Deep Purple est un groupe britannique de rock, originaire de Hertford, Hertfordshire, en Angleterre. Formé en 1968, il compte parmi les pionniers du hard rock. Depuis le départ de Jon Lord en 2002, Ian Paice est le seul membre originel encore présent au sein de la formation et le seul à avoir milité au sein de tous le line up. Deux membres sont morts : Tommy Bolin en 1976 (surdose d'héroïne) et Jon Lord en 2012 (embolie pulmonaire, à la suite d’un cancer du pancréas). Le band a toujours la pêche et est encore capable d’envoyer du très lourd. Enigmatique, le titre de l’opus, "=1", résume la philosophie du groupe, à savoir l'unité au milieu de la complexité, et promet un LP qui résonne profondément au cœur de l'héritage du hard rock des cinq dernières décennies. Produit une fois de plus par l'emblématique Bob Ezrin, « '=1' » capture le son classique le plus pur de Deep Purple, sans s'appuyer sur la nostalgie.
Pour célébrer ce long playing, Deep Purple accordera plus de 60 concerts dans le monde entier cette année au cours de la tournée ‘=1 MORE TIME’.
Il se produira au Graspop de Dessel le 23 juin 2024 et à Forest National le 28 octobre 2024.
En attendant, il nous propose un premier single, sous forme de clip, « Portable Door », et il est disponible là.
Produite par l'agence berlinoise Mutter & Vater et réalisée par Leo Feimer, la vidéo met en scène Deep Purple avec pour toile de fond la pochette du nouvel album, capturant le combo dans son essence alors qu'il partage une scène et se produit ensemble.
Le 1er mai, c’est la fête du Travail, mais aussi le jour où l’on offre un brin de muguet à un proche. Mais, à Lessines, c’est surtout la date du festival Roots & Roses. En 2024, il célèbre sa 13ème édition. L’an dernier, elle s’était déroulée, exceptionnellement, sur deux jours. Elle se limitera, donc, cette fois-ci, à une seule journée
Ce festival à taille humaine permet la rencontre entre public et artistes avant ou après les prestations. Qu’ils soient belges ou internationaux.
Grâce à ses deux scènes plantées sous autant de chapiteaux, la programmation explore tant les tendances rock actuelles et innovantes (scène ‘Roses’) ainsi que des types de musiques plus conventionnelle tels que le blues, le folk, l’americana ou la soul (scène ‘Roots’).
Parmi les groupes noir-jaune-rouge, on épinglera la présence de Soror, Eosine (NDR : le gagnant du Concours Circuit 2023) et The Seatsniffers, de retour après une pause de 12 ans.
Assurer l’ouverture d’un festival n’est pas toujours facile. Surtout quand elle est programmée à 11h45, moment qui, en général, ne draine pas la grande foule. Il revient donc à The Golden Glows de lancer les hostilités.
Ce trio anversois est cependant réduit, aujourd’hui, à un duo. La chanteuse principale a perdu la voix. Ou c’est l’inverse. Et pourtant, les parties vocales sont soignées. Parfois on pense à Simon & Garfunkel. Elles sont assurées par le guitariste, armé d’une semi-acoustique, stetson enfoncé sur le crâne, et une chanteuse, vêtue de noir, qui se charge du tambourin, des cymbalettes ou des maracas. D’une durée de 30 minutes, le set est cosy et intimiste. Le tandem nous réserve des extraits de ses deux elpees, « Sunrise » (2023) et « The Songbook Of Harry Smith » (2019), dont on épinglera « Sunrise », « Stardust » et « California (The Golden States) », tirées du dernier.
Sr la scène Roses, se produit Soror, un quatuor basé à Bruxelles né de la rencontre entre Sophie Chiaramonte, bassiste passionnée de rock, et Alice Ably, bercée au trip-hop des années 90. Cette osmose entre lignes de basses envoûtantes et voix infusée à la Beth Gibbons est soutenue par les grooves tranchants de batterie imprimés par Théo Lanau et traversée par les lignes de guitare subtiles de Thibaut Lambrechts. A son actif, un Ep éponyme paru en 2019 et un album (« New Born »), en 2023. Un disque produit par Koen Gisen (NDR : c’est le mari d’Ann Pierlé).
L’auditoire est déjà plus conséquent. « Shadow Of A Doubt » ne laisse planer aucun doute sur la qualité des musicien(ne)s. « Bohemian Paradise » émarge davantage à l’indie rock. Une compo psyché qui libère un groove hypnotique. C’est d’ailleurs le premier single extrait de « New Born ». Et la formation n’oublie pas de réaliser une « Copy Of You ». Le public semble ravi de la prestation.
Côté ‘Roots’, un Australien s’apprête à grimper sur l’estrade : Jesse Redwing. Il a été demi-finalistes de l'International Blues Challenge sur l'emblématique Beale Street de Memphis, cette année. Il y a plus de 20 ans qu’il roule sa bosse dans les lieux enfumés. En compagnie de son groupe, il a accompli plusieurs tournées en Europe et aux États-Unis. Il a assuré les supporting acts pour Cédric Burnside, Jon Cleary, Cold Chisel, The Teskey Brothers et Ana Popovic. Un titre de son premier opus, « Crawlin’ Up the Walls », a été repris dans la série à succès de Netflix : « Shooter ». Il compte deux elpees studio et deux ‘live’ à son actif. Il joue dans la pure tradition du Chicago Blues et puise ses influences majeures chez des légendes comme Howlin' Wolf et Muddy Waters.
Sur les planches, il est soutenu par un drummer et le bassiste Carlo Van Belleghem.
Le trio entame le concert par le très funky, « I Don't Wanna End Up Like That ». Il rend hommage à ses dieux du blues à traves « Turn Away », un morceau qui s’enfonce dans les marais du Delta infesté d’alligators. Dès qu’il en a l’opportunité, entre ses riffs bluesy, Redwing boit sa bouteille de Tequila au goulot. Et il achève son set par le boogie crade et fangeux « Run DB ». Votre serviteur apprécie…
Retour vers la scène « Roses » pour assister au set du gagnant de l’édition 2023 du Concours Circuit, Eosine. Et le band a été sélectionné pour la cuvée 2024 du Humo’s Rock Rally. Un quatuor emmené par Elena Lacroix. Elle est tout de blanc vêtue : pantalon et tee-shirt. Mais, contraste détonnant : les extrémités de sa longue chevelure sont teintées de vert. Elle se consacre au chant et à la guitare rythmique et est épaulée par un autre sixcordiste (soliste), un drummer et un bassiste.
Inspirés par les paysages sonores enivrants et éthérés du ‘shoegaze’, les compositions d'Eosine évoluent vers des structures plus progressives. A cause des jolies mélodies, des harmonies vocales atmosphériques et des variations psychédéliques. « Limewood » et « Plant Healing » libèrent une fameuse dose d’intensité. Les riffs dispensés par Dima illuminent « No Horses » et « Above ». Tout serait parfait dans le meilleur des mondes, si les balances avaient été correctement réglées. Mais malheureusement, ce n’était pas le cas.
Willy Mason et programmé sur le podium ‘Roots’. Fils de Jemima James et Michael Mason, tous deux auteurs-compositeurs, il est né à White Plains, dans l'État de New York, et sa jeunesse a baigné dans le folk.
S’il puise ses influences majeures dans le grunge (Nirvana et Pearl Jam, en tête), punk et indie rock, son concert est plutôt varié et oscille du Delta blues (« Reservation ») à la ballade country (« Sharon »), en passant par le magnétique, le rock frénétique (« Riptide ») et le blues/rock (« Take It Off »).
Il est temps d’aller se restaurer. Mais il faut reconnaître que par rapport aux éditions précédentes, non seulement les prix ont grimpé, mais la qualité de la nourriture laisse à désirer. Autre problème, le système de rechargement du ‘bracelet scan’, par bornes électroniques, à l’aide de sa carte bancaire, n’est pas au point. Il tombe régulièrement en panne…
Retour vers la scène ‘Roses’ pour accueillir le power trio hexagonal, Dirty Deep. Soit le chanteur/harmoniciste/guitariste Victor Sbrovazzo, le drummer Geoffroy Sourp et enfin le bassiste Adam Lanfrey. Le combo se nourrit de références empruntées au Delta blues (Little Walter, Son House, Sonny Boy Williamson II, John Lee Hooker et Robert Johnson), mais en y injectant des nuances de grunge et de garage.
Les musicos affichent une technique irréprochable. Pour la seconde fois de la journée, on s’enfonce dans les marais de la Louisiane. A mi-parcours, Victor se met à souffler dans son harmonica. Et ses interventions déclenchent un bel enthousiasme au sein de la foule, qui applaudit régulièrement le virtuose…
Sur la scène ‘Roots’, Erikson-Delcroix & The Leftbank Ramblers se prépare à grimper sur le podium. Il s’agit d’une formation belge responsable d’une forme de country baptisée americana. Nathalie Delcroix a beaucoup écouté de c&w au cours de sa jeunesse : celle appréciée par ses parents. Bjorn Eriksson a milité chez Zita Swoon, Maxon Blewitt et Admiral Freebee. Comme guitariste. Le couple est épaulé par The Leftbank Ramblers », un band impliquant d’excellent musiciens ; en l’occurrence Elko Blijweert (guitare), Tomas De Smet (contrebasse), Peter Pask (guitare/claviers) et Alain Rylant (drums).
Au cours du set, le collectif va rendre hommage aux pionniers de la country. Stetson vissé sur le crâne, Bjon se sert régulièrement d’une pedal steel. Et on est parti pour un long périple à travers les plaines de l’Ouest américain. A l’écoute de l’adaptation du « I Scare Muself » de Thomas Dolby on imagine une B.O. pour western. « You're Gonna Change » et « Lovesick Blues » rendent hommage à Hank Williams. Et la prestation de s’achever par « If I Were A Carpenter », une composition écrite, à l'origine, par Tim Hardin. La version proposée est de toute beauté. A vous flanquer la chair de poule !
