Simple Minds fête cette année ces 20 années d’existence. 20 années que l’on pourrait judicieusement découper en 3 périodes. L’ascension tout d’abord. Lente et brillante. Celle d’un groupe innovateur, intéressant et parfois difficile à saisir. La gloire ensuite. Celle de " New gold dream ", de " Sparkle in the rain " et de " Once upon a time ". Gloire qui se muera en célébrité lorsque " Don’t you " flirtera avec le sommet des charts américains. Ce courant positif, Simple Minds aura du mal à l’entretenir. Et c’est en vain que la formation écossaise tente depuis près de 10 ans de survivre dans un univers qui bouge constamment. A l’annonce d’un nouvel album, nous adoptons toujours le même réflexe. Celui d’espérer l’éventuelle résurrection d’une formation qui nous a tant séduit dans le passé. David Bowie l’a fait. U2 et Depeche Mode y arrivent laborieusement. Alors pourquoi pas Simple Minds ? Et puis, après écoute, c’est toujours le même constat. Ce " Néopolis " ne viendra pas troubler nos conclusions. Surproduit, aseptisant, aseptisé, on devine à peine les mélodies celtiques que l’on aime, tant elles se cachent derrière une muraille de technologie, d’échos chaotiques, de sonorisations inutiles. Cet opus n’est pas mauvais. Mais il n’est de ce temps que par la forme. Le fond, quant à lui, commence à prendre de fameuses rides…
Septième album pour cette formation issue du Montana, mais établie à Seattle. Ce qui ne veut pas dire que ce trio soit resté embourbé dans le grunge. C’est pas vraiment leur truc. Parce que si leur musique est tout aussi électrique, elle se révèle beaucoup plus complexe, aussi élaborée que celle de Come, aussi marécageuse de celle de Pavement, aventureuse que celle de Dream Syndicate, ne laissant pour voix, qu’un gémissement desséché, un peu trop limite, pour être comparé à celui de Will Oldham de Palace. Dans ces conditions, vous vous doutez, bien sûr, qu’on ne rigole pas beaucoup tout au long de cette œuvre ; mais on ne s’ennuie pas pour autant. Car les dix fragments de ce " Blueblood " rockent avec beaucoup d’intensité émotionnelle, remuent véritablement les tripes…
Attention, ceci n’est pas le nouvel album de Shudder to Think, mais la bande sonore du film " First love, last rites ". Le groupe de Washington DC a assuré toutes les compositions, mais a refilé le chant, sur dix des quinze chansons, à des invités. Souvent de marque. Tels que Liz Phair, Billy Corgan, Nina Persson, Robin Zander, Lena Karlsson, John Doe, Matt Johnson, Angela Mc Clusky et le duo Mimi Parker/Alan Sparhawk. Sans oublier feu Jeff Buckley. Ce qui permet de certifier que les sessions d’enregistrement de ce disque remontent avant mai 1997…
Semisonic grave son premier album en 1996, " Great divide ". Un disque plutôt bien accueilli aux Etats-Unis, par la presse spécialisée. Deux ans plus tard, la formation américaine, de Minneapolis très exactement, sort son deuxième opus. Un disque, qui à notre avis, devrait sensibiliser MTV et les radios à grande audience. Les douze titres qui constituent ce " Feeling strangely fine " nous entraînent dans l’univers rafraîchissant de la pop australienne. Pas étonnant, puisque la production est assurée par Nick Launay, également du même continent, dont la carte de visite mentionne notamment Midnight Oil et P.I.L.. Une pop australienne qui aurait été électrifiée à la manière d’un Weezer ou d’un Nada Surf. Ajoutez-y un brin de romantisme (Oasis ?) et un sens mélodique très développé, et vous aurez une bonne idée du style pratiqué par un trio dont on reparlera bientôt. " Closing time ", superbe single qui ouvre l’album, a atteint, il y a quelque temps, la seconde place des charts de leur ville d’origine. Un appel qui demande incontestablement écho à une plus grande échelle… Superbe !
