Chevauche ton fier destrier, Ô abscons rebus de l’univers ! Que valsent les variations allotropiques réglées au dixième de seconde sur l’horloge de nos vies flétries.

Reprenez donc une de ces petites pilules colorées.

Non, pas celle là, plutôt celle-ci.

Oups ! Trop tard.

The Growlers s’invite dans les esprits irrigués par le flux morose de l’univers et réinvente les golden sixties pour les régurgiter dans un panache de couleurs.

Fenêtre ouverte sur une quelconque planète baignée d’une aura rosâtre, soleils déclinants sur de bleutées collines aux contours érodés par les vents de l’espace et les soupirs du temps qui passe.

Tel un organe expulsant une longue complainte psychotrope, « Hung At Heart » prend possession de nos sens par des chemins biaisés.

A l’image de la pochette, cette solution sonore ressemble fort, au premier plan, à un fameux bric-à-brac.

Et dans ce bordel, il y a fort à parier qu’il y ait à boire et à fumer.

Quinze titres, dont certains au sens plus qu’incertain (« Salt On A Slug », « Use Me For Your Eggs ») qui redessinent les contours psychédéliques de ce groupe de surfeurs signant ici leur troisième essai.

Le plus abouti, le plus riche aussi.

Sorte de trip à demi-éveillé qui voit s’entrechoquer les petites cuillères flottantes du film Drugstore Cowboy dans la caboche du chat du Cheshire, debout sur une planche flottante, trois pieds (ou trois pattes) au dessus d’une vague de coulis sucré multicolore : cet album régit à sa manière le genre évoqué.

C’est complètement allumé, génialement foutraque et pourtant diablement accrocheur.

Les mélodies adhèrent aux parois cérébrales du subconscient, le tremolo fait mouche, l’écho renvoie dans l’un de ces tubes aqueux s’échouant sur une plage de Californie, et on se sent bien. On se surprend un sourire béat figé au dessous du nez. Les globes oculaires roulant sur des pentes extatiques.

Tout a l’air si simple…

Mais qu’on ne s’y trompe ! Derrière cette aura pailletée se trame une mélancolie qui sans raviver un sentiment de tristesse ou de nostalgie, rappelle néanmoins qu’ici, tout n’est pas rose bonbon.

Donc, point de mièvrerie. Plutôt un carrousel d’images tendres et drôles qui dans la vitesse du mouvement se marient avec bonheur.

On se réveille groggy, la chemise hors du slip, mâchouillant une sandale ou faisant des papouilles au lapin angora.

Et même dans les rares moments de faiblesse, The Growlers nous tient par la main et nous propulse au-delà de l’arc en ciel.

Délesté de toute inutile sensation.

Un jeu kaléidoscopique dans l’optique tronquée d’un prisme scintillant.

Prenez ! C’est de la bonne !

En concert ce vendredi 12 avril chez Madame Moustache (Bruxelles) et le lendemain au Trix (Anvers).

Jeff Healey était un remarquable guitariste canadien de blues, rock et jazz. Il vivait à Toronto. Il avait perdu l’usage de la vue, alors qu'il n'avait qu'un an! Il est décédé en 2008, à près de 42 ans. Mi-80’s, il fonde son Jeff Healey Band, en compagnie d’une section rythmique qui lui restera fidèle jusqu'au bout : le bassiste Joe Rockman et le drummer Tom Stephen. Son premier album, étrangement intitulé "See the light", paraît en 1988.

Ce coffret réunit trois CDs, immortalisés ‘live’, en Allemagne, mais accordés à autant d’endroits différents. Un premier pour l’émission Ohne Filter Extra en mai 1989, le second pour Extraspät, en avril 1995 et le dernier à nouveau pour Ohne Filter Extra, en octobre 2000. Un répertoire souvent semblable mais dispensé à quelques années d'intervalle. Ce qui explique son intérêt!

En 1989, il se produit en formule trio. Le premier elpee était paru peu de temps auparavant. Six titres en sont extraits. La plaque s’ouvre par "I'm tore down", un classique de Freddie King. Jeff démontre déjà tout l'étendue de son talent sur ce blues imprimé sur tempo très enlevé. Son approche personnelle des compositions de John Hiatt, "Confidence man" et surtout le sensible "Angel eyes", est étonnante. Il reprend à sa sauce le "When the night comes falling from the sky" de Dylan avant de se calmer pour aborder "River of no return", une plage issue de la plume de Jon et Sally Tiven. Et la guitare s’y autorise quelques dérapages savamment contrôlés. Le "Roadhouse blues" des Doors est rendu à la manière… des Doors. Il termine ce premier chapitre, par "See the light", se permettant même des exercices de style inspirés par Hendrix.

