Vous aimez le popcore ? Et tout particulièrement Green Day, Bad Religion, Minor Threat, les Descendants et même Hüsker Dü ? MxPx devrait vous botter ! Un trio yankee issu de la banlieue de Seattle, dont la moyenne d’âge ne dépasse pas 21 ans. Responsable de quatre albums à ce jour, le groupe a même décroché un hit, l’an dernier, avec " Chick magnet ", composition qui figurait sur l’album " Life in general ".
Disciple de Scott Fitzgerald et de Robert Zimmerman, Elliott Murphy aurait mérité de connaître le même succès que celui de Bruce Springsteen, avec lequel il est d’ailleurs lié d’amitié depuis bien longtemps. Mais cet enfant de Long Island n’était pas né sous une bonne étoile. Pas pour rien d’ailleurs qu’il soit surnommé " the looser ". Pourtant, il compte des tas d’admirateurs célèbres, parmi lesquels on retrouve Peter Buck, les Violent Femmes, Lou Reed, Tom Petty, Costello ou même le producteur des Doors, Paul Rothchild. Depuis 1986, il s’est installé à Paris où il vit toujours aujourd’hui, en compagnie de son épouse et de son fils. Il continue cependant de tourner. Souvent dans les petits clubs. Trop rarement à l’étranger. En général armé de sa ‘six cordes’ acoustique, mais parfois aussi flanqué de quelques potes, juste le temps de faire un bœuf. Ce qui ne l’empêche pas de continuer inlassablement à enregistrer des disques. " Beauregard " constitue ainsi son 17ème ! Une œuvre qui privilégie les climats intimistes mais dont la dimension littéraire a pris un caractère tellement provocateur qu’on ne peut s’empêcher de penser à Bob Dylan, lorsqu’il était au comble de sa contestation sociopolitique. Treize titres qu’il chante d’une voix chaude, mi-reedienne, mi-springsteenienne, en s’appuyant sur un groupe qui se partage basse, mandoline, violon, harmonica, slide et drums feutrés. Et à première écoute, on se met à penser au " Harvest " de Neil Young, à " Bring’em all " de Mike Scott voire à " In the pines " des Triffids. A cause des mélodies toutes en nuances et en subtilité, sans doute. Mais après mûre réflexion, c’est encore avec le boss qu’Elliot a encore le plus d’affinités sur ce " Beauregard " ; en particulier lorsqu’en pleine phase minimaliste, il avait commis " Ghost of Tom Joad " ; si nos souvenirs sont bons, c’était en 1995…
Après avoir effectué une tournée de près de deux ans, sous une formule exclusivement acoustique, l’ex-leader du mythique Hüsker Dü nous revient chargé d’électricité. Ce qui ne veut pas dire qu’il n’ait pas consacré cette nouvelle expérience au service de son nouvel essai solo, " The last dog and pony show ". Au contraire ! Mais le plus important, c’est qu’il n’ait rien perdu du sens mélodique hymnique qui le caractérise distinctement dans l’univers de la popcore. Que sa ‘six cordes’ continue de cracher cette intensité délicieusement cinglante, sauvagement vivifiante. Cependant, à l’instar de son précédent opus éponyme, il a utilisé une plus grande palette instrumentale et même technologique, comme les samplings. Se réservant les guitares (électriques et acoustiques), la basse et même les claviers. Sans oublier le chant. Seul Matt Hammon assure les drums. Quant à Alison Chesleyex Cilynsky, elle ne joue du violoncelle que sur deux titres. Une œuvre complète, sans la moindre faiblesse, ni le moindre remplissage. Excellent !
Après avoir commis un elpee remarquable en 1997, " Angels & Daemons at play ", opus qui allait d’ailleurs valoir au groupe norvégien de figurer parmi nos meilleurs albums de l’année, Motorpsycho nous revient avec un double CD. Une œuvre qui nous replonge dans cet univers si particulier, si progressif dans le sens le plus pop du terme. Parce que dans l’art de recycler le passé, pour le conjuguer au présent, cet ensemble se débrouille plutôt bien. Ce qui explique, sans doute, pourquoi, tout au long de ce " Trust us ", on y retrouve pêle-mêle, et à des degrés divers, des traces de Jefferson Airplane, Mike Oldfield, King Crimson, Hawkwind, Yes, Neil Young, Syd Barrett, Stones voire de Led Zeppelin, et dans un registre plus contemporain, de Spacemen 3, Sonic Youth, Sebadoh, Tortoise ou Pavement. Un album riche, très riche même… en découvertes.
