Apparemment, ce " No rules " constituerait le deuxième opus de cette formation belge, de Hasselt très exactement. Un combo dont le line up compte sept musiciens. Deux guitares, un clavier, une section rythmique et deux choristes. L'un des guitaristes, René Dillen, prend les vocaux à son compte, et c'est bien là que réside la force des Rats. René détient une voix puissante, légèrement éraillée, chaude, rappelant étrangement tantôt Joe Cocker, tantôt Greg Allman. René et ses compagnons ont pratiquement tout composé.
L'ouverture "Can't get enough of the blues" m'a fait un peu peur. Sans grande originalité, et souffrant d'une guitare trop amplifiée. Heureusement, la suite réserve de bien meilleurs moments. Pour affronter le très dépouillé "Daddy's son", Johan Flawinne a troqué ses claviers pour l'harmonica ; et les guitares sont quasi acoustiques. Dommage que la section rythmique ne soit pas du même niveau. Sur le prometteur "Promises", la slide de Rony Defau remplit l'espace. René se fait Cocker sur la douce ballade "Can't take no more goodbyes" et sur "Howl at the Moon". Le climat de "Don't move too fast" s'installe dans la chaleur moite du sud des USA; et la voix se fait cette fois proche de Greg Allman. Nous ne serions d'ailleurs guère étonnés que la seule reprise soit le "One way out" du Allman Brothers Band. Les Blues Rats possèdent en Dillen un vecteur intéressant. Il pourrait cependant être mieux mis en valeur si les chœurs féminins étaient moins embarrassants, et si la batterie apportait à la section rythmique, le groove nécessaire pour porter l'ensemble. D'ailleurs, la voix passe beaucoup mieux sur "Won't you come my way", une finale " live " limitée au seul piano, pour accompagnement!
De cet album, je préfère retenir " continuité d'une démarche artistique plutôt que ‘nouvelle direction musicale’. Longtemps Blonde Redhead a été taxé de Sonic Youth du pauvre, à mon humble avis, c'est un faux débat ! L'aspiration authentiquement pop est bien présente chez Blonde Redhead depuis leurs débuts, les déflagrations sonores chères au (plus tout jeune) gourou new-yorkais venant en quelque sorte parasiter ce caractère. L'affranchissement de cette étiquette permet ainsi à Kazu et aux frères Pace de déployer un spectre d'émotions soit banni, soit intellectualisé chez Thurston Moore et sa bande ; d'offrir calmement, en toute sérénité, un vécu. En amenant plus de chaleur, aussi bien dans ses propos que dans sa musique, Blonde Redhead brise ainsi le cocon noisy qui réduisait le trio à un rôle de faire-valoir. Au grand dam des fans de la première heure qui confondent parfois évolution et " traîtrise ", Blonde Redhead a grandi. Le groupe est maintenant prêt à assumer.
Finalement le plus surprenant devient le label...
