Avant sa mort, Muddy Waters avait déclaré que John Long était le meilleur jeune artiste de country blues encore en vie. Considéré par les spécialistes comme un véritable trésor national, John est né à St Louis, dans le Missouri. En 1950. Très jeune, il écoutait déjà les 78 tours de jazz et R&B de sa mère ou se postait devant sa radio pour écouter les programmes consacrés à la musique noire. Au début des années 60, il milite au sein d’un groupe de rock’n’roll et de R&B, en compagnie de son frère : les Mystics. Mais il séjourne régulièrement à St Louis où il côtoie de vieux bluesmen comme Big Joe Williams et Doc Terry. A l’aube des seventies, il atterrit à Chicago où il fréquente assidûment Homesick James Williamson. Ce dernier lui enseigne pas mal de ficelles. Il existe très peu de témoignages enregistrés de John Long. Ce qui explique pourquoi il est demeuré si longtemps méconnu. Il aura fallu qu'une de ses démos tombe dans les mains d'Al Blake, le chanteur/harmoniciste du Hollywood Fats Band et des Hollywood Blue Flames, pour le sortir de l’anonymat. Mis au parfum, Randy Chortkoff, boss de Delta Groove (NDR : dynamique label blues de Los Angeles), lui offre enfin l’opportunité de graver un album éponyme. Sous le charme, Chortkoff a le sentiment que cette découverte est semblable à celle d'Alan Lomax, lorsqu'il a invité Muddy Waters à entrer en studio, pour la toute première fois. John Long semble sorti tout droit des années glorieuses d'avant-guerre. Un bluesman pur et dur qui évolue sur le même terrain que Tampa Red, Scrapper Blackwell ou Peetie Wheatstraw. L'elpee a été concocté en une journée. A Burbank, en Californie. Long a composé la plupart des compos du disque. Il a cependant reçu le concours de son frère Claude pour quatre plages. A l’écriture. John chante, joue de la guitare et de l'harmonica. Fred Kaplan (NDR : un acolyte de longue date d'Al Blake) le soutient au piano pour trois morceaux.
Entièrement respectueux du blues ancestral, John chante "Hokum town" d’une voix vivace. Il la met cependant au service de la composition. Expert dans le traitement des cordes, ses attaques sont sans fioritures. Il les place pourtant au coeur de la tradition musicale. Et on ne peut alors s’empêcher de penser aux créateurs depuis longtemps disparus tels que Charlie Patton, Son House ou Willie Brown. "Pressure cooker ('bout to blow)" est imprimé sur un tempo bien marqué. John y ajoute l'harmonica ; mais il évolue ici dans un registre rythmique bien plus proche d’un Jimmy Reed. Fred Kaplan le rejoint au piano pour "Hell cat". Long manifeste une authenticité stupéfiante lors de léger blues alliant guitare et piano. Imaginez-vous soixante ans plus tôt à l’écoute de Leroy Carr et Scrapper Blackwell, Big Bill Broonzy ou encore de Big Maceo Merryweather, un peu plus tard. Authentique, il l’est tout autant sur "Blues and boogie woogie". Ce chanteur/guitariste se met dans la peau des artistes delta blues les plus significatifs. Et je pense tout particulièrement à Robert Johnson. Voire à Tommy Johnson. D’ailleurs cette compo aurait fait un malheur si elle avait été interprétée par le Canned Heat de Bob Hite et Alan Wilson! "Foot stompin' daddy" est de la même trempe. Et signé par son frangin, "Greyhound diver" joue les prolongations. Nuance : la présence d’un bottleneck ; et puis la voix est bien plus mâle que celle du légendaire Johnson! "Stranglevine" constitue un des meilleurs moments de l’elpee. Kaplan s’y réserve le piano. Long gratte en soufflant dans son harmo posé sur le rack. Nous ne sommes alors plus très loin d’un classique du blues comme "It hurts me too". A moins que ce ne soit de Big Bill Broonzy. A cause de la sobriété et de la facilité manifestées dans l’interprétation. Déconcertant ! Il remet le couvert lors du séduisant "Mean ole rootin' ground sloth". Un fragment bouleversant d'authenticité et de sincérité! John cumule guitare, harmonica et percussions sur le boogie instrumental "Johnnie's jump". Secondé par une guitare aux accords jazzyfiants, Long chante d’un timbre intimiste et chaleureux "Healin' touch". On ressent très fort sa présence. A un tel point que parfois, on a l’impression qu’il est assis près de vous. Impressionnant! Lost & found" s’achève par deux versions différentes de "Leavin' St Louis". Tout d’abord en solo : John, son chant volontaire, ses cordes, l'harmonica fragile et acéré comme un Jimmy Reed au sommet de son art. Assurément, Jon vit son blues. A un tel point que son inspiration, sa créativité, se fondent dans son art. Trop peu d’artistes contemporains manifestent une telle passion. Ce n’est donc pas une surprise lorsqu’il adapte ce thème, flanqué de Fred Kaplan aux ivoires. Difficile alors de ne pas penser au grand Otis Spann et aux belles années qu’il nous a gratifiées. On comprend mieux pourquoi, Jon impressionna en son temps une légende comme Muddy Waters! Cet homme attachant vient de commettre un album tout bonnement remarquable.
Fans de Hip-Hop, accrocs de la platine, disciples du gros son, préparez-vous à frémir, car l’armada Jurassic 5 envahit à nouveau vos soundsystems et semble des plus revancharde ! Après quatre longues années d’absence, véritable traversée du désert pour les inconditionnels du combo californien, c’est un « Feedback » très inspiré qui succède à « Power in Numbers », en balayant d’un revers de la main les ultimes doutes des mélomanes cartésiens… La bande à Chali 2na demeure bel et bien dans les hautes sphères du "Panthéon du Rap". Les armes ont été affûtées : mélodies précises, samples efficaces, rythmes entraînants, flots irréprochables, scratches endiablés. Le tout, saupoudré d’élans funky (par exemple, sur le savoureux « Gotta Understand » et son sample de Curtis Mayfield) ou soul (avec « Brown girl » sur lequel posent les deux sœurs Brick & Lace) auxquels nous ont habitués les J5. A la mesure de l’attente légitime, ce quatrième opus atteint une nouvelle fois sa cible. Pourtant l’équipe, orpheline de l’un de ses deux fameux Dj - en l’occurrence Cut Chemist - était attendue au tournant. Profitant de l’élan de son « Litmus Test » - sorti en 2004- ce dernier a définitivement décidé de voler de ses propres ailes. Intitulé « The Audience's Listening » son premier véritable album solo a d’ailleurs envahi les bacs depuis juillet et vaut à plus d’un titre le coup d’oreille. Néanmoins Nu-Mark, ex-côté pile du duo, négocie parfaitement le virage et signe même sur la dernière plage de « Feedback » une instru réjouissante, « Canto De Ossanha », qui ravira tous les apprentis Dj’s. Côté collaboration, signalons la présence de quelques guests-stars, un featuring de Mos Def sur « Where We At » et la participation, un peu plus surprenante, de Dave Matthews Band pour « Work It Out ». Enfin, « Get it Together » adresse un petit clin d’œil au « Come Together » des Beatles. Car, à l’instar des quatre de Liverpool, les 5 de Los Angeles sont eux aussi des ‘garçons dans le vent’. Ce dernier soufflait déjà en 1993 depuis la côte Ouest, et ne semble pas encore prêt de cesser.
