How To Detroy Angels, le groupe formé par Trent Reznor et son épouse, vient de publier une nouvelle vidéo intitulée « The Loop Closes ». Ce titre figure sur l’Ep « An Omen », un disque sorti en novembre dernier ainsi que sur le prochain album « Welcome to Oblivion », dont la sortie est prévue pour le 4 mars prochain.
La formation belge Marble Sounds publiera son second opus, le 25 mars prochain. En attendant si vous souhaitez découvrir leur pop mélancolique à travers « Dear Me’, Look Up », immortalisé lors de la release party de cet album, le 5 avril, au Trix à Anvers, c’est ici
Tracklisting
1. The Summer Of The Sun
2. No One Ever Gave Us The Right
3. Ship In The Sand
4. Dance Clarence Dance
5. The Silent Song
6. The Little Lows
7. Photographs
8. Leave A Light On
9. Never Lost, Never Won
10. Evenings
Angus Andrew, Julian Gross et Aaron Hemphill ont publié une nouvelle vidéo issue de leur dernier album ‘WIXIW’. Réalisée par ALEX/2TONE de What You Steal, elle est décrite par Angus Andrew …comme un match de basketball interminable magnifiquement filmé en noir et blanc…
Découvrez l’interview avec ALEX/2TONE, que LIARS a présenté comme rédacteur invité au Dazed Digital - http://bit.ly/14tFlFL
www.facebook.com/LiarsOfficial/
Mute et Spoon ont annoncé la sortie du projet Cyclopean, fruit de la collaboration entre Burnt Friedman, Jono Podmore et les musiciens fondateurs du groupe Can, Jaki Liebezeit et Irmin Schmidt.
Réunissant 4 titres, l’Ep est disponible en digital et en vinyle depuis le 4 février.
Il est également en écoute intégrale sur le site de The Drone.
http://www.the-drone.com/magazine/cyclopean-ep
Gérald Genty a publié son nouvel album, « Manège Eternel », le 11 février dernier. Pour fêter cet événement, le Français a lancé un concours qui permet de gagner une tablette numérique. Il ne vous reste alors plus qu’à participer en réalisant la vidéo de la chanson la plus courte au monde…
http://www.30fevrier.be/legentyconcours
Depuis septembre dernier Calexico est sur les routes. Un interminable périple qui verra le groupe participer aux prochains festivals d’été. Et notamment dans le cadre du Couleur Café ainsi que du Cactus de Bruges. En septembre dernier, votre serviteur avait assisté à leur set, accordé à l’AB de Bruxelles. Un bon petit concert qui avait eu un petit retard à l’allumage, pour finalement s’embraser en fin de parcours. Ce dimanche 24 février, l’Aéronef est bien garni. Faut dire qu’en première partie, il y a The Dodos. Et puis, bonne initiative, le premier concert est prévu vers 18h30, ce qui permettra aux mélomanes de rentrer plus tôt à la maison.
The Dodos, c’est la troisième fois que j’assiste à une de leurs prestations. La première, c’était au Vk* de Bruxelles, en décembre 2008. Un concert épatant, explosif même, dynamisé par le percussionniste/vibraphoniste Joe Haener. La seconde, à la Rotonde du Botanique. Keaton Snyder avait pris la place de vibraphoniste, apportant davantage de subtilité aux compos, au détriment de l’énergie pure, même si la prestation demeurait de bonne facture. Mais, mauvaise surprise, le line up ne compte aujourd’hui plus de troisième larron. Il se résume au drummer Logan Kroeber et au chanteur/guitariste Meric Long. Meric va surtout privilégier l’électricité. Il se déchaîne toujours autant sur ses grattes. Heureusement, ses interventions vocales sont bien claires. Et le sens mélodique impeccable. Derrière sa belle panoplie de fûts et de cymbales, Logan se sent comme un poisson dans l’eau. Mais il joue davantage sur sa technique que sa passion. Néanmoins, en une demi-heure, The Dodos va nous accorder un set bien ficelé, et surtout parvenir à chauffer la salle pour la tête d’affiche. Ce qui n’est déjà pas si mal…
Calexico monte sur l’estrade. Première constatation, Paul Niehaus, le préposé à la pedal steel est de retour. En fait, il reprend tout simplement sa place. Dès les premiers accords, on sent que le groupe est déterminé à mettre le feu. La setlist est bien mieux équilibrée qu’à l’AB ; les titres les plus mélancoliques du dernier opus, « Algiers », ne sont plus concentrés en début de parcours. Et puis, Paul leur apporte une coloration beaucoup plus americana. Sur son instrument, c’est un véritable virtuose, qui ne dispense ses notes que parcimonieusement mais judicieusement. Evidemment ce sont les titres les plus mariachi qui soulèvent l’enthousiasme du public (« Roka », « Para », l’instrumental « Minas de cobre », le paso doble « No te vayas or inspiracion »). La foule vibre lorsque Martin Vlek et Jacob Valenzuela soufflent dans leurs cuivres. Et lorsqu’ils ne jouent pas de la trompette, le duo secoue ses maracas ou double au vibraphone. Jacob se réserve également, l’une ou l’autre fois le chant, en espagnol. Et il sait mettre l’ambiance. Derrière ses claviers, Sergio Mendoza, colore le tout de tonalités cubaines. A droite de l’estrade, John Convertino caresse, brosse ou imprime le tempo, suivant la nature des compos. Et la basse ou la contrebasse (qu’il joue parfois à l’aide d’un archet comme sur un violoncelle) de Chris Giambelluca pulse le tout. A charge de Joey Burns, de diriger les débats, de sa guitare rythmique, acoustique ou électrique, mais surtout de sa superbe voix. Les morceaux sont parfois visionnaires, cinématiques même (Enio Morricone ?) Sergio ou Martin troquent circonstanciellement leur instrument contre l’accordéon. « Not even Stevie Nicks » (NDR: une chanson qui évoque un suicide, que même Stevie Nicks –la chanteuse de Fleetwood Mac– dont un titre passe à la radio, ne peut éviter…) vire au « Love will tear as apart again » de Joy Division (NDR : et là, on ne change pas trop de sujet…) Trois guitares électrisent « Maybe on Monday or man made lake ». La reprise du « Alone against or » de Love n’a pas été oubliée. Et elle est superbe. Le set d’achève par l’allègre « Puerte ». Acclamations nourries.