The Cold Stares a parcouru le monde en duo pendant près d'une décennie. En 2023, le groupe d’Evansville (NDR : c’est dans l'Indiana) s’est adapté à un nouveau style et a entamé sa progression en incorporant un troisième membre, devenant ainsi un power trio composé du guitariste/chanteur Chris Tapp, du batteur Brian Mullins et du bassiste Bryce Klueh. Sous ce line up, il a alors gravé un opus aussi explosif qu’excellent, « Voices ».
Energique, le show évoque tour à tour Joe Bonamassa, Larkin Poe, Rival Sons, Reignwolf, Spoon, Grand Funk Railroad ou Thievery Corp.
Le rock sudiste « Horse To Water » entame le set. Plus rock/garage, « Fool's Gold » est plutôt hanté par les Pixies, un morceau qui contraste agréablement avec les sons blues profonds de « Nothing But The Blues » et « Prosecution Blues ». Quoique de bonne facture, les titres peinent parfois à accrocher…
Les Américano-hollandais Michelle David et The True Tones investissent ensuite l’estrade ‘Roots’. Ils roulent leur bosse, à travers le monde, depuis 4 ans. Originaire de Caroline du Nord, Michelle David a grandi à New York et, comme beaucoup de ses compagnons d'âme, a chanté très jeune a sein d’un chœur. Pour la circonstance, il s’agissait de The Mission Of Love. Et il faut reconnaître que cet épisode a marqué la vocaliste. Ainsi, elle proclame ses convictions dans des chansons gospel comme « Peace », et nous ramène au culte de à son Eglise de New York tout au long de « More Grace » et « You Are Rocking My Soul ». Elle lève constamment les mains, et demande à la foule de faire de même et de les remuer, comme dans la tradition gospel. Enfin, tout au long de morceaux soul tels que « Brothers and Sisters », « That Is You » et « If You Don't Try », la diva tente de nous convertir… Heureusement, grâce aux True Tones, la musique élargit cependant son horizon et embrasse des grooves entraînants et des mélodies serrées
Direction scène Roses, pour assister au concert de Frankie and The Witch Fingers. Le groupe s'est formé et a mûri à Bloomington, en Indiana, avant de se diriger vers l'Ouest. A Los Angeles, il a été contaminé par le rock garage. Et puis progressivement, par le post-punk.
Dylan Sizemore (chant/guitare), Josh Menashe (guitare solo/synthé/sax/ flûte), Nicole ‘Nikki Pickle’ Smith (basse) et Nick Aguilar (drums) se servent d’une imagerie lyrique absurde, imprégnée d’hallucinations, de paranoïa et de luxure. Sa musique est paradoxalement, à la fois sombre et ludique. Un paradoxe qu’on retrouve dans son concert à la fois surpuissant, explosif, festif et hanté et qui libère un groove primordial…
Cette dualité s’exprime à tous niveaux : dans des harmonies vocales aériennes sur des riffs lourdement dentelés, et incendiaires ; dans des racines chamaniques cachées sous une étrangeté éclatante ; des étendues ronflantes et des coups toniques.
Pour votre serviteur, le dernier concert de la soirée se déroulera du côté de la scène Roots ». Après presque 12 ans de silence, il est de retour ! The Seatsniffers est sans aucun doute le plus populaire, le plus ancien, le plus international et, en un mot, le meilleur groupe de roots-rock belge de tous les temps. Sa musique est le fruit d’un cocktail de rock’n’roll, r&b, rockabilly, soul, blues et ska, mais dispensé avec une énergie et une attitude punk-rock. Walter Broes (chant, guitare), Bop De Houwer (contrebasse), Piet De Houwer (batterie) et Roel Jacobs (saxophone) nous réservent un set percutant, dont on épinglera les rockabilly fumants « Loudmouth », « Git's Done », « Crush On You » et « Arabian Love Call » ainsi que « Baby Come To Papa », un morceau enrichi par une superbe intervention de Roel au saxophone et cours duquel Walter se mue en crooner…
La journée a été longue et fructueuses, votre serviteur fait l’impasse sur Dewolff, et retourne dans ses pénates. A l’année prochaine et comme dirait Michelle David : ‘Si Dieu le veut’…
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(Organisation : Centre Culturel René Magritte de Lessines)
Ce concert des Cranes figurait parmi les têtes d’affiches de cette 31ème édition des Nuits Botanique, qui se déroule, cette année, du 24 avril au 5 mai. D’une part il était rapidement sold out, et d’autre part il dénotait par rapport aux nombreuses découvertes programmées lors de cette l’affiche. Car il faut remonter à 2008 et au VK (une salle bruxelloise où la formation s’est produite à 6 reprises, depuis 1992), aux Lokerse feesten en 2005 ou encore dans le cadre de ces même Nuits du Bota, en 2001, pour retrouver une trace de leur passage en Belgique
La formation gantoise TAKH ouvre le bal. Son origine remonte à 2015, lorsque les membres de The Black Heart Rebellion avaient invité Annelies Van Dinter (Echo Beatty), pour participer aux sessions d’enregistrement de l’elpee « People when you see the smoke », comme seconde chanteuse et drummeuse.
Les lumières sombres et tamisées confèrent une ambiance darkwave au concert. On pense indéniablement à Dead Can Dance voire à Swans. A cause des parties vocales qui alternent entre la voix lyrique de la préposée aux fûts à celle, plus caverneuse, du claviériste. Parfois, l’expression sonore vire vers l’indus. Et n’est pas des plus réjouissantes en début de set. Mais progressivement, et surtout lors du final, « Hair Of A Horsetail », un crescendo bien orchestré prend forme. Pour se terminer par une déferlante de riffs et de sons, et une voix plus enragée. Un set apprécié à sa juste valeur dans une Orangerie déjà bien remplie (NDR : ce qui n’est pas toujours le cas pour une première partie).
C’est en manifestant une grande attente que les fans des Cranes continuent de se presser à l’Orangerie, qui finira par devenir moite et noire de monde. Autant l’écrire tout de suite, après une absence de 12 longues années sur les planches (NDR : il y a bien eu deux petites dates précédentes britanniques calées en octobre dernier), le show va connaître de nombreux ‘leaks’ ! SI la voix douce, fluette, voire infantile, d’Alison Shaw est restée intacte, elle peine à la maintenir tout au long des titres. Les hésitations de ses musiciens (dont son frère Jim à la batterie qui manifeste souvent des signes d’agacement), et tout particulièrement de son bassiste/claviériste absorbé par ses réglages, donnent l’impression d’assister à un soundcheck voire une répétition. Indulgent et patient, le public sera finalement récompensé par les tubes « Pale Blue sky » et Everywhere » qui s’enchaînent. L’auditoire se réveille et applaudit chaleureusement. Mais l’enthousiasme va vite retomber, à cause de nouveaux soucis de balances. Les musiciens s’y attèlent à trois (NDR : mais où étaient les ingénieurs du son du Botanique ce soir-là ?) pendant qu’Alison éprouve un grand moment de solitude, et finit par tourner le dos à la foule, pendant quelques minutes. Lors des titres suivants, elle s’excusera à plusieurs reprises, et proposera même d’interrompre et de recommencer un des morceaux. Pendant « Loved », le batteur commence à s’énerver et perd même le fil de la chanson. Heureusement, après « Jewel », « Far away » et « Adrift » réveillent de bons souvenirs exhumés des ténèbres, que savoure une audience qui applaudit de plus en plus fort.
Interruptions comprises, le set n’a duré que 50 minutes. Il paraît donc normal que le band revienne accorder un rappel qui ne s’est pas fait attendre.
Alison rencontre toujours cette difficulté à se concentrer à la fois sur sa guitare et ses textes. Les morceaux ont aussi du mal à s’enchaîner, mais qu’importe, ce ne sont pas moins de cinq titres dont le fameux « Fuse » (NDR : il figure sur le premier elpee, difficile à se procurer, mais réédité en 2023) qui seront interprétés. Sous l’insistance du public, et alors qu’on supposait le concert terminé, le band nous gratifie d’un deuxième encore qu’il clôture par un « E.G. shining », nous replongeant au cœur d’une ambiance féérique susceptible, presque, de nous faire oublier les imperfections de la soirée.
Car oui la prestation de ce soir était plutôt brouillonne. On est bien loin de la tournée des stades de 1992 accomplie en compagnie de Cure. Et plus particulièrement de cette date au stade de Lievin, où Robert Smith lui-même était venu prêter main forte au band ! Elle se situe à mille lieues de cette brillante performance dispensée dans le cadre du festival de Dour, dans le haut de l’affiche, lors d’une édition pourtant déjà bien fournie et au cours de laquelle de grosses pointures comme Pulp et Blur étaient programmées.
Mais qu’importe, puisque les aficionados semblent pardonner les approximations de ce soir ; d’autant plus qu’ils peuvent longuement côtoyer les membres du groupe au stand merchandising ou au bar, après le concert.
Mais également savourer le cadre et l’ambiance de ces Nuits du Bota. Et le mélange des spectateurs des différents salles. Le vendredi par exemple, un public de métalleux (à la Rotonde) se mêlera à celui branché du Museum, et des ados de l’Orangerie. Et l’on soulignera aussi l’innovation d’un ‘all access’, le samedi 4 mai, au cours duquel un seul ticket permettra l’entrée à toutes les salles et au chapiteau, pour 27 concerts différents.
