Nous ne voulons pas être des oiseaux de mauvais augure, mais la sortie d'un album solo de Peter Zaremba ne nous dit rien qui vaille. Un sentiment d'inquiétude amplifié par l'absence totale de notes sur la pochette et l'absence tout court de bio. Alors, split des Fleshtones, ou expérience en solitaire de son chanteur? Nous en saurons probablement plus d'ici quelques semaines. D'ici là, les fans de la formation américaine " post new wave " la plus intéressante du début des années 80, risquent fort de vivre dans l'angoisse. M'enfin, n'anticipons pas! " Spread the word " aurait, en tout cas, pu être enregistré par les Fleshtones. Hormis la reverb du chant plus prononcée, évoquant même parfois le timbre spectral de Vincent Crane, lorsqu'il sévissait encore au sein d'Atomic Rooster, les chansons de cet opus adoptent un style le plus classiquement du monde garage/rythm'n blues. Avec cet enthousiasme communicatif, ces refrains que l'on a envie de reprendre en chœur en tapant dans les mains, ce sens du fun typiquement sixties. Le disque recèle même une cover de JJ Cale, " After Midnight " popularisée, à une certaine époque, par Clapton en personne...
On se souvient encore des deux fabuleux sets que Neil a accordés en Belgique. L'an dernier, tout d'abord, à Torhout, en compagnie de son inévitable Crazy Horse. Et puis surtout en 95, dans le cadre du 10ème anniversaire du Pukkelpop, flanqué des musiciens de Pearl Jam. Il devrait, à nouveau nous revenir en automne prochain, pour un concert, prévu, à l'origine, en juin dernier. Neil avait alors dû annuler sa tournée européenne, après s'être ouvert la main, en voulant ouvrir un sandwich. En attendant, on se contentera de ce double album enregistré en public. Pas de standards issus de son répertoire, mais uniquement des compositions extraites de ses deux derniers albums, ainsi que quatre titres destinés à sonoriser un documentaire cinématographique de Jim Jarmusch : " Barstool blues ", " Big time ", " Sedan delivery " et " Slip away ". Bien sûr, ici dans des versions ‘live’. On reprochera peut-être à ce " Year of the horse ", la longueur, parfois excessive des morceaux. Mais dans l'ensemble, ce double elpee ne manque pas d'allure...
Thymme Jones, Tim Garrigan et Darin Gray se réclament de la now wave. Rien à voir avec la no wave, mouvement new-yorkais qui a marqué le tout début des eighties. Un style apparemment monté de toutes pièces par le trio, puisque les autres groupes qui appartiennent à cette scène impliquent chaque fois au moins un des trois musiciens. Brise-Glace, Dazzling Kilmen, Illusion of Safety et Cheer Accident, pour ne citer qu'eux! You Fantastic pratique une musique minimaliste, déstructurée, expérimentale, lo fi, environnementale et surtout contemporaine dans le sens le plus classique du terme. Un groupe qui n'a sorti à ce jour que deux Eps. Dont ce " Pals ", limité à un seul titre de 17'30, une composition qui, à notre humble avis, n'a strictement plus rien à voir avec la pop ou le rock...
Pratiquement inconnu sur le Vieux Continent, ce trio australien en est pourtant déjà à son troisième album. Les deux premiers opus avaient reçu le concours de Lee Ranaldo, guitariste de Sonic Youth, à la production. Deux elpees qui avaient d'ailleurs atteint la première place des charts antipodaux. Dans un style plus énergique, il est vrai, davantage inspiré par le garage des sixties. Les nombreux changements de personnel ont-ils eu un impact déterminant sur l'évolution du groupe? Il faut le croire, puisqu'aujourd'hui, la pop de You am I se révèle beaucoup plus contemporaine. Toujours influencée par le Who, les Kinks, les Beatles circa " Eleanor Rigby " (NDR: la présence d'une section de cordes n'y est pas étrangère). Mais également, et c'est neuf, par la new wave de Squeeze, XTC et de Jam. Pourtant, s'il n'y avait ce feeling spécifiquement australien, aussi affûté que celui dispensé par le défunt Go-Betweens, ainsi que la voix de Tim Rodgers, dont les inflexions nous rappellent quelque part John Wetton (King Crimson), nous penserions plutôt à Dodgy...
