupissement ? Pas grave : écoutez donc la chanson 7 ! Isis, ou le metal Duracell. Que ceux qui le décrivent comme 'progressif' achètent un dictionnaire.
Bâti sur les cendres du groupe Quetzal (le batteur s'en est allé), le vrombissant bataillon belge In-Kata n’est pas là pour rigoler, mais bien pour nous en mettre plein les tympans. Sans détour ni fioriture, il claque un rock expérimental pour le moins déjanté qui, dès les premières notes, nous fait comprendre que le plus étonnant reste à venir. Evoluant sur un sol impalpable que les extraterrestres de The Mars Volta fouleraient volontiers (d’ailleurs, puisqu’on en parle, Quetzal avait autrefois partagé la scène avec un certain At The Drive In), les musiciens s’adonnent à un méthodique dérangement des styles et des ambiances, débordant de hargne quand il s’agit de battre le grain. Un grain de folie. Un grain qui se transforme progressivement en champ de chansons tordues, parfois glauques et éprouvantes, mais jamais éreintantes. L’implication, en tant que producteur, de Tom Pintens (notamment complice de Zita Swoon) est perceptible dans chaque recoin de cette intrigante implosion sonore dominée par des guitares lunatiques. A découvrir les yeux fermés.
Les pistes de danse belges sont bien tristounettes. Le peuple de la nuit qui était venu s’éclater n’a pas d’autre option que de se la jouer lounge. Du coup, il s’emmerde ferme, les fesses gluées au canapé du club. C’est qu’on en attendait bien plus du premier album de notre petite Didjette nationale, Stephanie D’Olieslager alias D’Stephanie. Après avoir sévi dans tous les clubs branchouilles d’Europe et même d’Afrique, et sorti quelques EPs et singles, D’Stephanie sort un premier album très inégal. Grande déception, « Droppin’ It ! » semble se perdre entre des rythmes electro acrimonieux (« Shake It Down », « Rum N Bass ») et une lounge trop facile (« Funk Up My Day », « Won’t Fall »). L’ensemble manque de compositions réellement accrocheuses, à l’image de l’instrumental « If We… », seul titre à sortir du lot. Trop stérile, « Droppin’It ! » n’a pas grand-chose à offrir. Un beau gâchis.
'Doit-on maintenir le cap sur l’Angleterre mon Captain ?' Oui, oui, mes braves, à fond les pistons ! Nous allons courser Keane, les couler et empocher le pactole. 'Très bien mon Captain !' Premier album de la discographie des Londoniens, « This is Hazelville » joue des coudes pour se frayer une place sous les gouttes de pluie de la pop britannique. Produites par Trevor Horn (Lisa Stansfield, Tom Jones, Pet Shop Boys, Belle and Sebastian, etc.), les onze chansons de cet album se noient (étrange pour un Captain n’est-il pas ?) dans une mer d’arrangements. La simplicité et la spontanéité relayées dans les cales, Captain fait preuve d’enthousiasme lorsqu’il s’agit d’écrire des tubes potentiels pour une hypothétique nomination au Mercury Music Prize. « Broke », « Glorious » ou « Frontline » font alors figure de porte-drapeaux (de corsaire ?). Le seul point fort de Captain repose sur cette complicité vocale, unissant les timbres de Rik Flynn et Clare Szembek. On notera même un bon moment passé à l’écoute de « Wax », un joli morceau égaré dans ces flots surproduits. L’ensemble du disque ne suscitant en définitive que trop peu d’intérêt. Bref, sur ce coup là, le Captain est accroché...
Trois ans après « Empty The Bones Of You », Chris Clark a décidé d’étoffer son propos. On l’imagine avoir traîné sa figure élastique dans les clubs de gym IDM de l’Angleterre profonde. Quelques tractions aux espaliers de la drum’n’bass, un ou deux vols planés au-dessus du matelas de l’ambient, des pompes à la douzaine sur le formica de l’électronica : notre homme s’est chopé tellement de muscles qu’il a même décidé d’oublier son prénom, parce que « Clark » tout court ça claque mieux qu’une paire de bleeps entre deux nappes acides. Après un échauffement en règle (les trois premiers tracks), « Herzog » hésite un peu à balancer la sauce, mais pas longtemps. D’où les grosses basses, ce bourdonnement inquiet à la limite de l’explosion, qui donne du fil à retordre quand il s’agit de savoir s’il faut monter le son ou partir en courant. Trop tard : Clark a ramené ses potes, l’un s’appelle « Ted » et il n’est pas content. Ca part un peu en couilles (breakcore), mais heureusement pour notre pouls cardiaque il est l’heure de la pause 4 heures et du jingle de « library music » (« Mathieu Unburdened » et « Vengeance Drools », entre Boards of Canada et Four Tet). Puis c’est reparti pour un tour d’IDM benoît (« Night Knuckles », très AFX), avant la fin du cours et les dernières saturations (« The Autumnal Crush »). Clark n’a pas de souci à se faire : il tient une forme d’athlète. On ne peut en dire autant de la plupart des kadors warpiens… Allez hop, on fait ses 50 pompes et on mord sur sa chique !
