La musique californienne de la fin des sixties et du début des seventies doit bercer les rêves de ce quatuor californien. Des songes probablement hantés par les spectres de Buffalo Springfield, de Flying Burrito Brothers et des Byrds. Ce qui s'explique facilement lorsqu'on sait que les musiciens de cette formation sont issus de la Californie profonde. Après avoir transité soit par Further, Strictly Ball Room ou encore les Lilys, ils ont décidé de fonder ces Beachwood Sparks, puis alors commis un premier album éponyme en 1999. Leur deuxième opus a été enregistré dans les studios de John Mascis à Nothampton. John est même venu donner un petit coup de guitare sur deux fragments. Tout au long de ce " Once we were trees ", la musique de ce groupe oscille entre country rock le plus classique (avec violon, harmonica, steel guitar et tout le saint tremblement) et psychédélisme brumeux, parfois épaissi par l'intensité électrique des accords de guitare et les claviers grumeleux. Et à l'instar de son illustre égérie, le combo passe d'un style à l'autre avec une facilité déconcertante. L'opus recèle même une cover du " By your side " de Sade. Mais, il s'agit du titre le plus faible du morceau de plastique. Probablement le seul. Car nonobstant ses connotations revivalistes, ce disque est tout à fait rafraîchissant.
J'avais beaucoup apprécié le dernier album de cette formation de Los Angeles. Intitulé " Once we were trees " cet opus était manifestement bercé par la musique californienne de la fin des sixties et du début des seventies. Et en particulier par Buffalo Springfield, les Flying Burrito Brothers et les Byrds. Oscillant toujours entre country rock classique et psychédélisme brumeux, cet EP six titres intègre davantage d'éléments technologiques. La coproduction de Jimmy Tamborello (Figurine, DNTL) y est sans doute pour quelque chose. Normal puisque ses propres projets font la part belle à l'électronique. Et puis de chœurs. Résultat des courses, ce disque risque de déclencher des réactions diamétralement opposées. Le mélomane réceptif à ce type d'expérimentation trouvera la formule géniale. Les autres estimeront qu'elles affadissent la matière première. Personnellement, suivant mon humeur, l'écoute de ce disque est susceptible de me communiquer ces réactions extrêmes. Une chose est sûre l'expression sonore a un peu trop tendance à se complaire dans une certaine forme d'éther atmosphérique. Pourtant, en écoutant d'une oreille très attentive, on peut y déceler une foule de richesses. Harmonica abyssal, claviers spumeux, cordes de guitare cosmiques, sydbarretiennes, banjo épilé, trament une texture de fond assez riche pour évoquer Mercury Rev, les Flaming Lips ou encore Grandaddy. Il n'y manque sans doute que l'énergie…
Intouchable Bashung. Vénéré par la plupart des amateurs de rock qui accordent quelques concessions à la chanson française, il trône sur son piédestal. Je les comprends : Bashung est en recherche perpétuelle. Il ne sert jamais deux fois le même plat. Et surtout, lorsque ce plat a connu un franc succès. Il ne formate jamais une chanson pour en faire un single. Et pourtant, il y parvient avec des compositions improbables comme " Osez Joséphine " ou " Ma petite entreprise ", qu'évincerait tout responsable de marketing. Respect donc. Mais écoute critique, tout de même. Et là, " L'imprudence ", désolé, je n'accroche pas. Le climat - qui, chez Bashung, prime depuis longtemps sur la chanson - noie ici toute référence. C'est incroyablement sombre. Trop sombre pour y plonger. D'autant que les textes, plus elliptiques que jamais, déconnectés de toute logique immédiatement compréhensible, ne pourront servir de bouée.
Barrelhouse constitue une des plus anciennes formations hollandaises de blues, encore en activité. Le combo s'est formé en 1974. Et au cours des dix années qui ont suivi, ils ont commis pas moins de dix albums. Ils ont eu même l'opportunité de tourner et d'enregistrer avec le maître de la Telecaster : Mr Albert Collins, en personne. De cette collaboration opérée en 1978, est d'ailleurs né un elpee, toujours disponible en CD : "Albert Collins live with the Barrelhouse live". Barrelhouse a toujours été drivé par une femme. Par une chanteuse, plus exactement : Tineke Shoemaker. La formation a même suspendu ses activités en 1986, lorsque Tineke a fondé One Two. Mais il devait y avoir une suite, car Barrelhouse est réapparu en 1993. Depuis, il s'est illustré à travers deux elpees : "Fortune changes" en 1994, et "Time frames" en 1998.