Autant l'avouer, je ne connais de Blink que les singles. Je me suis donc dit que ce live pouvait être une bonne manière de découvrir, sur la longueur, un groupe qui ne me convainquait guère par ce que j'en avais entendu. Première constatation : c'est plus couillu, plus rapide et plus punk rock que la soupe qu'ils nous servent habituellement. Deuxièmement, il semblerait que nos petits amis aient décidé de créer un climat somme toute bon enfant, en entretenant avec le public un dialogue, certes très proche du Q.I. d'une loutre, mais où la première priorité n'est pas de se prendre trop au sérieux. Pour ce live, Blink 182 montre qu'un concert doit être un bon moment de défoulement et de franche rigolade. De ce côté là, pari réussi. Mais de là à encenser la musique, ne comptez pas trop sur moi…
Troisième album pour ce trio californien, de San Diego très exactement, dont la naissance remonte à 1991. A l'origine, la formation répondait au nom de Blink, à cause de son intérêt commun pour le skate ; mais lorsque les musiciens se sont rendus compte qu'un groupe irlandais répondait également à ce nom, ils ont modifié leur patronyme en Blink 182. 182, correspondant au nombre de fois qu'Al Pacino profère le mot ‘fuck’" dans le film " Scarface ". Ce qui vous donne une petite idée de l'âge mental du groupe. Hormis " Adam's song ", composition qui pose une réflexion sur l'acte du suicide et la chanson romantique " All the small things ", le reste de l'opus n'aborde que des thèmes salaces et machistes. Avec un humour qui vole aussi haut que celui véhiculé dans les cours de récréation par les gamins en culotte courtes. Cependant, si le style musical n'est pas davantage élaboré, il a au moins le mérite de remuer les tripes. Contagieux, mélodique, énergique et même rafraîchissant, il émarge à un punk pop, ma foi fort classique, qui devrait plaire aux aficionados de Green Day, Offspring, Lit, Living End et consorts…
Après les revivalistes sixties, voici les revivalistes seventies. Un quintette qui semble avoir une prédisposition pour les ballades langoureuses, sirupeuses. Pour permettre aux mecs de draguer les nanas sur un slow, quoi ! Six titres qui auraient fait le bonheur des surboums, un quart de siècle plus tôt. Et pour faire encore plus d'époque, le CD arbore une pimpante coloration rose ! (NDR : Qui a dit ça rime avec eau de rose ?). Avec beaucoup d'imagination, Gilbert O' Sullivan aurait bien pu écrire, et surtout chanter ce type de chanson, s'il avait un peu plus écouté Todd Rundgren. Encore, que pour le Philadelphien, c'est sans doute une injure…
Les Chicanos de l'Est Los Angeles ont fait preuve d'audace en sortant un album chanté exclusivement en espagnol. Un opus qui réveille leurs racines mexicaines. Un démarche, à premier abord, déconcertante. Car si la partie rock fait preuve d'une certaine discrétion, la magie roots est opérationnelle. En effet, malgré les cumbias, polkas et boléros, les guitares sont bien branchées aux amplis.
"El Mochilon" montre bien le chemin. J'aime beaucoup le rythme dansant de la "Cumbia de la Carretera" de Manuel Gonzales et Ruben Guaderrama. Les percussions de Mike Molina et de ses amis invités à la fête sont bien accentuées. "Crei" est une jolie ritournelle bien romantique, capable de faire chavirer les cœurs latins. Les instruments traditionnels sont bien sûr de la partie. Et en particulier l'accordéon pour "Grande de Caderas", "Vieja escalera" et "Tu nuevo carinito". Une musique idéale pour déguster vos tacos, guacamole et chili con carne, boire sa margareta en reprenant tous en chœur le "Que si, que si, que no, que no" dans "Coco Rayado"! Ceci dit, je préfère tout de même leurs albums de roots rock, chantés dans la langue de Shakespeare, à l'instar de "Short fuse", "East side soul" ou de "Just for you", tous parus chez Rounder.
Black & White nous vient de Rhode Island, non loin de New York. Une formation composée du chanteur guitariste Mark Wagner, de Don Dimuccio à la batterie et de Kevin Martin à la basse. Le trio compose la grande majorité de son répertoire. Black & White s'est formé en 1990 et, à ma connaissance, ce disque serait déjà leur 3ème album.
Mark empoigne sa slide pour attaquer la plage titulaire. A la manière de Hound Dog Taylor. Le son est brut, primaire, sans concession. Du béton! "Alimony blues" démarre en jump et swing. Caressée d'une manière assez semblable au Ronnie Earl de la belle époque, la guitare est inspirée par T-Bone Walker. Wagner a plus d'une corde à son arc et il aborde avec la même détermination différents registres. Dick Dale serait fier de lui lorsqu'il commet "The Wave", au son surf rock garanti d'époque. Caractérisé par les cordes qui se font à nouveau T-Bone, "Latest in the evening" est le blues lent de rigueur. Favorisé par l'entrée des cuivres, le swing revient pour "Swinging like a big horn band". Porky Cohen est au trombone et Doug James au sax. Ce sont des amis qui, de toute évidence, participent à l'hommage adressé en forme de clin d'œil, à leurs potes de Rhode Island ; le "big horn band", autrement dit le Roomful of Blues. Rock'n'roll sur "Carmelia" ! On imagine Mark faire des pas de canards lorsqu'il sort son solo tout en rythme! Shuffle à la texane sur "Ive been down before". En finale, le jazzyfiant "Texas swing" rapproche Wagner de l'une de ses influences majeures, Charlie Christian. Mais il faut reconnaître qu'il est souvent inspiré par deux anciens gratteurs de Roomful of Blues : Ronnie Earl déjà cité, et Duke Robillard. Ce qui ne peut être qu'une référence. Cet album est très bon et, par conséquent, bien trop court.