Il s’agit d’un de ces disques qui vous prennent par surprise, puisqu’ils ne sortent quasi de nulle part. En gros la campagne US, Baltimore, mais encore ? On parle ici de « maison balnéaire », mais on pense moins à Miami qu’à Venise ; et de ces entrelacs de mélodies, qui n’ont l’air de rien, se dégage un plaisir diaphane, comme en automne où les feuilles se flétrissent et les rongeurs hibernent. De Victoria Legrand (chant/orgue) et d’Alex Scally (guitare) on ne sait pas grand chose, et à vrai dire c’est mieux ainsi. Car leurs chansons bancales, interprétées avec la foi d’un couple qui croit en la félicité d’une belle mélodie, même (et surtout) fragile, parlent pour eux davantage qu’une bio glanée sur internet.
Il n’y a pas de plan de carrière sous le plastique de ce disque magique : juste neuf ritournelles sans apprêts indigestes, jouées béatement sans recourir à aucun vice de forme. Une guitare cotonneuse, un orgue sépulcral, et deux-trois pulsations évadées secrètement d’une petite boîte à rythmes : il n’en faut pas bien plus à Beach House pour sonner le tocsin d’une pop surannée, aux gestes emprunts de solennité joyeuse. Proche en cela de l’onirisme déroutant d’Animal Collective et de First Nation (autrement dit l’écurie Paw Tracks), Beach House laisse une vague impression de chansons hors du temps et de ce monde cynique. Et peu importe si Victoria Legrand possède une voix fragile, en creux : les airs qu’elle chantonnent valent bien cet à-peu-près mystique (on pense aussi parfois à Nico, à Broadcast, au Goldfrapp de « Felt Mountain ») et nous laissent rêveurs. C’est beau, une plage en automne. C’est encore mieux en écoutant Beach House.
Comment ? Comment est-il possible qu’un petit pays comme l’Islande, à peine peuplé de 300 000 habitants (l’équivalent du Luxembourg) soit en mesure de nous présenter de nouveaux artistes intéressants à peu près tous les ans ? Si répondre à cette question semble aussi difficile que de commencer à comprendre le premier mot de l’idiome parlé sur cette île bien étrange, le constat est là : Benni Hemm Hemm, alias Benedikt H. Hermansson, Islandais de son état civil, vient de pondre un bien bel album. Chantés, tour à tour, en anglais et dans la langue indigène (assez déconcertante, il faut bien l’avouer), les douze morceaux proposés sur cet opus éponyme sonnent comme autant de petits moments de fragilité dans ce bas monde décidemment bien cruel. Accompagné d’une fanfare, Benni Hemm Hemm dispense ainsi une musique calme et intimiste. Parfois, on serait tenté de comparer le projet aux plus belles productions de Calexico (le côté mariachi en moins). Résolument pop et agrémentés de touches folk, des titres comme « Fight », « I can love you on a wheelchair » ou « Ku-UI-Po » sont beaux, tout simplement. Ces compositions ont le mérite d’annoncer la couleur pour la suite des événements : l’expérience sera aussi calme et chaloupée qu’une soirée passée au coin du feu dans une maison de pierre sur la côte de Stykkisholmur… Assoupi et rassasié de morue, l’auditeur bienheureux s’y abandonnera également à l’écoute d’une myriade d’autres petites perles pop islandaises telle que « Til Eru Frae », splendide de calme et de mélancolie… Du beau boulot, Mister Hermansson !