Une valse, « Sunken waltz » amorce le rappel. Le très cuivré et latino classique « Crystal frontier » embraie. Et puis soudain, surprise, le duo The Dodos est invité à monter sur les planches. A cet instant, il y a quatre grattes. Meric et Joey se partagent les vocaux pour une version époustouflante du « Little Black Egg » des Night Crawlers, une obscure formation étasunienne garage, de la mi-sixties. Leurs voix se conjuguent à merveille. Tintinnabulantes, cristallines, les guitares carillonnent comme à la plus belle époque des Byrds. Un grand moment ! Et l’auditoire est aux anges ! Le duo est toujours présent, mais prend du recul pour participer au festif « Guero canelo ». Et Calexico de revenir une second fois pour interpréter le plus pop « The Vanishing mind ». Enorme clameur, suivie d’un salut collectif des musicos, apparemment ravi de l’accueil qui lui a été réservé, dans une salle pourtant réputée assez froide. Et ce sont des étoiles plein les yeux et des larges sourires jusqu’aux oreilles, que les mélomanes ont regagné leurs pénates…
(Organisation Aéronef)
Setlist
Epic
Across the wire
Splitter
Roka
Dead Moon
Para
Hush
Mimas de Cobre
Not even Stevie Nicks
No te vayas or inspiracion
Fortune teller
Maybe on Monday or man made lake
Corona
All systems red
Alone again or
Puerto
Sunken waltz
Crystal frontier
Little black egg
Guero Canelo
The Vanishing mind
(Voir aussi notre section photos ici)
Scorpion Violente, c'est un groupe issu de Metz, qui pratique une musique trance-disco-psyché-indus complètement hypnotique et hallucinante. La formation a littéralement explosé le Café Central à Bruxelles lors de la release party de son dernier Ep, ‘The Rapist’, le 15 février dernier. Nous avons profité de l'occasion pour discuter avec la bête à deux têtes....
Il y a d'abord ce nom, 'Scorpion Violente', très intriguant: "Il s’inspire des films policiers de série B italiens", raconte Thomas Violente. "Particulièrement d'un long métrage qui s'intitule 'Rome Violente'. On a donc pensé à 'Scorpion Violent', mais c'était plus marrant en y commettant une faute d'orthographe. Elle crée une tension, un déséquilibre." Et cette tension et ce déséquilibre, on les retrouve dans le son, à cause du clash permanent entre une rythmique minimale obsédante, des synthés indus lancinants et des rares voix délayées dans des réverbs et delays ; le tout baignant dans une atmosphère glauque, crade, très sexuelle. Les références mises en avant sont bien sûr Suicide, D.A.F. mais aussi Throbbing Gristle. "Oui, Throbbing Gristle, je suis tombé dedans à pieds joints", précise Thomas. "Je n'ai écouté qu’eux pendant deux ou trois ans. Dans l'ensemble, on aime surtout les musiques des années 60, 70, jusque 80. Après, on ne connaît pas trop. On ne s’intéresse pas aux productions actuelles." Pour Scott Scorpion, "c'est surtout Suicide : je suis un grand fan. Et puis les groupes krautrock comme Can ou Neu!"
Sur scène, le projet est minimal sous tous ses aspects. Il y a très peu de matériel. Juste un vieux Korg Poly61 pour les basses, un Caravan R6, un vieil orgue italien des années 70, pour les nappes et les lignes mélodiques façon scie sauteuse ; et, enfin, une boîte à rythmes Yamaha RX11. Sans oublier les effets vintage comme les réverbs à ressorts ou les sound stretchers paramétriques. "Au niveau du jeu, l'idée était de n'utiliser que 4 doigts au total (2 x 2) pour jouer. Et le côté minimal, on l'applique aussi aux moyens : pas de voiture, les déplacements sont effectués en train, on aime le côté 'à l'arrache' de ce genre d'organisations", rappelle Scott, en affichant un sourire carnassier.
Mais si les moyens sont 'minimaux', le résultat est, lui, sans limite. Ces sonorités obsédantes s'insinuent de façon très insidieuse dans votre esprit et provoquent une sorte de transe. "On aime bien le côté psyché, voire psychobilly. On reprend d'ailleurs ‘Strychnine’ des Sonics. Tout est mélangé à une musique plus froide. Principalement instrumentale... sur des morceaux de 5 à 6 minutes..." Leur tout dernier titre-phare, ‘The Rapist’, s'étale, lui, sur plus de 10 minutes, et son adaptation ‘live’ a clairement été un des tout grands moments du concert, au Café Central.
Au niveau des ambiances, vu la région d'origine du duo, on identifie bien sûr un côté postindustriel. Mais aussi une dimension sensuelle très marquée. On se croirait dans une boîte SM... "C'est vrai, il y a un côté sexe dans notre musique, mais c'est plus du désir que du sexe consommé", corrige Scott. "Comme si tu avais quelqu'un qui transpire un peu, son odeur t'attire mais il n’est pas sûr que tu rentres avec elle (ou lui) le soir. Et en plus, on vient de Metz, une ancienne région minière. C'est un peu comme à Bruxelles : le temps est gris 200 jours par an ; donc l’ambiance est particulière".
Leur musique affiche une forme très trance, très dansante. Au concert, nous avons été très étonnés par la moyenne d'âge des fans, qui oscille autour des 20 ans. Ce sont des jeunes qui viennent d'un univers techno, electro, absolument pas goth ni dark. "En fait, on est vraiment le cul entre plusieurs chaises, placé entre différents styles musicaux... Au début, c'était en effet orienté 'dark', mais maintenant on a un pied dans plusieurs zones. Pour moi, en montant Sorpion Violente, je voulais couper avec une scène expérimentale où je commençais vraiment à m'emmerder. Je voulais créer une musique que j'ai envie d'écouter, qui m'éclate la gueule... Donc forcément, il y a cet aspect dansant, viscéral, body : c'est délibéré. C'est pour se faire plaisir. C'est la musique que je souhaitais entendre dans un club."
Les albums de la formation sont publiés exclusivement en format vinyle: "On aime les vinyles pour le son, mais surtout pour l'esthétique des pochettes, qui claquent quand même beaucoup plus en format 33 tours qu'en Cd." Comme le nom du groupe, les graphismes se réfèrent également aux films vintage de série B. "Sur le premier maxi, la photo est de Maurizio Merli, le comédien qui joue dans 'Rome Violente'...", précise Thomas. "C'est un flic à la Dirty Harry, un 'Justicier Dans La Ville', mais sans le côté moralisateur... On a trippé grave sur ce film et on a déniché cette image, où Merli a un putain de look... Pour ‘The Rapist’, on a repéré le cliché par hasard. On cherchait des illustrations sur internet en utilisant des mots-clés comme viol, etc. et je suis tombé sur un film japonais très sérieux et cette photo d'un japonais très malsain et ses fleurs… On en a conclu qu’elle collait bien avec le titre."
