Issue de la région de Milwaukee, cette formation s'est constituée en 1990. Le chanteur/harmoniciste "Barefoot" Jimmy Schwarz et le bassiste Kent ‘The Colonel’ Knapp en sont les fondateurs. Originaire du Texas, Paul Stilin est préposé à la guitare. Pas de drummer attitré, cependant, puisque ce rôle est partagé entre quatre collaborateurs, tout au long de cet opus !
La puissance du souffle de Jimmy Schwarz impressionne dès les premières notes de "Brady street". L'orgue Hammond de Ron Kovach tapisse le décor sonore. Paul se réserve le premier solo à la guitare. La voix de Jimmy est bien timbrée. Mais lorsqu’il pousse des cris, il élève son registre à la manière de Johnny Winter. "Dancin' woman" rappelle immanquablement le célèbre "Wang dang doodle" de Willie Dixon. Du bon Chicago blues au cours duquel Jimmy hausse facilement le ton de sa voix. Les chœurs des musiciens le soutient lorsqu’il attaque "Dancin' woman", à l'harmonica. Le leader démontre qu'il a beaucoup écouté Little Walter. Et surtout opéré une parfaite synthèse du maître. Mais il restitue cet acquis d’une manière très personnelle. Le résultat est en tout cas très probant ; d'autant plus que Jack Cole - un invité – se montre assez habile aux cordes. Schwarz a pratiquement composé toutes les chansons de cet opus ; mais la plupart du temps en s’inspirant des classiques du blues urbain. Il se révèle très proche de Slim Harpo sur "Takin' the carseat out". Constituée de Kent et Matt Liban, la section rythmique tisse une trame funky. La guitare fragile de Stilin sort de sa réserve ; mais c’est surtout le leader qui tire son épingle du jeu. Il concède un solo d’une puissance constante, ne s’accordant aucun répit. Le jeu développé par le guitariste s’avère plus franc et direct tout au long du slow blues classique "Fine woman blues". Blues bien rythmé, "Blues machine" rappelle le notoire "Born in Chicago" de Nick Gravenites. S’échangeant questions et réponses, les guitares de Paul Sitlin et Jack Cole s’affichent. Ballade blue, "Testify" opère un retour à l'orgue Hammond pendant que Barefoot se ménage une nouvelle escapade sur la musique à bouche. Invité de marque, Jim Liban (NDR : le maître de Jimmy !) apporte son concours à "Gettin' old", une plage qui rocke et rolle. Cet harmoniciste talentueux ne jouit pourtant pas d’une grande notoriété extra-muros. Changement de cap pour "Please leave me". Proche de Slim Harpo, Lazy Lester ou Jimmy Reed, cette plage baigne au sein d’une ambiance nonchalante réminiscente des swamps louisianais. Toujours bien présent, l'orgue de Kovach épaule les cordes de Stilin pendant que Barefoot privilégie les aigus sur son harmo diatonique. "Keep your hands off my daughter" se traîne sur un tempo indolent. La guitare est très acide. Schwarz et Zoe Whorall se partagent les vocaux. Jimmy force un peu trop sa voix sur "Seven Gs" pendant que deux harmonicistes rivalisent : le maître et son fils spirituel. Soit Jim Liban et Jimmy Schwartz. Vainqueur aux points : le maître ! Dommage que ce morceau soit si faible. Jeff Harrington joue de la slappin' basse sur "My baby", une bonne compo imprimée sur un rythme syncopé! Schwarz a écrit "Barefooot Jimmy", une chanson autobiographique, un peu à la manière de Paul Butterfield. A ses débuts ! Le souffleur possède des poumons d’acier. Et il le démontre encore lors du shuffle instrumental "Under construction". Très jump, ce fragment fait la part belle aux six cordes de Paul Stilin et de Jack Cole (NDR : sur sa Telecaster) ; mais également Marc Wilson à la basse acoustique. De bonne facture, cet opus s’achève par la version démo de "Gettin' old" ; mais pour la circonstance, sans Jim Liban!
