La plupart des enregistrements de cet opus sont extraits de prestations ‘live’ commises au Paradisio d'Amsterdam et à l'Olympia de Paris. Tokyo et Lisbonne achevant l'itinéraire de ce "Stripped". Un disque qui démarre sur les chapeaux de roues par une formidable interprétation du classique "Street fighting man". Et dans la foulée nous dispense une adaptation particulièrement réussie du célèbre "Like a Rolling Stone" du Zim. On se demande d'ailleurs pourquoi la bande à Jagger n'a jamais eu l'idée de s'offrir un "Like a Dylan song" (!)... D'autant plus que l'essentiel de ce CD consomme du folk rock ou folk blues baladeur (rien à voir avec le walkman, cependant). Mick se montrant redoutable souffleur dans cet exercice de style. Et tout aussi bon chanteur, vous vous en doutez. En particulier dans une interprétation minimaliste d'"Angie". Maintenant, n'imaginez surtout pas que les autres musiciens prennent un plaisir fou à jouer les utilités. On a même l'impression qu'ils s'emm... Sauf quand même sur le plus conventionnel "Let it bleed" et puis surtout en final, lors d’une cover de Willie Dixon, "Little Baby" ; mais là on trempe tout à fait dans le blues...
Rosa Mota appartient au monde de l'underground. Celui de Moonshake, Mercury Rev, Rollerskate Skinny et surtout de Sonic Youth. Un style capricieux, complexe et déconcertant qui cherche un compromis entre l'envoûtement et la confusion. "Wishful Thinking" constitue son premier album. Une œuvre où se mêlent l'expectative, la frustration, le nihilisme, la peur, la quiétude et l'hostilité tout en laissant profiler l'espoir d'un paradis lointain. Et dans ce flux d'émotions contradictoires, exacerbées par les cordes de guitare sinistres, féroces, convulsives, la basse rôde, les rythmes sont chaotiques, tribaux ou improvisés. Paradoxalement si les vocaux de Ian menacent, ceux de Julie sont angéliques, impassibles voire possédés. Et au cœur de cette expression sonore, s’infiltrent des textures étrangement paisibles comme la flûte pastorale ou les instruments ethniques. Un opus pas toujours très accessible, mais très intéressant.
Bien qu'élargi aujourd'hui à un quintet, Royal Trux repose avant tout sur Jennifer Herrema et l'ex-Pussy Galore, Neil Hagerty. Un duo dont la collaboration remonte déjà à 1985. Soit à la naissance du groupe. Produit par David Briggs, personnage qui a notamment travaillé pour Neil Young et Nick Cave, "Thank You" constitue son tout dernier opus. Tout comme Suicide, Faust et Fall, Royal Trux y combine le minimalisme et le maximalisme, la répétition et l'improvisation. Avec beaucoup de bonheur. Mais ce qui frappe le plus dans sa musique, c'est sa capacité à créer un climat unique, presque envoûtant, en amalgamant une véritable mosaïque de textures différentes. Tentaculaires. Apparemment embrouillées. Un peu à la manière de Captain Beefheart, lorsqu'il avait commis "Trout Mask Replica". Des textures spectrales, sordides, hallucinées, sinistres ou perverses. Capables de s'autoriser un trip dans le monde complètement défoncé d' "Exile on main street" des Stones ou même dans le ‘krautrock’ de Can voire de Faust. Et puis, il y a la voix ravagée, indolente de Jennifer qui rend encore plus graveleux, plus obscur, ce blues cadavérique. Etonnant!
Le chanteur/guitariste est de souche britannique, le drummer français, le bassiste israélien, et le soliste a vécu de nombreuses années au Brésil. Un ensemble à la fois cosmopolite et bien de chez nous qui en est apparemment à son premier album. Un disque assez original, puisque son métal, emprunté à Helmet, Primus et Anthrax est pigmenté de caractéristiques prog rock. Celles de Yes, pour ne rien vous cacher. Pas de quoi lever les bras au ciel, cependant ; mais un résultat qui reste de bonne facture. Attention, cet opus propose 27 titres, parmi lesquels dix-huit se limitent à des enregistrements d'une partie de ping pong, de music hall, d'une beuverie, d'applaudissements, de balance combo réalisée avant un concert, de quelques bribes de guitare acoustique, de cacophonie urbaine, et de bruitages divers...