Nous sommes en 1995. Au cours de cette année, il avait gravé "Cover to cover", un long playing consacré à des reprises. Sept pistes figurent au répertoire du concert. Pour la circonstance, il avait recruté un second gratteur : Pat Thrall, un ancien acolyte de Johnny Winter, de James Cotton et du Downchild Blues Band! Parmi les meilleurs moments de ce compact disc, on épinglera le délicieux "Stop breaking down" de Robert Johnson, le blues lent "As the years go passing by", une superbe version, empreinte de sensibilité, le "Yer blues" de John Lennon, caractérisé par ses riffs lourds et ses changements de tempo, mais surtout ses interventions de slide acharnées, infernales. Le "Roadhouse blues" s’étale sur près de 10', alors que la cover du "While my guitar gently weeps" de George Harrison est fantastique…

Fin 2000, il se produit à nouveau sous la forme d’un quatuor. Comme deuxième guitariste, il a choisi le prometteur Philip Sayce, alors sixcordiste pour la chanteuse américaine Melissa Etheridge (NDR : depuis, il a embrassé une carrière en solitaire). Jeff venait de publier "Get me some". Trois morceaux y sont puisés. Soit "Which one", le captivant "Love is the answer" (Neil Young?) et le brillant "Feel better". La voix de Healey est plus éraillée. L'accumulation des tournées explique sans doute ce phénomène. Sa guitare est plus bavarde mais toujours aussi experte. Il restitue toute l’intensité dramatique du célèbre blues lent "How blue can you get", un titre issu du répertoire de BB King. Sayce se réserve le micro tout au long du "Put the shoe on the other foot" d'Albert Collins, un blues lent de bonne facture, qui passe ensuite en mode funky. La troisième mouture d’"Angel eyes" est la meilleure.

Un bel hommage à la mémoire de feu cet artiste attachant! 

Will Johnson est toujours aussi prolifique. Leader de Centro-Matic et de South San Gabriel, ce chanteur/compositeur/multi-instrumentiste (NDR : et peintre, par ailleurs) milite également chez Monsters of Folk, New Multitudes et Overseas. A une certaine époque, il a sévi au sein de l’Undertow Orchestra tout comme David Bazan, Mark Eitzel et le regretté Vic Chesnutt. Sans oublier ses projets parallèles, dont un duo échangé avec feu (décidément !) Jason Molina, en 2009, et en compagnie de Jay Farrar, Anders Parker et Yim Yames, pour concocter l’album « New Multitudes », l’an dernier… En outre, il lui arrive également de publier des disques en solitaire. Son dernier opus solo, « Survey/Voyage », remontait quand même à 2005.

Peu de monde pour le soutenir sur « Scorpion ». Il y a bien l’ex-Shearwater Howard Draper aux claviers, Scott Danbon (Centro-Matic) au violon et un préposé à la scie musicale ; sans oublier le fidèle Matt Pence au mixing. Mais pour le reste, Will se réserve le reste de l’instrumentation. Qu’on pourrait qualifier de dépouillée, de minimaliste ou de lo-fi. A vous de choisir !

Découpé en 10 plages, cet elpee baigne dans un climat crépusculaire, douloureux, mélancolique et reflète sans doute de la solitude vécue par l’artiste. On pense à Mark Linkous (NDR : oui, je sais, il a aussi retourné sa brouette…), Richard Buckner et même à Mark Eitzel (« Winter screen four »). Mais il y a comme une forme d’esthétisme et de charme dans ce déversement de spleen. Les lyrics sont le plus souvent chuchotés. Les chœurs furtifs ou angéliques. La voix est souvent overdubbée. Un peu de guitare électrique quand même (NDR : en particulier sur « It goes away so fast »), mais en général c’est la guitare acoustique (parfois électrifiée) qui domine le sujet. Et dont les cordes peuvent même parfois être volontairement désaccordées pour accentuer le sentiment de souffrance. A l’instar de « Bloodkin push (forget the ones) ». Mais également de « Riding from within ». Et pas seulement la sèche, puisque banjo et violon épousent un même profil discordant, une plage dont les vaguelettes sonores semblent poussées par une houle indolente… Ou évoluer sous la forme d’arpèges comme sur le titre maître, bercé par une jolie mélodie. Enfin, les deux pistes qui achèvent l’elpee sont sans soute les plus sinistres. Malgré son sifflotement cinématique (Ennio Morricone ?), « Truss of Ten évolue sur une tempo monocorde, presque spectral, marqué par un martèlement de tambour sépulcral. Et puis, « Vehicular and true », un titre aride, ponctué de quelques gouttelettes de piano sonore. Un titre instrumental : « Rosanky ». Une compo qui diffère de l’ensemble. Plus americana. Plus sauvage, rythmée et désincarnée, aussi. Mais c’est l’exception qui confirme la règle. N’empêche, cette œuvre est à la fois belle et déchirante. Mais je vous la déconseille si vous êtes dans le trou (NDR : enfin, pas comme Molina, Chesnutt ou Linkous, quand même…)