La ganja avait une odeur. Elle a désormais un son. Dans la dimension Brightblack Morning Light, la zenitude est une valeur universelle. Le monde entier prend son temps et son pied. Aucune discorde. L’adage ‘Make Love Not War’ prend ici tout son sens. ‘Make Love’, de préférence sous un tepee, en plein milieu d’une forêt sauvage aux couleurs éblouissantes et irréelles. Une forêt où les éléphants roses valsent avec les ours polaires, l’on se douche à poil sous l’eau de pluie et tout à un sens, même ce qui n’en a pas.
Cet album éponyme, sans aucun doute enfanté au beau milieu d’un champ de chanvre, est une agréable curiosité. Le potentiel hypnotique de chacun des titres est tellement élevé qu’on pardonnerait presque à Brightblack Morning Light leur tendance à la répétition. De « Everybody Daylight » à « We Share Our Blanket With The Owl », on garde l’étrange impression d’entendre un seul et même titre, à quelques variations près. Si, même en gardant les idées claires, ce détail n’est en rien dérangeant et semble carrément agréable, on n’ose pas imaginer le résultat sur un esprit embué. La solution à tous tes soucis ? Un petit coup de « Brightblack Morning Light » dans ton aquarium. En plus, il y a Paz Lenchantin au menu. Ça, mon vieux, c’est vraiment de la bonne.
Echappés de leurs vastes espaces enneigés, les Suédois d’Amandine viennent nous présenter leur second E.P. de l’année. Le magnifique « Waiting for the light to find us » dévoile l’univers d’un groupe touché par la grâce. La mélancolie s’allie ici aux harmonies. Pour Amandine, les idées noires seront toujours les meilleurs. On songe à Iron & Wine, à Great Lake Swimmers pour ce côté désabusé, à Crosby Stills Nash & Young pour cette Amérique fantasmée, à Chad VanGaalen pour cet aspect bricolé. Assis au coin d’un feu, les quatre musiciens rêvent de déraciner le folk de ses origines. Quelques instruments atypiques viennent alors nourrir cette espérance : accordéon, banjo (le sublime « Sparrow »), theremin, trompette, glockenspiel. Un bonnet sur la tête, les mains dans les poches et une écharpe autour du coup, on passe la langue, essayant de gober ces petits flocons tombés du ciel. C’est l’hiver. L’après-midi touche à sa fin, le soleil se couche : le moment idéal pour se laisser réchauffer par les mélodies d’Amandine.
Des profondeurs de l’abîme surgissent encore quelques pourfendeurs du plus sombre aloi. Alors que le monde s’empresse d’éradiquer toute velléité susceptible d’exposer la couche de crasse ambiante, d’autres crachent à la face de tout un chacun la noirceur et le désespoir dont il faudra bien un jour prendre conscience. Amen Ra joue dans cette cour là. Et il n’est pas question ici d’une quelconque divinité prétexte à racheter vos inavouables péchés.
Leurs prestations scéniques (parfois dans des endroits insolites tels que des chapelles ou dans la forêt), plutôt impressionnantes, laissaient présager du meilleur. Force est d’admettre une petite déception quant à la voix, ici légèrement étouffée. Sonnant, de fait, un peu creuse. Qu’importe, la puissance du propos se révèle idoine et dévastatrice. Nos quatre chevaliers de l’apocalypse usinent un riff lourd, qui pèse sur nos frêles épaules et nous enfonce bien bas. Une ambiance proche de celle développée par Isis. Pas de joie feinte, aucune couleur criarde à l’ordre du jour. Nulle trace de refrain échappatoire. Juste un rouleau compresseur en marche. Inexorablement.
Mais alors que résonne le glas, les ténèbres s’ouvrent sur un crépuscule nouveau. Un sentiment salvateur se dégage progressivement. En contrebas du champ de ruines se faufile le chemin de la rédemption. Tout est dans le titre épitomé « From Birth To Grave. From Shadow to Light ». Ne vous reste qu’à traverser. Si vous osez. Une prière ? Et puis quoi encore…
Long en bouche et enregistré en deux jours par Steve Albini, « L’Univers » des Espagnols de 12twelve est une des bonnes surprises de cette fin d’année. Oscillant entre jazz et rock, bardée de rythmes syncopés et de breaks improbables, la musique purement instrumentale de ce combo a le mérite de ne pas lasser et de se renouveler sans cesse… Jouant sur les couleurs et les ambiances, déstructurant leurs compositions quelquefois jusqu’à l’abstrait, les sociétaires de Barcelone aiment prendre l’auditeur à rebrousse-poil.