Pour les photos des Nuits, c’est ici
(Organisation : Botanique)
Le 5ème elpee d’Akua Naru, « All About Love : New Visions », est paru ce 5 avril 2024. Particulièrement inspirée par l'icône afroféministe Bell Hooks, elle y propose une nouvelle vision des chansons d'amour, le long d'un spectre sonore oscillant du jazz avant-gardiste à la soul en passant par la trap et le hip-hop, tout en libérant un lyrisme poétique, puissant et politique. Un long playing qui a bénéficié du concours de l’ensemble de cordes Resonanz, mais également de featurings, et notamment de Tony Allen, Eric Benêt, Questlove, Christian Scott et Mulatu Astatke.
Parfois décrite comme une artiste hip-hop qui a le flow et la technique de Rakim, l’éclat poétique de Lauryn Hill et la capacité d’invoquer, à travers son art, elle porte tout le poids de l’histoire des femmes noires, à la manière de Nina Simone…
Le concert est complet.
Le supporting act est assuré par un des finalistes du Concours Circuit 2023, FOꓘKOP.EЯA, un crew issu de Bruxelles, qui selon sa définition, pratiquerait un hip hop expérimental. Plus précisément du rap west coast.
FOKKOP.ERA (comprenez ‘Fucked up era’) réunit Herb Cells, aka Johnny LievelingsDeere (WILD BOAR & BULL bb, Frown-I-Brown, ...), Martin Daniel au synthé et Fabio Zamagni, alias Fabio Z, aux drums.
Dès le début du show, les vibes sont bonnes. Herb possède une fameuse voix. Soutenu et rapide, son flow est impressionnant. Et il ne déparerait pas sur la scène américaine. Il bouge constamment sur les planches. La performance allie maîtrise, maturité et technique. Les accélérations de la batterie et l’utilisation intense des cymbales font merveille.
Les trois premiers morceaux du set sont issus de l’Ep « Spitcoins », paru en 2023. Le synthé supplée la basse tout au long de l’indolent « Moby Dick.tator ». Parfois, le band me fait penser à Puppetmastaz, mais sans les marionnettes. Un excellent entertainer !
Setlist : « Moby Dick.tator », « God Auction », « Straight Outta Swampton », « Tinder Struck », « Title Trap »
En intro, l’instrumental jazzy/lounge « Urgency » permet aux musicos d’afficher l’éventail coloré de leurs palettes musicales respectives. Sur disque, cette plage bénéficie du concours d’un quatuor à cordes et de cuivres. En ‘live’, ces sonorités sont remplacées par des synthés.
Akua Naru débarque. Toute vêtue de cuir noir, ses cheveux coiffés en dreads sont remontés en chignon tombant au-dessus de la tête.
Elle est donc épaulée par un drummer, un bassiste dont la technique est irréprochable et qui pratique généreusement du slap/tap ainsi que d’un préposé aux ivoires. Non seulement il est brillant derrière son instrument, mais il possède une voix très susceptible de rappeler Marvin Gaye voire Stevie Wonder
Sablée, grave et rocailleuse, mais soul d’Akua est finalement très proche de Selah Sue. Mais quand elle la conjugue avec celle, haut perchée et claire du pianiste, le résultat est magique. A l’instar de « (Love) Right Now ».
Elle présente chaque morceau et bavarde beaucoup entre les chansons. Hormis quelques emballements circonstanciels, son flow est très lent. Elle possède un sens aigu de la rime. D’ailleurs, le single « Somebody Mama » et « Mr Brownskin » émargent davantage au slam.
Dans ses lyrics, elle met en exergue différentes formes d'amour comme l'amour physique et romantique, mais également l'amitié et la maternité. Pendant « Poetry : How Does It Feel ??? », elle se lâche, descend au milieu de la fosse et y reste pendant 10 bonnes minutes. Bouleversant !
Chaque musicien se réserve un solo plus ou moins conséquent. Talentueux, ils relient parfaitement l'histoire de la musique noire, de l'afrobeat au R&B, en passant par le blues et le jazz.
Une prestation scénique unique où le flow captivant, limite mystique de cette rappeuse manifestement douée, prend toute sa dimension.
Pour les photos, c’est ici
Setlist : « Urgency », « (Love) Right Now - All About Love Version », « Joy - All About Love Version », « Sugar (Honeyicetea) - All About Love Version », « Run Away - All About Love Version », « Serena », « Somebody Mama », « Mr Brownskin - All About Love Version » (Instrumental), « Surrender (Masi's Joint) », « The Question », « Falling - All About Love Version », « Seraphim - All About Love Version », « Poetry : How Does It Feel ??? - All About Love Version », « Made It ».
(Organisation : Ancienne Belgique)
Lone Assembly nous vient de Genève, en Suisse. Son second single, "All Around Me", est sorti ce 5 mars 2024. Il figure sur l’Ep "That Never Happened" qui est paru ce 19 avril 2024.
Mélangeant les reflets romantiques et décadents de la new wave / synthpop des années 80 avec les ombres froides du post-punk lugubre, le quatuor nous propose une musique atmosphérique, vibrante et hypnotique, soutenue par des vocaux plaintifs et séduisants.
"All Around Me" est une chanson qui traite de la lutte contre les démons, la chute dans les ténèbres et la peur de l'amour.
Appuyés par des battements de drums réguliers et une ligne de basse brodée, les barytons émotionnels et profonds dégagent une sensation épique et mélancolique.
Et le tout est surmonté par des éclats de guitare, des touches de piano poignantes et résonnantes, et des tourbillons de gémissements étincelants, pour évoquer la tristesse et la douleur de la souffrance humaine.
Le clip consacré à "All Around" est à voir et écouter ici
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Francis of Delirium est un groupe de rock alternatif basé au Luxembourg et dirigé par la talentueuse chanteuse et guitariste Jana Bahrich, native de Vancouver, et du guitariste Chris Hewett, originaire de Seattle.
Son premier elpee, "Lighthouse", est paru ce 22 mars 2024, une œuvre captivante et dynamique qui explore des thèmes de croissance personnelle, de lutte intérieure et de transformation.
« Lighthouse » un album qui offre une expérience musicale immersive et émotionnelle.
Issu de cet opus, "Something’s Changed", chanson puissante et énergique, met en valeur la voix crue et émotive de Jana. Elle est en écoute là
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Underlay est une formation australienne, issue de Melbourne, très exactement.
Son nouvel Ep, "Sick Like A Kid », est un concentré d'énergie et de fureur punk-rock
Caractérisé par ses riffs agressifs et une batterie frénétique, le morceau "Haircut" (Lien d’écoute ici) en est l'un des temps forts.
Le chanteur délivre ses paroles avec une passion dévorante, surfant sur une mélodie percutante et entraînante.
Les guitares hurlent et rugissent, créant une ambiance électrique et survoltée.
"Haircut" est un hymne à la rébellion et à la décadence, porté par une énergie brute et une rage palpable.
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Svalblue est un quatuor originaire de Bangkok en Thailande
La formation a regroupé trois Eps en un seul, qu’elle a baptisé « Blue ». Il est sorti ce 27 mars 2024
Un mélange thaïlandais de shoegaze, de noise rock et de dream pop, en quelque sorte du thaigaze
« Wasted of time » extrait de « Blue » est disponible sous forme de clip ici
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Split System est une autre formation australienne issue de Melbourne son le premier single –un éponyme– était paru en 2022. So premier LP s’intitule tout simplement "Vol. I".
Split system propose un punk qui revient aux sources, un peu à la manière des Undertones (beaucoup) mais aussi de Chris Bailey (un peu).
Energique, son punk intègre de nombreux éléments de street punk et de hardcore punk.
Le son est brut, musclé et implacable, porté par la voix usée de Briggs, et alimenté par des riffs de guitare accrocheurs, une ligne de basse rugissantes et une batterie dynamique.
"The Drain" extrait de "Vol II" est disponible sous forme de clip ici
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Modecenter est une formation autrichienne dont le second elpee, « Altes Glück », paraîtra ce 10 mai. Depuis sa naissance, le groupe a connu plusieurs changements de line up, mais le style musical continue de baigner dans un cocktail de post punk, de noisy et de post hardcore. Une expression sonore qui peut se révéler, tour à tour, percutante ou bouleversante.
« Dreck » (en écoute là), son second single extrait de cet opus est une petite viennoiserie. Il fait suite à « Endurance Eurodance » (clip ici), sorti ce 1er mars 2024.
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Après avoir gravé l’Ep "Drive All Night", Joyer nous propose son nouvel opus, "Night Songs".
Issu de Brooklyn et de Boston, le groupe est drivé par les frères multi instrumentistes Nick et Shane Sullivan, tous deux diplômés de l’école de cinéma.
Issu de cet elpee et paru en single "Drive All Night" nous plonge dans une atmosphère sombre et envoûtante.
Les paroles sont introspectives et mélancoliques.
Enchanteresse, la voix nous guide à travers des paysages sonores riches et complexes, nous transportant au sein d’un univers onirique et captivant.
Shane explique : ‘En écrivant, nous avons remarqué une sorte de fil conducteur inconscient des différentes activités et comportements qui se produisent la nuit. La nuit est le moment où les comportements les plus destructeurs ou les plus indulgents semblent se manifester, des comportements dont on n'est parfois pas fier.’
Le clip consacré à "Drive all night" est disponible là
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Le premier long playing de L'Ambulancier, « French Manhattan » paraîtra en octobre 2024.
Au fil des dix-titres, l'ambulance vous entraîne à la découverte des ruelles sombres d'un New York à la française, sur fond de rock synthétique électrisant !
Intitulé « Iowa », le premier single clippé devrait vous donner une petite idée du style proposé par la formation issue de Bagnolet. Et il est à découvrir ici
La vidéo est signée Sébastien Antoine. Ce dernier et Palem Candillier ont imaginé une histoire à la Black Mirror où le quotidien d’un protagoniste moyen est orchestré par une application qui prend soudain conscience d’elle-même.
