Après le succès phénoménal de « Caravane » (un million d´exemplaires vendus et trois victoires de la musique) suivi d’une tournée de plus de 115 dates, Raphaël nous propose son premier album live. Intitulé « Résistance à la nuit », il est paru en deux éditions : une standard et une autre limitée (NDR : cette dernière inclut cinq titres supplémentaires et un livret plus étoffé). Enregistré au Zénith de Paris en juin 2006, l’opus s´ouvre par « Funambule ». Ce morceau instrumental permet aux musiciens de l´artiste d´exposer toute la palette de leur talent. S´enchaînent ensuite des titres issus de « Caravane », de « La réalité » (deuxième elpee de Raphaël, commis en 2003) ainsi qu´un morceau inédit (« Ceci n´est pas un adieu »). L´album s’achève par un superbe « Et dans 150 ans » où la voix de l´auteur-compositeur-interprète se fond dans la foule. Le son est excellent et le timbre, dont le côté nasillard peut parfois énerver sur les disques studio, passe très bien, voire mieux en live. Sublimant certains morceaux (« La route de nuit », « Schengen »), l´orchestration proposée sur scène fait la part belle aux guitares, au piano et à l´accordéon.
Bref, Raphaël nous présente à nouveau un travail de qualité, dégageant énormément d´énergie et de charme. Notamment grâce au choix de musiciens déjà rôdés à la scène dont le claviériste Julien Schulteis et le batteur Matthieu Rabaté. Tous deux ont ainsi déjà joué aux côtés de Zazie. Sans oublier Olivier de la Celle, véritable virtuose de la guitare et collaborateur, entre autres, de Jean-Louis Aubert. Quelques bémols cependant : l´absence de commentaires entre les titres et surtout celle des excellentes versions de David Bowie et d´Arcade Fire, reprises qu´il avait interprétées lors de la tournée.
Rendons au Sergent ce qui lui appartient : il ne sait pas mentir. Et tant mieux. Quand on a fait ses classes (comme guitariste) chez Ludwig Von 88, on garde forcément en tête que la musique, c’est avant tout une affaire de fête, de rythme et de sincérité. Le cocktail enflammé de reggae, de salsa, de rock steady et de hip-hop d’‘el sargento’ n’est pas près de fatiguer nos humeurs et, sur ce cinquième album raffiné, rencontrera très peu de déçus. Car si la recette est toujours la même, avouons que ses multiples saveurs ne manquent d’aucun piment. Les chansons s’enchaînent dans une harmonie travaillée, ne dépassant jamais les 4 minutes 'et des poussières' qui s’étireront inévitablement sur scène à travers des envolées de masse. Enregistré en deux mois entre Valence et Paris, « Mascaras » ne révèle - au bout du compte - aucune surprise de taille, mais confirme tout le savoir-plaire d’un groupe lucide et définitivement libre.
Ils aiment tout le monde, tout le monde les aime. En deux ans, les paillettes sonores des Scissor Sisters ont fait mouiller les strings du monde entier. En salle ou en festival, l’énergie exubérante de ces uranistes convaincus allait frapper un grand coup. Mais après « Take Your Mama », « Tits On The Radio », « Laura » ou l’impayable reprise du « Confortably Numb » du Floyd que pouvait-on espérer des Scissor Sisters ? Une avalanche de tubes disco-rock, maniérés et foutrement percutants. Rien de plus. Et « Ta-Dah » ! Le nouveau bébé des Sœurs Ciseaux tient la cadence infernale rythmant son premier album. Jake Shears chante toujours comme un Bee Gees imberbe chopé à l’EPO. De sa voix de diva délurée, Ana Matronic se tient à ses côtés, prête à lui remettre la queue entre les jambes au moindre faux pas.
« Ta-Dah » s’ouvre par « I Don’t Feel Like Dancin’ », tube interplanétaire pour réconcilier martiens et humains le temps d’une fièvre du samedi soir bien arrosée. On sautille sur « She’s My Man », chanson influencée par l’ouragan Katrina et ses milliers de morts. Sous le strass, les Scissor Sisters chantent le stress d’une vie atrocement banale. Et sous ses grands airs, on découvre un groupe plutôt terre-à-terre. On danse. Encore et encore. « I Can’t Decide » nous met le feu au cul. Impossible de tenir en place. « Ta-Dah » ! Tels des toupies, nos corps virevoltent au rythme d’un hymne hallucinant à « Paul McCartney ». Quand on vous disait qu’ils aimaient tout le monde... Au fait, savez-vous que Jake Shears est un fan transi de Ministry ?