La sonorité de Barrelhouse a toujours été plus proche du british blues que des groupes américains. A cause de la section rythmique. Et on s'en rend compte dès les premiers accords de la plage titulaire, dont le motif est imprimé par la basse de Johnny LaPorte. Tineke est bien en voix, forte et plaintive à la fois. Les guitares des deux frères javanais sont retenues. Guus et Johnny doublent les instruments à 4 et 6 cordes. La célèbre composition de Little Walter, "Last night (I lost the best friend I ever had)", est reprise à la sauce hollandaise. Sans harmonica, mais avec le piano du redoutable vétéran Han van Dam. Un véritable bonheur, car il est un des rares musiciens européens à avoir assimilé le style du maître Otis Spann. Cette approche des touches est unique ; dommage qu'on ne l'entende pas davantage sur cette nouvelle œuvre. "Hang on to the things you do" épouse un style percutant, assez hard, un rockin' blues érigé sur le riff des guitares. "Country road" est une douce ballade country. Reprise ici à la sauce batave, elle bénéficie du concours de l'accordéoniste Jan Willem Sligting. Instrumental, "Far East" nous invite à goûter le son bien gras de la Gibson Les Paul, plongé au sein d'un climat très intimiste ! Intimiste est bien le maître mot de cet opus, car est découpé en chansons que sculpté dans le blues. Tineke interprète "Parting glasses" a capella. Elle s'appuie tout d'abord, avec délicatesse, sur la tristesse infinie de l'accordéon, avant que la section rythmique, puis les claviers ne viennent s'agiter à l'avant-plan. Mais quelle justesse et quelle clarté dans le chant! Deuxième reprise, "Last night (I heard you crying in your sleep)" n'est plus signée Little Walter, mais Hank Williams. Une version dépouillée, au cours de laquelle la voix est épaulée par le piano de Han et le dobro bien métallique et ensorceleur de Gary Lucas, un musicien qui joua jadis dans le Magic Band de Captain Beefheart. Ce "Last night" est superbe et superbement produit. "Like you did before" est un nouveau rockin' blues rythmé, contaminé par un piano électrique, un peu dans le style que les Faces affichaient naguère, lorsqu'ils étaient aux ordres de Rod Stewart. "Dark as a dungeon" navigue entre blues dépouillé et ballade country. Sa densité musicale est accentuée par le tuba basse de Patrick Votrian, le saxophone ténor de Roland Brunt et la trompette de Wouter van Bemmel. "Hard feelings" conclut a capella avec. Album très personnel et bien réalisé, " Walking in time " risque fort de laisser les fans de blues sur leur faim, car les exploits instrumentaux du piano et des guitares demeurent un peu trop sur leur réserve.
Nasville, USA, temple de la country : Bobby Bare Jr et sa troupe promènent leur nonchalance sur les routes poussiéreuses qui mènent à la reconnaissance, celles que viennent d'emprunter le génial Kurt Wagner et toute sa clique (Lambchop) avec " Is A Woman ". Les deux bandes se sont d'ailleurs déjà rencontrées à l'un des carrefours qui parsèment ce chemin difficile mais au bout duquel se trouve la fortune : la preuve en est que Paul Burch, Tony Crow et Paul Niehaus ont choisi de diviser leur emploi du temps pour pouvoir se consacrer aux deux chanteurs-compositeurs. Pourtant, la country de Bobby Bare Jr est bien plus rock que celle de Lambchop : sans doute que son père y est pour quelque chose, lui qui s'est déjà montré un as dans le domaine. En auto-stop avec The Jayhawks, Uncle Tupelo et Steve Earle, Bobby Bare Jr devrait donc sans problème arriver à destination, là où l'attend le succès, la gloire : sûr qu'avec cet album, c'est la lumière (des projecteurs) au bout du tunnel. " I'll Be Around ", " The Monk At The Disco " (très Jim White) et une reprise excellente de " What Difference Does It Make " des Smiths en boucle sur l'autoradio, le voyage devrait lui paraître en tout cas rapide et agréable. A nous de l'accueillir avec tous les honneurs, un " Bobby, we love you ! " griffonné sur une pancarte, le collier à fleurs autour du cou. La country n'est pas morte, vive Bobby : hip hip hip, yippie !