Le dernier Ep est d'ailleurs déjà complètement épuisé, quelques semaines à peine après son lancement. Le label, Teenage Menopause, se démène pour faire connaître la formation en Europe et même sur les autres continents. Jusqu’à présent, leurs tournées ont couvert la France, la Belgique, l'Allemagne, l'Espagne et bien sûr l'Italie... 'Rome Violente', joué en Italie, c'était en somme logique! Au chapitre des projets, Scorpion Violente participe à l'album d'hommage à Snowy Red que prépare le nouveau label Weyrd Son. Une compilation où une quinzaine de formations alternatives européennes et américaines reprennent des titres de ce génie belge de la new-wave et de la new beat, malheureusement disparu trop tôt, en 2009. "On reprend ‘Euroshima (War Dance)’, se réjouit Scott. "C’est une copine qui m’a permis de découvrir ce titre, il y a deux ou trois ans. Il est excellent. Puis j'ai approfondi le reste. Quand on nous a proposé de réaliser une reprise pour le 'Tribute', on a tout de suite accepté et on a vite imaginé une manière d'adapter le morceau à notre son, sans le dénaturer… Il y a des points communs clairs entre Snowy Red et nous, notamment ce côté répétitif et hypnotique. On est resté assez fidèle à l'original. Le son est un peu crade. On a utilisé un 4 pistes pour obtenir ce résultat... Ca va le faire, je pense..."
Ensuite, Scorpion Violente a l'intention de graver des nouveaux titres sur un maxi via le label Bruit Direct et dans un avenir proche, d'enregistrer de nouveaux morceaux plus ambient en studio, à l’aide d’un matériel plus important. "Jusqu'à présent, on a toujours accompli nos projets de façon brute, dans l'urgence. Là, on va prendre le temps. Ce sera une musique pour voyager, pour faire des trips... On va se servir d’un matos qu'on ne pourra pas emmener en tournée, etc.. On va tenter ce challenge, mais ça donnera peut-être de la merde..." (rires)
Page de Scorpion Violente sur Facebook : https://www.facebook.com/pages/Scorpion-Violente/203358213043181?ref=ts&fref=ts
Né le 16 août 1944, à Herne Bay, dans le Kent, en Angleterre, Kevin Ayers est décédé ce 18 février 2013, à Montolieu, en France. Du grand ordre des excentriques anglais, auxquels appartenaient également Syd Barrett et Nick Drake, Peter Hammill est donc le dernier survivant. Non seulement Kevin Ayers était membre fondateur du mythique Soft Machine, mais il est une référence absolue dans l’univers du psychédélisme. Guitariste, bassiste et chanteur, il avait bossé notamment en compagnie de Nico, Mike Oldfield, Jon Cale, Brian Eno, sans oublier Daevid Allen et Robert Wyatt. En 1994, il avait eu la gentillesse d’accorder une interview à votre serviteur (voir ici ). Au cours des deux dernières décennies, il s’était plus ou moins retiré de la scène musicale, vivant d’abord à Ibiza avant de s’établir à Montolieu, dans le Sud de la France, où il se consacrait surtout à la sculpture. En 2007, quelques artistes contemporains qui lui vouaient une grande admiration, dont l’Ex-Gorky’s Zygotic Mynci, Euros Child, avaient réussi à le sortir de son mutisme pour enregistrer un album, « The unfairground », le premier depuis 1992 !
La sortie du nouvel opus de Depeche Mode, « Delta Machine », approche à grand pas. Pour rappel ce sera ce 26 mars. En attendant le groupe nous propose sa vidéo de « Heaven », réalisée lors d’une session live en studio ici
Esquisse a la noble ambition d’opérer la rencontre entre célèbre fest-noz breton (type de fête et de musique traditionnelle bretonne récemment entrée dans le patrimoine culturel mondial de l’Unesco) et les expérimentations sonores les plus libres… Initialement festif, le Fest-Noz vire sur « Machines Infernales », presque au jazz ! Il a fallu 2 ans au groupe français pour réaliser ce mélange de folklore celtique et de sonorités contemporaines. Les studios de Saint-Cadou, il y est retourné souvent.
Le disque est publié sur le label Armorica Records, écurie chargée de promouvoir les musiques traditionnelles. Quant à ce « Machines Infernales », il s’adresse essentiellement aux amateurs du genre, parce que trop ou trop peu celtique ou expérimental (biffer la ou les mentions inutiles)…
Conrad McDonnell et Dan Tyler se rencontrent fin des années 80 et se découvrent une passion commune pour le deejaying. Petit à petit, ils se forgent un nom dans le monde du clubbing londonien. Suite logique, leur premier maxi sort en 93 sur le label qu'ils viennent de créer U-Star. Plus tard, ils fonderont encore trois petites structures Noid, Cottage et Droid. Ils produiront également leur mélange de deep-house, dub et disco pour des maisons prestigieuses comme Nuphonic et Glasgow Underground. Ils sont aussi réputés pour leurs remixes (Dimiti from Paris, Joe Claussell, Chicken Lips, Zero7, Ivan Smagghe, Lindström, ...) Mais leur activité de dj ayant toujours été privilégiée durant ces 20 ans de carrière, leur discographie n'est finalement pas extrêmement fournie. Il y avait donc pas mal de temps que l'idée d'un album mûrissait dans les têtes des Idjut Boys. Ils avaient d'ailleurs déjà tenté l'aventure sous le patronyme de Meanderthals en 2009, un projet chil-out très réussi réalisé en compagnie de Rune Lindbaek pour le compte de Smalltown Supersound. C'est encore cet excellent label norvégien qui abrite "Cellar Door". Loin de leurs productions dancefloor, cet album majoritairement downtempo sonne assez mainstream, ne fut-ce que par la voix de Sally Rodgers (A Man Called Adam) qui évoque pas mal de divas de la dance. Les Idjut Boys ont certainement voulu toucher un large public amateur de chill-out parsemant leurs compositions atmosphériques de guitares ‘baléariques’ évoquant parfois Fleetwood Mac et de quantité d'effets de pédales légèrement psychédéliques. On retrouve aussi leur amour d'un dub relativement classique (« Le Wazuk ») et de la basse disco (« Going Down »). Mais un morceau sort véritablement du lot : l'electro-dub « One For Kenny », dont la rythmique évoque l'école viennoise des années 90 (Kruder & Dorfmeister, par exemple) pour évoluer vers des contrées nu-jazz lorsque le piano du fantastique Bugge Wesseltoft fait son apparition. Après ses très estimables collaborations en compagnie de Laurent Garnier et Henrik Schwarz, le vétéran norvégien vient encore nous démontrer tout son génie à poser ses notes bleues sur des rythmiques électroniques. Malgré ce bon moment, on a un sentiment de trop peu à la fin de « Cellar Door ». Trop propre, trop commun, ce disque manque de folie et trouvera sans doute sa meilleure place dans les bars lounge.