« Nue dans un lit propre » : rien qu’à lire ce titre sur la pochette de ce joli album, on en a les mains moites. Chantal Acda n’est pas une inconnue : singer-songwriter hollandaise émigrée à Bruxelles depuis quelques années, elle a déjà sorti deux disques en compagnie de son groupe Chacda, et participé au « Skyline Society » des sémillants Major Deluxe. « Naked in a Clean Bed » est son premier effort solo, et c’est une belle réussite : sa voix caressante ondule doucement sur un matelas d’harmonies acoustiques, et l’on se prend à rêver avec elle, sous les draps, en position fœtale. Mixé à la maison avec l’aide d’Adam Wiltzie (Stars of the Lid, The Dead Texan), « Naked in a Clean Bed » dévoile ses charmes sibyllins sur le mode du strip-tease langoureux. Au plus est lent le dévoilement, au mieux est palpable le plaisir des sens… Tout est question de suggestion ! D’où l’emploi minutieux de la guitare sèche, du piano et du mélodica, qui donnent à ces chansons l’attrait singulier d’un dépucelage fécond. A fleur de peau, sans cesse au bord de la rupture intime, les dix comptines de Sleepingdog réveillent notre libido de la plus pure des façons. A l’instar d’Annelies Monseré et de Valérie Leclercq (Half Asleep), Chantal Acda chante la mise à nu sans être dépressive ni vulgaire. Forcément très touchant, et c’est déjà beaucoup.
« Mother’s Daughter and Other Songs » rappelait l’année dernière que le folk, à l’ère du digital, n’a rien de l’exercice de style : mixer ainsi instruments acoustiques (guitares, banjo, violons, cloches,…) et bleeps électroniques peut s’avérer, si c’est fait avec cœur, une expérience revigorante et sincèrement charnelle. Pour ce deuxième album Mike Lindsay et Sam Genders ne bouleversent pas leurs méthodes d’écriture, à la lisière de l’électronica à la Four Tet et du songwriting fragile de The Books (les dialogues samplés) et des Magic Numbers (les harmonies vocales). ‘We all have a lovely time’, susurrent-ils en ayant l’air de rien (le single « Woodcast »), et c’est clair qu’il y a de la désinvolture dans ces 11 comptines aux airs de ‘murder ballads’… C’est bien là le problème : il manque à Tunng ce je-ne-sais-quoi d’aventureux qui retient l’attention. Et ce ne sont pas deux-trois beats accouplés à du folk rachitique qui donnent forcément envie de crier au génie. Hormis le joli « Engine Room » en clôture prophétique (on croirait presque entendre les hululements de Silver Mt. Zion), « Comments of the Inner Chorus » peine à retenir l’attention au-delà de la fusion des genres. D’un attrait limité, comme quoi l’ambition peut s’avérer aussi un handicap.
Shogu Tokumaru n’a que 26 ans, mais sa musique est d’une maturité tout bonnement incroyable. Originaire de Tokyo, ce Géo Trouvetout de la pop schizophrène manie les instruments comme autant de jouets délirants, et c’est peu dire qu’on adore son univers, entre Cornelius, Animal Collective, The Pascals, The Books et l’exégète Brian Wilson. « L.S.T. », son deuxième album sorti au Japon en 2005, nous arrive enfin grâce à l’entremise du label parisien Active Suspension (Davide Balula, Domotic,…), et là on se met à genoux, on embrasse ces types sur la bouche et on verse une larme, voire deux, parce que ce disque est une véritable merveille. Mélange ludique et addictif de pop ensoleillée, de boucles facétieuses et de ritournelles acides pleines de tiroirs magiques, l’univers musical de Shugo Tokumaru nous donne envie de croire qu’au Japon le soleil ne fait que se lever, tout le temps, tellement ce « L.S.T. » se révèle un bonheur d’une intelligence rare. Dix chansons pop (etc.) aux couleurs chatoyantes, dix raisons d’apprendre le nippon pour reprendre en chœur ces non-refrains à l’euphorie naïve. C’est simple : « L.S.T. » est un petit chef-d’œuvre d’une demi-heure qui ne lasse jamais, tant chacune de ses compositions en révèle dix autres. Et au final on se retrouve avec cent disques en un. Ce disque serait-il l’antidote miracle à la neurasthénie ? La réponse se trouve dans son titre, à une lettre près.