Débutant de manière très mélodique, agréable, voire convenue, l’ensemble pète ensuite littéralement un câble sur « RZ Chapa », un titre à la limite de l’électro, au cours duquel les certitudes initiales s’effondrent tel un château de cartes mal assuré. Il convient alors d'avouer que des compos comme « Professor » ou « Il Monstro » sont bien trompeuses… Classiques d’un point de vue jazz, dans le fond et la forme, elles annoncent des lendemains presque psychés matérialisés par « La Modelo », échappée atmosphérique courte mais néanmoins jouissive par sa retenue presque vicieuse…
Et puis, voilà que nos nouveaux amis décident de nous agresser… Mais peut-être aimons-nous l’être ? Un peu de violence, hmm… Interrogation perverse bien vite oubliée grâce à une fin d’album plus mélodique, excepté un « Ruidos pour ondes Martinot et orchestre » vraiment dur… A écouter les soirs de frénésie intellectuelle…
Anita et Kevin Robinson s’aiment pour la vie. Et pour tout dire, on admire leur amour, leurs cœurs brûlants pour cette noble cause : le rock’n’roll. Ce couple formidable vient d’enfanter « Get Yr Blood Sucked Out », un album magistral, limpide et sensuel. Quatrième rejeton d’une discographie déjà bien nourrie, « Get Yr Blood Sucked Out » commence par un « Believer » d’enfer. Anita extirpe un riff hypnotique de sa guitare, alors que ce diable de Kevin martèle rigoureusement ses fûts. Sa batterie est belliqueuse, elle impose un rythme régulier, métronomique, telle la cadence assignée à ces malheureux galériens. La voix d’Anita se pose, nonchalante, tellement envoûtante. Kevin rejoint alors les lèvres de son épouse pour un clash électrique épique, une rencontre improbable entre The Beta Band et The Jesus and Mary Chain.
Insolente, la musique du duo nous touche en plein cœur : la guitare fuzz gicle dans tous les sens, les hands-clapping surgissent de partout. A ce moment précis, on tombe sous le charme de « From The Devil Himself », collision frontale entre les Dandy Warhols (période « Come Down ») et Yo La Tengo. On succombe. Mais Viva Voce n’en a pas encore terminé : « Drown Them Out » retentit, transperçant air, terre et mer d’un riff chopé du côté des Pixies. Au chant, Anita est cool. Aussi cool que Kim Deal. La formation de Portland, nous assure ensuite le repos du guerrier, le temps d’un joli interlude (« Bill Bixby »). Mais pas question de relâcher la tension. La formation repart de plus belle sur les sulfureux « We Do Not Fuck Around » et « Faster Than A Dead Horse ».
En fin de parcours, On titube tel un Mexicain harassé par l’alcool et les brûlures d’un soleil de plomb. Là, sous cette chaleur écrasante, nous irions nous empaler sur le premier cactus venu. Et d’un dernier cri, on hurlerait à la vie, à la mort : Viva Voce !
Lee Van Dowski et Quenum ne sont pas nés de la dernière guerre 'minimale'. Actifs dans le milieu techno depuis plusieurs années, ces deux Français (exilés en Suisse) ont déjà sorti pléthore de maxis 4x4 sur des labels comme Cadenza (le fameux « Orange Mistake » de Luciano et… Quenum), Mental Groove, Imploz, Num ou Pnuma, la nouvelle sous-division de Soma. Adeptes d’un groove ascétique qui préfère jouer sur les atmosphères plutôt que sur l’action, Lee Van Dowski et Quenum tiennent ainsi leurs promesses tout au long de ces onze titres d’obédience minimale. Pas question donc de bourrer dans le tas dès les premières secondes : le beat dévoile ici lentement son potentiel de frappe. 'Acide' rime presque avec 'placide'. Il faut attendre « Little Doll Chaos Pounce Upon Option Assault Reverberation », le cinquième morceau, pour envisager un petit détour du côté du dancefloor : les genoux crient sous le beat casaque, l’artère fémorale panique en pleine montée de nappes... Voilà le 'killer track' qui se faisait prier, et on ne l’a pas volé.