Bien que fondé en 1984, Yo La Tengo n'est jamais parvenu à s'extraire de la zone crépusculaire de l'underground. Faut d'ailleurs croire que le trio du New Jersey, d'Hoboken très précisément, n'a jamais tellement exprimé le désir de s'en extirper. Préférant développer de nouvelles idées musicales plutôt que de soigner une image, dont il n'a rien à cirer. Bref, venons-en à ce nouvel album. Riche. Très riche. Alternant fragments turbulents et morceaux apparemment plus fragiles, mais beaucoup plus venimeux, à la limite rampants. Des chansons traversées par un gémissement de feedback presque continu qui apporte une sensation étrangement vertigineuse aux mélodies. Plongé dans l'espace le plus éthéré, YLT navigue aux confins de l'univers de Galaxie 500; voire de celui de Spiritualized, lorsque l'atmosphère vire au psychédélisme (" We are an american band "). Sous son angle le plus hypnotique, le plus répétitif, il justifie son attachement aux Feelies et au Velvet, dont il a récupéré une bonne partie de l'héritage. Quant à la noisy, il la traite selon la méthode bruitiste chère à Jesus & Mary Chain. Notamment sur la cover des Beach Boys, " Little Honda "... Et sur cette texture sonore déchirée entre électricité versatile, accès de basse menaçants, métronomiques et drums nourris et raffinés, vient se poser la voix blanche de Kaplan, dont la fragilité émotionnelle n'est pas sans rappeler un certain Neil Young. Une œuvre, qui recèle bien d'autres appas; mais nous vous laissons le soin de les découvrir...
Wuhling! C'est le patronyme exact de ce groupe. Pas Wuming comme nous avions cru le comprendre lors de la sortie de son premier single, l'an dernier. Faut dire que le graphisme du nom porte à confusion. Mea culpa! Ce trio allemand, berlinois très exactement, est allé enregistrer son premier opus aux States, sous la houlette de Steve Albini. Et le résultat, déchiré entre le folk punk de Wedding Present et la lo fi de Sebadoh, est assez convainquant, nonobstant le recours à la langue de Goethe, adopté par Anne Rolf, dont le timbre puéril, falsetto, se prête pourtant très bien au style musical du groupe... Elle joue également des claviers et surtout de la guitare, ne laissant finalement que la basse et les drums à ses deux partenaires masculins, soudés en une même section rythmique à coloration cold wave...
Nous ne comprenons vraiment pas pourquoi Wired to the Moon a dû attendre plus de 3 ans avant d'obtenir un contrat et sortir un premier opus. Issu de la tendre et profonde Irlande, cette formation distille une musique pop, celtique, proche de celle des Waterboys. Des chansons simples, chargées d'émotion, dont la voix angélique de Roisin Malone épouse parfaitement la texture instrumentale. Un texture qui mêle à une base classique batterie-basse-guitare tantôt de l'harmonica, de l'accordéon ou du piano, tantôt du banjo ou de la mandoline. Un bien bel album...
Il y a une bonne quinzaine d'années que ce virtuose de la guitare roule sa bosse sur les scènes du pays de l'Oncle Sam. Un Texan qui chante également. Et qui a pour maîtres Johnny Winter, Little Walker, Elmore James, Ry Cooder, Jimmy Page, Jimi Hendrix et Neil Young. Un artiste dont le talent n'a toujours pas été reconnu à sa juste valeur. Et notamment en Europe. Et pourtant, Chris possède un talent fou. Qu'il ne met pas au service de la performance technique, mais plutôt de chansons au climat sombre, douloureux, viscéral, déchirées quelque part entre le désir et le désespoir. Un sentiment douloureux qu'il exacerbe de son falsetto marécageux, presque imprévisible, souvent languissant. Beau et sinistre à la fois!