Petits protégés de Robin Propper-Sheppard, maître d’œuvre chez Sophia, les musiciens de Vito présentent « Make Good Areas Disturbed », première pierre d’une discographie en devenir. D’ailleurs, à l’heure où nous écrivons ces quelques lignes, ces esthètes s’attachent à déterminer la ligne de conduite d’un deuxième album. Mais revenons à ce disque. Produit par Charlie Francis, orfèvre aperçu aux côtés de REM ou Turin Brakes, « Make Good Areas Disturbed » séduit d’emblée l’auditeur. Entre rock ténébreux et post-rock classieux, le cœur de Vito balance. Le nôtre chavire. Les plages instrumentales, d’une beauté confondante, viennent échafauder une base solide, point d’ancrage nécessaire pour poser la voix. On songe alors aux échappées mélancoliques de Sigur Ros, aux montées en puissance d’Explosions In The Sky. Les déflagrations sonores de Mogwai ne sont pas loin non plus. Cachés derrière des numéros énigmatiques, les musiciens privilégient leur musique à la notoriété. L’intensité de ces neuf titres légitime amplement leur approche. L’écoute de ce disque s’impose.
Cette année, nous célébrerons le léopard. C’est écrit et chanté sur ce nouvel album de James Yorkston. Murmurés en douceur, les mots se déplacent en apesanteur. L’Ecossais nous invite à traverser ses verts paysages, ses pâturages décorés de laines blanches. C’est ici, le long des grands lacs et des fjords, que la musique de James Yorkston est née. Sensibilité épurée, chansons éplorées : son univers s’écoute avec sagesse. Fruit d’une béatitude consternée, sa musique s’écoule telles des larmes de bonheur. Ces dix chansons content des aventures imaginées au gré de ses voyages, de ses rencontres. « Us Late Travellers », « The Brussels Rambler » ou « Steady As She Goes » évoquent les périples rêvés par leur auteur. « The Year Of The Leopard » convie le fantôme de Nick Drake, les sombres mélodies de Scott Walker. James Yorkston demeure une des pointures du folk moderne. Et ce n’est pas le léopard qui changera la donne.
Suite des aventures de Jason Molina au pays des matins qui déchantent : après le gracieux mais souffreteux « What Comes After The Blues », il st de retour pour un Ep de neuf titres. En fait une compile de quatre sessions différentes, concoctées sous la houlette de James Lott, de David Lowery, de Steve Albini et de lui-même. Si les trois premiers titres (sessions « Nashville Moon », Albini) dévoilent leur spleen à la « Rust Never Sleeps » et donnent à voir un soleil noir quand on ouvre les yeux, ce n’est qu’un mirage de plus. Une vision de l’americana, renfrognée, atrabilaire, mystique, sauvée du marasme par un songwriting affûté. Après le temps se gâte encore (sessions « Black Ram », Lowery), et le riff bat en retraite (« A Little At A Time ») : ‘C’est comme une épée qui vous coupe la tête et qui pleure’, dirait sans doute Dylan, avant de pisser dans son froc en écoutant le reste (le piano hanté de « The Old Horizon »…) A la fin Molina est tout seul chez lui (« Spanish Moon Fall and Rise », « Steady Now »), et on dirait qu’il va se pendre dans sa cave. ‘The world does have to end pain’, gémit-il en grattant sa guitare… C’est un peu décadent ? Et ce n’est pas fini : après « Pyramid Electric Co. », Molina sort ces jours-ci son deuxième disque solo, « Let Me Go, Let Me Go, Let Me Go ». Espérons qu’il ne mette pas les voiles pour de bon, ce serait un beau gâchis.