Shneider TM n’est autre qu’un projet monté pat Dirk Dresselhaus. Héritier naturel de Kraftwerk et de DAF, ce compositeur allemand est passionné de musique électronique. Et il étale tout son savoir faire tout au long de cet opus. Fréquences de basse, samples, collages, bip bips et autres outils ou gadgets électroniques nous plongent ainsi dans un univers robotique, cybernétique, mais récréatif…
Evidemment, lorsqu’on découvre le parcours de ce New-yorkais, on comprend mieux pourquoi il est devenu un virtuose de la six cordes. Prof de guitare dès le plus jeune âge, il a goûté un peu à tous les styles musicaux. En particulier au blues, au rock, à la pop, à la prog et au jazz. Ce qui lui a permis de côtoyer des tas de gens tels que Billy Bauer, Lennie Tristano, Pat Martino, Kenny Wayne Stepherd et même Robert Fripp. En 1988, Mick Jagger l’avait même recruté comme soliste pour accomplir sa tournée personnelle, alors qu’en 1994, il rejoignait le Deep Purple pour assurer leur tournée européenne et japonaise. Tout ceci vous donne une petite idée de la carte de visite de Satriani. Et il ne se gène pas pour faire l'étalage de son talent tout au long des quinze fragments de ce " Crystal Planet ". Un opus exclusivement instrumental, pour lequel il a reçu le concours de Stuart Hamm à la basse, de Jeff Campitelli aux drums et de Mike Fraser à la production. Maintenant, nous voulons bien qu’un soliste jouisse d’une dextérité époustouflante, de dominer à la perfection le registre technique des Hendrix, Clapton, Page, Fripp, Van Halen et consorts ; mais faudrait peut-être qu’il pense à y injecter un zeste d’émotion…
Issu de Chapel Hill, en Caroline du Nord, Superchunk était considéré, à l’origine, comme la progéniture de la révolution sub Pop. Vous savez, celle qui a donné naissance au mouvement grunge. Depuis, beaucoup d’eau a coulé sous les ponts ; et la formation yankee s’est convertie à une forme musicale plus accessible, toujours aussi déstructurée, mais plus pop, plus juvénile, inspirée à la fois par Dinosaur Jr, Weezer, Gorky’s Zygotic Mynci et Sebadoh, avec des harmonies vocales aussi chaudes que chez Mega City Four. Et le résultat est plutôt concluant, les divers éléments apparemment disparates s’emboîtant avec beaucoup de charme et de fraîcheur...
Le Velvet Underground et le Crazy Horse, ou plus précisément Neil Young et feu Nico, ont certainement eu une influence majeure sur cet ensemble californien, de San Francisco, très exactement. Encore, qu’à notre goût, le climat éthéré qui règne tout au long de ce disque évoque plutôt Cowboy Junkies. Mais un Cowboy Junkies dont la chanteuse, en l’occurrence Denise Bon Giovanni, possède des inflexions beaucoup moins linéaires que celle de Margo Timmins, sorte d’hybride entre Dusty Sprinfield et Tracy Chapman. L’ombre d’American Music Club plane également sur cet opus, qui recèle, exception qui confirme la règle, une composition de bossa nova, " The look of love ", et puis une chanson de toute beauté, réminiscence du David Crosby circa " If I could only remember my name (NDR : encore !), paradoxalement intitulée, " Springfield "…
Manic Street Preachers, Gorky’s Zygotic Mynci, Super Furry Animals et Stereophonics appartiennent à cette nouvelle scène galloise, en pleine effervescence. Plus proche des Manics que des autres formations évoquées ci-dessus, Stereophonics accorde une grande importance aux lyrics. Qui traitent essentiellement des difficultés sociales rencontrées par la population de l’ouest de l’Angleterre, victime de la crise économique ; et notamment des problèmes du logement, du chômage, de l’angoisse des adolescents face au futur ; mais également de simples faits divers colportés par la médisance populaire. Des textes chantés avec une passion brûlante, sur un ton hymnique, un peu à la manière de James Bradfield. Décidément, on en revient encore à la norme Manic Street Preachers. Pourtant, chez Stereophonics, la guitare est davantage mise en avant, chargée d’adrénaline, arc boutée sur des mélodies tellement contagieuses, qu’à peine inoculées, elles ne parviennent plus à vous décramponner l’esprit. Un chouette album !