Bienvenue sur Radio Basement Jaxx. Au programme de cette édition de « Crazy Itch Radio », absolument rien de neuf. Fidèles aux ingrédients qui ont fait le succès de nos précédents numéros, nous vous proposerons notre pop électronique habituelle, l’inspiration en moins. En effet, après un banal mais néanmoins efficace « Hush Boy », nous enchaînerons par « Take Me Back To Your House » et « Hey U », deux titres pleins d’idées mais peu aboutis. Les morceaux que nous vous réserverons ensuite seront majoritairement linéaires et soporifiques. Après quelques interludes publicitaires, vous aurez enfin droit à une seconde plage passablement correcte et entraînante. « Everybody » et son amusant mais court sample bollywoodien ne suffira cependant pas à sauver les meubles. Après un tel désenchantement, nous comprendrons, chers auditeurs, si vous décidez de rayez Radio Basement Jaxx de la liste de vos favoris…
Choriste des célèbres Zéro 7, Sophie Barker fait le grand plongeon en solo... Accompagnée par Robin Guthrie (des Cocteau Twins) elle semble avoir décidé pour l'occasion de s'affranchir des ambiances électro privilégiées par le duo londonien. Résolument folk, "Earthbound" est ainsi composé de 8 morceaux organiques gentils et calmes sur lesquels la voix de la miss se pose en toute quiétude. Un sentiment de plénitude bien agréable mais qui finit malheureusement par desservir une plaque souffrant d’un excès de linéarité... Tout ceci n'est pas mal, certes, mais l'ensemble pourrait presque être vendu dans un magasin New Age entre le patchouli et les cd's ‘Bruits de la nature et chants des baleines’... On a quelquefois l'impression que Sophie Barker tente de séduire les fans des Cranberries tout en faisant de l'oeil aux agriculteurs bio... Alors bien sûr, des morceaux comme "Stop Me" ou "On my way home" sont bien sympathiques mais l’ensemble sent un peu trop la tasse de thé "Woman Secret" pour être vraiment honnête...
Ils parlent ‘une espèce de langage ésotérique, un langage familial, une géométrie sémantique dans laquelle la distance la plus courte entre deux points est un cercle complet’ (J.D. Salinger). Les Comets On Fire jouent du rock fractal et délétère, en prise directe avec la fin des sixties et ses relents acid : au contact de leur musique proto-psychédélique s’altère rapidement notre esprit, se dilatent joyeusement nos synapses. Castaneda, es-tu là ? En plein solo barbiturique (« Dogwood Rust »), un homme-lézard fait crisser ses cordes vocales : les boules (même pas Quiès), qui tournent au-dessus de nos têtes comme autant de visions d’un nirvana cosmique. Plus loin des décharges électriques tentent de nous faire voir le septième ciel : l’escalier, en colimaçon, n’en finit pas de monter. C’est quasi la nausée (« Jaybird »). Sommes-nous en plein Eden chimique, version Las Vegas Parano ? « The Swallow’s Eye » déroule son prog rock fumant entre King Crimson et Hawkwind, puis l’Echoplex prend le relais et transforme les guitares en démons dissonants : c’est le Dead période Dali, les Stooges maîtres ès peyotl (« Holy Teeth », « Sour Smoke »). Ben Chasny de Six Organs of Admittance calme le jeu et tente d’inoculer son venin country-blues (confer Crazy Horse, Allman Brothers Band, voire Dr. John) à ceux qui sont toujours vivants (« Lucifer’s Memory »), mais il n’y a rien à faire : tout le monde est défoncé. La prochaine fois, faudra prévoir des camisoles.