Sue Foley n’a pas encore 40 balais et compte déjà vingt années d’expérience musicale à son actif. Cette chanteuse/guitariste/compositrice canadienne cumule les distinctions. Elle a remporté un ‘Juno award’ dans son pays en 2000 et de multiples ‘Maple Blues Awards’. Sue est également une femme d'affaires. Elle a acquis son indépendance artistique et financière en fondant sa compagnie : Guitar Woman Inc. Elle écrit pour l’instant un bouquin consacré aux guitaristes féminines ; un livre dont la sortie est prévue pour 2007. "New used car" constitue déjà son dixième elpee. Il fait suite à cinq elpees parus sur le label texan Antone's : "Young girl blues" en 91, "Without warning" en 93, "Big city blues" en 95, "Walk in the sun" en 96 et "Back to the blues" en 2000. Trois chez Shanachie : "Ten days in november" en 98, "Love comin' down" en 2000 et "Where the action is" en 2002. Elle avait enfin commis "Change" sur Ruf, en 2004 ; et, bien entendu, participé à la collection "Blues guitar women", en 2005.
Ce nouvel opus a été enregistré au Canada. En août 2005. Sue est soutenue par Graham Guest aux claviers, Mike Turenne à la basse, Tom Bona aux drums et Corey Macfadyen aux percussions. La plage éponyme ouvre le disque. Très rock et particulièrement électrique sa mise en forme est sophistiquée. La voix nasillarde de Sue peine à retenir ses cordes. Son jeu est ici assez complexe. Une plage chiadée parcourue de nombreux changements de rythme. "Make it real" débute sous la forme d’un blues rock éclos au cœur des bayous louisianais. Le timbre de Sue est naturellement sensuel. Tendre aussi. Mais il est susceptible d’exploser à tout instant. Un fragment également fort travaillé, alignant successivement des tableaux parfois très rock! Ballade très mélodique, le "When I come back to ya" de Terry Gillespie est hydratée par l’orgue Hammond. C’est aussi la seule reprise de l'album. Sue dispense un solo extrêmement raffiné et limpide sur les cordes de sa Télécaster. Long slow blues, "Absolution" est construit de manière classique. Graham double à l'orgue et au piano. Le chant puéril, divin, de Miss Foley fait face à la guitare qui ne cesse de tenter une sortie. Et lorsqu’elle y parvient c’est avec beaucoup de délicatesse et une sensibilité infinie. Un excellent Texas blues dont la démarche est tellement proche de Stevie Ray Vaughan ! Toute l’expérience acquise lors des années vécues à Austin transpire à travers ce merveilleux blues! Une atmosphère surannée envahit "Sugar", une ballade rock aux accents pop, sucrée à l’instar de son titre. Néanmoins, instrumentalement la compo tient solidement la route. Elle me fait d’ailleurs penser aux Faces de l’époque Rod Stewart. Ballade R&B très mélodique, "Do it again" est dominée par l'orgue Hammond. Elle macère dans une ambiance Memphis, mais sans les cuivres. "Little things" est issu du même moule. La guitare électrique épouse les sonorités réverbérées d’un Jorma Kaukonen, lorsque le Jefferson Airplane était au faîte de sa gloire. Autre morceau lent, "Mother" véhicule des accents dramatiques. La voix est suave. Les guitares se dédoublent. Sue injecte une fameuse dose d’intensité dans son jeu! Seule, elle s’accompagne à la guitare acoustique lors de la ballade "Long tomorrow". Rafraîchissant ! Le Bo Diddley beat balise le puissant et saignant "Found my love". La voix de fausset de Sue fait des ravages. Un Foley plus classique ! Imprégné de southern rock, "Deep freeze" ne manque ni de punch ni d'audace. Conjuguant cordes amplifiées et acoustiques, "Change your mind" achève l’opus sur un mode très blues parcouru de sonorités particulièrement bayou. Manifestement, le climat général de cet elpee est dominé par le rock ; mais il est constamment traversé par des accents bluesy. Certainement un des tous meilleurs albums de Miss Foley!