Lorsqu'on évoque les Wannadies, on pense immédiatement au formidable single qu'ils avaient commis en 95, " You and me song ", une composition qui avait littéralement cartonné au sein des charts internationaux. Une chanson que l'on retrouve, à nouveau, sur le deuxième album de cet ensemble scandinave. Un choix que nous estimons cependant peu judicieux. A moins qu'il ne s'agisse, de la part du groupe scandinave d'un aveu d'impuissance à dénicher un autre tube. Et ce n'est pas avec ce " Bagsy me " qu'ils risquent d'en décrocher un nouveau, même si l'opus est de très bonne facture. Avec ses mélodies à l'esthétisme glacé, caressées par des harmonies vocales aussi impeccables que délicates, ce deuxième elpee fait la part belle au power pop hérité en ligne droite des Buzzcocks, Undertones, Big Star et consorts...
Pourquoi les deux premiers opus de cette formation britannique, fondée en 1993, n'ont pas récolté le succès escompté et amplement mérité ; et en particulier sur le Vieux Continent ? Insuffisance de la couverture médiatique ? Manque d'esprit d'ouverture des médias en général ? Probablement ! Pas en Angleterre, en tout cas, puisque la presse est dithyrambique à leur égard. Mais, comment voulez-vous qu'un consommateur s'intéresse à ce produit, si les médias n'en parlent pas ? En fait, il s'agit d'un phénomène dont souffre notre société contemporaine. Et qui ne se traduit pas seulement dans le domaine de l'art, de la culture et bien sûr de la musique. Un système dont l'hermétisme est entretenu par des dirigeants, qui paradoxalement le critiquaient violemment, voici maintenant près de trente ans... Résultat des courses, tout le monde parle de la même chose, raconte les même choses et plus personne (NDR : ou presque !) n'ose prendre la moindre initiative. Transposez cette réflexion à tous les échelons de la vie quotidienne, et vous verrez que nous ne sommes pas loin de la vérité...
Mais venons-en à cet " Urban hymns ", troisième elpee de Verve. Que nous considérons, à ce jour, comme le meilleur album de l'année. Pas la peine de revenir sur la symphonie moderne de " Bitter sweet symphony ", sinon qu'elle recèle des samples de " The last time " des Rolling Stones. Si vous ne l'avez jamais entendu, c'est que vous n'écoutez jamais la radio. Ni de l'ex-n° 1 en Angleterre, le ‘lennonesque’ " The drugs don't work ". Mais abordons plutôt le reste, qui vaut son pesant d'or... Certaines compositions nécessitent pourtant parfois plusieurs auditions, avant de pouvoir être véritablement appréciées. Notamment les plus luxuriantes, celles qui passent à la moulinette une grosse partie de l'histoire de la pop et du rock. Avec des arrangements de cordes et des envolées stratosphériques qui se partagent un espace sonore déchiré par le falsetto profond, torturé de Richard Ashcroft. Psychédélisme ‘hawkwindien’, mais épuré de ses lourdeurs métalliques chez " The Rolling people " et " Come on " (" A storm in heaven " ?). Psychédélisme éthéré, mais cauchemardesque pour " Catching the butterfly ". Hymne à la solitude sur " Space and time ". House gracile avec " This time " (Seahorses ?), ainsi que pop fragilisée par la douleur sur " One day " et " Velvet morning ". La rencontre entre Oasis et Tears for Fears vous paraissait improbable ? " Wheeping willow " la réalise à la perfection. Enfin, il y a ce " Lucky man ", dont le sens mélodique semble hérité en ligne droite de Cast, alors que Richard emprunte le phrasé vocal de Robbie Grey, chanteur du défunt et mythique Modern English. Nous ne vous en dirons pas davantage, question de ne pas trop vous gâcher la sensation de surprise...
Tout début des eighties, Dave Graney sévissait au sein des Moodists, formation australienne aujourd'hui disparue, devenue mythique à l'instar de Birthday Party ou des Saints. Depuis, il faut avouer que ce chanteur/compositeur s'est montré plutôt discret, pour ne pas dire effacé. Il a bien commis quelques Ep's et enregistré deux albums flanqué des Coral Sankes, formation à géométrie variable qui impliquait à l'origine l'ex-guitariste de Joseph K et d'Orange Juice, Malcolm Ross ; mais cette vinylographie n'a guère reçu d'écho sur le Vieux continent. " Night of the wolverine " constitue donc la troisième tentative du kangourou en compagnie de ses serpents de corail. Une œuvre dont le climat évoque instantanément les grands espaces australiens. Un peu comme chez Go-Betweens et surtout le défunt Triffids. Hanté par l'esprit des Doors, de Dylan et de Cohen, Dave y croone de son baryton crémeux, des ballades tendrement, ironiquement meurtries par la mélancolie et la fatalité.