Premier single officiel de l’album, « Iowa » prolonge les interrogations de Patinage sur un autre rythme effréné, proche des Queens Of The Stone Age et du robot rock américain.
Que devient-on quand on court après le temps et quand on remplit son agenda à ras-bord ?
L’Ambulancier raconte la spirale des semaines qui s’enchaînent, à peine suspendue par un pont éthéré à Tangerine Dream.
Un hymne aux hyperactifs et aux âmes pressurisées par le FOMO (la ‘peur de rater quelque chose’) : ‘Je suis pas le quart de moi / Si je fais pas le quart de ça’.
Sept ans après son retour gagnant, MC Solaar devrait publier, cette année, trois opus. Le premier, « Lueurs célestes », est sorti ce 15 mars, 11 pistes au fort potentiel dansant. Depuis « Sonotone », son tube paru en 2017, celui qui aime nous faire penser n’a plus peur de nous faire danser. D’ailleurs, quatre plages de ce long playing sont très susceptibles de vous flanquer des fourmis dans les jambes, et notamment le très ‘Dj Snake’ aux vibrations brésiliennes « Pierre-Feuille », le latino up tempo « Modernidad » ainsi qu’entre guitare et violon, le vitaminé « On Court » ...
MC Solaar est un des piliers et un des fondateurs du rap français. Un poète aussi. Chez Claude MC, rien ne se perd, surtout pas ses classiques (pensez à son méga hit « Qui sème le vent récolte le tempo »), et tout se transforme. Le concert est, bien entendu, sold out.
Lo Bailly assure le supporting act. Un Bruxellois qui a gravé son premier elpee, « Prosaïque », en 2023. Un disque produit par Lo Bailly et mixé par Staf Verbeeck (Selah Sue, BRNS, Hooverphonic).
Formé au journalisme et à la communication politique, il a rapidement consacré ses prédispositions rédactionnelles au service de la musique. Plume affutée, écriture acérée, l’artiste pose des mots sur ses émotions, en offrant une alternative à la chanson française. Digne héritier des poètes de la Beat Generation, cet adepte du ‘spoken word’ marche d’abord sur les traces de valeurs sûres comme Veence Hanao ou Scylla en remportant, comme eux, le concours ‘Du F. dans le Texte’, en 2021. Il a été autant influencé par le hip-hop et le rap français (MC Solaar, Fonky Family, IAM, 113, Oxmo Puccino) que le rock (The Doors, Pink Floyd, The Black Keys).
Pianiste autodidacte, il grimpe sur les planches en solitaire. Son ordinateur, ses ivoires et sa voix. C’est tout ! Son drummer (Toine Cnockaert) et son guitariste (Straz) sont absents. Outre les nouvelles compos, « N’aiment plus » et « Porcelaine », l’artiste va nous réserver des extraits de son album. Dont « Coléoptères », au cours duquel son récit d'anticipation est magnifié en piano-voix. Il demande d’allumer les lumières de la salle. Et en profite pour remercier l’auditoire et MC Solaar. En fin de parcours, son guitariste, présent dans la loge, le rejoint sur le podium, et ils achèvent le concert par « Ambulance » et « Porcelaine ». Une prestation à la fois singulière et intéressante. A suivre de près. (voir sa page ‘Artistes’ ici)
Setlist : « Prosaïque », « Amsterdam », N’Aimes Plus » « Maryline », « Coléoptères », « Ambulance », « Porcelaine ».
A 20h45 précises, toute la troupe débarque : un scratcheur/multi-instrumentiste qui s’installe derrière ses platines, un drummer perché sur une estrade, une jolie bassiste (dont les quelques interventions en ‘slap & tapping’ sont plutôt réussies), deux choristes particulièrement interactives et bien sûr, MC Solaar. En arrière-plan, une toile noire a été tendue, sur laquelle on distingue parfaitement le sigle du dernier album, en l’occurrence une énorme étoile lumineuse à 5 branches cerclée de blanc.
De « A Dix De Mes Disciples » à « Hasta la Vista », Solaar va enchaîner ses classiques comme « Les Temps changent », « Bouge De Là », « Caroline », mais également ses nouveaux morceaux très dansants, « Modernidad », « Ils Dansent » et « Pierre-Feuille ». Son flow est toujours aussi fluide, à l’instar de « Solaar pleure », qui en ‘live’, vous flanque des frissons partout.
Ses musicos nous réservent un interlude de 4 titres trempés dans le jazz. Ils se postent à l’avant du podium et assurent le show. Le batteur est impérial face à sa caisse claire et sa cymbale et caresse les peaux de ses sticks à balais. Le scratcher est passé à contrebasse et les choristes aux percus.
Pendant ce temps-là, MC Solaar est assis au milieu sur un siège et déclame sa prose. Très réceptif, le public, qui connaît les paroles, les reprend en chœur. Le drummer et le contrebassiste parviennent cependant à nous réserver de longs solos.
Mais le point d’orgue du concert est atteint lors de « Nouveau Western ». Pendant le second medley de quatre morceaux, se glisse la seule reprise de la soirée, le « All N My Grill » de Miss Elliot. Et « Solaar Pleure » couronne un set particulièrement endiablé…
26 titres, rappel y compris, il est incontestable qu’au cours de ce spectacle, au cours duquel un light show impressionnant privilégiait la couleur rouge, chacun y a trouvé son bonheur.
MC Solaar revient dans le cadre du Festival des Libertés, 18 octobre au Théâtre National.
Setlist : « Intronisation », « À Dix De Mes Disciples », « Qui Sème Le Vent Récolte Le Tempo », « Séquelles », « Victime De La Mode », « Arkansas », « Bouge De Là, Part 1 », « Bouge De Là, Part 2 », « Caroline », « Clic Clic », « Da Vinci Claude », « In God We Trust », « Obsolète », »J.A.Z.Z, J'Connais Mon Rôle, Un Ange En danger, Lève-toi et rap », « Dégâts Collatéraux », « Les Temps Changent », « Aiwa, Le bien, le mal, Paradisiaque, All N My Grill (Missy Elliott song) », « Modernidad », « Nouveau Western », « Sonotone », « Les Colonies », « Ils Dansent », « Inch'Allah », « Solaar Pleure ».
Rappel : « Pierre-Feuille », « Hasta La Vista »
Pour les photos, c’est là
(Organisation : Backinthedayz + Ancienne Belgique)
Le groupe post punk rotterdamois Tramhaus vient d’annoncer la sortie d’un premier elpee. Intitulé « The First Exit », il paraitra ce 20 septembre 2024. Caractérisé par son refrain qui tue, « Beech » célèbre l'énergie explosive et la dynamique du groupe sur scène et constitue le premier single qui en est extrait.
« The First Exit » a été enregistré au sein de l'illustre studio Katzwijm, dans la région néerlandaise des bulbes à fleurs, sous la houlette de l'ingénieur du son, Floyd Atema. Ainsi, le disque marquera une nouvelle étape dans la remarquable carrière du quintet batave.
Après la sortie de l'album, le groupe entamera une tournée européenne qui débutera le mercredi 2 octobre dans la grande salle du Paradiso à Amsterdam.
Tramhaus, c’est la sensation post/punk audacieuse de la ville agitée et toujours innovante de Rotterdam. En l'espace d'une existence relativement courte, Tramhaus a réussi à se faire un nom bien au-delà des frontières de sa ville natale. Marqué par son expérience énergique, la formation a prouvé qu'elle était capable de transmettre ce message à la fois sur scène et sur disque. La musique de Tramhaus ressemble à la bande-son d'une histoire vivante, mystérieuse voire dangereuse. Il n'y a pas de place pour se reposer, le groupe vous emporte avec lui dans une course de vitesse pleine d'émotions et d'euphorie, menée par des chansons épurées et enflammées, mélangées à des tonalités fragiles et abstraites.
« Beech » est en écoute ici.
Bonny Light Horseman, le trio composé d'Anaïs Mitchell, d’Eric D. Johnson et de Josh Kaufman, annonce aujourd’hui la sortie de son troisième elpee – un double ! – « Keep Me on Your Mind/See You Free », prévu ce 7 juin 2024. Ils partagent pour l’occasion le single « I Know You Know » accompagné de la toute première vidéo du groupe. Ancrée par les harmonies toujours pénétrantes de Mitchell et Johnson, la chanson démontre la faculté du groupe à pouvoir associer la dévastation émotionnelle à une sensibilité pop, car ses doux arrangements et son refrain digne d’un hymne démentent son refrain dévastateur.
Ce clip est à découvrir ici
« I Know You Know » fait suite au cathartique » When I Was Younger », single sorti en février, autre titre de ce prochain opus, qui avait alors attiré l'attention de nombreux médias. Le groupe entamera en juin une tournée américaine.
« Keep Me on Your Mind/See You Free » constitue une ode au désordre béni de notre humanité. Serein et généreux, il s'agit d'une offrande sans fard qui met chaque sentiment et chacun de nos défauts supposés au grand jour. Les thèmes abordés y sont très nombreux et encore plus importants. L'amour et la perte, l'espoir et le chagrin, la communauté et la famille, le changement et le temps imprègnent l'œuvre la plus vulnérable et la plus généreuse de Bonny Light Horseman commise à ce jour. Pourtant, malgré tous ses aspects humanistes, « Keep Me on Your Mind/See You Free » a été forgé à partir d'une sorte de magie inexplicable.
Tout au long de ce long playing, Bonny Light Horseman nous présente un sens distinct de la grâce, et nous rappelle que la vie est mieux vécue
Depuis 2020, Gwizdek écrit sa chanson française, moderne et personnelle, aux basses lourdes empruntées au hip hop, au tempo et aux textures lo-fi/bedroom-pop, mais aussi à la rage et à la poésie rock, le tout empreint d’une voix grave et pleine de mélancolie. Son nouvel opus paraîtra cet automne.