Elle est jeune, compose et chante tant le blues que la soul. Deb Landolt est issue d'El Paso, au Texas, tout près de la frontière mexicaine. Elle vit cependant aujourd’hui à Colombus, dans l'Ohio où elle drive son groupe, les Drifter Kings. La formation avait gravé un premier elpee, intitulé "Diamonds on the desert floor", en 2011. Un disque qui n’était pas passé inaperçu à l'International Blues Challenge de Memphis. Le line up de Drifter Kings réunit John Popovich (du Sean Carney Band) aux claviers, Sean en personne aux cordes, Melvin Powe à la basse et Jan Roll à la batterie. De nombreux amis sont venus apporter leur concours, lors des sessions d’enregistrement, qui se sont déroulées au studio Cadiz, dans l’Ohio.

"What would a good woman do" ouvre l’elpee. La voix de Deb colle parfaitement à ce titre de southern soul. Elle est soutenue par Philip Pemberton, préposé actuel au micro, chez Roomful of Blues. Et est enrobée de chœurs sur "Hush your mouth", une ballade bien funky. Le tempo s'accélère et emprunte celui du chemin de fer imprimé par Jan Roll. Un country blues parcouru par la slide de son ami californien, Colin John. Une intervention judicieuse, face à l’orgue de Popovich. "Let's get lost" est une tendre ballade trempée dans la soul. La voix de Deb est très expressive. John double à l'orgue et au piano électrique. "The last time" est un excellent soul blues. San Carney (NDR : un remarquable gratteur établit à Colombus) met le nez à la fenêtre. Son doigté est empreint d’une grande délicatesse. Ce qui n’est guère une surprise. Deb chante passionnément, tout en en gardant sous la pédale, "Coa breeze", une plage soul imprimée sur un mid tempo. Blues funky, "Married to the blues" bénéficie de la participation de trois guitaristes invités pour la circonstance. Jimmy Thackery (ex-Nighthawks), Matt O'Ree (il est issu du New Jersey) et Bart Walker (lui, de Nashville) se relaient. De son timbre de baryton, Big Lou prêche à l'avant-plan. Slow blues de toute bonne facture, "Finally forgot your name" est enrichi par la présence des cuivres du Roomful of Blues. Compo très mélodieuse, "Raise your hands" passe bien la rampe. Tout est parfaitement en place. Depuis le chant à l’orgue, en passant par les chœurs et la six cordes de Brent Pennell. Gospel blues, "To find his home" est une compo chargée d’émotion. Face au piano de Popovich, les cordes acoustiques et les nombreuses voix, notamment celles de Jim Pemberton et Shaun Booker, s’emboîtent impeccablement. Le long playing recèle deux reprises en fin de parcours. Tout d’abord le "Muddy Jesus" du Texan Ian Moore. La coloration de la piste est davantage blues rock. A cause des cordes. Que se réservent les Floridiens JP Soars (leader des Red Hots) et Damon Fowler. Et enfin, le "New coat of paint" de Tom Waits, une piste intimiste, dépouillée, limitée aux vocaux et aux ivoires…

Tom Morgan nous livre une très belle surprise ; un deuxième album qu’il a intitulé joliment « Orange Seringue ». Soulignons, au passage, l’élégant artwork qui habille la plaquette (Orange dominant, évidemment !)

Souvent resté dans l’ombre, Tom Morgan n’en est pas moins un compositeur et un songwriter de talent. Ancien frontman du groupe indie pop Smudge, le musicien australien a été surtout reconnu pour l’intelligence de ses textes et la qualité d’écriture qui ont largement contribué au succès du célèbre groupe power pop de Boston : The Lemonheads. Une coopération auprès d’Evan Dando particulièrement fructueuses sur les excellents « It's a Shame About Ray » et « Come On Feel the Lemonheads ». L’auteur-compositeur-interprète australien est aussi responsable de nombreuses collaborations. Apportées notamment à Sneeze, The Givegoods, Godstar, Tofu Kok et Bambino Koresh.