Blonde Redhead est un trio new-yorkais réunissant les frères jumeaux Amadeo (guitariste/chant) et Simone (batterie/chant) Pace, ainsi que Kazu Makino (chant/guitare rythmique). Fondée en 1993, la formation a longtemps été comparée à Sonic Youth, avant d’emprunter, progressivement, un style plus personnel. Ce sont les frangins qui se sont prêtés à l’exercice de l’interview, en particulier pour nous parler de leur dernier album en date, « Fake can be just as Good », un disque épanoui et enfin affranchi.
Amadeo : Quand nous écrivons ou jouons ensemble, nous explorons énormément d’idées consciemment et inconsciemment. A nous trois, dans Blonde Redhead, nous partageons une sorte de conscience commune qui ne se développe pas seulement quand nous nous produisons, aussi quand nous sortons ensemble que ce soit chez des amis, au cinéma ou au théâtre...
Blonde Redhead appartient-t-il à une scène musicale précise ou bien vous considérez-vous plutôt comme hors de tout mouvement ?
Simone : On se considère plutôt comme des indépendants. En tout cas par rapport à la scène de New-York. Nous nous sentons bien plus proches de ce qui se passe à Chicago, point de chute de notre label Touch and Go. Et plus à Washington DC.
A : Nous entretenons une véritable relation d’amitié avec Fugazi (Guy Picciotto a notamment travaillé pour eux, lors de l’enregistrement d’un single). Il existe une sorte de communauté, on s'invite les uns les autres soit pour un repas, pour une fête ou pour simplement boire un verre. L’esprit est très différent de celui de NY, où les gens sont frileux, ont peur d'approfondir les rapports humains, comme s'ils craignaient toujours d'y perdre quelque chose.
De la Sicile A New York
La tension constamment présente dans votre musique reflète-t-elle cette difficulté de rencontrer les New-yorkais ou l'expression du choc que vous avez dû ressentir quand à 13 ans vous avez débarqué aux USA?
A : Le moins qu'on puisse dire est que New- York et la Sicile sont vraiment deux endroits différents ou vivent deux sociétés très distinctes. Au niveau des valeurs, il n'existe aucune similitude. Les Américains ne sont pas aussi chaleureux, la famille n'existe quasi plus aux USA, les parents ‘s'en foutent’ et laissent leurs enfants seuls. La chose est inimaginable en Italie.
S : Plus généralement, les Européens manifestent plus d'excitation à vivre, ils n'ont pas peur d'exprimer leurs sentiments, leurs émotions... Mais on ne peut contester l'énorme sentiment de liberté qu'on respire aux States, dès qu'on y débarque. C'est pourquoi, entre autres, que Kazu (elle nous le confirmera plus tard dans la journée), qui est arrivée aux States il y a 9 ans, s'y sent tellement bien. Elle aspirait à cette liberté après avoir souffert du sexisme japonais. Aux States, elle se sent l'égale à tous, acceptée par tous. Au Japon, la société est déjà très dure pour les femmes en général, alors pour celles qui tentent de jouer du punk rock, c'est presque invivable!
De qui est la phrase reprise dans le livret du CD : ‘I love exactly everyone the same amount’ ?
A : Elle est de Vern, le bassiste d’Unwound, qui a enregistré l'album avec nous. Il est très modeste et très honnête. Si on y réfléchit, on peut voir cette phrase comme très positive mais le contraire est vrai également, puisqu'il est impossible d'aimer exactement tout le monde de la même manière, à moins justement de simuler (‘fake’).
S : Grandir, c'est un peu ça, c'est apprendre à faire semblant, à simuler. Contrairement à ce qu'on pourrait croire, ce sont les enfants qui sont les plus honnêtes. Pour en revenir au titre « Fake can be just as Good », c’est un extrait du morceau « Bipolar », écrit par Kazu. Elle y exprime la sensation que si on aime réellement un être, on peut accepter que celui-ci puisse seulement faire semblant en retour.