Bien que les intelligences artificielles soient des outils fantastiques qui s'immiscent déjà partout dans notre quotidien, il est parfois urgent de se déconnecter un temps, pour réimaginer le monde au travers nos propres processus et émotions.
Gwizdek continue son exploration thématique de l'Humain, des technologies, et de leur rapport à la nature sous la forme d’un morceau lent, puissant, pop et sombre à la fois.
Pour la réalisation du clip, le groupe a de nouveau appel fait au talentueux, 100% humain et artiste 3D, Alexandre Albisser, afin d’imaginer un jardin virtuel grandissant au cœur du musée de Grenoble.
Extrait de ce futur elpee, « IA » est disponible sous forme de clip là
Artiste émergente de la scène francophone, Mihlo est une autrice-compositrice interprète touche-à-tout.
Arrangeuse et multi-instrumentiste, elle dévoile des chansons poétiques, mélancoliques et électriques.
Des envolées vocales à la Joan Baez teintées d’électro, une ambiance rappelant les chansons feutrées de Keren Ann, les titres de Mihlo invitent à l’évasion et à l’introspection.
La voix est aérienne, mélodieuse, mais laisse entrevoir aussi une énergie plus sombre, forgée par un vécu d’où Mihlo puise son inspiration et son sens critique. Apparaît ainsi en transparence un timbre brut, plus grave, portant avec sobriété des mots comme trop longtemps tus.
Intitulé « Cage de verre », le premier Ep de Mihlo évoque ces prisons invisibles dont on peine à briser les murs, qu’ont les ait construites ou qu’elles nous soient imposées au gré des rencontres.
Entre ombre et lumière, Mihlo chante l’espoir autant que la mélancolie, au travers de voix aériennes et entremêlées, dans une interprétation sobre, que viennent habiller des guitares arpégées et des sons de clavier vintage, soutenues par des batteries électro aux couleurs plus modernes.
La vidéo de « Je plais à personne » est à découvrir là
Après la sortie de son premier Ep, en janvier dernier, le trio Ain’t No F**king Artist nous réserve une ‘live session’ sur Youtube, tournée en mer et sur le bateau de tourisme Le P’tit Natien.
Tourner dans la baie des Sables d’Olonne était un souhait pour les 3 membres et un défi technique : faire en sorte d’avoir un son qualitatif, malgré tout ce qui interfère en mer n’est pas chose facile, comme avoir assez d’électricité à bord ou éviter d’enregistrer les sons parasites. La partie technique c’est une chose, la météo en est une autre !
Heureusement pour toute l’équipe, les conditions étaient réunies afin de permettre au groupe d’enregistrer cette ‘live session’ de plus de 8 minutes, au cours desquelles la formation a interprété les morceaux « DeathMatch » et « WhatYouAreLookingFor », deux titres qui figurent sur l’Ep « Breathless ».
L’équipe du P’tit Natien a accepté de participer à ce beau projet. Une collaboration gagnant-gagnant qui leur permet de s’offrir des images culturelles et promotionnelles qualitatives.
À la réalisation, le collectif d’Uppercut est au rendez-vous ainsi que Pierre Tezenas à la prise de son, Trésor Mabounoa pour les images en drone et Jeremy Grollier au mix & mastering.
Le clip consacré à « Running Again » est disponible là
En février dernier, le duo shoegaze Alcest annonçait la sortie de son nouvel album, « Les Chants de l'Aurore », prévue ce 21 juin 2024. Après « L'Envol », Alcest allume la « Flamme Jumelle" le temps d'un voyage toujours très spirituel et aborde la question du deuil et du devenir de l'âme.
Pour Neige, son frontman et principal compositeur, Alcest a toujours été une porte ouverte sur l'autre monde, un moyen d'explorer la spiritualité.
Complété par le batteur de longue date et confident créatif Winterhalter, Alcest semble se nourrir d'une multitude de genres musicaux sans ne jamais s'y conformer pleinement. ‘Alcest a toujours été trop étrange pour la scène metal, tout comme Alcest est trop étrange pour la scène indie ou post-rock. Nous n'avons jamais été à notre place dans l'une comme dans l'autre. C'est comme cela que je me sens dans la vie, comme un étranger. Ce n'est pas un problème, les choses sont simplement comme elles sont…
En dépit de son côté plus accessible, ce morceau est le plus personnel de l'album. "Flamme Jumelle" évoque la notion de perte et la difficulté de faire face à l'absence d'une personne que l'on aimait profondément. Qu'il s'agisse d'un membre de la famille, d'un ami ou d'un partenaire. D'un point de vue plus spirituel, le titre fait référence à la possibilité que certaines âmes soient connectées dans cette vie et dans l'au-delà, de sorte que la séparation soit temporaire et ne soit qu'un concept mortel’ - Neige
Le clip de « Flamme Jumelle » est à voir et écouter ici
« Urgences 911 », c’est le troisième single issu du dernier elpee d’Eddy de Pretto, « Crash Cœur », paru fin 2023.
‘Lorsque je tombe sur la vidéo d’un homme qui démarre une dernière danse seul lors des funérailles de sa femme, je suis directement ému et me survient une question existentielle : danserons-nous toujours ensemble, même après la mort ? Est-ce que nos cœurs continuent toujours de danser ? Cette question sans réponse a été un véritable moteur pour l’écriture de ce morceau, pour tenter de poétiser une situation douloureuse. Tenter de mettre une touche d’espoir sur le pire.’ - Eddy de Pretto
Eddy de Pretto sera en tournée dans toute la France (tournée printemps + 2 Olympia complets) et se produira en Belgique, le 23 avril au Cirque Royal et le 5 décembre à Forest National.
« Urgence 911 » est disponible sous forme de vidéo là
Révélée en 2020 à travers son nouveau projet solo, Charlotte Maquet est définitivement l'une des nouvelles voix les plus intéressantes de la scène alternative et indépendante belge actuelle.
Dès la sortie de son premier single « Gamblers », autoproduit, Aucklane attire instantanément l’intérêt de la presse noir-jaune-rouge qui voit en elle la ‘relève du rock belge’ et la hisse au rang des artistes à suivre de très près.
Chacun des cinq titres de son premier Ep, « Nightfall » trouvera sa place en radio. Un 5/5 !
Ce qui lui vaudra de partager la scène avec des artistes de renom, comme Ozark Henry en télé ou Charles et Typh Barrow en radio.
Autrice-compositrice, arrangeuse et interprète, Aucklane est saluée pour ses multiples talents : sa voix éthérée et écorchée, son songwriting intelligent, ses mélodies accrocheuses... autant que pour son univers visuel soigné et mystérieux.
Mais c’est en live, entourée de ses musiciens - Sébastien Beaumont, Thibault Jungers et Gilles Vermeyen - que l’artiste déploie l’intégralité de ses capacités, se révélant frontwoman.
Son amour de la poésie anglaise, sa passion pour l’électricité sensuelle du rock’n’roll et ses influences diverses confèrent à Aucklane une identité artistique singulière qui la démarque sur la scène musicale belge.
« Hard to get », son dernier single, est disponible sous forme de vidéo là
Formé en 2015 à Poitiers, Birdstone unit la puissance spirituelle du blues à la richesse du heavy-rock. Au croisement des thèmes mythologiques, de l'ésotérisme et des simples passions humaines, le trio narre les combats intérieurs de l'être humain, aussi bien que ses aspirations mystiques.
Basile, Edwige et Benjamin, originaires des Deux-Sèvres, puisent leur inspiration dans la ruralité, comme l’ont fait avant eux les bluesmen dans le Delta, à la fin du 19ème siècle.
Alliant mélancolie aride et riffs poisseux, la musique du trio oscille entre atmosphères éthérées, tensions dramatiques et climax impétueux. Le deuil, la solitude, le doute, la corruption mais aussi la rage et l'espoir sont autant d'impulsions et de guides dans l'imbrication des mélodies et des textes du trio, naviguant en permanence entre grandiloquence et intimité.
Son premier Ep, "The Cage", sorti en février 2017, a posé les fondations de l'univers du groupe : une forme de transe nimbée de mysticisme. Birdstone a décidé de mélanger la fougue du rock aux thématiques de la spiritualité et de la religion.
Son premier album, "Seer", sort en février 2019 et permet au groupe d'amorcer une ouverture à l'international. Le groupe apparaît à l'affiche de festivals d'envergure tels que le Hellfest, Terres du Son ou American Tours Festival, ainsi qu'en première partie de Yarol Poupaud, Triggerfinger ou encore King Khan & The Shrines. En 2022, au moment où ‘l'ancien monde’ s'écroulait, Birdstone a publié un nouveau chapitre : "Loss".
Le trio doré vient d’entrer dans un nouveau cycle dont le premier single “Hotline” est disponible depuis le 17 novembre et le deuxième extrait "Méandres", depuis le 1er mars 2024, est à voir et écouter là
La musique de Gwendoline n’en a rien à foutre. Elle n’a pas de projet. Elle ne tente rien, les musicos le répètent à qui veut l’entendre, faut juste écouter. Chacun entendra ce qu’il veut dans « C’est à moi, ça », nouvel opus des deux Brestois.
D’aucuns voudraient qu’ils soient Joy Division, Noir Boy George, Bruit noir, Ventre de biche, les Bérus. Voudraient que leur wave soit cold, shlag, dark... mais ce n’est pas leur problème.
Gwendoline ne calcule rien, si ça braille simple comme au foot, c’est pas pour remplir des stades, c’est parce que c’est venu comme ça. Alors on gueule que nous aussi, on veut les ‘retrouver au PMU à huit heures du matin, pour partir en retraite en mobylette, avec tous les copains’.