Qu'il est bon de pouvoir de temps à autre s'envoyer une chouette petite plaque de rock garage de derrière les fagots... Réunissant 26 titres d'une vingtaine de groupes ‘garage’ (tous signés sur le label "Gearhead Records") parmi lesquels on trouve les Hellacopters, The Lords of Altamont ou encore les papys de New Bomb Turks, "Welcome to Gearhead Country" est une compilation qui a le mérite de ne pas se prendre la tête... Pas de pose trendy, pas de prétentions artistiques malvenues, juste une exigence: que ça balance ; en moins de 3 minutes si possible... Et pour balancer, ça balance... Bien sûr on trouvera aussi parmi ces titres quelques morceaux plus que dispensables mais l'ensemble sent tellement l'honnêteté qu'on se montre volontiers indulgent. La plupart des groupes présents ici ne joueront jamais au Pukkelpop, ne passeront jamais dans les soirées électroklash branchouilles et c'est tant mieux. Bottles and Skulls, Red Planet, Pink Swords, The Spunks sont les noms, parmi d'autres, de ces loosers (magnifiques?) dont la seule ambition est de faire péter les amplis... La démarche donne envie de taper du pied, mal à la tête aussi quelquefois ; mais surtout suscite le respect!
Il faut remonter à « L’Art des Bruits », le manifeste publié en 1913 par le futuriste italien Luigi Russolo, pour comprendre le lien qui existe entre les musiques électroniques actuelles et l’avant-garde dite ‘contemporaine’. Que ce soit Fennesz, Squarepusher, Varèse ou Pierre Henry, tous ces artistes s’avouent ainsi convaincus du pouvoir créateur de la machine, et du ‘bruit’ comme musique à part entière… Et même si les technophiles d’aujourd’hui font souvent référence aux maîtres savants de la musique répétitive, sérielle ou concrète pour se donner une certaine contenance (l’héritage existe, mais il lui manque le ‘groove’…), on ne peut nier l’influence de Pierre Schaeffer, de John Cage et de György Ligeti chez des bidouilleurs populaires comme ceux qu’hébergent actuellement le label anglais Warp. La série de concerts ici compilés n’a donc rien de superfétatoire : il suffit par exemple d’écouter le « Gesang der Jünglinge » de Karlheinz Stockhausen pour comprendre d’où vient le « Windowlicker » d’Aphex Twin, et l’intégrale de Steve Reich pour saisir la portée hypnotique d’un track à la Underground Resistance… Une fois la formule assimilée, il devient facile de plonger dans les 19 compositions de ce double cd, sur lequel on retrouve six morceaux de Richard D. James et de Tom Jenkinson réarrangés par David Horne, le chef d’orchestre de la London Sinfonietta (une sorte d’équivalent de notre ‘Ensemble Musiques Nouvelles’). Selon ses propres dires, la retranscription orchestrale de ces tracks électro se révèle ‘impossible’, d’où sa volonté de les considérer comme de ‘nouvelles compositions originales, pour orchestre’ – et ça fonctionne ! En faisant ainsi se côtoyer Ligeti, Aphex Twin, Squarepusher et John Cage, le label Warp et le London Sinfonietta voulaient sans doute une fois pour toutes tordre le cou aux clichés qui collent encore à la techno (et affiliés), à savoir que celle-ci ne serait pas de la ‘musique’, puisque l’ordinateur n’est pas un ‘instrument’… Eh bien voilà la vérité : les guitares ne poussent pas dans les arbres, et un orchestre peut jouer « AFX237 V7 » si on le lui propose. Voilà la grande révolution : ne reste plus qu’à le dire à Jack White, pour qu’il ne meure pas idiot.