A : Dans un certain sens, nous aussi sommes occupés de simuler aux Etats-Unis, car nous n’appartenons pas réellement à la société US. Nous ne sommes pas des Américains dans l'âme. C'est comme si nous commencions à jouer du jazz. Nous aimons beaucoup ce style, mais nous ne pourrions jamais que faire semblant d'en jouer. Notre musique, ce n'est pas du jazz, c'est du punk rock.
Deux titres de l'album, « Pier Paolo » et « Futurism vs Passeism » se réfèrent à deux grands noms de la culture italienne du XXème siècle.
A : Nous avons lu les livres de Marinetti (auteur du manifeste pour une littérature futuriste en 1909). Il y a de bonnes idées. En ce qui concerne Pasolini, nous avons vu presque tous ses films. C'est quelqu'un que nous respectons. Sa démarche est honnête, très réaliste aussi ; c'est un professeur pour nous.
S : Son génie réside dans la manière de concilier les extrêmes : l'amour et la haine, la beauté et la laideur, le silence et le son... Nous aussi, nous essayons de définir les extrêmes, en passant du bruit à la mélodie, de la mélodie au bruit.
(Article paru dans le n°57 du magazine Mofo d’octobre 1997)
Depuis Bel Canto, la Norvège n’avait plus mis au monde de groupe aussi intéressant. Retenez bien ce nom: Motorpsycho. Fondé au tout début des nineties, il comptait à son actif, avant l’enregistrement d’« Angels and daemons at play » une volée de singles, un mini CD et quatre albums studios. Tous passés inaperçus. Phénomène qui s’explique facilement pour une formation en avance sur son temps. Mais qu’il est difficile d’admettre au vu de l’originalité et de la qualité de sa musique. Entretien avec Snah (NDR: prononcez ‘Schann’), porte parole mais surtout guitariste de cet ensemble finalement plus européen que scandinave.
« Blissard », votre album précédent avait été enregistré dans les anciens studios d’Abba à Stockholm. Cette aventure a dû vous coûter un os?
Effectivement. Mais, nous avons pu bénéficier des infrastructures d’un studio nickel, à la pointe de la technologie moderne, meublé d’instruments historiques tel qu’un piano à queue dont Abba s’était servi pour enregistrer. On a même eu la chance de pouvoir l’utiliser. C’était une chouette expérience qui n’a duré que 15 jours, mais elle nous a coûté la peau des fesses. Pas seulement à cause du studio. Mais aussi des chambres d’hôtel que nous avons dû louer. On en garde cependant un très bon souvenir. « Angels and daemons » a été enregistré en Norvège. En sept jours. Dans un studio moins onéreux. On s’était brûlé les ailes une fois, c’était largement suffisant. Et puis nous ne souhaitions pas y séjourner trop longtemps. Parce que nous serions incapables d’y passer 2 mois. Nous deviendrions complètement fous. Il ne nous a d’ailleurs fallu que 3 semaines pour le terminer. C’est largement suffisant. Nous avons tout fait nous même. Même le mixing et la production. L’inspiration et l’énergie étaient au rendez-vous à ce moment-là. Ce qui nous a permis de conserver ce feeling ‘live’ auquel nous tenions absolument.
« Demon box » en 93 et « Angels and daemons at play » aujourd’hui. Etes-vous fascinés par les forces du bien et du mal? Par la mythologie, les divinités, la vie après la mort?
Oui, bien sûr. Nous lisons énormément de bouquins consacrés à la littérature ésotérique, aux phénomènes paranormaux. Nous sommes intéressés par ce genre de choses. Ce qui ne veut pas dire que nous jouions au tarot pour décider de notre avenir. Nous savons ce que nous devons faire et ne prenons jamais nos décisions sur un coup de tête. Néanmoins, j’estime que la mythologie, l’histoire et les fables sont très importantes pour nous. Surtout lorsqu’on vit dans un monde qui veut se couper du passé, pauvres en relations humaines, ultra matérialiste. Ce qui ne veut pas dire que nous adhérions à la sorcellerie ou que nous organisions des messes noires. On est loin de tout ça. Tout simplement, on essaie de réinventer une certaine philosophie de la vie...
Votre musique est à la fois riche et complexe. Il y a des tas et des tas d’influences. Etes-vous intéressés par l’histoire du rock’n’roll?