Les sept fragments réunis sur cet opus sont extraits de la bande sonore du long métrage de Lars Von Trier, " Dancer in the dark "; film musical qui, je vous le rappelle, avait décroché la palme d'or lors du dernier festival de Cannes. Vous avez déjà eu l'occasion d'écouter ou d'entendre, sur l'une ou l'autre station radiophonique, " I've seen it all ", chanson interprétée en duo par Thom Yorke (NDR : le chanteur de Radiohead, si c'est nécessaire de vous le rappeler !) et Björk. Une composition qui devrait vous permettre de vous donner une petite idée du climat qui règne tout au long de ce disque. Sur lequel, hormis l'ouverture instrumentale, Björk exerce tout son talent de vocaliste (NDR : et quel talent !) sur une trame sonore déchirée entre orchestrations symphoniques (NDR : qui a dit orgasmiques ?), music hall hollywoodien, technologie moderne et bruitages post industriels…
Voilà une solide paire de vieux couteaux réunis pour le meilleur (NDR : et pas pour le pire !). Longtemps guitariste du Paul Butterfield Blues Band, Elvin Bishop y a notamment côtoyé Mike Bloomfield. Albert ‘Little Smokey’ Smothers est né en 1939 dans le Mississippi. Il est le frère cadet du regretté Otis ‘Smokey’ Smothers. Depuis 1956, il s'est fixé à Chicago, la cité du blues, où il a pu intégrer le style des meilleurs, comme Magic Sam et Otis Rush. Fin des années 50, il est devenu le guitariste de Howlin' Wolf. Il joue au début des 60s en compagnie du jeune harmoniciste blanc, Paul Butterfield, qui sera remplacé par… Elvin Bishop. Depuis cette époque Elvin voue une grande admiration à Albert. Il le considère, en effet, comme son maître à jouer. Little Smokey jouera ensuite de nombreuses années dans le Legendary Blues Band.
L'album a été enregistré live, tout début de l'an 2000, au Biscuits & Blues de San Francisco, flanqué du backing band d'Elvin. Il débute en funk chaleureux par "That's my partner". Ecrit et chanté par Bishop, les deux guitares rivalisent d'adresse face à la section rythmique et au front de cuivres. La paire s'engage alors dans un superbe "Roll your moneymaker". La joie de jouer se dégage irrésistiblement lorsque les deux compères reprennent en chœur le refrain. Elvin se déchaîne sur les cordes, imprimant un style très californien. Le vigoureux "Slow down" permet aux cuivres, partagés entre Terry Hanck au sax et Ed Earley au trombone, de tirer leur épingle du jeu. Mais ces vieux artisans du blues sont chez eux dans le Chicago Blues. C'est avec aisance et facilité qu'ils abordent "Little Red Rooster" ou plus tard "Annie Mae". Smokey s'y sent tellement chez lui. S.E Willis se montre en évidence au piano. "The skin they're in", extrait du dernier album de Bishop, passe superbement la rampe. Elvin empoigne sa slide pour attaquer "Stomp", avec des percussions tribales de Bobby Cochran. Ce titre qui accueille en invité l'harmoniciste Steve Gurr, libère une fameuse dose de groove. L'intérêt se maintient jusqu'au bout du concert, dans un festival de guitares imprimées sur un rythme nonchalant, tout au long de "Pleading with you" et de "Dirty Drawers". Un très bon album!