« Modern times » constitue le 44ème album de Robert Zimmerman. Un disque partagé en 10 titres, dont certains fragments les 9 minutes. Dernier épisode de sa trilogie entamée en 1997 (il fait donc suite à « Time out of mind » et « Love & Theft »), cet opus se réfère bien sûr aux « Temps modernes » de Charlie Chaplin. Tourné en 1936, ce long métrage mettait un terme à l’apogée des films muets. Mais le message de ce film est demeuré universel. En se servant d’une histoire d’amour, Chaplin pourfendait le système social, économique et politique des Etats-Unis d’Amérique. Soulevant une réflexion sur les aspects les plus déshumanisants et automatisés de l’existence. Le « Modern Times » de Dylan est également cinématique ; et à travers ses allégories, il veut reprendre le flambeau de Chaplin. Transposant la réflexion dans le monde contemporain. Ce qui lui permet de traiter des sujets aussi universels que l’amour, la vieillesse, la mort et le travail. Dylan n’offre cependant pas de réponses aux questions qu’il soulève. Il interpelle simplement les responsables de ce monde qui par en couilles. Un monde dont le vide spirituel est comblé par l’innovation technologique. Avec pour résultat la désintégration de toute valeur humaine. Bien sûr, ce courant philosophique n’est pas neuf. Mais il a le mérite d’aller à l’encontre d’un concept de société dominé par l’égoïsme et le profit.
Musicalement, le disque oscille entre titres swing, jazz, rock’n roll, blues (aussi bien bayou, roadhouse que boogie) et folk. Une majorité de ballades quand même et puis quelques clins d’œil adressés à Chuck Berry (« Thunder on the mountain », plage au cours de laquelle il évoque la chanteuse soul Alicia Soul), Muddy Waters (« Rollin’ & tumblin’ »), Bing Crosby (« When the deal goes down », « Beyond the horizon »), Lightnin’ Hopkins (« Someday baby »), Memphis Minnie (“The Levee’s gonna break”, chanson consacrée au désastre causé par l’ouragan Katrina et surtout à ses responsables) et Cole Porter (« When the deal goes down »). Et en finale, une remarquable compo mélancolique intitulée « Ain’t talkin’ » ; un morceau bouleversant, insidieux, digne de « Man in the long black coat ». Sur cet opus, Bob joue des claviers, de la guitare et de l’harmonica. Et puis il chante de son timbre éraillé si caractéristique. Enfin, il est soutenu par le quintet de base qui l’accompagne lors de ses tournées. A 65 balais, Dylan n’a toujours pas dit son dernier mot. Et ce qu’il raconte est fichtrement sensé…
Que les sceptiques se rassurent : il n’y a guère de changement dans l’Air. Après avoir travaillé comme des forcenés sur l’album ‘solo’ de Charlotte Gainsbourg, Nicolas Godin et Jean-Benoît Dunckel, les plus célèbres ressortissants versaillais depuis Louis XIV, ont planché sur la quatrième livraison de Air. Mais pendant l’enregistrement du disque de la fille de l’homme à la tête de chou, Jean-Benoît Dunckel prenait de l’altitude. Une fois la nuit tombée, il endossait son patronyme préféré, sombre et distingué : Darkel. Résultat de cet effort solitaire, un premier album éponyme, beau et synthétique. Certes, « Darkel » évolue à proximité des contrées aériennes de son groupe. Mais le côté singulier de ses dix morceaux légitime l’avènement de ce disque événement. Synthés analogiques, timbres vocodés, instrumentaux extatiques : tous les éléments sont ici rassemblés pour nous faire rêver. Des superbes mélodies inspirées par l’axe McCartney-Harrison (« At The End Of The Sky », « Some Men », « My Own Sun ») aux paradis synthétiques (l’imparable « TV Destroy », « Earth »), Darkel insuffle un véritable courant d’Air frais sur cette rentrée musicale. D’autant plus appréciable qu’inattendu. On respire !
La musique de Piers Faccini est à l’image de son créateur : sans frontières, sans barrières. Moitié italien, moitié britannique, résidant en France et enregistrant aux Etats-Unis, Piers Faccini applique cette universalité à son art : percussions, influences celtiques, instruments un peu exotiques (mandoline, kora, kamanech, bohdra, etc.) Ici, aucune place pour la démonstration et le roulage de mécaniques. Les compositions sont aériennes, les guitares acoustiques de Piers d’une légèreté inouïe. Sa voix murmurante capte immédiatement l’attention.