Absolument! Nous reconnaissons être influencés par beaucoup d’artistes issus de l’histoire du rock’n’roll. Certains plus que d’autres. Cela nous permettra peut-être de projeter une nouvelle lumière au sein de l’univers du rock et de la pop. Nous aimons les groupes issus des sixties et des seventies. Le jazz aussi. Notamment John Cotrane. Le krautrock de Can et de Faust. Et puis une multitude d’autres formations dont les noms m’échappent pour l’instant.
Telles que King Crimson et Sonic Youth?
Nous écrivons nos chansons un peu à la manière de Sonic Youth. Nous les composons à la guitare en partant d’une hauteur mélodique branchée sur un réglage spécifique. Le problème, c’est qu’en tournée, vous trimballez une bonne vingtaine de guitares. Parce que chaque chanson exige un réglage spécifique. Mais cela en vaut la peine.
Est-ce qu’on peut dire que Motorpsycho est quelque part prog pop? Nous voulons dire dans l’esprit de Spiritualized et d’Ozric Tentacles; mais dans un autre style?
Oui ! Parce que nous exprimons nos chansons à la fois de manière semblable et différente. Différente parce que nous avons chacun notre style. Semblable, parce que l’interprétation de nos compositions est à chaque fois différente. Prend l’exemple d’Ozric Tentacles qui ne programme que 50 % de ses chansons. Le reste se construit suivant un schéma totalement improvisé. Et ça marche!
Comment expliquer ce boom de la scène pop/rock scandinave?
On assiste pour l’instant à une véritable explosion de groupes en Europe et pas seulement en Scandinavie. C’est le résultat de cette nouvelle vague psychédélique. En fait, elle a été fort négligée au cours des 20 dernières années. Le punk et ses dérivés l’ont empêchée de se développer. Surtout sur le Vieux Continent, plus réceptif à une musique progressive, élaborée. Elle a dû se terrer dans l’underground en attendant son heure...
Que représente Bel Canto pour Motorpsycho ?
Nous les connaissons bien. Ils sont en train de prendre du bon temps, ils viennent de sortir un dernier album, qui soit dit en passant n’est pas fameux. Issu du Nord de la Norvège, ils ont un caractère typiquement scandinave. Ils vivent à Tromsø, un lieu très particulier. En fait, l’hiver il fait toujours nuit, et en été presque toujours clair...
Vous avez écrit la bande sonore pour un film de country & western appelé « The tussler ». Aimez-vous le cinéma italien? Et tout particulièrement le western spaghetti?
Nous aimons les films de Sergio Leone et de Clint Eastwood. Et nous avons été très heureux de pouvoir composer cette bande sonore. D’autant plus que nous apprécions beaucoup la musique country. En fait, les Américains de peau blanche sont d’origine européenne, et la country vient également d’Europe. Mélodiquement, nous nous sentons très proche de ce style de musique. Et régulièrement, il nous arrive de jouer du banjo ou de la steel guitare. C’est un défi pour nous. Nous apprenons beaucoup à travers tous ces différents styles de musique. Nous avons même réalisé un projet en compagnie d’un groupe de jazz norvégien. Nous avons beaucoup répété pour finalement nous produire ensemble lors d’un concert de jazz en Norvège. Nous sommes ouverts à tous les styles musicaux. Nous sommes capables de passer du heavy metal aussi sauvage que celui de Motörhead à la musique psychédélique.
Quelle est la genèse du nom du groupe? Y a t-il une certaine corrélation avec la psychomotricité? Et pourquoi?
Nous étions invités à Londres en 1990 pour assister à une conférence sur la psychomotricité, mais nous n’y sommes jamais allés, car nous étions bourrés. Avant de fonder le groupe, je travaillais dans un centre de réhabilitation pour les accidentés de la route. J’étais, il est vrai, déjà dans ce milieu de la psychomotricité. Mais, en réalité, nous n’avons jamais pensé à cela lorsque nous avons choisi le nom du groupe. En fait, nous trouvions que c’était un nom qui collait bien et puis on l’a choisi parce qu’on aimait l’étymologie du mot: Motor Psycho...
Merci à Vincent Devos.
(Article paru dans le n° 56 du magazine Mofo de septembre 1997)
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