Les dix compositions de cet album posthume des légendaires Saints remontent à 1974, à peu près un an après la formation du groupe et deux ans et demi avant la sortie de leur premier single, "I'm Stranded", que l'on retrouve inévitablement sur ce disque dans une version primitive. A l'époque l'univers musical de ces kangourous était hanté par le Velvet, les Stooges, Del Shannon, Presley, Bo Diddley et consorts. Et en concert, les quatre lascars balançaient un punk à grand renfort de riffs de guitare monolithiques et de vocaux délabrés ; un punk tellement cradingue que la ville natale de Brisbane les traitait de pestiférés. Ce qui ne les empêchera pas de signer chez EMI deux ans plus tard. Mais là, c'est une autre histoire.
"Drink me". Pourquoi pas ‘Eat me’ ? A notre connaissance, la salade se mange, mais ne se boit pas encore. Evidemment, en feuilletant la brochure du CD, vous comprendrez plus facilement les élucubrations métaphoriques entretenues par le groupe. Salad vient d'enregistrer son premier véritable album. Pas une collection de singles, comme le précédent. "Drink me" propose quatorze pop songs capricieuses, troublantes, énigmatiques, caressées par la voix glacée, volatile et sensuelle de Marijne, figure emblématique du groupe. Quatorze chansons parmi lesquelles "Motorbike to heaven", "Drink the elixir" et "Your ma" se révèlent irrésistiblement contagieuses. Ombres et lumières, menaces et chuchotements pour une œuvre conçue avec un esprit beaucoup plus proche d'Echobelly, de Sleeper, voire d'Elastica, donc de la new wave, que du popcore cher aux Breeders ou à Veruca Salt. Quoique!...
Kim Salmon est australien. Flanqué des Surrealists, il vient de commettre son cinquième album. Avant de driver cette formation, il a sévi au sein des Scientists, puis de Beasts of Bourbon. Mais c'est surtout son implication chez les Scientists qui lui ont valu un statut de mythe. Un épisode qu'il a vécu au tout début des eighties. Au même moment que le Birthday Party de Nick Cave. Deux formations qui ont d'ailleurs marqué de leur empreinte la scène punk rock antipodale. L'enregistrement de cet opus éponyme a bénéficié du concours de Conway Savage, pianiste des Bad Seeds. Pour deux morceaux seulement. Un elpee qui n'a jamais été aussi proche d'Iggy Pop. L'Iggy Pop des Stooges, bien sûr. Garage, malveillant, sauvage, sensuel, hypnotique. Alimenté par des cordes de guitare mordantes, torturées, une ligne de basse lascive, un tempo tribal. Galvanisé par un groove irrésistible. Et oxydé par le baryton profond, lugubre, confidentiel de Kim. Une œuvre qui recèle une adaptation dramatique du "Holocaust" d'Alex Chilton", un exercice de style soul/funk/jazz particulièrement réussi, "Innersense", et une nouvelle version du célèbre "Frantic romantic", standard célébré par Kim en ‘live’ depuis l'époque des Scientists...