« Lust Part 1 » et « Ultimate Desert Ambassador » arrondissent le propos et nous offrent un pont deep goûtu, avant que le poumtchak ne revienne à l’attaque, lentement mais sûrement (« Lust Part 2 »). Ne serait-ce pas d’ailleurs l’adage qui sied le mieux à la tech minimale ? Si le début du disque rappelle le son spartiate des prods à la M_nus (« Vegas Nevada Shooter », « The Joint Echo »), la fin navigue davantage dans les eaux troubles de l’electronica. « Thomas Edison Invents The Lazy Dance » (?) et « Dune » rappellent ainsi les paysages bucoliques de Boards of Canada et les « Ambient Works » d’Aphex Twin, voire le terreau calciné dans lequel prennent racine les compos de Nathan Fake... Lee Van Dowski et Quenum peuvent donc s’estimer heureux : ils ont franchi le pas de l’album sans se prendre une gamelle sous la boule à facettes… Chez Soma il paraît que tout le monde a même retrouvé le sourire : ce n’était plus arrivé depuis la signature d’Alex Smoke. Eh oui les temps sont durs, il faut bien s’adapter à l’envie populaire. Minimale, quand tu nous tiens !
Le Suédois Peter von Poehl n’est pas un inconnu pour ceux qui ont déjà jeté une oreille attentive aux disques de la galaxie Tricatel. Guitariste au sein du backing band qui accompagnait sur scène Burgalat, Chamfort et Houellebecq à la charnière des années 2000, von Poehl séduisait alors davantage les filles que les garçons par ses sourires et sa blondeur mirifiques. C’était pourtant sans compter sur le talent de songwriter de ce Scandinave émigré à Paris, qui préférera émigrer à Berlin que de rester au sein du groupe de Tricatel, bientôt rebaptisé A.S. Dragon. De cette époque à ce premier album, Peter von Poehl sera d’abord resté dans l’ombre de la production, pour son ami Florian Horvath, Doriand et l’ingénue Lio. Qu’il déboule ainsi sur le devant de la scène en tant que singer-songwriter n’étonnera donc personne, mais qu’il déboule avec un si bon disque, c’est une toute autre histoire.
Car « Going To Where… » ne s’embarrasse d’aucun détail superflu : 12 chansons d’à peine trois minutes chacune, où chaque note, chaque arpège, chaque instrument joue un rôle majeur (c'est-à-dire réfléchi) dans la quête mélodieuse de von Poehl. Voici donc le Graal 2006 catégorie pop-rock à fort potentiel commercial. Il serait sans doute vain de décrire toutes les admirables chansons qui composent cet album, du titre éponyme à ce « The Bell Tolls Five » cuivré comme une ballade militaire. Il suffit à von Poehl de mixer une guitare acoustique avec un sax et une flûte pour emballer un single pop à faire pleurer Brian Wilson (« Virgin Mountains »). De rajouter quelques cordes à une batterie câline pour sonner comme du Air vaporeux, du Neil Hannon en rien pompeux (« Travelers »). De faire péter la basse et les trompettes pour faire danser les filles, en un slow éthéré qui ne manque pas de groove (« Global Conspiracy »). De trouver le riff simple (mais funky) pour reléguer Das Pop au rang de boys band de pacotille (« Scorpion Grass »). De sortir encore de sa boîte magique un xylophone pour trousser le tube Mobistar en or (« The Story Of The Impossible », élégiaque). Et ainsi de suite…
Sans grands artifices - seulement beaucoup de talent, d’à-propos et de mélancolie - Peter von Poehl vient de signer un premier disque tout bonnement excellent. Taillé dans le même écrin que ces albums qu’on aime ou qu’on déteste parce qu’ils nous mettent à nu en même temps que leur auteur (ex : les premiers Tom McRae, Maximilien Hecker, Spain,…), « Going Where The Tea Trees Are » fait partie de ces disques de chevet qu’on aimerait partager. Si vous aimez la pop, faites confiance à ce type. Il vous le rendra bien.
Drôle d'histoire : quatre garçons se rencontrent dans un train. Ils sympathisent, refont le monde et énumèrent leurs goûts musicaux. Pendant ce temps, la locomotive file à toute allure, traversant les paysages, chevauchant villes et prairies. A ce moment-là, les quatre garçons ne le savent pas encore, mais leurs échappées sonores seront à l'image de cette rencontre : spontanée, diversifiée et tortueuse. Généralement associé à la grande famille du post-rock, Tomàn n'adhère pourtant à aucun cadre réel. Sa musique s'égare dans des strates atmosphériques allant de la musique contemporaine à l'avant-garde. Un morceau de Tomàn ressemble à une commode. Chaque tiroir recèle son lot d'ingénieuses mélodies. A l'arrivée en gare, tous les tiroirs sont ouverts. Inutile de ranger.