John F. Klaver appartient à la nouvelle génération des bluesmen hollandais. Ses maîtres répondent aux noms de Jimi Hendrix, Robben Ford et Gary Moore. Il les a donc beaucoup écoutés. Les a étudiés. Puis a énormément bossé avant de se mettre à composer. Finalement, il a monté son John F Klaver Trio, en 2007, devenu au fil du temps le John F. Klaver Band.
Son premier elpee, "Jetpepper", remonte à 2008. Il précède "Back for more", publié en 2011. Un long playing unanimement apprécié par la critique musicale, et considéré, au cours de cette année, comme le meilleur album de blues des Pays-Bas.
Pour enregistrer ce nouvel opus, John a reçu le concours de Bob Fridzema à l’orgue Hammond, d’Iris Sigtermans à la basse et d’Eric Dillisse aux drums. Il signe 9 des 12 titres.
Le titre maître ouvre la plaque. Notre quartet est immédiatement mis sur orbite. Une plage qui baigne dans un climat funk, réminiscent de l’Allman Brothers Band originel, c’est-à-dire lorsque les frères Duane et Gregg se partageaient les commandes. Shuffle brûlant, "Dust" est adossé à la section rythmique. Solide, puissante et rugueuse, la voix de John F est parfaitement soulignée par l'harmonica de Big Pete, un seigneur de la musique à bouche. Quant au gratteur, il se réserve une sortie explosive, très texane. Le tempo imprimé tout au long de "Devil woman" libère des accents jazz. Ou plus exactement swing. Fridzema tapisse le tout à l'orgue Hammond, pendant que Klaver brille de mille feux aux cordes. "Wrong over right" est balisé par un riff hypnotique. Un blues rock au cours duquel la guitare largement amplifiée se libère, grâce au jeu de pédales. "Piece of mind" lorgne à nouveau vers Gregg Allman. Un blues lent que Klaver chante impeccablement, pendant que l’orgue Hammond enduit soigneusement la toile de fond. Rob Mustert, spécialiste batave de l'orgue Hammond, apporte son concours à "Gimme summon", une plage instrumentale. John F et l’organiste s’y rencontrent au cœur du swing. Les cordes sont particulièrement inspirées voire même originales sur "Dynamite". "Moment for two" est un slow blues empreint d’une grande sensibilité, un moment propice à l'étreinte, interprété avec panache. Tout au long de cet opus, les exercices de virtuosité sont légion. A l’instar de "I told ya", caractérisé par ses échanges entre guitare et orgue ou la finale, à nouveau hantée par l’Allman Brothers. Cet elpee devrait assurer la consécration de ce musicien de talent.
KOVLO est un groupe de post-rock issu de Lugano. « Hey Mom, where's Timbuktu » constitue son troisième album. Il fait suite à « A new position for the second degree burn » (2005) et « I’m so happy on this boat » (2007) qui était produit par Rob Ellis.
La musique de ce quatuor n'a rien de bien original. On navigue dans les eaux de Mogwai, Explosions In The Sky, This Will Destroy You ou Sigur Rós pour les parties plus atmosphériques. Ouvert par des dialogues de Dennis Hopper extraits d'Apocalypse Now, le propos n'est pourtant pas très apocalyptique. Souvent moins sombre que les groupes précités, les compositions suivent les canevas d'un style qui ne se renouvelle plus depuis de nombreuses années. On retrouve donc cette succession de moments calmes et de parties plus tendues, même si celles-ci ne sont jamais d'une grande violence. Seul morceau court du disque, « Qujing » –du post-punk métallique assez efficace– constitue l’exception qui confirme la règle. L'atmosphère des autres plages pousse plus à la contemplation. Quelques notes de piano apportent un peu de lumière et de douceur. Un monde qui a en tout cas séduit le réalisateur Niccolò Castelli puisque KOVLO vient de réaliser la bande son de son nouveau film « Tutti Giù – Everybody sometimes falls ». « Hey Mom, where's Timbuktu », dont les illustrations du livret sont signées Aris Bassetti, membre des excellents Peter Kernel, plaira certainement aux amateurs de post-rock classique car il ne souffre d'aucune faute de goût. Les autres n'y entendront vraisemblablement qu'ennui et convention.
Lucero nous vient de Memphis, dans le Tennessee. Une ville dont le cœur a toujours battu au son de la musique. Le rock'n'roll, blues et soul se sont toujours croisés, les labels Sun et Stax y étaient établis, Elvis Presley et BB King y ont vécu. La musique de Lucero est susceptible d’emprunter différentes facettes, telles que le rock sudiste, le punk (NDR : surtout à leurs débuts) et le country alternatif. C’est d’ailleurs ce que les musicos déclarent. Ce ne sont pas des débutants, puisque la formation est née en 1998. Leur dernier opus, "1372 Overton Park", était paru en 2009 chez Universal Music. Ce "Women and work" constitue leur huitième long playing. Une œuvre qui baigne dans le Memphis country soul teinté de rock et blues. Le chanteur/guitariste Ben Nichols, l’autre gratteur Brian Venable et le claviériste/accordéoniste Rick Steff en sont les figures de proue.