Ils sont jeunes et paradoxalement attirés par la musique des seventies. Vainqueurs du Spinrock de Mol et du Cararockrally en 94, ils ont eu l'opportunité d'enregistrer leur premier album sous la houlette d'Herwig Duchateau (Blue Blot, Soulsister). Un disque qui devrait plaire à tous les nostalgiques de la musique ‘prog rock’ éclose voici déjà un quart de siècle. Toon Walgrave est un excellent chanteur dont le timbre vocal acéré, rappelle Roger Hodgson. Allez, faites un effort! Un des deux chanteurs de Supertramp! Et la rétrospective ne s'arrête pas en si bon chemin. Jugez plutôt. Genesis circa "Foxtrot" pour les progressions de cordes acoustiques. Le Floyd devant son "Wall". Jonesy, mais en fanfare. Mad Curry délayé dans les claviers fluides. Et plus classiquement, Renaissance. Pas seulement à cause du soin, pour ne pas dire de la pompe (gonflé le gars!), apporté aux backing vocaux. Mais surtout à cause de cette construction mélodique relativement symphonique. The Same? Des babas cool en herbe!
Véritable cartable (!) à idées neuves, Satchel implique Shawn Philipps, chanteur de Pigeonhead, et son pote Regan Hagar, deux personnages qui avaient rejoint en 1993 le Brad de Stone Gossard, un des guitaristes de Pearl Jam, pour réaliser l'elpee "Shame". Et comme Satchel est issu de la scène de Seattle, vous pensez immédiatement au grunge. Bravo, vous avez perdu! Post grunge, à la rigueur. Mais en filigrane. Parce que le traitement du métal s'effectue basiquement comme chez Soundgarden et Stone Temple Pilots. Avec reverb et feedback, pour être plus précis. Cell également, mais uniquement sur "Mr Pink", meilleur fragment de l'œuvre. Quant aux mélodies, elles se profilent tantôt sur le blues, le funk, le jazz, la soul, le prog rock et même l'ambient. Des mélodies mélodramatiques, extatiques qui atteignent parfois des instants de langueur quasi religieuse; en particulier lorsque les claviers délavés sanctifient le timbre vocal falsetto (Smokey Robinson? Robert Wyatt?) de Shawn. Epatant!
"Silly me", dernier single des Scabs, nous avait mis au parfum. Un avant-goût qui a tenu toute ses promesses. Car ce "Sunset over wasteland" mérite franchement toutes nos félicitations. Tjenne Berghmans, ex-guitariste de Clouseau, puis de Betty Goes Green, a réussi, avec fruit, son examen de passage. Et l'expression sonore de l'ensemble diestois a gagné en intensité, en pugnacité. Un opus qui a en outre bénéficié du concours de Mark Thijs à la production. Méconnu dans le monde de la pop ou du rock, il jouit d'une fameuse réputation sur la scène blues. Un harmoniciste talentueux dont le plus grand plaisir est de jammer avec les plus grands artistes de blues ou même de jazz. Flanqué de l'ingénieur du son Peter Bulkens, il vient de ciseler ce qui doit probablement être le meilleur opus des Scabs. Un morceau de plastique qui alterne, pensez-vous, compositions rigoureuses, carrées, trempées dans le rhythm’n’blues rollingstonien, et ballades contagieuses, mielleuses. Faudra revoir votre impression, puisque le quartet parvient ici à sortir des sentiers battus. Se permettant des incursions dans le garage crazyhorsien ("The truth", "Can cry over"), le jazz funk insidieux ("Cookie") voire purulent ("Silly me") ou plus insolite encore, se forge, sur "Please explain", un style aux jaillissements atmosphériques. Sans oublier les clins d'œil adressés respectivement à Tom Petty sur "It's true" et à Buffalo Tom pour "Life & love". Un album épatant qui possède tous les atouts pour affronter les charts internationaux. Suffit maintenant qu'ils le veuillent bien!
Après avoir assuré les backing vocaux chez Soulsister, Radios, Scabs et Niagara, cette Américaine, émigrée en Europe depuis presque cinq ans, a décidé de voler de ses propres ailes. Commis en 1993, "Mudcakes" nous avait pourtant laissé sur notre faim. Nonobstant le timbre vocal chaud, écorché, profond de Jo, la solution n'était pas parvenue à s'extraire d'un banal rhythm’n’blues sub Tina Turner. Live, Jo semble acquérir une toute autre dimension. Enregistré au club I.C.P. de Bruxelles, les 2 et 3 juin 1995, à l'issue de sa tournée continentale, et appuyée par un excellent backing group, ce morceau de plastique met davantage en valeur les excellentes dispositions vocales de l'artiste dans un contexte fondamentalement blues. C'est à notre humble avis, le style qui semble lui convenir le mieux, et auquel elle aurait tout intérêt à se consacrer corps et âme...