Evoquer Charlotte sans effleurer la mémoire de Serge n’est pas chose évidente. Charlotte Gainsbourg est donc bien la fille de son père. Mais certainement pas une fille à papa. Capable de se débrouiller seule, Charlotte sait s’entourer. Pour son retour à la musique, elle a donc choisi de s’oublier dans les mélodies de Nicolas Godin et Benoît Dunckel (les artisans de Air), de chanter les textes de Jarvis Cocker (Pulp) ou de Neil Hannon (The Divine Comedy). Aux manettes, l’incontournable Nigel Godrich fait des merveilles. Epaulée par de telles pointures, Charlotte ne pouvait manquer son rendez-vous, l’heure fatidique : « 5:55 ».
Près de vingt ans après « Charlotte Forever », les premiers mots de la chanteuse sont fredonnés en français (« 5:55 »). Une exception pour confirmer la règle : « Tel que tu es » mis à part, le reste du disque s’égraine dans la langue de Shakespeare. La deuxième chanson, intitulée « AF 607105 », évoque les aléas d’un voyage en avion. L’album peut enfin décoller. Lentement, d’un ton mélancolique, Charlotte pose son timbre sur une couette sonore aérienne, atmosphérique. Nonchalante, elle abandonne ce filet de voix aux étoiles, à la nuit. « The songs that we sing », premier single de ce recueil nocturne, relance le rythme de l’album. En fin de parcours, Charlotte se laisse aller au gré de « Morning song », hymne oedipien, seul titre du disque écrit de ses mains. « 5:55 ». Il se fait tard. Demain est un autre soir. Ne l’oublions jamais. Et Charlotte chantera... Forever.
Composé de musiciens recrutés dans des bands comme Soul Asylum (Daniel Murphy), The Jayhawks (Marc Perlman et Gary Louris) ou encore l’excellent Wilco (Jeff Tweedy), ce combo hybride apparaît comme une savante réunion de prestataires qui n’ont aucune envie d’élire une tête pensante. Se répartissant les tâches avec anarchie, ils se retrouvent huit années après un album intitulé Weird Tales qui - soyons honnêtes - n’avait pas marqué les mémoires. Quand l’un chante, l’autre joue de la guitare, et quand l’autre se met aux ‘drums’, l’un s’adonne aux ‘vocals’. Le résultat est forcément déstabilisant, puisqu’on perd chaque fois nos repères au fur et à mesure du défilement des chansons. D’un pop-rock banal en ouverture, on passe directement à un rock’n roll plus enjoué, avant de poursuivre dans la légèreté et de s’abandonner, ici et là, à des plages plus délicates d'où s'extirpe une voix féminine. Le fil conducteur ? Il se décèle après plusieurs écoutes, lorsque nos oreilles comprennent qu’il n’y a rien à comprendre. Il suffit d’accepter le fait que le conventionnel peut côtoyer le plaisant.
Le nom de l'artiste renvoie évidemment à celui de son frère Brian, claviériste originel chez Roxy Music et magicien des sons. Roger collabore fréquemment avec ce dernier, ainsi que d'autres personnages illustres du vaste monde rock, parmi lesquels Daniel Lanois. Roger est aussi le compositeur de nombreux soundtracks, dont ceux des films 'Dune' et 'Neuf semaines et demie'. La présente réédition nous révèle encore une autre facette de ce multi-instrumentiste. Réalisé en 94, « The Flatlands » propose 18 courtes compositions pour piano et cordes. Soit une musique de chambre contemporaine aux réminiscences du septième art. Subtiles et délicates, légères sans jamais être mièvres, les plages se succèdent dans une délicieuse ambiance feutrée. Cette œuvre entièrement instrumentale ne livrera toutefois sa beauté fragile qu'aux amateurs du genre.
En 2002, après seulement quatre concerts, la jeune formation de Devastations est invitée à assurer la première partie des Tindersticks lors de leur tournée australienne. Une marque de reconnaissance qui n’a rien d’étonnant, tant la qualité des compositions a largement de quoi séduire les amateurs de sons doux, mélancoliques, sombres mais bienfaisants. Lors de la sortie du premier album éponyme (en 2003), Karen O des Yeah Yeah Yeahs clamait que c’était ‘ la plus belle chose qu’elle ait entendue cette année-là’. Bizarrement, derrière un nom de baptême que n’aurait pas renié un groupe de metal slave, se cache une apaisante cascade de chansons dont la voix dicte le rythme. Une voix suave, non forcée, dont le timbre rappelle parfois celui de Leonard Cohen dans sa façon de s’étirer sans jamais oser s’envoler. Le piano, présent sur chaque titre de ce deuxième album, apparaît comme le second élément essentiel de la barque et ne lâche jamais prise jusqu’au dernier (et magnifique) morceau de clôture où il est rejoint par un… violon. Tout au long de la promenade, le trio australien (désormais établi à Berlin pour les raisons qu’on imagine) déborde d’arguments et manifeste une cohérence mélodique exemplaire. Un disque à placer entre le salon et la chambre, voire dans une salle à manger où dansent quelques chandelles sur fond de tête-à-tête.
« Ca balance [pas mal] à Liège » est une initiative comme on voudrait en voir plus souvent. Né en 2002, ce projet, soutenu par Liège Province Culture et l’ALPEM, est destiné à aider les artistes débutants tant au niveau de la création, qu´au niveau de la diffusion, de la production et de l’édition discographique. Cette troisième compilation de « Ca balance [pas mal] à Liège » nous présente douze artistes issus d’univers musicaux très divers. Se côtoient donc sur ce cd pop, rock, folk, électro, variété française et musique arabo-andalouse. Rien à jeter sur cette compilation, les différents artistes nous proposant, chacun dans leur style, des morceaux de qualité et de charme. Mentions spéciales à Lydie Claire qui nous enchante par son « N´importe quoi » et à Blue Velvet et son excellent « Are you ready ? ». Espérons donc un avenir qui balance pour ces douze talents en devenir !
Au menu : Alcatraz (pop rock), Ananke (jazz), Blue Velvet (pop rock), Charlotte Renoy (chanson française), Crowded (pop rock), Dubicki-Tripodi Quintet (jazz), Gabrielle Ghray, Géraldine Cozier & the Swallows (jazz), Indoo (pop rock), Lydie Claire (chanson française), Moon Fish (électro pop) et Ourouk (world music).
Une Barbara méditerranéenne ? Une Nico hexagonale ? En écoutant Barbara Carlotti chanter, on songe à ces deux icônes de la chanson. Ces références mortelles entendues, on ne peut s’empêcher d’évoquer Françoise Hardy. L’ombre de l’égérie pop des sixties plane indiscutablement sur « Les Lys Brisés ». Ce premier album dévoile une artiste élégante. Entre pop romantique et chansons littéraires, la chanteuse pose sa voix. Ouvertement, sans ambages. Sensuels, les mots évoquent des histoires d’amours insensées, des rêves retardés. Les chansons de Barbara Carlotti sont intemporelles, soigneusement conservées dans un écrin de douceur. Plus personne ne chante de cette façon. Voilà la clef du chant de Barbara Carlotti. Ce côté suranné, un peu désuet, résonne sur notre platine comme le plus bel écho d’un passé fantasmé. Tellement vraies, ses paroles nous font rêver : ‘le malheur sur la Côte d’Azur. C’est que jamais rien ne dure’ (« Cannes »). Dandys décadents, démesures et autres curiosités participent aux bris de ces Lys. Et c’est un délice.