Originaire du New Jersey, Walter Trout est âgé de 55 ans. Au cours de sa jeunesse, il se consacre à la trompette. Ce n’est qu’après avoir écouté l'album "The Paul Butterfield Blues Band", au sein duquel milite un certain Mike Bloomfield à la guitare, qu’il décide de passer à la six cordes. En 1973, il s’établit en Californie. Il y joue en compagnie de Finis Tasby, Lowell Fulsom, Percy Mayfield ou encore de l'organiste Deacon Jones ; mais surtout au sein des orchestres de John Lee Hooker et de Joe Tex. En 81, il rejoint Canned Heat. Il y restera trois bonnes années. Il transite par les Bluesbreakers de John Mayall aux côtés de Coco Montoya. Une expérience couronnée de succès. Enfin, en 1989, il fonde son Walter Trout Band, patronyme qu’il change rapidement en Free Radicals. Une aventure qui va lui permettre de récolter une notoriété internationale. Depuis, il a commis une multitude d’albums dont la plupart se sont bien vendus. Faut dire que le hard rockin' blues de Trout réunit un nombre impressionnant de fidèles aficionados. Produit par Jim Gaines, "Go the distance", son dernier album studio, était paru voici déjà cinq ans. Bien que proposant de nouvelles chansons, le "Relentless" de 2003 était un ‘live’. Et le "Deep Trout" de 2005 une compilation.
Il aura donc fallu 5 longues années pour voir Walter enregistrer un nouvel opus studio. Un nouvel elpee très blues pour lequel il a reçu le concours de vingt-cinq amis dont quelques artistes prestigieux. Sans oublier ses Radicals : Rick Knapp à la basse, Joseph Pafumi aux drums et Sammy Avila à l’orgue Hammond. Son premier invité n’est autre que John Mayall. Son boss des années 80 est au piano et à l'harmonica. Il donne également la réplique vocale sur le très inspiré "She takes more than she gives", un merveilleux blues lent digne des meilleurs moments des Bluesbreakers. Walter concède son meilleur solo de blues depuis bien longtemps. Plus de 8 minutes de bonheur! "Workin' overtime" a été enregistré au Canada. Jeff Healey et ses musiciens collaborent à ce blues rock au tempo lent ; mais dont l’intensité rappelle la quintessence du Cream, lorsque Clapton et Bruce étaient au sommet de leur art. Walter et Jeff conjuguent leurs guitares au sein d’un bain de décibels. Country blues proche du Delta, "Firehouse blues" ramène la sérénité. Walter cumule la guitare acoustique et l’harmonica. Réplique de Johnny Winter, Eric Sardinas se réserve le bottleneck et le chant. Autre bonne surprise : Walter et Coco Montoya sont à nouveau réunis pour "Who's listenin' in". Les deux guitaristes du Bluesbreakers des 80’s s’abandonnent dans une véritable orgie de cordes. Très habile, Junior Watson participe à un heureux intermède instrumental. Trout a bien de la peine à soutenir la différence. Evidemment, la plage est sculptée dans le jump, dont le maître incontesté reste Watson! La section rythmique est impressionnante : Johnny Ray Bartel (des Red Devils) à la basse et Bill Bateman (des Blasters) à la batterie. La présence de Guitar Shorty est une autre bonne nouvelle. Ce vétéran issu du nord ouest américain se consacre à la guitare et au chant sur "Wrapped around your finger", un blues rocker bien carré. Deacon Jones s’applique à l’orgue. Shorty est aussi balaise que Trout pour extraire des notes désespérées de ses cordes. Blues très roots, "A busy man" puise ses sources dans le Chicago Southside. Une compo signée James Harman. Walter et James se partagent le chant face au piano alerte de Rob Rio. La guitare devient envahissante. Dommage que Harman ne souffle pas davantage dans son harmonica. Aux ivoires, le bon vieux John vient insuffler un petit élan de boogie, à "The highway song", une chanson coécrite par Trout et Mayall. Très Chicago Westside "When will it ever change" évolue dans un registre assez proche d’un Magic Sam. Faut dire que le duelliste n’est autre que Bernard Allison, le fils d'un des rois du Westside. Il n’est donc pas étonnant d’y entendre un impressionnant flux de notes. La fin de l'album est bien moins intéressante. Sauvé par la voix de Finis Tasby et l'orgue de Deacon Jones, "Can't help falling apart" campe un blues rock lourd. Deacon est toujours au poste pour "After hours", un late night blues instrumental très atmosphérique. Blues rock lent parsemé d’accents dramatiques, "Clouds on the horizon" est caractérisé par moult joutes orgiaques sur les cordes. Le jeune Joe Bonamassa y participe allègrement. Cet opus s’achève par un instrumental rehaussé par la présence de Larry Keene (NDR : il est marié à la belle-sœur de Walter !), un DJ rock'n'roll qui a sévi sur les ondes au cours des années 60.
