Premier album pour Lazlo Bane, un quatuor bostonien drivé par un certain Chad Fischer. Drummer à ses heures, ce personnage cumule, au sein du groupe, les fonctions de chanteur, de guitariste, de compositeur et même d’ingénieur du son. Pas pour rien que dans le passé, l’ex Wall of Voodoo, Andy Prieboy, s’était attaché ses services. Faut dire que Chad s’est forgé une solide expérience en bossant comme un dingue. Le plus souvent en solitaire. Dans une cave aménagée de sa maison. Il a ainsi enregistré une multitude de démos, sur son ‘quatre pistes’. Un acharnement qui lui a permis de constituer un véritable patrimoine, dont bénéficie aujourd’hui son Lazlo Bane. Chad n’aime pas trop les fioritures. Qu’il juge néfastes à la propagation de l’énergie vitale, de l’intensité à l’état pur. Ce qui n’empêche pas sa musique de laisser transparaître des influences, volontaires ou involontaires. Et nous pensons, ici, plus précisément à Weezer, Presidents of USA et à Super Deluxe, mais épurés de leurs arrangements plus ou moins sophistiqués. Beaucoup d’électricité, donc, sur les onze fragments de ce disque, qui recèle, en outre, une cover assez réussie d’"Overkill ", de Men At Work .
Franchement ce type a une voix étonnante. Un baryton profond, spectral, fragile, sensuel et fiévreux, qu’on ne retrouve pas sur les albums de Screaming Trees. Pour rappel, Mark est également le chanteur de cette formation. Mais, en solitaire, il parvient à donner une autre dimension à sa voix. Un peu comme un bluesman ou un crooner. Sans soute, parce que la musique qu’il joue en solitaire est beaucoup plus paisible, jouant sur la subtilité des nuances, plutôt que sur la tonicité du son. " Scraps at midnight " constitue déjà son troisième effort solo. Un disque sur lequel on retrouve quelques invités de marque et notamment John Mascis (Dinosaur Jr.), Tad Doyle (Tad), et puis surtout le multi instrumentiste Mike Johnson, qui par ailleurs produit cet opus. Un album très rafraîchissant, dont les chansons parlent surtout d’amour et de trahison. Dix titres qui évoquent tour à tour, American Music club, Tim Buckley, Greg Sage, Neil Young et même Chris Isaak, comme sur le morceau qui ouvre le CD, " Hospitals roll call ". Indispensable !
Imaginez un peu Lou Reed établi à Nashville, pas à New York. C’est sans doute la musique qu’il aurait composée, s’il avait effectué le premier choix. C’est également la meilleure manière de vous donner une petite idée du style pratiqué par Lambchop, que nous pourrions qualifier de néo country. D’abord, il y a la voix de Kurt Wagner. Aussi subtile que des plumes, mais aussi noire que le goudron. Son écriture. Aussi troublée que celle de Stuart Staples. Ensuite, le virtuose de la steel guitar, Paul Niehaus, dont le jeu évoque instantanément Cowboy Junkies. Enfin, il y a onze autres musiciens qui se partagent une foule d’instruments afin de confectionner une musique atmosphérique, minimaliste, indolente, un peu comme chez Smog, Palace ou Sophia. Mais Lambchop se montre beaucoup moins stéréotypé que ses condisciples. Et il le démontre sur ce " Thriller ". Qui recèle notamment un fragment postcard, " Hey, where’s you girl " (Orange Juice ?), un morceau enrobé d’orchestrations aussi grandioses que chez My Life Story, " Your fucking sunny day " ; et qui réserve une place au psychédélisme atmosphérique sur le titre maître, sorte de rencontre impromptue entre Tortoise et Labradford. Etonnant !