Quelques semaines plus tôt, les Black Keys rendaient hommage à Junior Kimbrough par le prisme d’un mini-album intitulé « Chulahoma ». Le flingue bariolé illustrant la pochette laissait entrevoir une œuvre sans concession. Le blues – base de production du duo d’Akron – du maître s’électrocutait alors aux riffs poisseux de ses élèves : Dan Auerbach (chant, guitare) et Patrick Carney (batterie). Après cette dédicace distordue, les Black Keys goûtent aux effets de « Magic Potion ». Sur ce nouvel album, le rock tente de subordonner le blues. Mais ce dernier riposte. Il sursaute, vibre. Et jamais ne se laisse dompter. L’antidote concocté par Carney et Auerbach constitue un nouveau tour de force : confrontation instable campée entre rock’n’roll et blues, douleur et sueur. La guitare et la batterie célèbrent ici une symbiose de tous les instants. Le timbre de Dan Auerbach évoque celui d’un vieux bluesman, éreinté par la vie, accablé par les brûlures du soleil mais fier de son pacte conclu avec le diable. A l’heure du quatrième album, les Black Keys affichent leur personnalité. Entière, vouée aux souvenirs de l’esclavagisme noir américain et aux riffs burnés d’une meute de teenagers restés trop longtemps cloîtrés dans leur garage. Remède moderne aux divers égarements sonores, « Magic Potion » est une fiole de jouvence essentielle pour ce bon vieux rock’n’roll. Sans crainte, les novices peuvent absorber « Just A Little Heat » et « Goodbye Babylon ». Métamorphosés, ils marcheront dans le droit chemin. L’effet est immédiat, garanti. Pas rétrogrades, mais fidèles aux principes fondateurs du mode binaire, les Black Keys demeurent nos druides favoris. Buvons à cette « Magic Potion ». Buvons !
Non ce n’est pas du Jamiroquai, mais Skeil, un quintet qui pratique un funk/electro/acid/jazz d’excellente facture et bien rythmé. La formation reconnaît, bien évidemment, Jason Kayn comme influence majeure, mais aussi Stevie Wonder, Weather Report, Jaco Pastorius et même Eric Truffaz. Skeil, c’est également le claviériste et surtout le vocaliste du combo. Et le leader, par déduction. Il possède une très bonne voix, particulièrement adaptée au style. Faudrait maintenant voir le résultat sur les planches. Mais vu la pêche des compos, les musiciens doivent certainement mettre de l’ambiance…
‘A creuser’, c´est la conclusion qui s’impose après avoir écouté les deux morceaux ("Jay" et "I am nothing") figurant sur le single de ce groupe montois invité à monter sur les planches, lors du festival de Dour, en juillet dernier. Relativement paisible, leur pop-rock bénéficie de la présence d’un chanteur (Sébastien Boutry) dont le timbre rappelle celui de Morrissey... Rien de bien révolutionnaire, mais pas mal du tout pour un début.
Freaks est surtout connu pour son excellent titre électro « My bloody animal ». Son nouveau single, « Don´t smile », agrège pour la circonstance électro, rock et rap (ce qui rend inévitable la comparaison avec Linkin Park). Le résultat de ce cocktail (d)étonnant est très prometteur. L´album devrait suivre prochainement…
Galia Durant et Carim Classmann ne font pas de la musique. Ils s'amusent. Les deux garnements viennent d'offrir au monde le jouet le plus innovateur de la décennie. « The Only Thing I Ever wanted » s'adresse à tous les enfants, de 3 à 83 ans. Les risques de surconsommation sont néanmoins très élevés. Histoire d'en savoir plus sur leur formule magique, Musiczine a rencontré les têtes pensantes de Psapp lors de cette exceptionnelle édition du Pukkelpop. Si l'on s'imaginait qu'interviewer le duo serait, naturellement, un jeu d'enfant, c'était sans compter sur les interruptions impromptues provoquées par la diabolique Sock Pupett.
A quoi ressemblait la vie avant Psapp pour vous ?
Galia Durrant : La rencontre s'est effectuée par l'intermédiaire d'un ami commun, Tim. A l'époque, je jouais au sein d'un groupe et Carim participait à plusieurs projets. Aucun d'entre nous n'était satisfait de sa situation (NDR : Première interruption de la Sock Pupett que Galia menace de démembrer)… Nous avons ensuite collaboré avec toute une série de personnes avant de travailler en duo. C'est à partir de ce moment que avons vraiment été enthousiasmés par notre travail…
Psapp, c'était le nom de l'un de vos chats ?
Carim Classmann : (Rires) Oui, effectivement. Un chat que nous n'avons jamais rencontré. En fait c'était un chat-fantôme.
G.D. : Elle (NDR : apparemment une femelle) nous a envoyé un mail en nous ordonnant d'appeler le groupe 'Psapp'. C'était une chatte très puissante qui nous a menacé de…
C.C. : … de faire sonner notre musique comme du George Michael. Elle nous a menacé d'autre chose, non ?
G.D. : Oui. De nous transformer en Phil Collins.
L'horrible cauchemar !
C.C. : Je n'avais pas envie de perdre tous mes cheveux alors j'ai cédé.
G.D. : Ouais. Elle faisait vraiment peur. C'est la raison pour laquelle le groupe s'appelle 'Psapp'. Tu veux entendre mon imitation de Phil Collins ?
Non merci ! Comment vous est venue l'idée d'utiliser des objets insolites tels que des jouets dans vos compositions ?
G.D. : C'était un processus naturel. On ne s'est jamais dit 'Tiens, on utiliserait bien tel jouet'»…
C.C. : Ces objets ont toujours été notre propriété.
G.D. : On disposait tous les deux d'un stock de jouets que…
(NDR : Seconde interruption de la Sock Puppet) C'est décidé, je la kidnappe quand je m'en vais…
C.C. : Mais enfin… Ca met du piment !
G.D. : Elle est pas mal, hein ? On en a fabriqué plusieurs sur la route, à l'aide de chaussettes et de coussins. Tout le monde dormait dans le bus alors on s'est amusé à en confectionner quelques unes (NDR : ils se mettent à jouer avec deux sock pupetts).
CC. : Pour en revenir à la question, lorsque nous nous sommes rencontrés, nous disposions tous les deux une large collection d'objets bizarres et Galia possédait un énorme assortiment de vieux synthés Casio pour gosses…
G.D. : Oui, j'en avais bien une dizaine ou une quinzaine.
C.C. : A vrai dire, les jouets n'ont en fait pas tellement d'importance. C'est le son qui doit être intéressant. On collectionne tout objet susceptible de produire des sons étranges. Evidemment, si ces objets ont une apparence amusante, c'est encore mieux.
G.D. : On n'utilise cependant pas une aussi grande quantité de jouets qu'il n'y paraît. Mais surtout des objets insolites tels que des tables, des instruments de cuisine, du bois, des verres, des meubles ou encore des cailloux. A cause du bruit lorsqu'on marche dessus.
C.C. : Plutôt varié donc. On teste beaucoup d'objets afin d'en mesurer la musicalité. Certains fonctionnent bien, d'autres moins. J'ai offert, par exemple, un poulet en plastique à ma sœur pour la Noël. Il a fini sur deux morceaux !
G.D. : Nous sommes en général toujours emballés par les sons que nous n'avons pas encore eu l'occasion d'expérimenter dans les albums. Utiliser les mêmes instruments plusieurs fois de suite m'ennuie rapidement. Et comme nous ne sommes pas millionnaires, on ne peut pas se permettre d'acheter des tonnes d'instruments. Du coup, on les fabrique nous-même.
D'où votre son si particulier. Quel est votre processus d'écriture ?
C.C. : On écrit ensemble en studio. Le point de départ, ce sont des bribes d'idées qui prennent forme tout au long de la journée.