« Each Wave That Breaks » ouvre l’album tout en douceur. Son titre n’aurait pas pu être plus adapté, on sent presque les vagues mourir à nos pieds. Et parmi les chœurs, on retrouve rien moins que Ben Harper, invité à partager quelques chuchotements. « Sharpening Bone » disparaît dans un hypnotique maelström de percussions et de vocaux tribaux. « If I » lorgne du côté du Mississippi avec un harmonica bien cradingue comme l’amateur de blues les aime. Le temps de s’égarer dans l’atmosphère étrange de « Midnight Rolling » et on retombe dans l’extraordinaire feeling blues de « Talk To Her ». La production de JP Plunier est irréprochable. La section rythmique coule de source et les nombreux invités colorent agréablement ces quatorze plages tout en ambiances. Un disque envoûtant.
Cet opus risque de faire mal lorsque l'automne et l'hiver auront épuisé nos nerfs à coups de rafales de vent... Fidèle à l'esthétique si particulière développée par Lisa Germano au cours de ses 5 précédents albums, "In the Maybe World" est en effet un disque sépulcral qui risque d'en envoyer plus d'un par le fond... Comme d'habitude chez cette chère Lisa, une fois le disque introduit dans le lecteur, le mélomane est convié à un petit carnaval de damnés… Pour peu on imaginerait presque une bande de corbeaux dansant dans la neige au son d'un orchestre composé de squelettes...
Nonobstant ces considérations psychologiques, il faut cependant avouer qu'une fois de plus l'Américaine fait fort. Ses compositions baroques et cristallines, constellées d’accords de piano, font merveille et c'est avec un certain plaisir masochiste que l'on s'abandonne à l'écoute de ces complaintes susurrées d'une voix rauque à nos oreilles frigorifiées... Déjà le silence empli de tension au cours des 20 premières secondes de l'album annonce la couleur. "The day" ouvre ensuite le bal d'une splendide manière, suivi par un "Too much space" presque étrangement apaisé. Après "Into Oblivion" on est franchement sur les genoux alors que s'annonce à peine la moitié de l'opus... "In the land of fairies", carrément effrayant, ne vous donnera quant à lui plus jamais envie d'éteindre la lumière une fois le soleil couché... Pour le reste, on vous laisse découvrir cet album par vous-même tant il semble vain d'ergoter à l'envi à propos d'une œuvre qui devrait installer un peu plus encore Lisa Germano au panthéon des songwriters atypiques de ce début de siècle.
Guitariste et co-compositeur des meilleurs albums de Genesis, de « Nursery Cryme » (71) à « Wind and Wuthering » (76), Steve Hackett est le seul membre de ce groupe encore fidèle au Prog, au point d'en être parfois considéré comme une icône. Et force est de reconnaître qu'après 20 albums solos, sa soif d'expérimentations sonores et culturelles, de découvertes et de subtils métissages reste d'une très respectable vivacité.
Sa musique en liberté associe classique et rock (« She moves in Memories »), sonorités orientales (« Waters of the Wild ») et folk écossais (« Set your Compass »), harmonies vocales éthérées et narration psychotique (« Down Street »), ambiance de recueillement quasi-religieux (« To a Close ») et puissantes éruptions (« Ego and Id »), piano jazz et rythmique plombée, dissonance (« Howl ») et esthétique tantôt sophistiquée (« The Fundamentals of Brainwashing »), tantôt majestueuse (« She moves in Memories »). La moindre de ses prouesses n'est sûrement pas de parvenir à intégrer toutes ces tendances en un CD fort cohérent, son inimitable jeu de guitare (électrique et classique) en guise de fil rouge. Certaines compositions pourront sembler peu à leur place aux oreilles des puristes (« A girl called Linda »), mais elles ne les dérangeront plus après deux ou trois écoutes. Si personnellement je déplore souvent que Steve assume le chant lui-même au lieu d'apporter à son travail la plus-value d'un solide chanteur attitré, il faut reconnaître que le travail sur les voix et les harmonies vocales est à nouveau impressionnant (« Set your Compass », « To a Close »). De plus, il convient d'épingler « Man in the long Black Coat », une belle reprise de Dylan, où le chant de notre homme, évoquant à la fois Nick Cave, Johnny Cash et Léonard Cohen, fait merveille. A son band dévoué et efficace, Steve associe un quintette classique pour plusieurs plages. Pour le reste, il conserve quelques bonnes habitudes, comme cette belle peinture signée Kim Poor sur la pochette.