"Downtown" ouvre la plaque. Une piste attrayante, de brève durée, mais dont les interventions vocales me rappellent Rod Stewart, en moins éraillé. Les cuivres amorcent "On my way downtown", un excellent R&B. La voix de Ben Nichols s’inscrit parfaitement dans l’ensemble où chaque instrument tient parfaitement son rôle. Boogie, le titre maître est mis sur orbite par le piano de Steff, une compo qui rocke et rolle dans une chaude ambiance ‘memphisienne’ ! Jolie ballade, "It may be too late" trempe dans le R&B. Une compo indolente caractérisée par les interventions conjointes du piano et de l’orgue et dont la mélodie contagieuse rappelle les vinyles Stax d’une certaine époque. Rockin' R&B, "Jumper" déborde de dynamisme et libère énormément de groove. Du groove funkysant entretenu par les cuivres de Jim Spake et Scott Thompson. Un vrai coup fumant ! La voix de Ben emprunte un ton plus rugueux pour attaquer "Who you waiting on?", une piste qui baigne dans un climat roots. Lucero nous entraîne à Nashville pour aborder "Can't stand to leave you", un morceau de country populaire, parcouru par la pedal steel de Todd Beene. De toute bonne facture, cette plage bénéficie d’arrangements particulièrement subtils. "When I was young" et "Sometimes" adoptent un profil semblable. De solides compos nappées de claviers, déchirées par la slide ; mais au cours desquelles la pedal steel s'affirme. "Like lightning" replonge dans le rock'n'roll. Et cette belle tranche de musique yankee s’achève par "Go easy", un titre empreint de douceur, au cours duquel la voix de Nichols est enrobée d’un puissant chœur gospel…
Alias Joakim Malmborg, Old Kerry McKee est suédois. Issu de Gothenburg, très exactement. Il se réserve l’écriture des compos et des lyrics, chante, joue de la guitare et des percussions. Bref, c’est un véritable homme-orchestre. Difficile d’imaginer que ce Nordique a fait ses armes au sein d’un groupe de death metal où il se chargeait des drums. Sa nouvelle orientation, il l’a adoptée en 2008. Avant de devenir ce folksinger, il a beaucoup écouté Townes VanZandt et Johnny Cash, mais aussi Bob Dylan et Reverend Gary Davis. Son univers musical n'est guère ensoleillé ni paisible ; à contrario, il est plutôt sombre voire ténébreux.
On est d’abord plongé dans les bruits urbains ; mais rapidement, une guitare prend le relais. Magique, rythmique, elle est bientôt rejointe par une voix qui semble venir de l'au-delà, une voix évacuant tous ses sentiments de détresse au même moment. "Flor" cherche à retrouver toute l’authenticité du country blues. A cause du son, qui grésille comme un vieux 78trs. Kerry chante à nouveau comme un possédé, libérant ses mots comme si sa vie en dépendait. Et il n’est pas loin de nous épouvanter. Maltraitées, ses cordes souffrent. Une plage vraiment impressionnante ! "Death, Oh death" n’est pas plus paisible. Les accords de sa gratte épousent les trémoussements de sa voix qui sanglote. L’instrumentation assurée par le vieux Kerry est à la fois riche et complexe. "Broken leaf" s’ouvre par un riff stonien, puis nous entraîne dans un univers sonore plus accessible. Il souffle dans un harmo à la manière du jeune Dylan ; mais en même temps il parvient à gratter ses cordes et à manœuvrer ses perçussions au pied. "Soiled, tattered & thirsty" et "One day" passent également correctement la rampe, même si ces deux pistes se révèlent un peu plus répétitives. Contagieuse, "One day" est une compo que l’on se surprend de reprendre en chœur avec lui. Kerry injecte toute sa sensibilité dans la voix pour attaquer "The rocking chair". Toujours aussi incertaine, l'aventure s’achève sous la forme d’un titre énigmatique, "Untitled", un morceau qui clôt cet elpee, en reproduisant les mêmes bruitages qu’en début de parcours…
En 2003, le trop méconnu groupe de proto-punk Rocket From The Tombs se reforme et propose dans la foulée « Rocket Redux », un album qui les voit réenregistrer en studio des morceaux composés entre mi-1974 et mi-75, leur seule année d'existence. Jusque là, à part quelques concerts capturés de façon artisanale et des démos au son bien cradingue, vendus sous le manteau à l'époque et qu'on peut retrouver dans la compilation « The Day the Earth Met the Rocket from the Tombs », il n'y avait aucune réelle trace discographique. Pourtant, bon nombre de leurs compositions apparaissent sur les premiers disques des deux groupes fondés sur les cendres de RFTT : Père Ubu et The Dead Boys, principales formations avec Electric Eels et The Pagans de ce qu'on baptisera plus tard le Cleveland Punk.
On retrouve sur « Redux » trois membres fondateurs : David Thomas, chanteur légendaire de Père Ubu, Cheetah Chrome, guitariste des Dead Boys et le bassiste Craig Bell rejoints pour la circonstance par Richard Lloyd (ex-Television) et David Mehlman (Père Ubu). C'est également ce line-up qui est responsable de ce « Barfly », le premier réel album du groupe. 37 ans après leurs débuts, que pouvait donc bien nous livrer cette bande de quasi sexagénaires ? Si le résultat ne décevra pas les fans et n'est-ce pas le plus important, il n'est pas certain qu'il leur en apportera beaucoup d'autres. Certes, la voix de David Thomas a conservé toute sa folie et ses textes sont toujours aussi mordants mais la rage a été catalysée depuis longtemps et le groupe reste punk plus par l'état d'esprit que musicalement. On a ici finalement affaire à un garage-rock plutôt classique, en tout cas très mature et maîtrisé. Des compositions intemporelles et efficaces évoquant fatalement Père Ubu, Dead Boys et les Stooges qui donnent l'impression que le groupe a avant tout cherché à se faire plaisir (les très réussis « I Sell Soul » et « Six And Two »). Cheetah Crowe se fend de quelques solos bien sentis mais suffisamment dans la retenue pour ne pas être écœurants. Et David Thomas donne toute sa mesure sur les plages plus bluesy-psyché (« Butcherhouse 4 » et le slow quasi parodique « Romeo & Juliet »). Au final, on passe un bon moment en compagnie de vieux potes et on regrette que Père Ubu n'ait pas mis autant d'application pour concocter son dernier opus, le trop improvisé « The Lady From Shangaï ».
Les Rusty Roots sont incontestablement un des meilleurs blues bands, en Belgique. Fondé en 2004, cet ensemble limbourgeois a effectué ses débuts au célèbre Belgium R&B Festival de Peer. Son premier album, "100 miles", était paru en 2006. Il avait bénéficié de la participation du talentueux chanteur/guitariste Marc ‘Tee’ Thijs. Deuxième elpee, "Electrified" était sorti en 2008.