Un best of d’Atari Teenage Riot ? Alec Empire et ses trois sbires (Hanin Elias, Nic Endo et (feu) Carl Crack, alias « The Black Sid Vicious ») ont toujours craché sur le capitalisme, et pourtant les voilà compilés comme de pauvres victimes de notre ère marketing. Elle est bien bonne ? A moitié, puisqu’une telle entreprise (ici un gros mot) semble en totale contradiction avec le message véhiculé par le groupe berlinois pendant ces huit années d’irascible existence. « Revolution Action » ? En mid-price au Media Markt, 18 titres, que de la balle. En à peine dix ans, ATR a quasiment inventé un style musical, entre breakcore et techno-trash, le ‘digital hardcore’. Un mix revêche de beats hardcore et de riffs diaboliques, sur lequel nos quatre amis teutons gueulent ‘Rage ! Fight ! Die ! Get Up ! Destroy !’, ce genre de slogans marteau-piqueur. Dommage que Carl Crack soit mort en 2001 de trop d’excès : on attendait l’album « nine eleven » d’ATR… Trois albums (« Delete Yourself », 1995, « The Future of War », 1997, « 60 Second Wipe Out », 1999), quelques Ep’s, assez de bruit pour inquiéter maman et vivre à fond toute crise de puberté. ‘Make some fucking noiiiise !!!’, dit le proverbe : sans Atari Teenage Riot, ça va sans doute être difficile. N’ayons pas de remords (« No Remorse », feat. Slayer, ici absent), la migraine va passer.
Trois albums (« The Noise Made By People », 2000, « Haha Sound », 2003, « Tender Buttons », 2005), une compile de leurs premiers morceaux (« Work and Non-Work », 1997), et voilà que Warp a la bonne idée de réunir sur un seul CD la plupart des autres titres que Broadcast a signés au fil de ces années. Qu’ils soient issus d’Ep’s (les fameux « Extended Play 1 & 2 », « Come On Let’s Go », « Pendulum » et « Echo’s Answer ») ou d’efforts collectifs (« We Are Reasonable People », la sortie n°100 de Warp, et « All Tomorrow’s Parties 01 », du nom du festival), ces 18 titres reflètent bien toute l’étendue sonique et mélodique du quintet de Birmingham, aujourd’hui un duo (le couple Trish Keenan-James Cargill). Du ‘space pop’ « Illumination » aux dilatations kraut de « Minus Two » et de « Violent Playground », cette compile retrace sans le vouloir la carrière d’un des groupes les plus attachants de ces dix dernières années. En convoquant les fantômes des United States of America, des frères Barron et de Hans-Joachim Roedelius, Broadcast imagine en musique nos rêves les plus surréalistes. On vient de découvrir que même dans le coma, l’homme pense et possède une conscience. Peut-être entend-t-il, comme B.O. de ses visions mentales, une musique proche de ce qui se trame ici… « Poem of Dead Song » ? C’est le titre d’un des plus beaux morceaux de cette compile. Même morte, elle résonne : ça doit être ça, l’état végétatif.
Formé à Toronto en 1984, Blue Rodeo bénéficie d’une énorme popularité au Canada, où tout amateur de musique connaît son nom. Le volume de leur discographie parle de lui-même : cet « Are you ready » constitue leur dixième rondelle, et les récompenses glanées ici et là (7 Juno Awards, les Music Awards canadiens) témoignent d’un engouement quasi unanime. Mais parlons musique. Et de cet album qui, sur sa couverture, montre un chemin gazonneux s’éloignant de la forêt pour rejoindre la montagne. Tout semble naturel, verdoyant, limpide et invite au voyage. Vers les sommets. Après une introduction anodine, le ton décolle grâce à quelques audaces soft-pop qui détendent doucement l’atmosphère, un peu comme le font très bien les Hollandais des Nits. Pourtant, Blue Rodeo n’assume ses origines que sur le quatrième morceau, lors d’une country sautillante qui déclenche (enfin) la mécanique de ce qui va, petit à petit, devenir un trip rafraîchissant au pays de la légèreté. Rien de transcendant, mais une harmonie entre la voix (chaude), les rythmes (colorés) et les influences (celtiques) d’où émerge une impression maîtresse: la qualité. Les sommets ne sont peut-être pas atteints, mais ce n’était probablement que le but secondaire de cette randonnée.
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