C’est moins écrit que du Pascal Bouaziz, mais comme ils l’affirment, ‘écrire comme Baudelaire, ils n’en ont rien à foutre’. Et puis fondamentalement : ils disent les termes. Ceux de la France nutriscore Z comme Zemmour. Leur langue a le goût d’un sous-bock humide et sent le micro fatigué de vivre dans le tiroir du comptoir d’un bar-tabac. Ils prononcent les R comme pour cracher sur tout, parce que tout le mérite : meetic, les clubs de vacances, la génération d’avant, celle d’après, la vie low-cost, les croquettes au poulet, la trash télé qui mange les cerveaux, les gens qui savent parler. Et eux-mêmes, sans doute, parce qu’ils ont autre chose à faire qu’élaborer des plans socialement responsables dans leur disque.
Et on a envie d’être d’accord, de pas choisir, de pas savoir. Ils ne comprennent pas pourquoi, après des années de loose, les gens formidables veulent faire des selfies avec eux, pourquoi d’un coup, ‘tous les soirs, c’est la soirée de l’année’. Et ça ne va pas s’améliorer avec ce nouvel album pensé en duo à la maison, enregistré littéralement à la toute fin des choses, dans le Finistère. Les instrus sombres, radicales et sans chichis (Jake et Romain, guitare / claviers), y font la courte-échelle à Pierre et Micka, corps complémentaires pour dégueuler sur tout, avec un exceptionnel sens de la formule.
Ils n’y sont pour rien si on les aime, et ça les fait déjà chier. On les aime parce que leur colère est juste. On a plus le luxe de la nuance quand tout a le goût du beurre doux qui a mal tourné.
Le clip consacré Rock2000 est à voir et écouter là
Depuis 5 ans, The Twin Souls (Martin et Guilhem Marcos) forgent leur réputation en parcourant les routes de France, de salles en festivals, mais également celles de l’Espagne grâce à une première tournée de 10 dates en 2023.
5 années riches d'expériences et de rencontres auxquelles ils souhaitent aujourd’hui rendre hommage à travers la sortie de 4 nouveaux titres, en parallèle de l’écriture d’une nouvelle page de leur projet : un 1er album !
Sur 2 titres totalement inédits “ The One ” et “ Remember ”, on retrouve les Dätcha Mandala avec lesquels de forts liens se sont tissés et Tonio Marcos, leur père, musicien de carrière (guitariste pour Michel Delpech, notamment) et influence majeure du parcours musical, artistique et professionnel de ses deux fils. Sur les 2 autres morceaux, réenregistrés pour l’occasion, “ Tenderly ” et “ Hey Hey ”, on retrouve Yarol Poupaud avec lequel ils ont joué au Trabendo (Paris) en 2021 et Gunnar Ellwanger, leader de Gunwood, groupe pour lequel ils ont eu un véritable coup de cœur et en compagnie duquel ils ont partagé plusieurs fois la scène. Tous deux venus naturellement discuter de leur passion commune, interpellés par l’univers rock garage organique du duo.
“ Family & Friends ” réunit ainsi 13 titres dont les 9 plages de leurs 2 Eps entièrement remasterisés ainsi que ces 4 nouveaux morceaux sous un format digital mais aussi et surtout, sous un format essentiel aux groupes de rock.
« Remember » est disponible sous forme de clip ici
Bercé par les VHS et les DVD de skate, de surf et de snowboard, la board culture bouillonnante du début des années 2000 fait découvrir à Yrwan Garcia Léal de nombreux groupes de rock et de rap indépendants.
Après une carrière de snowboardeur professionnel, Yrwan s'installe sur la côte basque et se met à la guitare. A l’aide d’un loopeur, il enregistre ses premières démos et joue seul ses premiers concerts en apprenant la musique et la technique sur le tas. Du post punk brut droit, froid et sale, de la ‘cold grunge wave’ comme il l’avait baptisée. S’ensuit une opportunité d'enregistrer ses deux premiers albums (« R.ad » en 2018 et « HAZY » en 2020) dans l'énorme studio voisin de la marque de surfwear Quiksilver, géré par le talentueux Bertrand ‘MAKO’ Blais (Etienne Daho, Lee Ann Curren, Lou Doillon...)
En 2021, YGGL fait partie des 5 finalistes du European Vans Musicians Wanted et ses morceaux séduisent le jury, Andersoon Paak en tête. Yrwan joue au rythme de ses surf/snowboard trips dans des festivals ou sur des événements tel que le Sidéral Festival en 2022 qu’il ouvre en dernière minute (remplacement d’un groupe bloqué à la frontière le matin même) devant une salle bondée du grand parc de Bordeaux. D’autres festivals lui permettent également de jouer à l’étranger. Les titres d’YGGL s'entendent également dans différentes productions et publicités internationales de snowboard (‘Abstinthe Films’,’ Billabong’, ‘Van’s, ‘Volcom’, ‘Quiksilver’, ‘Laax’...) mais restent à découvrir sur la scène rock française.
Pour ce nouvel et quatrième elpee « GAIJIN », composé de 9 titres, Yrwan est retourné au Studio Macaroni de Christian Bolognaise (Cheaap, Th da Freak, Siz, Cosmopaark...) avec, cette fois, l'intention d'alourdir sa musique. Les rythmiques se veulent parfois proches du stoner ou du doom et les différentes couches de guitare se superposent sur son looper dans un magma shoegaze menées par l'énergie du grunge. Cette nouvelle profondeur s’ajoute à son univers tout en gardant son atout premier : des mélodies efficaces au service d'une énergie mixant punch et spleen.
Le clip de « (Sad Dream) » est disponible là
Rassurez-vous, Resto Basket n’est pas la cafétaria d’un club de sport, mais un projet punk rock en français, tout ce qu'il y a de sérieux et honnête !
En effet, si Sylvère, Hugo, Lucas, Florian et Guillaume (amis de lycée) décident à l'origine de jouer de la musique pour tromper l'ennui qui règne dans leur petite commune de La Tour-du-Pin (c’est dans le département de l'Isère, en région Auvergne-Rhône-Alpes), la formation trouve très vite son style et sort ses premières productions en toute indépendance dès 2019 ("Vers une vie active réussie").
Au fil des concerts, le projet s'affirme, grandit et rencontre son public ; un public qui se reconnaît dans la musique énergique et impertinente du groupe.
Un album plus tard ("Trajectoire", paru en 2021, dont FrancoFans dira ‘Entre inspirations de la vieille école et de leur génération, le groupe donne un coup de fouet au genre.’) et plus de 100 dates à travers toute la France (en 1ère partie des Wampas, de Ludwing von 88 ou encore de Poésie Zéro), Resto Basket est de retour. Il sortira un nouvel Ep de 7 titres intitulé "Le Seum", ce 28 juin 2024, un disque enregistré et mixé au studio Warmaudio par Kris Banel !
Le clip du 1er single "Terres froides", est à voir et écouter ici
Les « Terres froides », est le nom de l’arrière-pays isérois qui a vu grandir les membres de Resto Basket et vers lequel la vie les ramène parfois au gré de leurs aventures.
Le clip transporte le groupe dans des lieux successifs de leur adolescence qui sont aussi des archétypes de la jeunesse périurbaine : l’autocar, le champ, la gare.
Il nous rappelle également l’origine des musiques qui ont influencé Resto Basket dès leur formation : le punk-rock des suburbs nord-américains, qui trouvent ici un écho dans le vécu périphérique français.
Influencé par le post-punk, le rock indé et la jungle pop, Dinoh est véritablement un cercle de parole pour guitares.
Le groupe distille des mélodies pop dans un format déstructuré où les cordes se percutent pour briller d’une mélancolie attachante.
Formé à Bordeaux en 2022 autour du projet de Nicolas Rives, auteur-compositeur, ce quatuor se veut authentique et propose des textes en français, portés par des voix qui semblent effacer la frontière entre chant lead et chœurs.
Son premier elpee, intitulé « Deuxième Premier » s’inspire de l’obsession faussement naïve, d’un enfant qui scrute l’Univers. Totalement autoproduit par le groupe, il nous dévoile la sensibilité et l’écriture du band à travers 8 chansons.
Ces morceaux s’enchaînent selon une chronologie et s’ouvre donc par « Boum », un titre instrumental, plus math rock, plus noise, faisant écho au bang cosmique primitif.
La pièce maitresse de cet LP : « Et la lumière », nous entraîne pour un voyage de 7 minutes où le groupe dévoile tout son potentiel créatif et nous montre à quel point le temps est bien relatif, tout en offrant une écoute attentive et presque ‘courte’ de cette chanson pourtant loin des formats radio.
Dinoh s’amuse donc avec la simplicité d’une musique riche et complexe. Ce long playing est décrit par la formation comme un avant-goût de ce qui arrivera après...
« Pénombre de couleurs » est à écouter ici
Watertank a publié son quatrième long playing, "Liminal Status", ce 5 avril 2024, un disque toujours fortement inspiré par les 90's qui oscille entre rock alternatif, indie voire shoegaze. Après avoir sorti "Cut Gum" puis l'éponyme "Liminal Status", c'est l'intégralité de ce nouveau venu discographique que les Nantais vous proposent de découvrir. Une sortie que le groupe accompagne également d'un clip ; et c’est le cas pour "Clean Shot" dont la vidéo est à découvrir ici
Un album plus politique, moins tourné vers la science-fiction, qui explore les ‘situations liminaires’, ces lieux familiers dépourvus de toute présence humaine. Un quatrième opus enregistré live et mixé par Christophe Hogommat (Mad Foxes, 20 Seconds Falling Man, etc.).
Revendiquant des influences comme Failure, Quicksand ou Nothing, Watertank trace sa route depuis le début des années 2000. En perpétuelle mutation, le quatuor repousse ses limites et explore de nouvelles voies sonores à chacune de ses sorties.