Tandis que se distille lentement une atmosphère pesante pendant l'écoute du bien nommé " Ay Distress ", voilà-t-y pas qu'une sonnerie de GSM vient interrompre le morceau, et Chris Flemmons, le chanteur, de péter un câble, sa guitare, et le reste. Hilarant ou flippant, selon l'humeur, mais difficile en tout cas de rester indifférent. Le reste, est à l'avenant : mélodies brinquebalantes enregistrées sur un deux-pistes, voix aigrelette possédée par le démon, guitares vieilles de cent ans résonnant comme l'écho d'une maison abandonnée… Ces chansons font froid dans le dos, comme si le disque avait été enregistré dans la forêt de Blair Witch en compagnie des fantômes de Woody Guthrie et de Ian Curtis. A cet égard, des plages comme " On A Wheel " et " Burning " foutent vraiment la pétoche. Antifolk éthylique, country industriel, rock d'outre-tombe, peu importe : " No Silver/No Gold " s'écoute à la bougie, enroulé dans une couverture avec, à portée de main, un crucifix, du whisky et les livres de Poe ou de Lovecraft. Tétanisant.
Band of Holy Joy s'est formé en 1984, à Londres. Drivé par le chanteur Johny Brown, ce groupe acoustique inclut un tromboniste, un batteur, un pianiste, un contrebassiste, un violoniste, un accordéoniste et enfin un joueur de banjo. Son folk urbain, unique en son genre, libre de toute guitare, évolue parfois même à la limite de l'expérimental. A l'instar de " Refugee ", sur cet opus. Mais la force de BOHJ procède de ses textes. Tout au long de " Love never fails " ils caricaturent à merveille le mode de vie britannique ou les personnages anglais célèbres (" Hugh Grant "). Mais à l'image du folk urbain politisé, les écrits de Brown restent néanmoins optimistes. Certains morceaux sont plus torturés et tortueux, que d'autres mais la mise en forme est impeccable. Même la plage instrumentale ne détonne pas dans l'ensemble. Les arrangements musicaux sont aussi soignés que chez Pulp ; mais le vocal est beaucoup moins efféminé et l'accent anglais (style : patate chaude dans la bouche) marqué. L'atmosphère dégagée est forcément anglaise et nous replonge dans celle déjantée de " Trainspotting "; d'ailleurs le chanté-parlé de Johny Brown rappelle celui qu'utilisait Ewan Macgregor, dans plusieurs de ses films (" A life less ordinary ", " Moulin rouge "). Adorant particulièrement l'accent british, j'écoute ce disque en boucle des journées entières ; aussi bien à domicile qu'en voiture, rendant dingue…une certaine personne. Les adeptes de la culture anglaise vont savourer et les tolérants vont même pouvoir apprécier (?!?!?)…
Damon Cough (alias Badly Drawn Boy) peut se féliciter d'avoir réussi l'exercice périlleux de la bande originale de film, et en même temps, du deuxième album. Car bien loin de n'être qu'une collection sans grand intérêt de chansons-fonds de tiroirs, cette BO pourrait bien devenir un vrai petit classique de musique de film, à ranger entre le " Virgin Suicides " de Air et le " Ghost Dog " de RZA, tout en servant de digne successeur au fameux " The Hour of the Bewilderbeast ". Les splendides morceaux que sont " Silent Sigh, Something To Talk About " et " Donna & Blitzen " (et même les instrumentaux) prouvent une fois pour toutes que Damon Cough est un grand songwriter, aussi prolifique et talentueux pour des œuvres de commande (c'est le cas ici) que pour celles plus personnelles. De toute manière, Nick Hornby n'aurait pas pu choisir meilleur compositeur que Badly Drawn Boy pour l'adaptation de son livre sur disque ; lui qui ne cesse de dépeindre, un peu comme le Mancunien, les tendres obsessions de trentenaires célibataires, dont la vie oscille entre la ‘wasserette’ du coin, le stade de foot et la collection de disques classée de A à Z ou par fréquentation (" Haute Fidélité ", " Carton Jaune "). A la fois chanteur à l'amour transi, grand fan de musique, ami au cœur tendre de ceux et celles qui ont flashé sur son bonnet tricoté (sa manie à lui) et ses mélodies imparables, Badly Drawn Boy représente donc un peu tous les personnages de l'ami Nick… Et comme eux, une fois qu'on le connaît, on n'a plus envie de le lâcher. C'est çà l'effet Damon Cough. Et avec Nick Hornby, ça nous fait un sacré tandem.