Si à l’origine, Monster Magnet pratiquait un hardcore teinté de psychédélisme, sorte de Black Flag acidifié par les visions cosmiques d’Hawkwind ; au fil du temps, le quatuor a viré au heavy metal, pour finalement tomber dans la marmite au hard rock. Sur son dernier opus " Powertrip", on a même parfois l’impression de devoir réingurgiter les clichés les plus éculés de Rush, formation qui avait eu ses heures de gloire à la fin des seventies. Enfin, si vous venez exclusivement chercher votre dose de décibels, Monster Magnet ne devrait pas vous décevoir…
Vous vous souvenez certainement encore de leur single, " Popular ", commis voici déjà deux ans. Une chanson qui allait faire un véritable tabac dans les charts internationaux. Dans la foulée, le trio enregistrait un premier album, " High/low ". Produit par Ric Ocasek, il libérait un pop punk bien incisif, hymnique, mais savoureusement léché. Nonobstant ces qualités, cet opus ne rencontra pas le succès mérité. Aujourd’hui, la formation nous revient avec un deuxième elpee, intitulé " The proximity effect ". Derrière les manettes, on ne retrouve cependant plus l’ex Cars, mais Fred Maher, dont la carte de visite épingle la mise en forme d’oeuvres de Material, Scritti Politti, Luna, Matthew Sweet et surtout Lou Reed. Ce qui a probablement été une erreur. Car si les mélodies sont toujours aussi contagieuses, l’instrumentation manque singulièrement de relief, de cinglant. Et de superbes chansons comme " Hyperspace ", " Mothers’s day " ou " Dispossession ", parviennent trop difficilement à faire la différence. Dommage ! Surtout pour un groupe qui est parvenu à conserver, sur les planches, cette réputation de groupe électrique dans le sens le plus sauvage du terme…
Sincèrement, nous n’imaginions pas que Lisa Germano et les musiciens de Giant Sand auraient pu, un jour, se réunir. Surtout pour enregistrer un album ensemble. Et pourtant, c’est ce qu’ils viennent de faire en commettant ce " Slush ". Avec un résultat qui dépasse les espérances. Si Lisa a conservé toute cette fragilité spectrale qui la caractérise, John Convertino, Joey Burns et Howe Gelb ont soigné leurs visions expérimentales pour les rendre plus mélodiques. Il se dégage d’ailleurs, tout au long de cet opus, une sensualité moelleuse, un climat intimiste, tellement chaleureux qu’il provoque un formidable épanchement d’intensité émotionnelle. Un peu comme si Mazzy Star et Lou Reed avaient décidé d’enregistrer ensemble. Encore que la voix de Lisa évoque plutôt Kristin Hersh alors que Howe Gelb possède un timbre plus proche de Lee Hazlewood que de l’ex chanteur du Velvet Underground. Le disque recèle d’ailleurs une cover de l’ex-partenaire de Nancy Sinatra, " Sand ", et puis également une autre de Neil Young, " Round and round ". Superbe !
Près de vingt ans que ces guerriers de Bradford mènent leur combat contre le fascisme, le capitalisme, l’impérialisme américain et même la drogue. Sous le gouvernement Thatcher, le groupe avait même pris pour cible la fameuse ‘poll tax’. En 1998, NMA persiste et signe en dénonçant les injustices sociales adoptées par les conservateurs et reconduites par les travaillistes (!) Mais ce sont surtout les guerres d’aujourd’hui et d’hier qui alimentent les lyrics de ce « Strange Brotherhood ». Un septième album qui a été enregistré sous la houlette de Simon Dawson, ex-producteur des Stone Roses. Avec pour résultat, des sonorités plus raffinées et des arrangements nourris, impliquant même une section à cordes, et une autre à cuivres. Une richesse opérée, en fin de compte, au détriment de chansons fondamentalement hymniques, rageuses et rebelles. On est d’ailleurs ici à des années-lumière de leur folk punk celtique, pratiqué à leurs débuts.