G.D. : Il est également très important pour nous de travailler ensemble. Je n'écris pas les paroles dans mon coin. On a des idées plutôt similaires. C'est un peu comme si nous communiquions par télépathie ! Cette méthode nous permet d'avancer assez rapidement.
C.C. : Il nous est logiquement plus facile de comprendre l'autre quand on est dans la même pièce. Ensuite, le processus se déroule naturellement. On ne réfléchit pas trop à ce que l'on fait. Le soir, on décide des idées à exploiter ou à jeter.
Votre musique est impossible à comparer avec quoi que ce soit de connu. Quelles sont vos influences ?
G.D. : Il est assez difficile de répondre à cette question parce qu'elle signifie que nous avons écouté l'un ou l'autre disque avant de se dire 'tiens, j'aimerais bien que ma musique soit similaire'. Ce n'est pas trop dans notre manière de travailler. Du moins, pas consciemment. On n'a pas envie de reproduire le même genre de musique que d'autres.
C.C. : Si, pendant le processus d'écriture, je devais me rendre compte que l'une des chansons résonnait comme quelque chose de connu, je l'abandonnerais pour passer à autre chose.
G.D. : Il y a néanmoins beaucoup d'artistes que l'on adore vraiment tous les deux. Nos goûts varient d'Erik Satie à Fela Kuti en passant par The Cure…
C.C. : Oui, on ratisse large, des années 20 aux années 80… Les Sex Pistols sont des idoles pour nous mais je ne pense pas que notre musique soit vraiment similaire !
G.D. : Moi, si !
C.C. : Tu veux parler de notre nouvelle chanson, « Anarchy Of The Sock Puppet » ? (Rires)
Comment décririez-vous « The Only Thing I Ever Wanted » par rapport à « Tiger, My Friend » ?
C.C. : (NDR : après une troisième interruption de sa Sock Puppet). On n'a pas vraiment pensé à créer quelque chose de différent, c'est venu naturellement. Le nouvel album est toutefois beaucoup moins électronique et plus acoustique mais il retentit un peu comme 400 chats dans un parc à ordures. Il existe une autre atmosphère sur « Tiger, My Friend ».
G.D. : Les deux albums traduisent notre amour des sons étranges et des harmonies vocales.
C.C. : Les sons dépendent aussi énormément des instruments dénichés pendant les enregistrements.
Vous avez été révélés par le titre « Cosy In A Rocket ». C'est aussi le générique de la série « Grey's Anatomy ». Ces événements ont-ils changé la vie de Psapp depuis que la série et la chanson sont devenues des gros hits ?
C.C. : En fait, il n'a pas récolté de gros succès en Grande-Bretagne. Le phénomène est plutôt américain. Il n'y a donc aucune conséquence sur notre manière d'écrire ou sur nos vies en général. De plus, la télé n'est pas vraiment notre tasse de thé…
Et si vous étiez approchés par des créateurs de séries ou des cinéastes afin d'écrire une bande son pour leur œuvre, accepteriez-vous de le faire ?
C.C. : On ne se sentirait pas à l'aise dans l'exercice. Certes, le groupe pourrait créer l'un ou l'autre titre pour un projet qui lui semble intéressant. Si c'est une commande pour un programme comme « Friends » ou un truc du genre, ça ne risque pas d'arriver.
Et s'il s'agissait d'un album de reprises pour la comédie musicale « Cats » ?
C.C. : (Rires) Je ne suis pas un grand fan des reprises mais nous en avons déjà fait deux pour l'instant. Les deux titres contiennent le mot « Cats » ! Il s'agit de « Everybody Wants To Be A Cat » (NDR : tiré du film de Dinsey 'Les Aristochats') ainsi que « In The Year Of The Cat » d'Al Stewart.
D'où vient cette obsession pour les chats ?
C.C. : Depuis hier, c'est fini. Maintenant, ce sont les Sock Pupetts (NDR : suivi naturellement par la quatrième interruption de ces derniers).
G.D. : On l'a toujours été, en fait. C'est un animal amusant. A vrai dire, les chats sont en quelque sorte assez humains. Ils sont à la fois fiers et stupides…
Vos vidéo-clips se marient à merveille avec vos compositions. Etes-vous en charge de la direction artistique ou est-ce le régisseur ?
G.D. : On se charge de toute la partie artistique. Pour le clip de « Hi », par exemple, il s'agit d'une idée apparue il y a très longtemps mais elle n'avait jamais abouti car, avant de signer chez Domino, nous n'avions pas le budget.
C.C. : De plus, ce clip ne ressemble à aucun autre que je n'ai pu voir. Certaines personnes apprécient, d'autres se demandent 'qu'est ce que c'est que ce truc ?'… La part de rejet et d'admiration est équivalente.
Quels sont vos projets à court terme ?
C.C. : Enregistrer un troisième album. On emménage dans un nouveau studio le mois prochain.
G.D. : Oui, on se concentre surtout sur cet objectif pour l'instant. C.C. : Fabriquer plus de Sock Puppets…
G.D. : Nous sommes occupés de préparer un expo. Elle se déroulera fin septembre, à Paris. On aimerait aussi s'impliquer dans l'animation et les comic books. Bref, des activités très variées !
C.C. : On a beaucoup d'idées mais peu aboutissent !
G.D. : Effectivement, lorsqu'on se lance dans un projet, il arrive fréquemment qu'il bifurque et prend une direction totalement différente ! Dis, tu vas quand même pas nous kidnapper notre Sock Pupett pour de vrai ?
Si, si !
Ce groupe belge cumule les distinctions. Parmi les plus prestigieuses, il a décroché un premier lauréat et le prix du public, lors de l’édition 2005 du concours « Belle à chanter » organisé à Mons, et le deuxième lauréat des Francofolies de Spa en 2004. Il a, en outre, assuré les premières parties des Ogres de Barback et de Vincent Venet. Pourtant, à l’origine, Rom n’était qu’un projet solo imaginé par Rom Renard. Objectif : créer une bande-son visionnaire destinée à illustrer un voyage entre Bruxelles et le Maroc. Et ce qui n’était au départ qu’un dessein personnel, s’est transformé en concept collectif, puisque le line up implique aujourd’hui 6 musiciens.
Mais quel beau périple nous propose Rom tout au long de son « Carnet de route » ! Il nous entraîne en Europe Centrale, en Afrique et même au bout du monde, sur une musique folk aux accents jazzy et orientaux. Riche en instruments divers (guitare, contrebasse, cornet, violon, clavier, etc.) cette solution sonore est épicée par la voix du chanteur, dont le timbre mais aussi les inflexions sont assez proches de ceux de Bertrand Cantat, leader charismatique de Noir Désir. Au fil du disque (NDR cinq fragments dont deux immortalisés en live), on découvre leurs récits, leurs histoires vécues ou fictives…
Déjà très intéressante sur Cd, on imagine l’envoûtement que leur musique doit exercer sur scène… A voir donc. Et en attendant, à écouter !