Quelques mois seulement après la BO d'" About A Boy ", une simple gageure pour un artiste prolifique comme Damon Cough, le deuxième album du jeune prodige mancunien sort sans tambours ni trompettes, et comme d'habitude - déjà - c'est un petit chef-d'œuvre. Tout commence par un instrumental apéritif, sorte de générique déglingué d'un album haut en couleurs, au cours duquel se croisent rock parfois balourd, ballades mélancoliques, funk, soul, les Beatles, Frank Sinatra et Kurt Cobain, des trompettes, des choristes, et plein d'autres choses encore. " Have You Fed The Fish ? ", la chanson-titre, sonne le glas du rock primaire qui pollue nos ondes en osant singer Bruce Springsteen, le temps d'un refrain pompier mais attachant. " Born Again " et " 40 Days 40 Fights " louvoient du côté romantique, puis " All Possibilities " sonne presque Motown - de la soul trempée dans une pop brinquebalante, cousue main mais avec des mains d'orfèvre. Le clou de l'album réside en un duo de chansons magnifiques : " You Were Right ", ou comment Damon gère amour et célébrité en invitant les fantômes de John Lennon et de Jeff Buckley ; et surtout " How ? ", deux mélodies en une, pleines de cuivres et d'aller-retour pop-rock : un BDB, et ça repart. " The Further I Slide " nous emmène en Jamaïque, pour un reggae-folk bein chaloupé, tandis que " Unsing Your Feet " invite des chœurs féminins et des guitares baladeuses pour une fiesta funky sans pareil. Vers la fin, les lumières s'éteignent, l'ambiance se fait plus feutrée, sauf pour ce " Tickets To What You Need " et son piano déjanté, sorte d'hommage décalé aux Beatles - figures tutélaires, avec Springsteen, d'un Damon Cough farceur et doué. A quand l'intronisation au Rock'n'Roll Hall of Fame ?
Brett Gurewitz de retour, la formation californienne compte aujourd'hui trois guitaristes. Autre changement, Bobby Schayer a cédé ses baguettes à l'ex Suicidal Tendencies, ex Vandals, Brooks Wackerman. "The process of belief " constitue le 12ème album de Bad Religion. Un disque qui renoue avec le style dispensé sur ses premiers elpees. Encore qu'il soit nécessaire de bien connaître le parcours du combo, pour pouvoir faire la différence ; car leur musique est toujours aussi rapide, pour ne pas dire fulgurante. Une musique balayée d'harmonies vocales 'brianwilsonesques' qui laisse une place importante aux lyrics. A l'instar de " Materialist ", " Epipany " ou encore " Destined for nothing " qui se penchent, comme dans le passé, sur la religion, ou encore de " Kyoto now ! ", véritable manifeste environnemental. Pas de sermons politiques cependant, mais des réflexions philosophiques relatives à la nature humaine. S'il n'y avait la pertinence des messages, je dois avouer que je ne porterais guère d'intérêt à cette formation. Encore que lorsqu'elle prend le temps de ralentir quelque peu l'allure (NDR : à l'instar de " Broken " ou d'" Epiphany "), elle frôle l'univers de Weezer. Ce que j'apprécie davantage…
Cet opus nous replonge sur la Côte Ouest, au cours de la tournée opérée par R.L Burnside, en janvier 2001. R.L est ici au cœur de son élément de prédilection : la scène. Huit des douze plages ont été immortalisées sur les planches du Crystal Ballroom de Portland, dans l'Oregon. A Burnside Street, très exactement. Ce qui explique le titre de cet album. Le reste a été enregistré au Great American Music Hall de San Francisco, en Californie. Histoire de perpétuer le fameux son Fat Possum, il a reçu le concours de son petit fils Cedric Burnside à la batterie et de son ‘Fils adoptif’, Kenny Brown, à la slide. Un instrument qu'il pratique avec fidélité depuis trente années.