Du côté francophone de la frontière linguistique, le public ne connaît pas encore Tomàn. Pouvez-vous retracer l'histoire du groupe, ses premiers pas dans la musique ?
Deux d'entre nous (Bram et Wouter) se sont rencontrés à l'Université de Gand. Lode est le frère de Wouter. Pour compléter le quatuor, il ne manque que Jens. Nous l'avons rencontré dans le train. Nous parlions de musique. Jens est arrivé et a rejoint notre discussion. Il nous parlait de Joy Division, de la musique alternative. Cette rencontre nous a permis de parfaire notre éducation musicale. Jens nous a vraiment ouvert les yeux... Grâce à lui, Tomàn a évolué.
Votre musique est souvent comparée aux groupes de post-rock 'intelligents'. Nous pensons notamment aux Ecossais de Mogwai, aux Américains d'Explosions In The Sky ou encore, aux Canadiens de Godspeed You! Black Emperor. Qu'en pensez-vous ?
Ces groupes sont certainement des influences. Cependant, nous essayons d'échapper à ces comparaisons. A nos yeux, le post-rock est aujourd'hui coincé dans une impasse. Le genre n'évolue plus. Et, dans quelques années, il sera peut-être amené à disparaître. Tomàn souhaite découvrir de nouveaux horizons, esquisser des perspectives d'évolution. D'ailleurs, notre dernier album (« Perhaps We Should Have Smoked The Salmon First ») est moins rentre-dedans que le précédent (« Catching A Grizzly Bear, Lesson One »). Désormais, nos compositions sont plus fouillées, gagnant ainsi en profondeur et en mélancolie. Notre objectif, c'est de grandir.
Quel est le mode de fonctionnement privilégié par Tomàn ?
Le 'Do It Yourself'! Nous concevons notre musique de façon très artisanale. Nous sommes des perfectionnistes, nous cherchons à tout réaliser de nos propres mains. Cela ne présente que des avantages. Aussi, c'est Wouter qui a produit notre dernier album. La mise en place du site Internet est une conception maison. Nous concevons également nos affiches, nos t-shirts et trouvons des dates de concert.
Vos albums sont signés chez Zeal Records. Concrètement, que vous apporte cette structure ?
Une liberté totale ! Cette structure nous apporte aussi énormément de visibilité, grâce à un super travail de promotion. En fait, nous ne pouvions pas rêver mieux. Le label rencontre parfaitement notre mode de fonctionnement. Dans la mesure où notre travail est très artisanal, Zeal Records nous apporte l'encadrement dont nous avons besoin.
Votre premier album s'intitulait « Catching A Grizzly Bear, Lesson One ». Dans les notes du livret qui accompagnent votre nouveau disque, on trouve encore des anecdotes sur les grizzlys. D'où vous vient cette passion pour les ours ?
Le grizzly est gros et fort. En même temps, il s'agit d'un animal tellement vulnérable... Notre deuxième album fait référence au saumon, la nourriture favorite du grizzly. On retrouve donc un lien entre nos deux albums. En fait, nous n'étions pas enchantés par la qualité sonore de « Catching A Grizzly Bear, Lesson One », notre premier. C'est pour cette raison qu'on retrouve « Perhaps » dans l'intitulé de notre nouveau disque. Il s'agit d'un clin d'œil, d'une référence au précédent. En filigrane, on retrouve une interrogation : 'peut-être' aurions-nous dû le concevoir autrement ? Le saumon aurait dû venir avant son prédateur ! Le son de notre premier opus n'était pas satisfaisant... A nos yeux, ce deuxième essai est le premier véritablement abouti. En ce sens, les titres des deux s'inscrivent dans une certaine logique. Les nouvelles chansons ont été enregistrées dans un studio et Wouter s'est occupé du mixage. Cette fois, nous sommes vraiment satisfaits ! On ne rejette pas du tout notre premier, très bon d'ailleurs.
Du coup, dans le livret du nouvel album, vous étalez quelques amusantes anecdotes sur les différentes sortes de saumon. Doit-on y chercher une signification ?