En conclusion, un album très réussi, riche en climats et ambiances contrastées, maintenant sans faiblir l'intérêt de l'auditeur par ses compositions solides, et réservant de savoureuses trouvailles sur la plupart de ses treize plages. Malgré des échappées guitaristiques moins ambitieuses, un travail dans la lignée de ses prédécesseurs, à l'authentique parfum des orchidées sauvages. Merci, Monsieur Hackett, de nous procurer notre prog quotidien.
Après avoir décroché la timbale grâce à son album « Tasty » et ses inévitables machines à danser « Trick Me », « In Public », « Millionaire » et surtout « Milkshake », Kelis délivre un quatrième album des plus versatiles. Et des plus brouillons... Précédé par un single très moyen (« Bossy »), « Kelis Was Here » n’atteint que laborieusement les sommets de fraîcheur et d’originalité des travaux précédents. Peut-être est-ce dû à l’absence des inimitables Neptunes à la production ? Excepté « Blindfold Me », excitante collaboration charnelle entre la jeune femme et son mari (NDR : elle devrait faire bien plus de vagues hertziennes que l’insipide « Bossy »), ce nouvel essai ne présente aucun morceau réellement digne d’intérêt. A force de ratisser large, Kelis se perd dans une soupe de genres qui serait absolument indigeste si quelques titres n’intervenaient pas pour lui sauver la mise (« Fire », « Trilogy », « Like You » et son étonnant sample). Un peu décevant de la part de l’une des seules artistes R’n’B à avoir une réelle identité propre… Kelis is no longer here.
Haut perchées dans leur montagne, les chèvres de Monsieur Darnielle ont bien moins à craindre que celles d’un certain Seguin. Fières et sereines, elles contemplent le monde, un sourire imperceptible sous le museau. Plus bas, les loups hurlent de rage. Et le troupeau, protégé par le prolifique berger John Darnielle, s’en fout carrément. Enième recueil (on ne les compte plus…) des Mountain Goats, « Get Lonely » ne pouvait arborer meilleur titre. Introspectif à souhait, l’opus nous plonge dans le quotidien de Darnielle. Derrière de délicats arrangements, l’homme témoigne de faits ordinaires qui, sous sa plume, se transforment en captivantes aventures (« Woke Up New », « Half Dead »). Il délivre ainsi douze titres thérapeutiques (pour lui comme pour ses auditeurs) taillés sur-mesure pour des dimanches mélancoliques.
Peu d’albums peuvent se vanter de porter aussi bien leur nom. En effet, Leon Rousseau nous propose ici un enregistrement ‘old school’ de pure tradition pop sixties… Quoique festives pour la plupart (« Vertigo », « Angelina Again »), certaines chansons sombrent dans une douce mélancolie, nostalgie des boums d’antan (« Little Love of Me », « Teenage Love Song »). Délicieux mélange que ces chansons pleines de fraîcheur, inspirées du bon vieux temps. Premier titre de l’album: « Happy Happy Song ». Le ton est donné: c’est avec un talent manifeste que Leon Rousseau allie sens mélodique et rythme. Arrivent ensuite « 48h », « Mr Ho » ou encore le sublime « Guilty One », pour ne citer que ces titres. Coup de chapeau d’autant plus mérité que le Français a conçu "Old School" absolument seul. Ancien membre des SpringBox (groupe de ‘pop punkysante’ dont l’influence atteint « Backdoor thing »), Rousseau compose désormais dans sa cave, passant ses nuits à faire surchauffer des amplis à lampes. Que Lennon dorme en paix : son héritage est entre de bonnes mains.
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