Le duo kraurock Alber Jupiter a sorti son nouvel elpee, "Puis Vient La Nuit", ce 5 avril 2024, alors que le label Mrs Red Sound réédite son premier.
Formé à Rennes en 2017, le duo instrumental basse-batterie s’inspire autant de la scène krautrock berlinoise des années 70 que de l'univers du post-rock pour modeler un paysage sonore aérien unique. Sa rythmique motorik se balade entre des delays plaintifs et des reverbs intergalactiques. La magie opère immédiatement ! On reconnait l'inspiration de Neu!, Föllakzoid ou encore Godspeed You! Black Emperor mais on entend quelque chose de singulièrement différent.
Alber Jupiter avait gravé, en 2019 un premier album aux allures de bande sonore de film de science-fiction. Intitulé "We Are Just Floating in Space", le disque amorçait le décollage du groupe vers les routes d’Europe, en ouverture de pontes du rock psychédélique international comme Föllakzoid, Camera, Acid Mothers Temple ou Minami Deutsch. Le tandem attire alors l’attention de festivals prescripteurs de la scène heavy psyché comme le festival les Trans Musicales de Rennes qui le programme cinq soirs d’affilée en décembre de la même année.
2020 aurait dû continuer sur la même lancée puisque la formation était à l’affiche du festival hollandais le Roadburn, mais la crise COVID en a décidé autrement. L’arrêt brutal des concerts a néanmoins permis la composition et l’enregistrement d’un second opus à travers lequel il poursuit son exploration psychédélique. Un looper, quelques pédales et le voyage devient sans limites ! La basse se transforme en guitares, violons hallucinés, cris, nappes éthérées ou distorsions. Des synthés qui font parfois leur apparition, viennent compléter une palette sonore déjà riche et amener le groupe vers de nouvelles contrées.
"Daddy's Spaceship" est en écoute ici
Il existe des groupes inclassables. On les appelle ‘crossover’ et ce mot ne se réfère pas à un modèle de voiture. On pense ici à Nine Inch Nails, Radiohead, Dead Can Dance, etc. Thot, le projet fondé en 2005 par le Franco-bruxellois Grégoire Fray, appartient à cette ‘non-catégorie’. Tout au long de ses 3 elpees et 4 Eps, la formation, dont le patronyme a été emprunté à un personnage du dessin animé ‘Les Mondes engloutis’ ainsi qu’au dieu égyptien du même nom (‘Thoth’), a évolué d'un style post-indus / post-metal très brut vers un post-rock plus sophistiqué. Ce 10 mai 2024, Thot a publié son 4e album. Baptisé “Delta”, il s’agit clairement de la production la plus ambitieuse et la plus aboutie du combo. Un signe qui ne trompe pas, Grégoire Fray est parvenu à convaincre le Mystère des voix bulgares de participer aux sessions. Le collectif est d’ailleurs présent sur plusieurs pistes. Musiczine a rencontré Grégoire Fray et Michael Thiel.
Commençons par préciser les rôles. Grégoire, tu es le fondateur de Thot ?
Grégoire Fray : Oui. Je me charge de l'écriture des morceaux, des paroles, de la guitare, des claviers, de la programmation et de la production. J'assume aussi la direction artistique pour les créations visuelles, et entre autres pour le design des pochettes. Je ne réalise pas les pochettes, mais j'apporte les idées. Tout comme pour les clips vidéo.
Et toi, Michael, tu te consacres aux percussions ?
Michael Thiel : Effectivement. Les percussions depuis fin 2018 et je m'occupe aussi du volet visuel, notamment des vidéos. Ainsi que de certains aspects graphiques comme les artworks.
Votre nouvel opus s’intitule “Delta”. Comment évaluez-vous l'évolution par rapport aux précédents ?
GF : Le titre a été pensé comme l'image de cette évolution. Un delta, c'est un triangle. Chaque facette représente un des trois albums précédents. D'un point de vue musical et artistique, “Delta”, c'est donc la somme quantique des trois précédents. C'est aussi l’embouchure d'une rivière qui se jette dans la mer. Il se reporte un peu à l'album précédent dénommé “Fleuve”. L'évolution a également été humaine puisque le line up a changé au gré des sorties. Et, en toute logique, notre progression musicale a été nourrie par les personnes actives au sein du projet.
Faisons le point sur les membres du groupe.
MT : Alors, outre Grégoire et moi, Stéphane Fedele se réserve la basse, Lukas Melville la batterie et Anaïs Elba les claviers. Lukas et Stéphane participent aussi aux arrangements.
Juliette est également de la partie.
GF : Juliette Mauduit, active au sein du groupe entre 2018 et 2020, a participé aux sessions. Au moment de la crise du Covid, elle a changé de vie et est retournée vivre en France. Elle n’est plus membre de la formation, malheureusement. Mais, avant de partir, elle avait conduit le projet “Delta” jusqu’au bout, tant au niveau de l'écriture que pour les enregistrements. Et elle sera présente au Botanique le 13 juin, lors du concert.
“Sleep Oddity” est ma compo préférée. La chanteuse Lenka Dusilová y est créditée. Qui est-ce ?
GF : Lenka Dusilová est une musicienne tchèque très connue et reconnue dans son pays. Elle joue de la musique depuis plus de 20 ans et a décroché de nombreuses récompenses en République tchèque. Je l'ai découverte en 2022. Je séjournais à Prague et un de mes amis, Tomasz, était son manager. C'est lui qui m'a invité à écouter son album précédent, “Řeka”, un mot qui signifie “rivière”.
Tiens, le monde est petit…
GF : Oui ! Je suis tombé immédiatement amoureux de sa musique et de sa voix. Et, au moment de finaliser “Sleep Oddity”, on a eu l'idée de l'inviter à participer à la chanson.
J'aime particulièrement ce titre parce qu'il affiche un petit côté ‘prog’, surtout à partir du milieu du morceau... Et ce que j'aime aussi, c'est la mélodie de base. A mon avis, c'est la plus belle mélodie composée par Thot depuis les débuts.
GF : Merci ! En fait, la première version de ce titre est parue à l'origine sur l'Ep “Méandres”, en 2022. C'est une ancienne composition que j'ai écrite en formule guitare-voix, fin 2019. J'ai très vite eu envie de la faire chanter par Juliette. Donc, on a réalisé cette version sur “Méandres”. Et puis, quand est arrivé le moment de réaliser les nouveaux enregistrements pour “Delta”, les arrangements ne correspondaient plus à la voix de Juliette. C'est alors qu'on a conclu qu’il était nécessaire qu’une autre voix intervienne. Donc, j'ai contacté Lenka Dusilová et je lui ai donné carte blanche. Elle a repris les choses à sa manière, en ajoutant ses propres idées et je suis très, très content, du résultat.
J'aime beaucoup. C'est superbe !
GF : Après, pour le côté prog, je n'y connais rien, donc je ne peux pas juger (rires).
Bien sûr, c'est un avis subjectif. Le problème de Thot, c'est que votre musique est impossible à classifier. C'est de la musique ‘crossover’. A l'instar de Nine Inch Nails ou Radiohead. Impossible de lui coller une étiquette. On peut avancer des références plus ou moins pertinentes mais pour définir le style de Thot, on en est réduit à devoir combiner des termes comme post / prog / metal / noise / power, etc.
MT : Perso, je dirai tout simplement ‘post-indus’. Le terme ‘post-‘ est maintenant connu, grâce au ‘post-rock’...
Le Mystère des voix bulgares a collaboré aux sessions d’enregistrement. Comment une telle coopération a-t-elle pu se réaliser ?
GF : Je suis fan du Mystère des voix bulgares depuis longtemps. J'ai toujours été intrigué, fasciné, par cette musique, par ces voix, par ces chœurs. Il s'avère que leur musique est présente dans la discographie de Thot depuis longtemps et ce, par le biais de samples.
Sur quels morceaux, par exemple ?
GF : Sur “Icauna”, “Odra”, “Rhein”, “Samara” et “Rhône”.
MT : Et aussi sur “Bosphore” ?
GF : Oui, sur “Bosphore”, également. Et donc, en 2018, j’assiste au concert du Mystère des voix bulgares et de Lisa Gerrard, à l'Ancienne Belgique.
J'y étais également.
GF : Je suis ressorti de ce concert totalement subjugué. J'ai contacté la manageuse du groupe via Instagram et je l’ai invitée à découvrir Thot. Et, plus tard, pendant la conception de “Delta”, je me suis décidé à tenter le coup. Donc, j'ai recontacté cette personne, Boyana Bounkova. J'ai exposé un peu mes envies, mes idées et tout ça. Et puis, après plusieurs échanges de mails, j'ai proposé des idées concrètes. Juliette et moi avons écrit des textes et concrétisé des idées mélodiques. On a travaillé en compagnie d’une amie bulgare, qui nous a aidés à rédiger des paroles dans cette langue, basées sur des contes. Et on a proposé l’ensemble à Boyana, qui en a parlé aux chanteuses. Et la réponse a été affirmative ! Je me souviens du moment où je l’ai reçue. J'en ai presque pleuré.
Bingo ! Et vous êtes allés en Bulgarie ?
GF : On ne voulait pas effectuer ce défi à distance. On voulait y aller. On voulait vivre le truc. Juliette aussi. Michael aussi. On a donc attendu que les règles Covid soient allégées, et on est partis en Bulgarie. On a bossé avec six chanteuses du collectif parce qu’en inviter vingt n'était pas réalisable, ne fût-ce que d'un point de vue financier. On a passé une journée en studio pour enregistrer les morceaux. Et en plus, une version acoustique de “Hüzün”.
“Hüzün” constitue, à mon avis, le ‘magnum opus’ de l’œuvre, le titre le plus ambitieux.
GF : Oui, également au niveau visuel. On a tourné un clip en Bulgarie.
Oui, un clip que j'aime particulièrement, surtout grâce aux références chamaniques.