Ce jeune chanteur français nous propose un album métissé. Métissage musical tout d’abord, parce qu’il s’inspire de la world, du R’n´b et du reggae. Métissage de la langue également, car il interprète ses chansons tantôt en français ou en anglais. Malheureusement, ce métissage n’a pas atteint le résultat escompté. Un peu trop brouillon à mon goût, l’opus manque de cohérence et aligne des morceaux tirés en longueur. Il y a bien un superbe solo de piano ; et puis le chanteur marque les compos de son empreinte vocale. Il le sait. Ce n’est pas pour rien qu’il a rejoint une chorale dès l’âge de 10 ans. Une expérience qui lui a permis d’effectuer des tournées à travers toute l’Europe, mais aussi en Thaïlande. Cependant, il use et abuse parfois trop de son organe. Les incursions répétées dans les aigus finissent même rapidement par devenir lassantes, voire irritantes. Certains titres en souffrent, manifestement. Paradoxalement, son timbre passe mieux la rampe lorsqu’il s’exprime dans la langue de Shakespeare, évoquant même parfois celui du Lionel Richie de « All night long ».
Félicitons quand même cet artiste pour ce mélange de couleurs et laissons-lui encore un peu de temps pour se perfectionner.
Lauréat ‘Paris Jeunes Talents 2003’, Vendredi Simple pratique une musique puissante, romantique et espiègle (NDR : c’est la bio qui le dit !) à la croisée des chemins du rock, de la chanson française, de la dance et du punk. Des influences ? Pixies, Renaud, Clash, Lio, Happy Mondays, The Beatles, Arno, Blur, Pavement, Depeche Mode et surtout Noir Désir. La voix éraillée du chanteur accentuant cette impression tout au long des sept morceaux remuants de « Cahokia », leur premier opus autoproduit. Pas mal…
En matière de métal l’Allemagne est une grande productrice de combos inspirés par Iron Maiden, Scorpions et Judas Priest. Souvent lourdingues et dénués d’originalité - à de rares exceptions près - ces formations se contentent de piller l’œuvre des trois références métalliques précitées. Ce n’est pas le cas de Te Deum, nouvelle sensation teutonique qui réunit six ‘charismatic boys’, comme le précise la bio, et se proclame groupe de ‘Nu Melodic Rock’. Loin d’Helloween, d’Axel Rudy Pell ou de Grave Digger, Te Deum se contente de singer Linkin Park, Blink 182 ou Deftones. Là où le bât blesse, c’est au niveau des compositions : elles sont stupéfiantes de banalité. Quant à la production, elle est incapable de rivaliser avec celle des monstres de la grosse industrie ricaine. Sans aucun intérêt !
L’année dernière, Supersystem publiait son premier album : « Always Never Again ». La démarche consistait à croiser beats et hymnes punk, rock et dance. Programme pour le moins putassier. Et, de fait, cette vulgarité affirmée engendra un oubli spontané de cet essai loupé. Allez hop, deuxième tentative : « A Million Microphones ». Placée en ouverture du disque, « Not The Concept » ne change pas forcément la donne. Prenez la choucroute d’hier, tapez-là au micro-onde, appréciez : c’est réchauffé...
Mais ne jetons pas trop vite la pierre au cul de Supersystem. Leur tambouille semble en effet se diversifier. Parti d’un bordel sonore uniforme et inconsistant, le groupe met les gaz, passe la quatrième et accélère dans les montées. Du coup, on se surprend à remuer du popotin (« prophets »), secouer le bas des reins (« Revolution Summer ») et faire coin coin. Super chouette mais pas extra fou, ce nouvel album replace Supersystem sur la carte bâtarde de l’electro-clash. Quelques morceaux laissent encore à désirer. « The Only Way It Ever Been Done » et son beat boosté aux pouets pouets d’un klaxon digne du plus fidèle supporter de Manchester United ou le triste « Joy ». Inodore, indolore.
Pour le reste, c’est plaisant : cycliques, les lignes de basse subissent les attaques répétées de riffs nerveux. Ces vrais instruments enfantent ainsi une musique festive, proche des déflagrations produites du côté de chez DFA. On pense évidemment à LCD Soundsystem mais aussi à The Rapture. Par modestie, on rapprochera davantage le concept de Hot Chip ou d’Out Hud. Bref, le system n’est pas encore super. Mais le processeur semble avoir trouvé sa vitesse de croisière...
Exit Jim O’Rourke, le line up de Sonic Youth en est donc revenu au quatuor de base. Et curieusement, leur musique épouse une forme plus pop, plus mélodique, comme au début des années 90, période marquée par la sortie des albums « Goo » et « Dirt ». Ce qui n’empêche pas la formation new-yorkaise de continuer à jouer sur les dissonances. De mouler les compos dans leur noisy, parfois même à la limite du psychédélisme. Plus étonnant, alors que le groupe constitue une référence de choix pour de nombreux artistes contemporains, cet elpee laisse transparaître ses propres influences de manière bien plus évidente. Qui manifestement oscillent ici du Velvet Underground à Can en passant par Television. Pour enregistrer cet elpee, S.Y. a reçu le concours de John Agnello (NDR : dont la carte de visite impressionnante – pour plus d’infos http://www.johnagnello.com/index.php?sitesection=discography - mentionne notamment Cell, Dinosaur Jr, Dylan, Graham Parker, Breeders, Lemonheads, Madrugada, Mark Lanegan, Patti Smith, Roger Waters, Screaming Trees, Steve Wynn et The Kills) à la co-production. Et il faut reconnaître que la mise en forme des treize titres de cette plaque est parfaite. Ce que les aficionados d’expérimentation pure leur reprocheront sans doute. N’empêche, cet opus s’avère de bonne facture et recèle même de petites perles. Et je pense tout particulièrement au visionnaire « Reena », à l’incandescent (NDR : oui je sais, le jeu de mot est facile) « Incinerate », au brumeux « Do you believe in rapture ? », à l’atmosphérique « Pink steam » ou encore à la rencontre entre post folk et néo krautrock opérée sur « Or ». Titres plus aventureux, « Sleepin around » (Grateful Dead ?), l’hypnotique « What a waste », « Rats », un fragment intimiste parcouru par la basse no wave de Kim Gordon ainsi que « Helen Lundeberg », bonus track torturé, tourmenté, presque martial, démontrent que le combo n’est pas en panne d’imagination. Un disque pour faire le point, tout simplement.
Pour ceux qui ne connaissent pas encore Scala, le concept de base est simple : une chorale reprend des morceaux pop-rock à succès. Composée uniquement de jeunes filles, elle est soutenue par un piano. Cet album réunit notamment des titres de U2, Radiohead, Coldplay, Kaiser Chiefs, Depeche Mode et Alanis Morissette. Deux frères ont initié ce projet : Steven et Stijn Kolacny. Un projet qui n'est d'ailleurs pas passée inaperçu. En effet, la chorale d´Aarschot a remporté le titre de ‘Chœur de l´année 1999-2000’, collaboré plusieurs fois avec Indochine (lors de leur précédente tournée et sur l´album « Alice and June »), ouvert le dernier concert d´Alanis Morissette à Bruxelles et pourrait rejoindre Muse en studio.
Cependant, même si l´ambiance dégagée par les voix de ces jeunes filles est séduisante, dès que l´effet de surprise est passé, les exercices opérés par Scala s´essoufflent et survivent surtout grâce au choix judicieux des reprises. C´est exactement l´impression laissée par « It all leads to this » qui constitue ‘déjà’ le cinquième album de la chorale. ‘Déjà’, car Scala n´est, au bout du compte… qu´une chorale ! Et quoi de plus difficile pour des chœurs de se renouveler. Ce disque n´est donc que la suite des précédents : « Scala on the rocks », sorti en 2002, « Dream on », en 2004, « Respire », recelant essentiellement des titres chantés dans la langue de Molière, paru la même année et « Grenzenlos », celui-ci dans la langue de Goethe, en 2005. Une œuvre sans grande originalité, même si certains titres préparés à la sauce Scala valent le détour. « Yellow » de Coldplay et « Enjoy the silence » de Depeche Mode, tout particulièrement.