Difficile d’être plus prolifique que Stereolab. En fait, depuis sa formation, en 1992, le groupe a enregistré neuf albums officiels, une volée de singles, parfois exclusivement gravés sur vinyle et quelques cassettes, le plus souvent destinées aux inconditionnels et aux collectionneurs. Suivant sa bonne habitude, le combo explore de nouveaux horizons sonores. Bien sûr, les spectres de Faust, de Neu, donc du ‘krautrock’, sont toujours bien présents. Mais ce " Dots and loops " est imprégné par la musique traditionnelle brésilienne. Par celle d’Astrid Gilberto ou de la samba. Mais plutôt par son magnétisme, son mystère, sa magie. Au fil de l’album, qui compte quand même 66 minutes, on a l’impression d’être envoûté par une force indéfinissable, obscure, irrésistible. Une force à laquelle il est de plus en plus difficile de résister. Qui envahit totalement votre esprit, ne vous laissant, en bout de course, que cette drôle d’impression de vertige. John Mc Entire de Tortoise et Andi Toma de Mouse On Mars sont également de la partie. Le plus souvent aux arrangements, à la production et aux bidouillages. Pas étonnant que ce disque flirte tellement avec la musique synthétique. Pop bien sûr ; le sens mélodique jouant toujours un rôle déterminant dans la musique de Stereolab. Néo-muzak !
Après sept années de silence, les Steppes sont de retour. Un quatuor américano-irlandais qui s’est toujours distingué par un goût très prononcé pour la musique du passé. Celle des sixties en particulier. Aussi bien pop que rock. La plus éclectique possible. Depuis les Moody Blues aux Byrds, en pasant par The Cream, les Yardbirds, et bien sûr les Beatles. Notamment à cause de l’approche très ‘skiffle’ des drums. " Reckless, fearless, hopeless ", flirtant même carrément avec le charleston. En outre, la formation possède deux excellents chanteurs, qui utilisent parfois leurs voix avec un léger reverb, apportant une coloration encore plus authentique à leurs compositions. Seule concession aux seventies, " Lord of the trance ", plus floydien circa " Meddle " que nature. Cependant, n’essayez pas de taxer ce " Steppes " de revivaliste. Parce que leur sens mélodique est franchement contemporain, subrepticement comparable à celui de Cast, sans pourtant se révéler britpop. Enfin, en épilogue, ce disque recèle une très jolie chanson, minimaliste, intimiste, limitée à la guitare sèche et à la voix, interprétée un peu à la manière de Donovan, " Potter’s wheel "…
C’est vrai que Richard Starkey n’a jamais eu une voix extraordinaire. M’enfin, en studio, il s’est toujours débrouillé pour que cette carence soit bien camouflée (NDR : non, non, ce n’est pas une histoire à dormir debout…). Comme tout au long de ce "Vertical man ". Un album d’honnête facture pour lequel il a reçu le concours de son groupe, les All Stars, dont le line up épingle Jack Bruce, Peter Frampton, Gary Brooker, Simon Kirke et Mark Rivera ; mais également la participation d’Ozzy Osbourne, de Brian Wilson, de Steve Tyler, de Scott Weiland, d’Alanis Morissette, Joe Walsh , sans oublier Paul Mc Cartney et surtout George Harrison, armé de son inséparable " Rickenbacker ". Il y a bien sûr quelques morceaux plus faibles, mais en général, cet opus reste très agréable à écouter. Et pas seulement parce qu’on y retrouve une version 4/4 de " Love me do ", des Beatles…
D’après le peu d’informations que nous avons pu recueillir, Stampede serait un quatuor allemand. Qui appartient à l’écurie Stickman Rcds, enregistre sur le label A 271 Horsepower, intitule son album " Mustang Ford " et illustre son booklet de superbes illustrations de chevaux. Cherchez l’erreur ! Pourtant, malgré cette fascination pour tout ce qui a trait aux moteurs à crottin, Stampede n’est pas avoiné ( !?!?!) à la country. Mais galope plutôt à travers les steppes arides, mais sauvages de l’underground. Y croisant, entre autres, des pur-sang de la trempe de Jesus Lizard, Hunters & Collectors ou même Loop. Une chevauchée sonore très difficile à maîtriser, broutant un instant le psychédélisme atmosphérique, avant de ruer dans un punkcore aussi redoutable que soudain. Déconcertant !
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