Ces petites présentations animalières ont une signification pour nous. Mais nous préférons que le public se forge sa propre conception des choses. Chacun est libre d'interpréter nos petits saumons ! Pour la prochaine fois, on pense déjà aux albatros... (Rires)
Autre curiosité du livret : vos noms apparaissent par ordre de taille. Les musiciens de Tomàn apparaissent ainsi du plus grand au plus petit. Pourquoi ?
C'était une blague du moment... Nous sommes incapables de dire qui, de nous tous, est le plus important dans le groupe. Tomàn est un quatuor où chacun participe pleinement à l'aventure !
Le nouvel album vient juste de sortir. Comment le public réagit-il à l'écoute des nouvelles chansons ?
L'accueil du public est formidable ! Dans un premier temps, nous avons décidé de presser mille exemplaires de « Perhaps We Should Have Smoked The Salmon First ». Mais après trois semaines, il ne restait plus un seul disque de ce premier pressage... En moins d'un mois, c'est assez incroyable... Bientôt l'Ultratop ? (Rires)
Sur « Perhaps We Should Have Smoked The Salmon First », Tomàn ne change pas ses bonnes habitudes. Chaque morceau recèle d'une multitude d'astuces mélodiques. ? Quel est l'apport de chacun dans ce processus créatif ?
En réalité, nous sommes incapables de composer une chanson au sens restrictif du terme. Chez Tomàn, chacun pose sa pierre à l'édifice. L'un vient avec une mélodie, l'autre impose un rythme et, petit à petit, le morceau se construit. Nous enregistrons nos prises, les écoutons attentivement. Ensuite, nous conservons uniquement le meilleur, l'essentiel.
Vos nouvelles compositions sont plus posées. Cette fois, votre univers gagne en profondeur et en mélancolie. Sur le disque, la batterie se veut plus discrète que par le passé. Est-ce une démarche volontaire de votre part ?
Nous éprouvons énormément de plaisir à jouer une musique mélancolique. Encore une fois, nous voulions évoluer, grandir. Mais tous les ajustements que l'on peut entendre sur le nouvel album sont opérés de manière inconsciente. Tomàn doit encore mûrir. Et cela passe par une évolution de notre univers musical.
Le nom de Minerale flotte dans l'air depuis quelques années. Dès lors, les rumeurs s'épanchaient comme l'eau coule sous les ponts. D'ici ou d'ailleurs, tout a été entendu. Certains évoquaient de lointains échos empruntés au Pink Floyd, d'autres parlaient davantage de Pavement. Aujourd'hui, les choses se précisent. « Shrines », le premier album de la formation bruxelloise, laisse entrevoir ses harmonies étincelantes. D'emblée, les chansons s'imposent, l'évidence mélodique s'applique. Aucun doute : Minerale, ça coule de source...
Flash-back. Pouvez-vous revenir sur votre rencontre, vos premiers concerts et sur tous ces moments qui ont jalonné votre carrière ?
Notre premier concert officiel s'est déroulé à la Rotonde du Botanique. C'était en 2004. Avant cette première date, nous avions passé de longues et palpitantes années à jouer entre nous. On s'appelait tous les dimanches, on répétait. Comme ça, juste pour nous amuser. Un jour, on s'est rendu compte qu'on tenait de très bonnes choses. Nous avons donc décidé de souder les électrons fédérateurs de bonnes idées et de lancer Minerale. Après avoir enregistré deux démos, nous avons été sollicités pour jouer de nombreux concerts. Après une participation au Concours Circuit (lauréat du prix du public), le public a eu l'occasion de nous applaudir au Verdur Rock, en première partie d'Archive, au festival de Dour ou, encore, au Canada, où nous avons déjà eu la chance de jouer.
Pourquoi l'album sort-il seulement aujourd'hui ? Vu le nombre d'années d'expérience et le curriculum vitae, certaines formations se seraient empressées d'enregistrer un album. Mais pas vous...
Nous bossons sur notre album depuis moins d'un an. Nous sommes entrés en studio en janvier 2006. Depuis, nous n'étions pas apparus sur scène. C'était un choix délibéré. Nous voulions vraiment mettre toute notre énergie dans la réalisation de cet album. Nous y avons travaillé sept jours sur sept. Nous ne voulions en aucun cas nous griller en sortant un album de piètre facture. Le but était de produire un album à écouter de A à Z, un disque à écouter comme on parcourt un roman. Toutes les chansons de notre album se tiennent grâce à la mise en place d'un univers cohérent, puissant.