On ne peut pas dire que dans le passé, Lungfish était notre tasse de thé. Pas que sa musique était de mauvaise facture, mais beaucoup trop claustrophobe et oppressive pour vraiment nous botter. Bonne nouvelle, ce nouvel opus affiche de bien meilleures dispositions. D’abord, Daniel Higgs semble avoir soigné sa laryngite chronique, et puis, son timbre rocailleux est tempéré par une deuxième voix beaucoup plus claire. Ensuite, le quatuor de Baltimore accorde une plus grande place aux passages instrumentaux, atmosphériques en particulier, tantôt ‘cold’, tantôt étrangement inspirés par le Jefferson Airplane. Mais ce qui nous a vraiment séduits chez Lungfish, c’est son groove, que nous pourrions rapprocher de celui qui était pratiqué début des eighties par Hunters & Collectors…
Très peu d’informations sur ce Lullaby for The Working Class, pourtant responsable, à ce jour, de deux albums. Une formation issue du Nebraska qui, tout comme Lambchop, Palace et autre Smog, tente de remettre la musique country au goût du jour. C’est à dire une country toute en atmosphère, sombre, le plus souvent dispensée dans un espace minimaliste. Tout comme " Warm blanket ", le précédent opus, " I never asked for light " obéit aux mêmes critères, même si la texture est enrichie tantôt par une section à cordes, tantôt par des percussions ethniques, tantôt par une instrumentation basiquement rock, à l’instar des Walkabouts…
La légende raconte que lorsque Low se produit en public, on peut entendre les musiciens respirer, tant leur musique est calme, léthargique, fragile. Le trio du Minnesota s’était illustré, à ses débuts, en commettant une version à la fois étonnante et ralentie du célèbre " Transmission " de Joy Division. Une cover qui deviendra, en quelque sorte, le signe distinctif du style pratiqué par le groupe. Mélancolique, visionnaire, morose, dans l’esprit de Codeine ou de Spain, mais en plus atmosphérique, en plus paisible. Six fragments composent ce " Songs for a dead pilot ", six longues mélopées épisodiquement glacées par les chuchotements spectraux de Mimi Parker et d’Alan Sparhawk. Rarement le nom d’un groupe n’aura été aussi en harmonie avec sa musique : Low…
Deuxième album pour Love Spit Love, groupe fondé en 1992 par les frangins Butler, à l’issue du split de Psychedelic Furs. Un disque aussi brillant que son précédent éponyme. Parce qu’on y retrouve à nouveau quelques chefs-d’œuvre à consommer sans modération. Notamment le single " Long long time ", le contagieux " Well, well, well " ou encore le ténébreux et mélancolique " It hurts when I laugh ". Richard accorde toujours autant d’importance à ses textes, des textes autobiographiques, philosophiques, qu’il chante toujours avec conviction, de sa voix caractéristique, rauque, un peu cassée, en nous invitant à explorer les tréfonds de sa pensée, hantée par les thèmes de l’amitié, de l’amour, de la vie et de la mort. Quant au climat musical, il nous rappelle instantanément la bonne vielle cold-wave de Mission et de … Psychedelic Furs (évidemment). Mais aussi, et c’est nouveau, la pop pratiquée par House of Love, Garbage, Died Pretty voire le rock d’un Pearl Jam converti à la technologie moderne. Et ce mélange de sensibilités américaine et européenne très homogène, mis en boîte par Ben Grosse, producteur du Red Hot Chili Peppers, laisse parler les guitares tranchantes sur des rythmes décapants… Dans ces conditions, il ne serait pas étonnant de retrouver ce " Trysome eatone " parmi les musts de cette année.