R.L chante le blues en s'accompagnant d'une guitare. Le blues des collines du Nord du Mississippi. Celui qui se distille dans les sombres juke joints ou dans les salles à manger de tout un chacun. Il est manifestement inspiré par la musique des grands bluesmen que sont Fred McDowell, Muddy Waters, Lightnin' Hopkins et John Lee Hooker. Chez Fat Possum, l'absence de basse est habituelle. Le rythme hypnotique est produit par la superposition des percussions et des lignes tissées par la slide de Brown. Une recette qui marche à tout coup. La musique suscite le mouvement. Personne ne peut rester insensible à cette machine que rien n'arrête. Pas de fioriture ni de finesse ; le tout s'emboîte tellement bien qu'aucun muscle ne peut rester insensible.
La machine lancée, ce parcours répétitif nous flanque le frisson ; même lorsque les sonorités sont trempées directement dans le Delta. A l'instar des classiques "Rollin' & tumblin" et "Walkin' blues". Des moments d'une sensibilité unique ! Les échanges opérés entre la voix rauque et passablement ravagée du vieux bluesman et la slide dépouillée et métallique de Brown dégagent une authenticité rare. L'émotion et l'intensité sont à leur paroxysme sur "Bad luck and trouble". Un fragment tellement proche de John Lee Hooker. Et quand le trio hausse le rythme, c'est pour libérer la slide de Brown. Elle se met alors à flâner dans cet espace devenu soudainement libre. Le bonheur ! L'ouverture à elle seule est un parfait résumé de ce son Fat Possum. La reprise de "Shake 'em on down" est de la pure dynamite. La slide de Brown est insatiable. Elle maintient la pression tout au long de "Skinny woman". Rien ne semble pouvoir retenir l'ensemble qui s'emballe dans le rythme pour se fondre dans "Miss Maybelle". Et je m'en voudrais de ne pas épingler "Long haired doney", "Jumper on the line" et l'atmosphérique "Goin' down south". Recommandé !
Burns demeure l'une des dernières gloires vivantes du Detroit Blues, dont le maître incontesté et incontestable a été, bien entendu, John Lee Hooker. Il est né en 1928 à Belzoni, dans le Mississippi. Sous l'influence de John Lee "Sonny Boy I" Williamson, il apprend tout d'abord à jouer de l'harmonica. Après la guerre, il monte vers le Nord et aboutit à Detroit où il devient rapidement un ami proche de John Lee Hooker. Inspiré par John Lee, Arthur Crudup et Tommy McClennan, il passe tout naturellement à la guitare. Entre les années 50 et le début des 60's, Burns aligne une série de singles. Il entre ensuite en studio, en compagnie de Hooker, pour commettre l'elpee "The Real Folk blues". Un vinyle qui sort alors sur Chess. Au début des 70s, il enregistre deux albums en Angleterre, pour Big Bear : "Detroit black bottom" et "Bottle up & go". Il tourne alors en compagnie des American Blues Legends. En 75, très exactement.
"Snake eyes" a été enregistré à Chicago, en septembre 2001. Un disque pour lequel il a reçu le concours de Jimmy Burns, à la guitare. Son frère cadet ! Jimmy avait alors déjà commis deux opus pour Delmark : "Leaving here walking" et "Night time again". L'album s'ouvre par "Snake eyes". Un blues proche des racines ; très downhome. Eddie chante de sa voix plaintive. Epaulé par le piano de Roosevelt Purifoy, il joue de la guitare acoustique. "Your cash ain't nothin' but trash" est une plage nerveuse. Eddie est à l'harmonica. Le frangin gratte les cordes et reprend les cœurs à l'unisson. "Lonely man plea" est un blues lent nonchalant semblant sortir tout droit de Baton Rouge. Sa voix paresseuse correspond parfaitement à ce style. "Night shift", nous le ramène dans le Chicago blues : le riff curieusement proche de Muddy Waters et toujours cette voix si personnelle. Burns apporte beaucoup d'énergie et de conviction pour un Detroit boogie intitulé "Papa likes to boogie". Un fragment qu'il attaque à l'harmo, pendant que Purifoy se déchaîne au piano. Sur cet opus, l'amateur de blues pur, simple et même primaire, prendra son pied à l'écoute de plages lentes telles que "Jail time" ou "Goin' to New Orleans". La combinaison opérée entre l'harmonica, la guitare et le piano fonctionne à merveille. Le trop plein de sensibilité est atteint lors de la reprise du "Lent me your love" de Memphis Sim. La voix frêle est appuyée par la guitare acoustique. Très beau! Et le scénario se reproduit tout au long d'"Hello Miss Jessie Lee". Eddie nous y souffle des phrases d'harmo, avec un aplomb digne de Sonny Boy Williamson I. "Hastings street special" adresse un clin d'œil instrumental à la plus célèbre "rue du blues" de la Motor City. Cet opus de bonne facture s'achève par "Don't let money change you", un blues bien rythmé négocié par une voix qui semble bien plus assurée.