Agé aujourd’hui de 65 ans, Good O’le Willie a toujours le feu sacré. Non seulement, il a vendu plus de 30 millions d’elpees, mais surtout, il a participé à l’enregistrement de plus de 200 albums. Une performance qui lui a valu, en retour, d’être interprété par plus de 100 artistes différents. Sa voix légèrement nasale ne semble même pas avoir été altérée par le poids des ans. Et puis, lorsqu’on sait que Daniel Lanois –dont la carte de visite mentionne U2, Luscious Jackson, les Neville Brothers, Brian Eno et Bob Dylan– s’est assuré la production, tout en participant aux sessions d’enregistrement, on est en droit de s’attendre à une bonne surprise. Pour ceux qui ont la mémoire courte, nous vous rappelons que Lanois était parvenu à remettre le Zim sur les rails, lors de la sortie de « Oh Mercy ».
« Teatro » épingle, en outre, plusieurs grands classiques de Willie : « I never cared for you », « My own peculiar way », « Home motel », « The startingly on the faith of the earth », et trois fragments qui datent du début des eighties, à l’époque où il séjournait à Nashville. Mais des chansons interprétées sous un angle plus atmosphérique, il faut le souligner. D’autant plus qu’Emmylou Harris est venue se joindre à l’équipe pour assurer les backing vocaux. Un disque qui émarge bien sûr à la country, mais pas la country traditionnelle, à cause de ses incursions dans le jazz, le blues, le r&b et le Tex Mex.
Partagé équitablement entre deux nanas et deux mecs, cet ensemble établi à Atlanta, en Georgie, pratique un punk rock pur et dur, chargé d’humour et de sensualité ; mais surtout amphétaminé par l’énergie et l’esprit des AC/DC, Ted Nugent, Ramones, Stooges et consorts. Pas de place, donc, au farniente, Nahville Pussy déchargeant son adrénaline et sa férocité à du cent à l’heure, tout au long de l’opus. Cependant, si au départ, on trouve la démarche amusante et très excitante, au bout de trois morceaux, on range (NDR : délicatement ?) le CD dans son boîtier. Seule la reprise de Smokey Robinson, immortalisée début des seventies par J Geils Band, " First I look at the purse ", sort un peu la tête de l’eau (NDR : du lot ?).
Tout comme Stereolab, Quickspace, orphelin de son Supersport, puise ses influences majeures dans la krautrock de Can et de Neu. Mais si leurs mélodies rampantes épousent basiquement un groove hypno répétitif, elles ne sont certainement pas rétives au monde extérieur. Et sûrement pas au psychédélisme de Spacemen 3, voire de My bloody Valentine, au grunge de Nirvana, à l’exotisme cher à Laïka, l’ambient de Brian Eno, la lo fi de Swell, le métal cosmique hawkwindien et la bande sonore cinématographique enniomorriconesque. Ce qui permet au quintette londonien de vagabonder au gré d’une inspiration souvent débridée, certainement originale, issue de la plume d’un certain Tom Cullinan. Ex Faith & Healers, il cumule les fonctions de compositeur/lyriciste/guitariste, mais également de chanteur. Rôle qu’il partage avec Nina. Autre atout féminin, Quickspace peut compter sut la présence de Wendy au violon. Autrefois confinée dans un rôle de musicienne de studio, elle avait notamment participé aux enregistrements de Balaam & the Angels. Si ce " Precious feeling " s’ébroue suivant un train de sénateur, au fil des fragments, les compositions prennent de l’ampleur, pour atteindre avec l’instrumental " Good bye precious mountain " un sommet dans l’art de la mélodie atmosphérique…
Démarche originale pour Primal Scream qui ressort " Vanishing point " en version dub. Un exercice de style assumé par le célèbre Adrian Sherwood. Bien sûr, pour une opération qui s’est déroulée au tout aussi célèbre studio " U Sound " de Londres. Personnellement, nous préférons la mouture originale, même s’il faut reconnaître que le traitement à l’acid house amplifie le groove des compositions, tout en leur injectant un feeling atmosphérique davantage spectral…