Jan Bas est le chanteur. Il est soutenu par deux brillants instrumentistes, le guitariste Bob Smets et l’harmoniciste qui double à la guitare rythmique, Kris ‘Rev Hotrod’ Rogiers. Le line up implique également le drummer Nico ‘Tutt’ Vanhove et le bassiste Stefan ‘Body’ Kelchtermans. Pour la première fois, les Rusty Roots signent toutes les compos. Et Tee s’est chargé de la production et du mixing !
"Wiggle" ouvre l’elpee. Le tempo adopté par cette plage me rappelle le Creedence Clearwater Revival. Proche de celle de John Fogerty, la voix de Jan est bien mise en évidence. Le travail opéré sur cette voix, tout au long de "Wake up", est particulièrement soigné. La mise en forme adoptée par Tee n’y est pas étrangère. Agitée de percussions et lacérée par les petits coups de griffe de l'harmo, l’instrumentation est minimaliste. "Too tight" est certainement la compo la plus originale de l’elpee. Allègre voire dansante, elle est couverte d’accents exotiques, latinos. Chant, cordes et cuivres s’y fondent dans un bel ensemble. "Country and wagons" est imprimé sur le rythme saccadé du chemin de fer. La voix est chargée de reverb, mais reste claire. Un morceau qui permet à Rev' Hotrod de s'envoler sur l'harmonica. Un éventail de percus bien choisi électrise "Get down", une piste dont la trame funky se révèle très passionnante. Rogiers arrache tout ce qu'il a dans les poumons pour faire exploser son harmo. Jan chante "Thing" à nouveau comme Fogerty. Son autorité et son assurance impressionnent. L'orchestration demeure sobre et efficace. Si "Easy" s’intègre dans le Chicago Westside, cette compo a été personnalisée. Des vocaux a cappella ouvrent "Money train", à l’instar d’une worksong enrichie de percussions. Puis la plage emprunte un rythme hypnotique, digne du mythique géant disparu, Howlin' Wolf. Le son proposé par Rusty Roots est vraiment original. "Let her down" et "Something ain't right", davantage ska, en sont de nouvelles illustrations. Cet album constitue certainement une des meilleures productions blues belges de ces dernières années…
La Belgique est un véritable vivier de talents. Et Steven Bossuyt, alias Sherman, en est un nouvel exemple. Le Gantois s’est illustré au Nord du pays dès 2011, en publiant un Ep éponyme recelant quelques ritournelles pop plutôt efficaces (« On Your Side », le très bon « One Way Town », illustré d’un tout aussi bon videoclip). Et déboule aujourd’hui « Rise », son premier LP, signé chez Universal. Le singer-songwriter propose onze plages Pop Rock pas forcément révolutionnaires mais foncièrement convaincantes.
Ce sont essentiellement la simplicité des mélodies et la cohérence de l’ensemble qui rendent ce disque à la Milow, pas dégueulasse à se mettre dans les oreilles. « Rise » compte bien quelques textes naïfs (« Head in the Clouds », « Light in the Dark ») ; mais, en laissant les mots de côté, on se laisse facilement emporter par ces petites capsules plutôt esthétiques, et visiblement sans prétention. Après avoir assuré des premières parties pour Lady Linn ou Eliza Doolittle, le petit Belge est prêt à voler de ses propres ailes. En espérant que le titre de son ouvrage lui soit salutaire.
Skinny Molly est né en 2004, lorsque John Estes, ancien membre de Lynyrd Skynyrd, Dave Hlubeck du Molly Hatchett et le drummer Kurt Pietro décident de partir en tournée européenne. Et au départ, leur aventure ne devait pas aller plus loin. Mais à l’issue du périple, le combo a décidé de poursuivre l’expérience. La formation a d’ailleurs sorti un premier album, "No good deed", en 2008. Hlubek est alors parti pour retrouver ses amis de Molly Hatchett. Il a depuis été remplacé par un ex-Blackfoot, Jay Johnson, un autre acteur de la grande famille du rock sudiste. Et c’est Luke Bradshaw qui se charge de la basse.
SM est plus populaire en Europe qu’aux States. Pas étonnant dès lors qu’ils aient été signés chez le label allemand Ruf! Les sessions d’enregistrement se sont déroulées à Sheffield, dans l’Alabama et à Nashville, au Tennessee.
Dès le premier morceau, l’opus baigne dans une ambiance sudiste. Le son est puissant, lourd, chargé de décibels. Les guitares sont évidemment à l’avant plan. Imprimé sur un mid tempo, "If you don't care" ouvre les hostilités, un blues rock, caractérisé par la voix imposante de John, talonnée par les deux six cordes. "Devil in the bottle" adopte un profil semblable, même si une des grattes bien grasse, très amplifiée, s’autorise un billet de sortie. Cette plage rappelle inévitablement Lynyrd Skynyrd. Pas étonnant puisqu’elle avait été écrite par Estes, Johnny Van Zant et Gary Rossington, pour l’album "Endangered species" de Skynyrd. "Two good wheels" hausse le rythme. Illuminée par une mandoline, cette piste baigne dans un climat roots. Les spectres de Steve Earle ou des Georgia Satellites ne sont plus très loin. "Too bad to be true" adopte un profil plus classiquement rock. Les guitares s'y réservent un duel fraternel. Menaçant, inquisiteur, "Judge Parker" ne prête guère à sourire. Les changements de rythme accentuent la gravité du thème abordé. Et pourtant, il s’agit de la meilleure plage du long playing. ZZ Top aurait pu composer "Bitin' the dog". On croitrait même que c’est Billy Gibbons qui est à la guitare... Une voix grave se frotte aux cordes acoustiques et à la slide bien réverbérée sur "Lie to me", une ballade bien southern. Autre ballade, "None of me no more" véhicule des accents tragiques. Chargées de tonalités country, "Dodgin' bullets" clôt l’album, une piste qui permet une dernière fois aux six cordes d'Estes et de Johnson de jumeler leurs accords…
Sun Araw, alias Cameron Stallones et Geddes Gengras sont les deux principaux responsables de ce projet. Le premier est issu de l’Etat de Californie, et s’est forgé une certaine notoriété dans l’univers du psychédélisme, notamment chez le groupe Pocahaunted. Le second, est avant tout un producteur. Et ce sont d’excellents amis. Le concept d’« Icon Give Thank » nécessitait un petit voyage au sein des Caraïbes, et plus particulièrement de la Jamaïque, où ils ont reçu le concours du groupe mythique de reggae, The Congos. Et afin de couvrir les frais inhérents à leur billet d’avion, les deux gaillards ont filmé leur séjour en terre rasta. L’ambiance de l’enregistrement de l’album est d’ailleurs parfaitement rendue sur le Dvd.