Nous ne sommes pas particulièrement réceptifs au heavy metal, ce n’est plus un secret pour personne. Pourtant, il faut reconnaître que dans le style, Metallica est devenu un monstre sacré. Le chiffre de vente de ses six albums précédents en est la plus belle illustration. En fait, au risque de nous répéter, nous n’avons jamais mis en cause la compétence des musiciens, mais plutôt celle du vocaliste. Plus enclin à vociférer comme un possédé que de chanter. Or James Hetfield possède une belle voix, profonde, gutturale, pas seulement un organe phonique. Il l’avait déjà prouvé su " Load ". Il le confirme sur " Reload ". Bien sûr, il a encore tendance à s’égosiller inutilement, mais depuis 1996, nous avons découvert une modulation du timbre que nous ne lui connaissions pas. Mais peut-on vraiment parler de confirmation, puisqu’il a été enregistré à la même époque que " Load " ? D’ailleurs, à l’origine, Metallica comptait sortir un double elpee. Puis s’est ravisé pour finalement le scinder en deux morceaux de plastique différents. Mais venons-en à ce septième opus. Toujours produit par Bob Rock, il bénéficie de la présence de Marianne Faithfull. Sur le single " The memory remains ". Et puis recèle quelques petites perles. Notamment le somptueux " Carpe diem baby ", l’irrésistible ballade " The unforgiven II ", digne de Pearl Jam ", et enfin l’atmosphérique, presque underground " Where the wild things are ". Maintenant, les disciples du heavy metal, vont peut-être la trouver saumâtre. Certains risquent même de les renier. Ce sera peut-être le prix à payer par Metallica pour réussir sa reconversion. Mais à notre humble avis ils n’auront guère de difficulté à convertir un nouveau public. Enfin, au vu de ce " Reload "…
Pour de la provocation, c’est de la provocation ! Alors que le quintette mancunien s’était vu reproché, sur son premier album, d’avoir beaucoup trop marché sur les plates-bandes du défunt et mythique Smiths, il vient tout simplement de recruter leur ex-manager et de choisir Johhnny Marr pour produire " The program ". Heureusement, si inspiration il y a, elle se situe surtout au niveau du sens mélodique. Le groupe cherchant plutôt ses racines du côté du glam (Suede ?) de la power pop (Buzzcocks) et surtout de la britpop électrique. A cause de l’intensité querelleuse échangée entre les guitares. Curieux hybride d’arrogance et de mélancolie, l’album souffre cependant d’un ton un peu trop monocorde à notre goût. Seuls " Strangers " et le final remarquable " Comeback " parviennent à nous sortir d’une certaine lassitude, qui s’installe au fil de l’écoute…
Curieux personnage que ce Brian Warner alias Marilyn Manson. Maquillé outrageusement jusqu’à la limite de l’androgyne, il pourrait camper un hybride entre Alice Cooper, David Bowie circa Ziggy Stardust et le défunt Rozz Williams de Christian Death. Son objectif ? Symboliser à travers son attitude et ses textes, une perspective alternative de la moralité, de la sexualité, du succès, de la religion, de la politique et même de la société. C’est vrai qu’aujourd’hui, il constitue surtout le cauchemar le plus sérieux des fascistes du rock’n’roll. Si à l’origine, la musique de Marilyn Manson macérait dans une sorte de death metal fortement imprégné de caractéristiques post industrielles, à l’instar de Thrill Kill Cult ou de Nine Inch Nails, son quatrième opus, " Mechanical animals ", est chargé d’ions émotionnels. Mais négatifs. Pensez un peu à Sisters of Mercy et à Bauhaus, lorsque les cordes de guitare claquaient comme des armes de destruction mortelle. Et tout comme chez ces formations gothiques légendaires, au fil de l’écoute, une mélancolie extrême et insidieuse envahit le plus profond de votre âme…
John Wozniak est un nostalgique de son passé d'étudiant, puisqu'il s'est inspiré du nom de l'école qu'il a fréquenté à Minneapolis, pour choisir le patronyme de son groupe. Un trio qui a quand même déjà décroché un disque d'or aux States, grâce au single " Sex and candy ". John en est le leader, mais aussi et surtout le responsable des lyrics. Des textes le plus souvent autobiographiques qu'il chante d'une voix bien yankee, sur une musique tantôt franchement post grunge (Nirvana ? Pearl Jam ? Smashing Pumpkins ?), tantôt pop, mais avec la sensibilité mélodique d'un World Party, notamment lorsque l'instrumentation se fait beaucoup plus acoustique, et s'enrichit d'orchestrations plus sophistiquées, voire d'un violoncelle, comme sur le superbe " One more suicide ", tantôt encore plus rock que pop, mais avec l'esprit tordu, humoristique de Presidents of the USA.