Qu'est-ce qui distingue un groupe d'ambient d'un autre ? Poser la question, c'est y répondre : pas grand chose. La différence, Biosphere la cultive à travers le digipack et surtout le livret : soigné avec de belles photos de nature (sans trace d'homme évidemment). Le message qui sous-tend ce concept est le respect, la beauté de l'environnement, de notre ‘biosphère’... Et la boucle est bouclée : " Cirque ", mais aussi circulaire, donc autour (revoilà la nature). La musique de Biosphere tourne en rond, mais au bout du compte nous explique en musique sa philosophie de cette nature... En tout cas, la formation n'est pas prête de passer en ‘after party’ de la scène hardcore d'un festival.
Frank Biner est originaire de Milwaukee, dans le Wisconsin. Sa famille avait émigré dans l'Illinois en 1965 ; et c'est là, aux portes de Chicago, qu'il a découvert le blues. Fin des années 60, il part s'installer sur la côte Ouest, à San Francisco très exactement, dans le sillage de son maître, le merveilleux Mike Bloomfield, ex-Paul Butterfield Blues Band et Electric Flag.
Frank aime par dessus tout le R&B. Il collabore régulièrement avec des membres du brass band, Tower of Power. Biner est un superbe chanteur guitariste. Il écume d'ailleurs toujours aujourd'hui les clubs de la West Coast avec son band, Soul Patrol. En Europe, le label allemand Acoustic nous l'a fait découvrir. " Fixin' to jam " constitue déjà son 4ème album. Il fait suite à "The First Class Blues Band proudly présents… Frank Biner", "Time to move on" et "Frank B. is back in town". Frank vient de traverser l'Atlantique une fois de plus pour mettre cet album en boîte, en compagnie de musiciens allemands.
"Oil and water" est une ouverture soul. La mélodie est bien sentie, la voix s'exprime déjà à travers quelques cris, poussés à la James Brown. Mais le blues est bien présent. Un blues de classe ! "Lonesome highway" et "Rebel" sont dépouillés à l'extrême. Le célèbre beat de Bo Diddley permet à tout le band de s'éclater sur "Down on Santa Pablo Ave". Evadé de sa Virginie, l'américain Doug Jay souffle dans l'harmonica. Une guitare aux accents métalliques annonce le rythmé "Down on Broadway". Ce rythme appuyé fait ressortir admirablement la puissance naturelle de la voix. Armé de sa slide acoustique, l'Allemand Jan Hirte vient teinter de country la ballade "Little Miss behaver". Frank vient déclamer son histoire en introduisant le somptueux "Don't answer the door". Un blues velouté, tendre, écrit par Jimmy Johnson, et dont l'interprétation est si proche de B.B King. Un moment merveilleux! Coupure d'électricité pour "You ain't all that". Les cordes de Hirte et de Biner épousent celles (vocales cette fois) du chanteur et font mouche. Une quiétude qui perdure au retour de Doug Jay sur la plage titulaire. Cet excellent album se referme sur une longue supplique jazzy, baptisée "Brandy".
Le moins que l'on puisse dire, c'est que la musique de Beulah n'est pas minimaliste. Et pour cause. Si le quintette se partage guitare, trompette, claviers, drums, moog et chant, il bénéficie surtout d'une véritable armée de collaborateurs. Des tas de cuivres et de cordes, mais également un flûtiste, un accordéoniste, et plus insolite encore, un joueur de sarangi et de tabla. Tout un arsenal mis au service d'une pop mélodique, fragile, qui navigue à la croisée des chemins des Beach Boys, des Beatles et d'un Pavement qui aurait opté pour la hi fi, plutôt que la lo fi. Parce que les arrangements sont particulièrement riches, soignés, à la limite ‘philspectoresques’. Ce qui ne nuit cependant pas aux chansons de ce " When your heartstrings breaks " qu'il serait idéal de savourer en sirotant un cocktail sur la terrasse d'un bar, le long d'une plage ensoleillée ; et si possible californienne. Mais là, faudra peut-être attendre de gagner au lot(t)o...