« Icon Give Thank » baigne au sein d’une ambiance paisible, cool. Les rastas se réservent voix, chœurs et percussions, pendant que les Américains nappent le tout de couches de guitares et de claviers psychédéliques. Le fruit de leur rencontre débouche sur un trip mystique en lévitation, au cours duquel chacun est venu apporter sa pierre à l’édifice.
L’artwork de cet album est épouvantable. Il fait peur et est ignoble. Ces sirènes gothiques et ces squelettes semblent émaner du même monde que ceux adoptés depuis des lustres par Iron Maiden. Toundra est issu de Madrid. Et l’Espagne n’est guère riche en matière de groupes ou artiste pop/rock exportables. Si mes souvenirs sont exacts, la dernière formation intéressante émanant de la Péninsule Ibérique s’appelait Migala. Elle s’est séparée en 2005. Depuis, hormis la zone crépusculaire de l’underground, c’est le calme plat !
Mais intéressons-nous plutôt au contenu de l’œuvre. Surprenant ! Dans le bon sens du terme. Pas de flamenco ni de rock hispanique aux accents latino complètement insupportables, mais le fruit d’une rencontre entre post-rock et metal. Le combo semble avoir complètement digéré ses influences qui oscillent de Pelican à Cult of Luna, en passant par Mogwai. Mais puisées également chez Led Zeppelin, Black Sabbath ou Metallica (« Requiem », « Cielo Negro). Et il maîtrise parfaitement ce fragile équilibre entre longs crescendo et riffs puissants, écrasants, tranchants.
Malgré un goût graphique plus que douteux, le troisième opus de Toundra est bien plus fertile que son patronyme…
Si le logo et la pochette du disque pourraient laisser croire à un énième groupe de deathcore au son éculé et mille fois entendu, on se rend compte, une fois la courte intro arabisante passée, qu’il n’en est rien. Antiquus Infestus est un band de black metal aux influences death, thrash et punk résolument old school, qui n’accorde aucune concession aux poncifs actuels du genre, et trace sa voie sans se soucier de sonner moderne. Ils se disent influencés par Behemoth et Immortal, mais on entend aussi du Goatwhore, voire du Terrorizer dans leur son. Pour autant, il ne s’agit pas d’un groupe plus underground que l’underground à la production hasardeuse. The Cult Of Ra a beau être une démo, le son est plus que correct, l’exécution précise, voire un peu froide par moments, certainement à cause de l’utilisation d’une batterie programmée, utilisée à bon escient pour permettre des blasts d’une rapidité fulgurante, même si les tempos sont variés au long des quatre titres de la démo.
Le concept est lui aussi audacieux, car malgré ses quatre titres, Antiquus Infestus propose ‘un voyage intérieur et physique vers l’immortalité’ et utilise une seconde voix pour ‘décrire la présence du pouvoir divin qui augmente chez le voyageur tout au long de son périple. A la fin de la dernière chanson, le protagoniste est totalement possédé par la divinité qui le rend immortel’. Un programme illustré par des titres de chanson interminables (« A Hymn Of Praise To Ra When He Rises In The Eastern Part Of Heaven », par exemple) qui confirment le sérieux de l’entreprise. Le groupe est ambitieux, et travaille sur un premier album dont la date de sortie n’a pas encore été annoncée.
The Blues Broads, c'est le projet réunissant quatre chanteuses américaines, sous le giron du label californien Delta Groove. Deux blanches et deux noires. Ce qui s’inscrit parfaitement dans le contexte du blues contemporain.
Côté black, on retrouve Dorothy Morrison. Elle est devenue célèbre pour avoir coécrit "Oh happy day", popularisé jadis par les Edwin Hawkins Singers. Annie Sampson, ensuite. Elle a milité chez Stoneground, un band issu de San Francisco et a également participé à l’aventure de la troupe de comédie musicale "Hair".
Côté white, figure Tracy Nelson. Elle a aussi été membre d'un groupe légendaire issu du San Francisco des sixties, Mother Earth. Depuis, elle a embrassé une carrière solo. Angela Strehli enfin. Texane, elle sévit depuis le début des 70’s, sur la scène blues d'Austin.
Le quatuor est soutenu par une excellente équipe de musicos, parmi lesquels on épinglera, Deanna Bogard. Elle se réserve le piano et le saxophone.
A une plage près, le cd et le dvd nous proposent le même concert, enregistré en novembre 2011, au théâtre Throckmorton de Mill Valley, en Californie. Les quatre divas entrent en scène et abordent "Living the blues", une compo signée Miss Nelson. Tracy et Angela chantent successivement leur couplet. Annie Simpson prend le relais pour attaquer son "Bring me your love". Soul, sa voix est naturellement puissante et chaude. Dorothy jouit d’une belle expérience dans l’univers du gospel. Ce qui lui permet de réussir parfaitement sa reprise très nerveuse du classique "River deep mountain high". Tracy a une voix surpuissante. Mais elle la met au service du quatuor pour interpréter "Walk away", un blues lent, qui permet à Gary Vogensen de s’autoriser un bel envol sur ses cordes. Angel assure seule les vocaux de "Two bit Texas town", un R&B très bien ficelé. Et elle le fait avec panache. Deanna Bogart est derrière son piano électrique pour baliser "It won't be long". Elle ne tient pas en place tout au long de ce gospel boogie qui provoque une sorte d'excitation collective. Annie Sampson chante le classique de Dylan, "It's all over now baby blues". Elle est épaulée par Miss Bogart qui la rejoint pour souffler dans son sax ténor. En fin de parcours nos dames décident de retourner dans le gospel. A l’instar de "Mighty love". A capella, en compagnie de Deanna, pour "Jesus, I'll never forget" ; et en finale, lors d’une version dynamique de l’inévitable "Oh happy day".