Aujourd'hui, « Shrines », votre premier album, est dans les bacs. Pourquoi avoir choisi le nom d'une de vos chansons comme intitulé du disque ?
A l'origine, on ne voulait pas de titre pour notre album. Finalement, notre choix s'est porté sur « Shrines ». Il s'explique surtout par le sens de ce mot. « Shrines » signifie mausolées, voire recueils de choses anciennes. Et puis, au lieu d'inventer un titre sortant de nulle part, nous avons opté pour le titre d'une de nos chansons. On se retrouvait bien à travers la signification de ce mot. En effet, nous jouons ensemble depuis plus de quatre ans. Et ce titre prend tout son sens quand on sait que nos chansons ont été rassemblées au fil des années. De ce point de vue, notre disque est donc bien une sorte de mausolée.
Avant la sortie officielle de l'album, le single « Eyes Eyes » tournait déjà en radio. Quelle était votre réaction en attendant votre morceau pour la première fois sur les ondes ?
Parfois, c'est encore un sentiment absurde. Le plus fou, c'était d'entendre ce morceau à des moments inattendus. On se disait : 'C'est nous qui passons à la radio là ?' C'est un peu absurde. D'un autre côté, grâce à ces passages en radio, quand nous jouons « Eyes Eyes » en concert, les gens chantent le refrain. Nous ne connaissions pas cet engouement avant de passer sur les ondes. On adore ça : c'est une sensation super jouissive !
Vos chansons franchissent sans mal la frontière linguistique de notre pays. Aussi, le titre « Millionaire » est-il diffusé sur les radios néerlandophones. Considérez-vous cette popularité comme un accomplissement ?
Un accomplissement, en quelque sorte... En fait, nous avons la chance de disposer d'un management néerlandophone. Nous cherchons vraiment à gommer les barrières linguistiques. Elles n'ont pas de sens ! Nous sommes Bruxellois et Belges avant tout. Nous allons tout faire pour jouer des dates en Flandre. Nos chansons passent en radio côté néerlandophone. Tant mieux ! Cette situation va permettre à certaines personnes de comprendre que les limitations territoriales n'ont pas de raison d'être. Notre album ne sonne pas bruxellois ou francophone. Notre musique se veut internationale. En résonnant de la sorte, il n'y a aucune raison pour que notre disque ne marche pas en Flandre.
Votre album s'ouvre au son d'un coup de tonnerre et d'une averse fracassante. Doit-on y trouver un message, une métaphore ?
On est Belge ou on ne l'est pas ! (Rires) Nous vivons en Belgique : il y pleut nonante pourcent du temps. Quand on joue de la musique, neuf fois sur dix, c'est sous la pluie. La première chanson s'intitule « In The Water ». La pluie et l'orage illustrent très bien ses paroles. La fin du morceau rappelle d'ailleurs le « Riders On The Storm » des Doors. Mais ce n'est en aucun cas un clin d'œil au groupe de Jim Morrison...
Vous êtes signés sur le label 62 TV. Sur votre album, la chanson « Razor Blade » lorgne même du côté de Girls In Hawaïï. S'agit-il d'un label de rêve pour Minerale ?
Nous adorons Girls In Hawaïï. Et il est certain que la ligne du refrain de « Razor Blade » évoque quelque peu l'univers des Girls In Hawaïï. Nous voulions vraiment rejoindre l'écurie 62 TV. Inconsciemment, cette envie s'explique très certainement par la présence des Girls In Hawaïï sur le label.
Formé en 2004, Fastonic est un groupe originaire de la région de Liège. Un quintet responsable d’un pop/rock aux guitares cinglantes, inspiré, entre autres, par Placebo, The Cure, The Pixies et Grandaddy. A l´écoute de leur deuxième démo, ces influences sont indéniables. « Senseless things » et « Too far from stars », les deux premiers titres de ce cd, pourraient même faire partie du répertoire du groupe de Brian Molko, bien que le timbre du chanteur de Fastonic (Jeff) soit moins distinct. Quant au dernier morceau, intitulé « Floods of wine », il est le moins réussi. Sa mélodie n´est pas d´une grande originalité et la voix revêt un aspect criard qui n´est pas des plus agréables. Néanmoins, dans l´ensemble, la musique proposée sur cette démo est d´assez bonne facture. Attendons de les voir sur scène et d´entendre davantage de titres pour pouvoir se faire une idée un peu plus précise de leur potentiel…
Nederlands 
Français 