The Red Krayola (NDR : ou Red Crayola, l’orthographe changeant d’un disque à l’autre) est une formation américaine né en 1966. Evoluant à l’origine sous la forme d’un trio, elle deviendra, à partir de la fin des seventies, le projet d’un expérimentateur à la fois génial et farfelu : Mayo Thompson. Si à la fin des sixties et au cours de seventies, le groupe texan (NDR : de Houston, très exactement) va surtout explorer l’univers psychédélique, proche d’un Syd Barrett ou contemporain, réminiscent des Mothers of Invention de Frank Zappa, c’est le mouvement punk le plus alternatif qui va lui donner une nouvelle impulsion. Il s’installe alors en Grande Bretagne, puis en Allemagne, et relance l’aventure d’un Red Krayola à géométrie variable qui impliquera, suivant les époques, Lora Logic (X Ray Spex, Gina Birch (Raincoats), Epic Soundtracks (Swell Maps) et surtout David Thomas (Pere Ubu). Ce qui vous donne une petite idée de la forme très alternative de ses desseins sonores. Mayo continue d’ailleurs de militer au sein de l’underground le plus pointu, puisque récemment il a collaboré aux travaux de Jim O’Rourke, Gastr Del sol et Tortoise. Intitulée « Singles » cette compile réunit des morceaux commis entre 1969 et 2004. Des singles ? Qui sont alors tous passés inaperçus. Aucun titre majeur d’ailleurs. Pas davantage de trace du classique « Hurricane fighter plane », immortalisé en son temps par les Cramps ou de titres concoctés au cours de sa période la moins marginale, c'est-à-dire parus chez International Artists. On y recèle cependant trois fragments commis au cours de la carrière solo de Mayo. Bref, s’il n’est manifestement pas le génie qu’on voudrait bien nous faire croire, il faut reconnaître que le parcours de ce visionnaire mérite une attention toute particulière. A cause de l’évolution de sa muse qui a toujours été constante et même avant-gardiste. Thompson souhaite même encore développer de nouveaux projets. A moins d’être à la pointe de l’actualité, vous n’en entendrez probablement jamais parler. Mais sachez que c’est ce genre d’artistes qui permettent encore aujourd’hui à la scène pop/rock d’évoluer…
Pour tous ceux qui auraient loupé un ou plusieurs épisodes de ces folles aventures, reprenons les choses au commencement. David Pajo demeure une des figures emblématiques du rock alternatif. Ce garçon a creusé de nombreux fossés, perçant de nouvelles galeries, ouvrant des perspectives aux jeunes générations.
Fin des années 80, on retrouve David Pajo à bord de Slint, groupe impétueux, posté à l’avant-garde du math-rock. Dans les nineties, le musicien portera les couleurs de The For Carnation et, surtout, des incontournables Tortoise. Fort de ces différentes expériences, David Pajo est régulièrement sollicité. Ainsi, en 2003, Billy Corgan, alors en dépression post-Pumpkins, lui propose une virée du côté de chez Zwan, supergroupe à la mégalomanie assumée.
En solo, David reste discret. Caché sous les patronymes d’Aerial M ou de Papa M, il livre régulièrement des disques de bonne facture. L’année 2005 marque néanmoins un tournant dans la vie de cet expérimentateur de l’ombre. David Pajo décide, en effet, de chanter sous son propre nom. Révélation. Plus fort encore, son premier album porte son nom : écouter l’éponyme « Pajo » et pleurer la dépouille d’Elliot Smith...
Elliot Smith. On y revient toujours. Le nouvel album de David Pajo s’intitule « 1968 ». Très bien. En 1968, Elliot Smith n’était pas encore né. Même pas mort. De toutes façons, les pop-songs de David Pajo s’inscrivent au calendrier de ses loisirs. Il ne cherche pas à reproduire les délices sonores du pauvre Elliot. Pourtant, il s’en approche, insouciant de son époustouflant talent. Peu médiatisé, David Pajo constitue une alternative de choix aux œuvres des Beatles et de Nick Drake. Pajo ou la plus belle découverte pour tous les lèche-bottes de Sufjan Stevens. Les chansons gravées sur « 1968 » forgent davantage encore ce constat. Les mélodies s’enchaînent, laissant derrière elles des effluves sixties revigorantes. On s’incline devant la classe de certaines compositions : « Who’s That Knocking », « Insomnia Song ». On sourit en percevant un clin d’œil mélancolique : « Let It Be Me ». On se délecte de cet album en forme de livre de chevet. A écouter le soir, au coin du lit, un peu d’herbe à la main. Sans crainte du lendemain.
‘Faites l’amour, bordel !’, tel devait être l’adage de Nerina Pallot (prononcez ‘pallow’) durant l’écriture de son second essai. Susurré de la sorte, cette maxime n’a plus rien d’un ordre. On l’applique sans se priver. Ode à la chaleur des corps, « Fires » s’érige également en pamphlet dénonçant les feux de la discorde. Non pas ceux de la guerre mais ceux de l’amour (« Heart Attack », « Sophia »). Le single « Everybody’s Gone To War » et ses préoccupations politiques, était donc une fausse piste. Dommage. D’aucuns auraient pensé que la jeune femme avait beaucoup plus de choses à dire que ce dont elle fait étalage sur les dix autres titres. Néanmoins, sa voix envoûtante provoque un effet magnétique. L’oreille collée aux baffles, le son du gracieux « Nickindia » envahissant l’atmosphère, on se laisse aller à fantasmer sur le parfait amour et ses avantages collatéraux. Vocalement proche de Missy Higgins et lyriquement de Natalie Imbruglia voire, pour ceux qui s’en souviennent, de Tanita Tikaram, Nerina Pallot s’offre malheureusement une œuvre éphémère se consumant trop vite. L’éclat de sa plume ne causera dès lors et certainement que peu d’étincelles… sauf dans la chambre à coucher.
Jeune auteur-compositeur-interprète français, Romain Lateltin, nous propose "Elle veut de l´homme", son second album qui, tout comme le premier ("A l´intérieur de soi-même", sorti en 2003), est un album concept. Pour la circonstance, l´artiste se penche sur la vie d´une trentenaire vierge et nymphomane! Vu le sujet, on aurait pu s´attendre à un album graveleux. Au contraire! Soutenue par des mélodies très séduisantes, principalement pop, ponctuées de notes électro ou world, la finesse de la plume du jeune artiste conduit à une œuvre décalée, parfaitement réussie. En effet, dès le premier morceau ("Femme anodine"), on entre dans l´univers de l'artiste et de son héroïne, et on souhaite ne plus en sortir! Le chanteur parvient à nous tenir en haleine et nous impatiente de connaître le sort de cette pauvre fille.
Romain Lateltin (dont les influences oscillent de Gainsbourg à Jean-Louis Aubert, en passant par Zazie, Depeche Mode et les Doors) ne manque ni de créativité ni de talent. Talent qui n´a d´ailleurs pas échappé à Raphaël, dont il a assuré certaines premières parties. On espère donc que le public adoptera son conte musical et surtout Romain Lateltin, même si certains (et surtout certaines), peu réceptifs (ou réceptives) au second degré risquent fort de ne pas apprécier l´ironie du jeune homme et de ne voir en lui qu´un misogyne!