Mike Scott a donc décidé de dissoudre ses Waterboys pour embrasser une carrière solo. Il fallait s'y attendre. Dès le moment où le line-up du groupe était réduit à une rencontre de musiciens de studio. Ce qui n'avait pas empêché ce "Dream harder" de nous enthousiasmer. Mais faute de succès, Mike a préféré mettre la clef sous le paillasson. La vie est un éternel recommencement. A l'issue de l'enregistrement de "Pagan Place", il avait déclaré vouloir retourner aux sources. S'investir davantage le cœur, explorer la poésie de l'âme, l'essence de vie. Juste illuminer un peu les choses avec davantage de guitare acoustique et de piano ; quelques chansons sans batterie. C'est exactement ce que le troubadour nous propose sur "Bring them all". Un album plus proche du folk que de la pop ou du rock. Hormis "I know she's in the building" et le remarquable "Building the city of light" dont les cordes de guitares semi-acoustiques rappellent le phrasé du "Something in the air" de Thunderclap Newman, l'intensité électrique est réduite à sa plus simple expression. Et son trop rare concours destiné à mettre en relief le minimalisme des compositions. Certaines chansons auraient même tout aussi bien pu appartenir au répertoire de Dylan, comme "She's so beautifull" ou encore plus flagrant "What do you want me to do" et "Sensitive children", à cause du recours à cet harmonica poussiéreux ; s'il n'y avait la voix touchante, profonde, confidentielle de Mike...
Une hirondelle ne fait pas nécessairement le printemps. Nous avions franchement flashé sur le somptueux single "She's a river", chanson qui aurait pu figurer sur "New Gold Dream" en 1982. Nous espérions donc fort logiquement découvrir un album de la même tempe. Nous avons du malheureusement déchanter. Attention, l'album n'est pas aussi faible que "Real Life", mais il consomme de manière abusive les clichés hymniques. On a même parfois l'impression de retrouver le moule de "Don't you" à plusieurs reprises. Normal nous direz vous puisque c'est Keith Forsey qui a produit le disque. Aux States. Avec pour résultat une finition yankee beaucoup trop prononcée. Pas que des bonnes nouvelles donc, du monde des Minds, réduit aujourd'hui au duo Kerr/Burchill, mais un exercice de style qui ne devrait pas trop déplaire à ses inconditionnels. Et en particulier ceux qui sont hostiles au changement. Ou à l'innovation, si vous préférez. Là dessus on va aller se remettre une bonne vieille plaque de vinyle sur la platine, victime de chômage technique depuis l'apogée du CD. "Life in a day", par exemple. Et dans la foulée "Real to Real Cacophony". Question d'exorciser ses regrets.
L'histoire de Simply Red remonte déjà à 1984. Après avoir assuré le supporting act de la tournée de James Brown, le combo mancunien grave ses premiers morceaux de plastique : "Money's too tight" et "Holding back the years". Le succès est instantané et "Holding back the years" obtient la première place des charts yankees, ouvrant ainsi la voie à une flopée de tubes. Le point culminant de sa carrière, il l'atteint déjà en 1991. En vendant plus de trois millions d'exemplaires de l'album "Star". Faites le compte, un Anglais sur dix-huit s'est procuré l'elpee. Un record! "Life" constitue son cinquième opus. Et n'ayez crainte, il est à l'étalage toutes les librairies. Bonnes et moins bonnes. Côté contenu, par de problème non plus, il est aussi (NDR : biffez la mention inutile) bon/mauvais que vous ne l'espériez. C'est à dire à l'image du clip vidéo matraqué pour l'instant sur MTV...
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