GF : Tu évoques sans doute le rituel montré dans le clip ? Il s'agit des ‘Kukeri’. Cette tradition existe dans de nombreux pays. On peut la comparer au Carnaval. Les gens se couvrent de peaux de bête, pour chasser les mauvais esprits et annoncer l'arrivée du printemps. Quand on a préparé le voyage en Bulgarie, j’avais l’intention d’en profiter pour tourner un clip. Et “Hüzün”, c'était le morceau idéal pour y parvenir, car la chanson évoque un long voyage. C'est une composition très personnelle pour Juliette, car c'est elle qui a écrit le texte. Elle a directement eu un coup de cœur. On a donc modelé la compo autour de ses idées, et c'est devenu ce que c'est aujourd'hui. Et le chœur des Voix Bulgares occupe une position centrale, au milieu de la chanson. Pour le clip, j'ai passé beaucoup de temps sur internet à chercher des lieux où tourner. Donc, on a vraiment préparé, un peu improvisé, en fonction de ce qu'on voyait, de ce qu'on trouvait, de la météo… favorable, car on a pu bénéficier d’un très beau temps.
Comment avez-vous pu filmer les ‘Kukeri’ ?
GF : Quelques semaines avant le voyage, j’ai découvert, par hasard, des photos des ‘Kukeri’ dans National Geographic bulgare. Des clichés réalisés par un photographe bulgare, Ivo Danchev. Tout s'est organisé dans ma tête. Comme les textes d'“Hüzün” proposent une espèce de rituel intérieur, décrivant ce que Juliette a vécu ; j’en ai déduit qu’il fallait que l'on fasse intervenir les ‘Kukeri’. Ils allaient donner vie à ce passage, au milieu de la compo, où il se produit une sorte d'élévation. Leur présence visuelle allait renforcer cette impression. Donc, j’ai contacté le photographe, Ivo.
Celui du National Geographic ?
GF : Oui ! Je l'ai contacté sur Instagram. Il connaissait les ‘Kukeri’ mais il a fallu dénicher des candidats prêts à assurer une telle représentation en plein été, parce que, normalement, c'est un rituel qui se déroule à la fin de l'hiver. On avait besoin de costumes, parce qu'après les rituels, généralement, ils les démontent. Finalement, tout s'est mis en place presque miraculeusement et on a pu tourner la séquence des ‘Kukeri’ au même endroit que sur la couverture du National Geographic. On a passé quelques heures en fin de journée devant un coucher de soleil à tourner ces scènes du rituel autour du personnage de Juliette.
Et donc, Michael, au niveau des vidéos, comment as-tu abordé le travail de mise en forme, le travail visuel ?
MT : Je me suis efforcé de traduire visuellement les idées de Grégoire. C'est lui a écrit le script du clip et scénarisé ce périple bulgare. Pour moi, c'était surtout un travail de cadrage et de montage. J'ai essayé de définir et d'appliquer de manière cohérente un concept visuel propre à cet album. Pour l’étalonnage, les clips baignent toujours au sein d’une ambiance très sombre. Il y a un côté très bleu nuit, ‘dark blue’, mais également une pointe de flamboyance. Suivant les couleurs ou la lumière utilisée. Ou tout simplement selon le jeu des personnages ou les effets.
Il est intéressant de retrouver cette dualité, que je qualifierais d'alchimique. On part d'une ambiance très 'dark', mais on assiste à un mouvement qui se dirige vers quelque chose de lumineux, comme si c'était un voyage initiatique. On rencontre ce phénomène au sein d’énormément de projets artistiques depuis cinq ou six ans. C'est vraiment une tendance lourde, dans ce milieu.
MT : Je pense aussi personnellement que les groupes qui ne s’enfoncent que dans le 'dark' commencent tout doucement à m'ennuyer. Il faut qu'il y ait un truc en plus. Sinon, cette démarche devient trop répétitive et finit par lasser.
Elle devrait correspondre à un processus de maturation, d'éveil, un peu comme un passage de l'adolescence, de la destruction à un moment où on construit quelque chose.
MT : C'est aussi ça qui fait la force de Thot. Comme tu le disais, il est difficile de mettre le projet dans une case et c'est ce qui en fait sa beauté.
Quid de la pochette et de l’artwork ?
MT : L'artwork a été 'commis' par David Crunelle, un artiste collagiste bruxellois. Il est très minutieux, voire obsessionnel. Il réalise des œuvres de grande taille, créées à partir de tout petits éléments. Et dans cet artwork, une composante graphique a acquis un rôle central car on l'a utilisée pour la décliner en cartes dans les clips vidéo. On s’en est servi un peu comme une rose des vents. Cet aspect cartographique peut aussi ramener à une forme de chamanisme, d'alchimie. C'est une combinaison entre des éléments numériques et des collages, qui permettent d'introduire une dimension plus organique.
En parlant d'organique, on pourrait se référer au monde végétal, qui est omniprésent chez Thot. Un côté tellurique...
GF : C'est intéressant d’entendre le terme ‘tellurique’, parce lors d’une interview, accordée il y a quelques jours, on m'a signalé que Thot avait quelque chose de ‘minéral’…
C'est quasi un synonyme.
GF : Mais ce que j'ai vu dans les artworks de David Crunelle, c'est quelque chose de plus céleste, de stellaire. Pendant l’écriture de “Delta”, j'ai lu énormément de livres qui traitaient d'astrophysique, de la question du temps et de l'espace, etc. Et quand j'ai vu les œuvres de David Crunelle, j’ai compris qu’il s’agissait de l'univers qui se déploie. Dans ses couleurs et ses formes.
Et, en même temps, il existe un rapport quantique entre l'infiniment grand et l'infiniment petit…
GF : Oui, voilà. Effectivement.
Quels sont vos nouveaux projets ? Une tournée est-elle en voie de concrétisation ?
GF : La release party de l'album se déroulera le 13 juin, au Botanique. Sinon, on se produit le 1ᵉʳ juin au Salon à Silly. Et puis, on est programmé aux festivals ArcTanGent à Bristol le 17 août, puis au festival de Pelagic Records...
… Qui est votre label ?
GF : Oui, qui est notre label. Donc ce sera à Maastricht, le 24 août. Et on attend la confirmation pour d'autres dates.
Pour terminer, je vous ai demandé de sélectionner deux ou trois morceaux qui n’appartiennent pas à la discographie de Thot.
GF : Le premier choisi, c'est évidemment un morceau du Mystère des voix bulgares qui s'intitule “Mome Malenko”. C'est la première plage de leur dernier album, “BooCheeMish”, auquel Lisa Gerrard, de Dead Can Dance, a participé. Et comme deuxième titre, “Justice” du groupe RIVE, un groupe belge que j'apprécie beaucoup. J'aime beaucoup les textes de Juliette, qui n'est pas notre Juliette à nous. Ils m'ont beaucoup nourri lorsque je me suis mis à écrire des textes en français.
En effet, c'est la première fois que tu écris des paroles en français.
GF : J'avais rédigé quelques lignes en français sur “Rhône”, un morceau qui figure sur l'album “Fleuve”. Le français est présent sur de nombreux titres, tout au long de “Delta”, en symbiose avec l'anglais.
Et enfin, la sélection de Michael.
MT : J’ai choisi “Ungod” de la formation Stabbing Westward. C’est le titre éponyme. C'est une fresque sonore, 'indus', sombre, ‘électronisante’ qui, je pense, est assez proche de la musique de Thot, en tout cas dans l'idée du voyage...
GF : C'est marrant que tu choisisses ce morceau et ce groupe. C'est une référence qui est souvent mentionnée dans les chroniques des albums de Thot.
Merci !
GF : Merci à toi, Phil.
Pour écouter et commander “Delta”, c'est ici
Pour voir et écouter les dernières vidéos de Thot
- “Céphéide” https://www.youtube.com/watch?v=X-zxsYaWyH8
- “Hüzün” https://www.youtube.com/watch?v=xNZQNKp4G5w
- “Supercluster” https://www.youtube.com/watch?v=b-b9Q3TZHLk
« Codes » constitue le premier elpee solo d'Anja Huwe, l'ancienne chanteuse de Xmal Deutschland, un groupe post-punk/gothique qui a sévi au cours des eighties.
Après quatre albums, Anja avait abandonné la musique, pour poursuivre une carrière dans les arts visuels.
Pendant la pandémie, sous l’impulsion de son amie de longue date Mona Mur – chanteuse, autrice-compositrice et leadeuse du projet Mona Mur & die Mieter (NDR : un autre band allemand qui a sévi au cours des 80’s), elle décide de revenir à la musique. Ensemble, elles travaillent pendant un an et demi, composant, interprétant et produisant les morceaux qui allaient devenir l’album « Codes ». Lors des sessions, elles ont reçu le concours de l’ex-guitariste de Xmal Deutscland, Manuela Rickers, dont on reconnaît parfaitement les sonorités caractéristiques.
Le long playing été mixé et masterisé par Jon Caffery qui, dans le passé, a bossé pour des formations comme Joy Division, Gary Numan et Einstürzende Neubauten.
Outre l’injection de sonorités électroniques dispensées par Mona Mur (le downtempo « Exit » imprimé sur un tempo tribal, le synth pop « O Wald », l’electronica « Sleep With One Eye Open »), cet opus épique, claustrophobe et parfois agressif, rappelle très souvent le post-punk gothique de Xmal Deutschland. A l’instar du frénétique et hypnotique « Rabenschwarz ». Mais cet LP s’aventure également dans le cabaret (« Skuggornas ») et le glam (« Pariah »).
Enfin, les textes traite de l'expérience humaine face aux extrêmes, un thème inspiré par le journal d'un partisan juif qui a vécu dans les forêts de la Russie blanche pendant la Seconde Guerre mondiale.
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