Le petit Ed Williams est né dans le Chicago Westside. En 1955. Instruit par son célèbre oncle, JB Hutto, il joue de la guitare depuis l’âge de douze ans. Il fonde en compagnie de son frère Pookie, la première incarnation des Blues Imperials. En 1975. Le combo se met alors à fréquenter tous les clubs du Westside. Sauvage, leur musique parvient aux oreilles de Bruce Iglauer, le boss d'Alligator. Il leur offre une session de studio. En trois heures, ils mettent en boîte trente chansons. Et concrétisent cet effort sur l'elpee "Rough housin", qui sort en 1986. Le petit homme est alors occupé de ressusciter le fantôme de Hound Dog Taylor et de ses Houserockers. Sa notoriété commence à croître. Il se produit désormais dans les salles de concert aux USA et à l'étranger. Les deux albums suivants sont très bien accueillis par la critique : "Chicken, gravy & biscuits" en 1989 et "What you see is what you get" en 1992. Mais Lil' Ed décide alors, d’une manière surprenante, d’arrêter son aventure musicale pour se consacrer à sa famille. Il faudra donc attendre 1998, pour qu’il opère son retour. Et commet déjà un nouvel opus l’année suivante : "Get wild", une œuvre suivie par "Heads up!", en 2002.
Pénétrer dans le monde de "Rattleshake" est un acte redoutable et dangereux. Pas question de compromission ! Puissante, débridée, la slide rugit instantanément, tel un animal blessé. Mais son maître, Lil' Ed, parvient à la dompter, même si ce numéro est parfois périlleux. Signée Holland-Dozier-Holland, trio qui a fait les beaux jours de la Tamla Motown, "Leaving here" met déjà nos enceintes à feu et à sang ! Juste avant d’entrer dans le blues de "Tired of crying". En toile de fond, le piano est bien distinct. Ed chante, shoute. Il ne fait qu'un avec son instrument qui crache constamment des flammes. Le même topo est reproduit tout au long de "Golden rule", une invitation à se secouer devant la scène. Ed y libère ses notes par courtes phrases nerveuses et saccadées. Le tempo ralentit pour "You weren't just there" ; mais l’exécution demeure toujours aussi primaire, directe, âpre. Il chante et joue face à un orgue Hammond. Ses cordes son largement amplifiées. Elles hurlent dans le décor sonore. Nous ne sommes d’ailleurs pas tellement loin de ce que pouvait accomplir, dans les mêmes studios, le regretté Son Seals. Et notre Ed de rock'n'roller de la plus belle des manières en attaquant le galopant "Icicles in my meatloaf". Soutenu par la trame rythmique infernale des Blues Imperials, il se déchaîne sur la slide. Un véritable rouleau compresseur écrase tout sur son passage. Des cris déchirants et inhumains nous retournent les tripes! "Broken promises" est un bon Chicago shuffle. Le jeu d’Ed est à haut niveau. La compo débute sur un mode mineur avant de monter progressivement en puissance jusqu'à l'explosion finale. Son second guitariste James Young a composé deux plages : "Maybe another time" et "Spend some time with me", deux fragments qui font bien ressortir la richesse du timbre d'Ed. Ed dialogue avec la slide tout au long de "Nobody's fault but mine", un merveilleux slow blues brûlant. Elle ronronne devant la rythmique de Young qui marque au fer blanc l'appellation Chicago contrôlée. L’opus recèle deux reprises de choix. Tout d’abord le "You know you're wrong" d'Elmore James. Les accents métalliques de la slide se dressent face au barrelhouse piano de Johnny Iguana. Et puis "That's the truth". Imprimée sur un tempo vivace, cette plage a été composée par son oncle JB Hutto. En finale, "It's a beautiful world" entretient jusqu'à son terme, la folie de Lil' Ed et de ses Blues Imperials!
Pour ce groupe de néo-métal gallois, formé en 1997, tout s’est accéléré en 2000 lors de l’engouement suscité par l’album « The Fake Sound of Progress » et une série de prestations remarquées, notamment aux côtés de Linkin Park et des Deftones. Cartonnant en 2004, le single « Last Train Home » a confirmé la capacité des Lost Prophets à faire bouger les foules. Cataloguée ‘émo’, la musique du combo a depuis beaucoup changé. Son néo métal énervé a laissé place à un rock davantage hybride qui ravira autant les adeptes de Sum 41 que les premiers fans de Korn (NDR : ce sont souvent les mêmes !). Le groupe évolue, mais n’en reste pas moins fidèle à ce que les amateurs du genre pouvaient attendre de lui.
Ouvrant les hostilités, « Every Day Combat » démontre à lui seul que le son ne s’est pas radicalement métamorphosé. C’est pourtant Bob Rock qui assure la production ! Bob Rock, l’homme qui a tué Metallica pour les puristes. Une pièce telle « A Town Called Hypocrisy », chanson surprenante au refrain accrocheur et énergique, a toutes les qualités pour tourner en heavy rotation sur Pure FM ou Studio Brussel. De belles lignes de basse et un chant propre, mais pas trop, sont aussi des caractéristiques de cette nouvelle livraison d’un Lost Prophets de toute évidence au sommet de sa forme. Nous ne sommes pas spécialement des inconditionnels de ‘néo’, mais il faut reconnaître que cette plaque est fort agréable à écouter, même si elle n’apporte pas de nouvelles théories révolutionnaires en matière de métal pour ados.
Le très décevant “Dance of Death”, livré par la Vierge de Fer en l’an 2003, a refroidi plus d’un fan, pourtant à nouveau confiant depuis le retour du sieur Bruce Dickinson derrière le micro. En excellent gestionnaire, Steve Harris, leader incontestable du combo issu de la N.W.O.B.H.M. (New Wave Of British Heavy Metal), a compris qu’il était impératif de redresser la barre et d’offrir aux nombreux aficionados un album digne de Maiden. Non seulement « A Matter of Life and Death » est largement supérieur à son prédécesseur, mais il manifeste davantage d’unité tout en parvenant à surprendre dans sa construction, entre tradition et modernité. Bien entendu, il n’est nullement question ici d’un nouveau « Piece of Mind », mais sans nul doute du meilleur Maiden depuis le come-back de Bruce. La thématique développée est l’absurdité de la guerre, et les amateurs de longues constructions à tiroirs seront enchantés.
« A Matter… » ne recèle que deux titres courts, dont « Different World ». Caractérisée par sa rythmique accrocheuse et son refrain sympa, sans pour autant s’avérer novatrice, cette plage ouvre l’album. Du pur Maiden. Les choses deviennent nettement plus sérieuses dès « These Colours don’t run ». Parcouru de solos, ce titre s’achève par un gros break jouissif ! « Brighter Than a Thousand Suns » est un des fragments à découvrir en priorité. Le faux rythme lancinant, l’alternance du chant clair et hurlé, le son de guitare à la Metallica (inhabituel chez Maiden) et la cavalcade effrénée entretiennent une atmosphère inspirée de « Powerslave ». Probablement un futur classique pour la scène. Autre titre court de l’album, « The Pilgrim » constitue aussi et certainement le plus accessible. Intro celtique talonnée par un tempo à la limite du trash, sonorités arabisantes, le morceau aurait pu se muer en single, si le refrain avait été un chouia plus accrocheur. Il reste néanmoins un excellent moment de l’album.