On connaissait davantage Carla Bruni pour ses mensurations que pour ses chansons : avec ce " Quelqu'un m'a dit " (lui aussi) de toute beauté, on sait maintenant qu'il faudra d'abord compter sur elle en tant qu'artiste-songwriter de talent. Finis les défilés et les couvertures de Vogue : Bruni ne piétinera plus à présent que les scènes et fera désormais la une des mensuels rock. Pas que sa musique se conjugue aux grosses guitares ou à l'elektroklash, pour plaire, comme Vive La Fête, à Lagerfeld… Non : les chansons de Carla sont douces, raffinées, sans artifices. Une guitare acoustique (Bertignac, ex-Téléphone, à la production), une voix : tout est là. Pas d'esbroufe, pas de jeu d'apparence. Carla se livre à nous nue, mais sans (trop) titiller nos fantasmes. On tombe rapidement sous le charme. Pourtant, ces mélodies surannées, entre Françoise Hardy et Keren Ann, dénotent un peu dans le paysage musical actuel… Carla Bruni chante d'une voix un peu rauque (elle est Italienne) des mots doux aux rimes tout en sensualité. Ce magnifique " Quelqu'un m'a dit " permet ici à la chanson française de retrouver toutes ses couleurs. En nous chuchotant ses confidences amoureuses, en nous caressant les tympans de son folk délicat, Carla provoque chez nous le plus beau des frissons. Que ce soit en reprenant Gainsbourg (" La noyée "), en s'amusant de son statut de top-modèle (" Le plus beau du quartier ") ou en jouant au chat et à la souris avec nos sentiments (le reste), Carla nous enchante et gagne, haut la main, notre amour et notre admiration. Un véritable coup de foudre !
Jackson Browne n'et pas un néophyte. Il est né en Allemagne de l'Ouest le 9 octobre 1949. Son paternel était pianiste de jazz auprès de Django Reinhardt. En baignant dans la musique depuis sa tendre enfance, le fiston ne pouvait qu'être contaminé par son virus. Jacskon émigre à New-York en 1967. Il y rencontre Tim Buckley, qui le recommande à Nico. Résultat des courses, il lui écrit trois chansons pour l'elpee " Chelsea girl ". Il compose comme il respire, et notamment pour Tom Rush, les Byrds, Linda Ronstadt, les Eagles et Bonnie Raitt. Mais aussi pour lui. Il enregistre donc régulièrement depuis 1971. Et à ce jour il a vendu quelques millions d'exemplaires de ses disques. Dans un style country/folk/rock engagé qui plait beaucoup à l'Amérique et aux Américains. Pas trop en Europe. Enfin, jusqu'en 1996, lorsqu'il commet " Looking east ". Non seulement le style est revenu au goût du jour, surtout lorsqu'il est plus électrifié ; mais en plus, le public du Vieux Continent commence à s'intéresser à la nature de ses lyrics.
" The naked ride home " confirme son retour à l'avant plan. Rien de neuf à l'horizon. Un zeste de reggae (" For taking the trouble "), de funk (sur l'excellent " Walking town "), de gospel, mais surtout des mélodies qui s'épanouissent et fleurissent, révélant lentement chaque nuance avec un maximum de feeling. Et puis des textes toujours aussi pertinents. Des commentaires sociaux ou des réflexions personnelles sur la perte de l'innocence… Enfin, à travers " Sergio Leone ", un hommage au célèbre réalisateur italien de longs métrages.
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