Flashback. En 1996, Placebo sort son premier album. Un opus éponyme impressionnant d’agressivité, de sensualité, de puissance, de feeling et de générosité. Un seul hic, il est assez difficile à digérer. La presse insulaire est dithyrambique. Nous presque autant. Parce qu’il y a chez ce trio un petit quelque chose de différent, d’original, susceptible de lui conférer, avec l’expérience, un statut de star. Suffisait donc de confirmer les excellentes dispositions affichées sur leur premier elpee. Or, le single " Pure morning ", prélude à la sortie de ce deuxième opus, s’est littéralement fait descendre en flammes outre-Manche. Placebo était il devenu un autre hype ? Heureusement, il n’en est rien, puisque cet elpee a remis les pendules à l’heure. Et surtout rétabli le capital ‘confiance’ dans le cœur des aficionados. Et ce n’est que justice, car ce CD est tout à fait remarquable. Certains lui reprocheront, sans doute, de s’être un peu trop raccroché aux eighties. De sa new wave notamment. Celle de Cure (" You don’t care about us "), de Durutti Column (" Burger Queen ") voire de Siouxsie & the Banshees (" Every you every me "). Et puis aussi de la no wave. Comme sur le sonicyouthesque " Brick shithouse ", copie carbone de " 36 degrees " ou le pixiesque " Allergic ". Mais ce regard sur la dernière décennie, n’est pas fait pour nous déplaire. D’ailleurs, la performance de Placebo, sur cet album, procède de son aptitude à ralentir la force de sa férocité punkoïde, de la rendre plus intense, plus dérangeante, à l’instar du titre maître. Mais également chez " Ask for answers " ou " Summer’s gone ". Le morceau de plastique recèle, en outre, un morceau caché. Un titre dont la violence électrique luxuriante, s’inscrit dans la lignée du prog rock de King Crimson circa "" Lark’s tongue in aspic ". Cependant, la cerise sur le gâteau appartient à " Scared of girls ". Une chanson aux lyrics ambigus, mais au groove tellement contagieux, quoique particulièrement aride, qu’il pourrait faire un nouveau malheur dans les charts, comme l’époque, de " Smell like teen spirit ". Mais là, on imagine que le groupe aurait atteint le nirvana…
Après avoir sorti le remarquable " To bring you my love " en 1995, Polly Jean Harvey commettait un album avec John Parrish, l’année suivante (" Dance hall at louse point "), puis s’impliquait au sein de quelques projets alternatifs, notamment en compagnie de Tricky et de Nick Cave. Lors de l’enregistrement de son cinquième elpee, elle a de nouveau reçu le concours de John, mais également de Flood, de Head, de Joe Gore (Tom Waits), d’Eric Drew Feldman (Pixies, Captain Beefheart), de Mick Harvey (Bad Seeds) et enfin du batteur de son line up initial, Rob Ellis. Un disque, à premier abord, plus accessible, sans pour autant tomber dans la facilité. Normal, lorsqu’on connaît la discographie de l’artiste. Mais une œuvre qui flirte davantage avec la musique électronique, post industrielle, en particulier. Avec pour résultat, des chansons qui exhalent une intensité émotionnelle insidieuse, atmosphérique, s’inscrivant davantage dans l’esprit de la trip hop de Portishead, Tricky ou même de Massive Attack. Encore que la voix spectrale, alchimiquement blues de Polley est toujours susceptible de sautes d’humeur et d’exprimer sa violence latente, naturelle, comme sur " No girl so sweet ". Mais, en général, cette violence extrême reste contenue, contrôlée. Un peu trop à notre goût, pour véritablement nous enflammer. Par rapport à " To bring you my love ", c’est un pas en arrière ; même si cet " Is this desire ? " reste de bonne facture.
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