Tout comme « The longest Day », inspiré par le film « Le Jour le plus Long ». Sombre, grave et solennel à la fois, la musique monte progressivement en force tandis que Nicko Mc Brain frappe ses fûts pour donner l’illusion de rafales de canon. Une réussite incontestable ! Quiconque a flashé sur la semi-ballade « Children of the Damned » de l’incontournable « Number of the Beast » ressentira des frissons dès les premiers accords, exécutés à la guitare sèche, de l’émouvant “Out of the Shadows”, titre surprenant qui rappelle la ‘grande époque’. Lorsque Steve Harris et ses acolytes se mettent à composer des power ballads, l’effet est instantané. Souvenez-vous de « Remember Tommorow », « The Prodigal Son », et surtout de ce chef d’œuvre précité issu du « Numéro de la Bête ». « Out of the Shadows » s’inscrit tout à fait dans cette lignée. Un single potentiel ! C’est pourtant le solide « The reincarnation of Benjamin Breeg » qui a été choisi pour annoncer la venue du nouvel enfant de la Vierge de fer !! Le skeud débute par un long passage quasi narratif, avant de débouler sur une énorme rythmique heavy destinée à faire taper du pied les fans de la première heure. Sur chaque production maidenesque figure un long morceau épique, comme Harris en raffole. Dissertant des religions, le magnifique « For the Greater Good of God » donne forcément un petit air de ‘déjà entendu’, et nécessitera plusieurs écoutes avant d’être bien assimilé. Malgré sa référence à « Where Eagles Dare » (Piece of Mind), « Lord of Light » est la composition la plus faible de la plaque. Heureusement, « The Legacy » redresse la barre et boucle l’album de façon époustouflante ! La longue intro acoustique ne fait qu’accentuer le côté heavy, façon « Sacred Heart » ou « Holy Diver » de Dio.
Notons enfin que « A Matter… » est disponible dans une version CD limited édition avec slipcase et DVD bonus, mais aussi dans un autre format cher aux collectionneurs. Un splendide double vinyle picture-disc, sous un format encore plus limité, c’est de bonne guerre…Iron Maiden est de retour, et Eddie n’est pas spécialement de bonne humeur !
Londres, Angleterre. Quelques gouttes de pluie tombent sur Piccadilly. Inamovibles, les peintures de la National Gallery observent les regards ébahis de ces curieux touristes, toujours plus nombreux. Et, dans sa piaule, Matt Harding confectionne « Expectation », son troisième album. Elégant recueil de chansons acoustiques, lovées dans leurs draps électroniques, ce nouveau disque de Matt Harding transporte l’auditeur. Comme dans un rêve, il voyage sur des bulles de savons, explosant au moindre coup de vent. Quelques mètres plus bas, d’onctueux nuages de laine viennent amortir cette chute au pays des merveilles...
« Expectation » est un disque de folk. Secoué d’infimes pulsions électroniques, il fait la part belle aux plages instrumentales. Risquant des mélanges osés mais jamais imbuvables, Matt Harding organise le symposium de la confrontation des genres. Il convient alors d’écouter « Arc », composition hybride, entre electronica et stoner folk. En substance, elle ressemble à la bande son d’une quête initiatique. D’ailleurs, on ne peut s’empêcher de penser à la musique composée par Neil Young pour le « Dead Man » de Jim Jarmusch. Musique de films : la thématique préférée de l’artiste est dévoilée. L’univers de Matt Harding est hautement cinématographique. Ces jolis morceaux acoustiques, mâtinés d’électronique, accompagneraient volontiers les pellicules de Fellini et autres Nic Roeg. Entre fiction et réalité, Matt Harding se révèle aujourd’hui au monde entier. On n’a donc pas fini de rêver...
Face à un album de cette trempe, le rédacteur concerné se sent parfois bien circonspect. Alors oui, certains borborygmes ou onomatopées lui viennent bien à l’esprit mais rien de tout cela ne fait très sérieux. Bien sûr, il pourrait vous remémorer le premier album (« Horn Of Plenty »), petite merveille de lo-fi absolument renversante. Ou vous toucher un mot des orchestrations et arrangements plus luxuriants les uns que les autres. Souligner la sourde mélancolie de l’ensemble, à fendre les cœurs les plus endurcis. Poser le doigt sur les harmonies vocales, incitant au voyage comme tant de mantras chamaniques. Appuyer sur le délicat sens du détail qui orne chacune de ces irréprochables compositions. Vous enquérir de filer assister à leurs prestations scéniques étourdissantes au cours desquelles le cours des choses échappe à toute raison. Insister sur l’existence primordiale d’un tel ovni dans la masse informe de la musique scélérate. Enfin, multiplier les démarches afin de vous mettre définitivement sur la voie de cet objet céleste aussi scintillant qu’éternel. Mais voilà, le souffle court devant tant d’éclat, la pauvre créature ne trouve rien à exprimer. Quoique…
Aujourd’hui, il n’existe pas deux groupes comme Electrelane. Retournez l’information sous toutes ses coutures et méditez en paix. Tout commence en 1998, à Brighton, lorsque quatre filles au teint pâle se mettent en tête de jouer de la musique. Dans un premier temps, les mots manquent. Les premières compositions d’Electrelane sont essentiellement instrumentales, inspirées du kraut rock, du post-rock. Dans ce curieux décor, le synthé fait son apparition, recouvrant ces mélodies hypnotiques de nappes atmosphériques. Le groupe trouve alors un équilibre, un cheval de bataille. La discographie d’Electrelane devait ainsi éclore. Trois albums : « Rock It To The Moon » (2001), « The Power Out » (2004), « Axes » (2005).
Ces disques, toujours meilleurs, font le bonheur d’un cercle restreint d’amateurs en chaleur. Car, soyons honnête, Electrelane adopte une attitude sans compromis. Capables de rafraîchir le paysage musical en un tour de main (écouter attentivement « Power Out »), les filles n’hésiteront pas une seule seconde à s’oublier pour mieux se renouveler. Chaque disque du quatuor sonnant ainsi comme une véritable renaissance.
Echantillonnage pertinent de la carrière du groupe, ce « Singles, B-Sides & Live » offre un aperçu des innombrables talents d’Electrelane : quelques singles de derrière les fagots, des faces B à pleurer et des traces de concerts survoltés. Les cinq premiers titres du disque présentent des compositions restées dans les tiroirs de labels épars. Ces instrumentaux ont la rage au ventre (« U.O.R »), les sens en alerte (« Come On »). Aussi, les mots commencent-ils à se faire entendre dès les premiers accords de « I Want To Be The President » (originellement publié en 2002 sur un Ep éponyme). Ici, le synthé semble incontrôlable, comme fou. Il part dans tous les sens. Impossible de l’arrêter. Ruptures, coupures, loopings. On pique du nez, avant de redresser de justesse. Proche de la démence, on se ramasse « I Only Always Think », ballade kraut pop (si, c’est possible) à vous couper le souffle. Comme dans une chapelle, les chœurs féminins emplissent l’espace. Dans ce lieux de culte, on loue des saints aux noms étranges : Velvet Underground, Sonic Youth, Stereolab, Broadcast.
Par ailleurs, « Singles, B-Sides & Live » permet de faire connaissance avec les amis et adorateurs du quatuor féminin. Steve Albini (également à la production chez les Pixies, Nirvana ou Mclusky) propose sa nouvelle version de « Long Dark ». Entre no-wave, post-rock et rock’n’roll, son cœur balance. Celui de John Peel (ex animateur vedette de BBC Radio 1) a cessé de battre. N’empêche, on n’oubliera pas sa session (« Oh Sombra ! ») commise en compagnie d’Electrelane. Plusieurs moments captés sur scène viennent aussi renforcer le propos (l’infaillible « Birds »). En fin de parcours, l’apothéose assassinée de « Today » (ce larsen dantesque) laisse entrevoir un avenir exonéré de concessions. Au final, l’effet Electrelane (encore mieux que l’effet Kiss cool) est logique : une claque à portée de mains !
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