Le deuxième album de Mansun s’est littéralement fait descendre par la presse spécialisée aux Iles Britanniques. Celle-ci reproche, en fait, au quatuor de Chester de s’être un peu trop inspiré de la musique progressive des seventies. Et en particulier du Genesis de l’archange Gabriel, de Yes, Gentle Giant, des Doors et surtout du Floyd. Progressif d’accord ! Mais si inspiration de ces dinosaures il y a, elle est loin d’être évidente. En fait, la complexité de leur musique procéderait plutôt d’une glamourisation d’une certaine forme de new wave du début des eighties. Et on pense, ici, plus particulièrement à Magazine et à Cult. D’ailleurs, la voix de Paul Draper, possède dans son registre, des inflexions très proches de celle de Ian Ashbury. Une voix assez exceptionnelle, il est vrai, nous rappelant même parfois Roland Orzabal de Tears For Fears. Glamourisation, à l’instar de Suede, mais aussi et surtout de ce Tears For Fears, tant le soin apporté aux harmonies vocales est impressionnant. Sur " Witness to a murder (part two) ", le groupe a même fait appel à trois soprani. Ce qui n’empêche pas les guitares d’être bien saignantes et les compositions de se révéler bien équilibrées. Mais il est exact qu’en dispensant des compositions aussi longues et raffinées, il est difficile de rester confiné au sein de l’univers de la pop…
Sale blague pour le trio gallois, dont le single " If you tolerate this your children will be next " n’est pas sorti aux States, parce que son titre est trop long… Ce qui démontre, une nouvelle fois, que les Yankees sont vraiment gangrenés par leurs principes. Mais venons-en au cinquième elpee de Manic Street Preachers. Un disque très inspiré et profond, mais beaucoup moins dépressif que " The holy bible " ou " Everything must go ". D’abord, les textes ont été écrits, et ce pour la première fois, exclusivement par Nicky Wire. Ensuite, le groupe semble avoir fait (définitivement ?) son deuil de la disparition de Richey James. Les textes peuvent ainsi, à nouveau, aborder des thèmes plus engagés, à l’instar du tout premier elpee, " Generation terrorists ", traitant tantôt de la tragédie d’Hillsborough, de la perte d’identité de la culture galloise, de dépression clinique, etc., etc. ; sans oublier l’évocation historique, sur le single, de la participation de volontaires gallois dans la guerre civile espagnole, ainsi que l’inévitable hommage au regretté Richey, sur " Nobody loved you ".
Trio belge composé de deux rescapés du défunt Soulsister, soit Joost Van den Broeck à la batterie et surtout Jan Leyers à la guitare, et d’un bassiste néophyte mais pour le moins excellent, Filip Cauwelier, My Velma vient d’enregistrer un premier album. Un disque pour lequel, le trio a reçu le concours de quelques potes, et notamment l’ex-Company of State, Rudolf Hecke. Un opus ambitieux, parfois même brillant, au cours duquel le combo a réussi la parfaite osmose entre l’énergie et la puissance du rock américain des Buffalo Tom, Green on Red ou Crazy Horse et la finesse de la pop anglaise. Aussi bien pratiquée, 30 ans plus tôt par les Kinks, que par des contemporains tels que The Verve, Bernard Butler (ex-Suede), voire Oasis. Des riffs de guitare torturés, une section rythmique riche en finesse et en explosivité qui régule une structure musicale atmosphérique, mystérieuse, où les sonorités généreusement électrifiées, chaleureuses, parfois teintées de country voire de grunge, collent parfaitement à la voix fragile, profonde de Jan. Une révélation !
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