Il faut reconnaître que la période baptisée ‘British Blues Boom’, de la fin des 60s, a fait beaucoup de bien au blues. La guitare était reine, et peu d'harmonicistes de grand calibre on fait leur nid au cœur de cette période. Duster Bennett a été l'un de ceux-là. Ce qui lui a valu d'enregistrer plusieurs albums sur le label mythique Blue Horizon, sous la houlette de Mike Vernon.
Il y a un quart de siècle que Duster est décédé tragiquement dans un accident de la route. Le label Indigo a fait un travail extraordinaire pour perpétuer la mémoire de ce musicien si attachant. " Shady little baby " constitue le 6ème album posthume paru chez Indigo ; mais pour la première fois, des archives ont été dépoussiérées. Duster était un homme-orchestre du blues, un adepte de Juke Boy Bonner. Chantant et jouant de tout au même moment, cet homme respirait le blues par tous les pores de la peau. Il possédait un feeling assez déconcertant.
Nous démarrons loin dans le temps, en 1965 très exactement, par "San Francisco Bay blues", une reprise de Jesse Fuller opérée dans le style jug band ; et une très belle version du "Beggin' woman" de Cousin Joe. En 66, il improvise "Take the train out in the morning" sur le riff de "Help me" (de Sonny Boy). Deux plages ont été prises live en 1967, dans le métro. Mais le son est tellement pourri, que ce ne peut être que des documents. J'aimerais encore pouvoir m'arrêter dans les couloirs de l'underground londonien et entendre de tels musiciens. On y retrouve également quelques démos. Elles étaient probablement destinées à lui permettre de décrocher l'un ou l'autre contrat. Elles datent de 68. "Shady little baby" est un remarquable blues marqué par le style swamp des studios de Jay Miller. Le rythmé "Worried mind" est de la dynamite et "Fresh country jam" un instrumental qui prouve toute sa maîtrise de l'instrument à bouche. Cette démo introduite par Peter Green lui permettra de signer chez Blue Horizon. Toutes ces plages seront cependant réenregistrées dans de bien meilleures conditions techniques. Quand j'écoute "All that I need", je me dis qu'hormis le Peter Green de la grande époque, peu d'Anglais ont chanté le blues avec tant de sensibilité. Quand l'homme interprète Gerschwin "Summertime", il laisse filtrer l'émotion. En fin d'album, nous retrouvons Duster pour un répertoire très différent de ce qui précède. Tantôt accompagné d'autres musiciens. Section rythmique ou cuivres. Tantôt entouré de certaines célébrités, telles Peter Frampton, Nicky Hopkins ou Pete Wingfield. Ce nouveau chapitre de la Bennett story est surtout réservé aux inconditionnels.
Bien qu'issu de New-York, Boss Hog a connu deux histoires totalement différentes. La première s'est achevée en 1992, suite au décès de Charlie Ondras. Le line up de cette formation impliquait alors également un autre musicien d'Unsane, Pete Shore ; et puis Kurt Wolf de Fœtus et Jerry Teal des Honeymoon Killers. Ce sont finalement Jonathan Spencer (leader du Jon Spencer Blues Explosion) et sa compagne Christian Martinez qui ont repris le patronyme à leur compte, flanqué de trois nouveaux musiciens. En l'occurrence l'ex bassiste du Swans Jen Jurgensen, le claviériste Mark Boyce et la drummeuse Hollis Queen.
" Whiteout " constitue le deuxième album du quintette, en cinq années. Un disque qui a bénéficié du concours de Tore Johansson (Cardigans), à la production. Pas étonnant, dès lors, que l'emballage soit plus pop. Garage pop, même. A cause de l'omniprésence des claviers fluides, psychédéliques. Encore qu'on y retrouve des traces de funk et même de hip hop. Ce qui n'empêche pas Jon Spencer laisser une même empreinte ‘urban blues’, de ses riffs de guitare marécageux, sordides, agressifs. Et puis d'alimenter, de gémissements caverneux, ‘luxintériorisés’, son dialogue avec le timbre glamoureux, trouble, sensuel de Christina ; auquel participe, de temps à autre, celui puis puissant, mais tellement clair et efficace de Hollis. Bref, un chouette opus que je vous recommande chaudement, nonobstant son profil moins rebelle…
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