Ce touche-à-tout multiplie les genres musicaux et, paradoxalement, au terme de ce périple sonore, il s’engouffre au sein d’un album pop-folk plutôt conventionnel. Un dix titres dont la qualité repose principalement sur le songwriting et la voix agréablement rocailleuse du chanteur. Un opus alternant pop et folk, guitares acoustiques et électriques, véhiculant des paroles fortes. Des paroles sombres et mélancoliques à la conduite pop.

L’œuvre s’ouvre sur « One True Love », une ballade noire où la mort et la possession d’un amant sont livrés avec un sac en plastique pour l’asphyxie. Une vision troublante, peut-être lucide, de l’amour ! L’artiste de 43 ans use de son expérience pour moduler les genres et les sons sur le carillonnant « Best Thing For Baby », une plage trempée dans l’alt-country rock, profite de « Taste For Blood » pour revêtir les habits de Lou Reed et nous gifler d’une pop excitée aux riffs agités. Influences qu’il utilise aussi sur la mélodie adroite de « Father Land » aux couleurs prononcées des Lemonheads. Une vague électrique qui retombe sagement sur le folk acoustique plus tendre de « Mess With The Bull » et « Final Final The One The One », en fermeture d’album. 

Un deuxième long playing sans grande prise de risque dont les mélodies risquent de toucher un large public. 

Il n’a fallu qu’un an à Palma Violets (formé en 2011) pour contaminer le public et la presse de son virus punk-rock garage aux touches psychédéliques. Inconnu il y encore six mois, invisible et inaudible sur Internet, le quatuor londonien explose radicalement et devient très vite l’une des révélations britanniques de 2013 (une nomination aux BBC Awards dans la catégorie meilleur son, deux victoires aux NME Awards dans la catégorie meilleur nouveau groupe et meilleur morceau, « Best of Friends » ; le tout en 2013). Une presse dithyrambique qui le compare déjà à des groupes tels que les Clash, les Libertines ou encore WU LYF. Il suffit d’observer la pochette du disque pour vite se faire une idée des influences punk-rock des quatre ‘branchouillards’ de Big Smoke.

Les débuts de « Palma Violets » suggèrent un potentiel indéniable qui devrait leur assurer un avenir brillant. Un groupe qui ne se noie pas dans la masse des révélations éphémères venues d’Angleterre et qui disparaissent l’instant d’un album.

A l’instar des Libertines, il signe un elpee impétueux doté d’une puissance de choc précoce, non dénué pourtant de grandes mélodies. Ultra-performant sur scène, le quatuor déglingué sera d’ailleurs très vite remarqué par l’écurie Rough Trade.

Cependant, « 180 » présente également un tout autre visage, livrant des mélodies moins spontanées et plus structurées. Une maturité apportée par le producteur Steve Mackey (Pulp), privilégiant l’accessibilité plutôt que l’authenticité brute et délabrée du live qui fait le charme de cette jeune formation. Les deux rives sauvages qui bordent le même fleuve de l’amont à l’aval. Une schizophrénie musicale qui, dans les deux cas, reste de bonne facture.

Car, malgré une production soignée, Steve Mackey est parvenu à préserver l’âme du band et réussit à garder des sons passablement bruts, non raffinés sur l’énervé « Johnny Bagga’ Donuts ». Ici, tout baigne comme dans un bon concert. Les morceaux ne sont pas lisses. Ils présentent d’ingénieuses imperfections sonores (grain grossier, réverb cradingue…) qui donnent plus de profondeur aux titres enluminés du timbre de voix rageur du chanteur (voix souvent comparée à celle de Joe Strummer). Cette plaquette préserve des titres aux paroles simples, courtes et efficaces, taillées dans le roc, conférant aux refrains puissance et charme qui enivre. Le single monstrueux « Best Of Friends », en ouverture, incarne un gothique tourbillonnant, un psych-garage festif aux accents punks donnant la tonalité générale d’un disque qui montre peu de faiblesses.

Hormis le rock standard peu original de « Rattlesnake Highway » et le manque de rigueur de « We Found Love », Palma violets présente un premier album d’une rare qualité. 

Démontrant une inventivité d’une telle teneur et par ailleurs si constante, les quatre jeunes Londoniens viennent de poser les solides fondations d’une carrière qui devrait traverser le temps.