S’il n’est pas aussi connu qu’un Yngwie Malmsteen, Lars Eric Mattson n’en est pas moins un virtuose du metal mélodique. Sa carrière solo, démarrée à la fin des années 80, compte pas moins de 13 albums, auquel il faut ajouter Condition Red et Eli, deux autres groupes toujours actifs à ce jour. Book Of Reflections étanche la soif de power metal du guitariste finlandais, et propose, après une longue pause de 6 ans, son troisième album. Multi-instrumentiste doué, Mattson assure non seulement les guitares, mais aussi la basse et les claviers, le tout au service d’un power metal mâtiné de néo-classique, clairement destiné aux amoureux des chansons mélodiques, puissantes, ultra techniques et démonstratives. L’influence de Malmsteen est indéniable, et c’est sans doute ce qui distingue « Relentless Fighter » de l’importante production power metal : l’ombre des années 80, voire 70 (le clavier sur « Angel Shed A Tear ») est omniprésente, et ajoute encore au côté épique inhérent au style pratiqué. Le guitariste évite toutefois de sombrer dans les clichés (pas l’ombre d’un dragon à tuer dans les paroles), et évite la surenchère démonstrative en permettant aux chansons de respirer et d’exister en dehors des soli. Ce qui ne l’empêche évidemment pas de se faire plaisir en s’autorisant des moments de pure bravoure (« Rise Up ! ») qui prouvent, si besoin était, que le Finlandais n’a rien à envier aux guitar heroes légendaires.
Le chant est assuré par deux compatriotes de Mattson : Marku Kuikka et Carsten Schulz. Leurs voix sont assez semblables, mais la présence de deux vocalistes permet des harmonies plaisantes, et une alternance dans la couleur des morceaux, d’autant plus qu’un des deux vocalistes possède un timbre légèrement plus éraillé et rauque que l’autre. La production de l’opus est limpide, très propre, voire un peu trop, on aimerait parfois un peu plus de pêche et d’attaque dans les riffs. Autre défaut majeur de l’elpee, les refrains manquent cruellement de ce côté catchy, hymnique, qu’on retrouve souvent dans le power metal. Sans des gimmicks faciles à retenir, le disque tourne vite à la soupe sonore certes préparée par des virtuoses, mais néanmoins indigeste sur la longueur. A consommer avec parcimonie.
Steve Bug est un artiste allemand qui s'est illustré, au cours des 90’s, comme DJ résident au sein des discothèques huppées d'Ibiza. Il est aussi responsable du mixing de compiles plutôt agréables et inspirées (« Da minimal Funk, part 1 &2 » par exemple). « Noir » constitue son cinquième album, un disque qu’il a voulu plus sombre, plus hanté, que ses précédentes créations.
Suivant une certaine presse spécialisée, le Teuton est considéré comme un ambassadeur de la musique électronique. Rien que ça ! Permettez-moi d'en douter quand même. Faut dire que ce dernier elpee, fait un peu pâle figure.
Si le but ultime du gaillard était de réaliser un disque ténébreux, il y est parvenu. Pas de chant, pas de mélodie et même absence de créativité. On a parfois l’impression qu’il s’est contenté de coller des sonorités, l’une derrière l’autre. Et le résultat est aussi indigeste que rébarbatif.
« Noir » pourrait éventuellement faire illusion sur la piste de danse d'une discothèque branchée, lorsque la foule est suffisamment imbibée de cocktails alcoolisés. Quant à convaincre un véritable mélomane, c’est une autre histoire.
Stefan Brügesch a choisi pour pseudonyme, Steve Bug. Et effectivement, je confirme : Steve ‘bugge’ !
Durant des années, dans le métal, les femmes ont été mal représentées. Cantonnées à des rôles de faire-valoir annexes, presque systématiquement reléguées aux claviers ou à la basse, elles n’étaient sur le devant de la scène que si leur physique était à la hauteur de leur talent musical, voire plus haut. Un cliché qui a certes supporté quelques exceptions (Doro, Girlschool, Meldrum, Otep), mais dont il a été, des années durant, extrêmement difficile de se débarrasser. Aujourd’hui encore, un très grand nombre de femmes sont cantonnées à des rôles de potiche dans les groupes. Il suffit d’observer les pochettes des albums d’In This Moment, illustrées par des poses lascives de légions de chanteuses gothico/symphonique engoncées dans des corsets trop serrés et des décolletés indécents.
Heureusement, depuis quelques années, ces dames se réveillent, et montrent les dents. Huntress identifie une chanteuse plus talentueuse que la majorité de ses contemporains mâles ; pareil pour Halestorm. On pourrait encore citer les excellents Royal Thunder ou encore nos compatriotes de SerpentCult. Dans des styles très différents, les chanteuses de ces formations ont su s’imposer grâce à leur talent, et pas leurs atours.
Crucified Barbara est un magnifique exemple de cette intégration féminine par le talent, et pas le tour de poitrine. Certes, il est composé de 4 jolies Suédoises, mais une fois le disque inséré, on se fiche complètement de l’état civil des membres du quatuor. Crucified Barbara envoie du lourd, un hard rock débridé, old school, qui rappelle les heures de gloire du metal des années 80, Motörhead en tête. C’est fun, heavy, ça ne se la raconte pas, c’est juste bien rock n’roll ! La voix de Mia Coldheart, chaude et éraillée, rappelle Ann Wilson de Heart voire Pat Benatar, et se marie à merveille aux riffs massifs, matraqués de bout en bout sur une rythmique appuyée et carrée à souhait. Ce troisième album s’inscrit dans la droite lignée de ses prédécesseurs. Il se laisse écouter sans peine, se permettant même quelques morceaux qui restent en tête dès la première écoute (« Shut Your Mouth », « Crucified »), et parvient même à rester crédible sur une ballade (« Count Me In »). Une véritable bouffée d’air frais, un LP ultra fun, et une preuve supplémentaire qu’on n’a pas besoin d’être des mecs pour sortir un album de hard rock couillu !
En 2001, on plaçait toutes nos billes sur trois petits Ecossais qui entamaient alors leur ascension vers les sommets. Un peu plus de onze ans, six albums et une poignée de tournées plus tard, Biffy Clyro entrevoit enfin les portes du succès. En Belgique, cette percée se concrétise aujourd’hui par une ABBox sold-out en moins d’une semaine et l’éclosion de centaines de nouveaux fans dévoués, connaissant chaque refrain sur le bout des doigts (NDLR : des lèvres ?) Ce 17 février à Bruxelles, les trois musicos présentaient « Opposites », un double album, dans le cadre d’un concert résolument tourné vers l’avenir. Même un peu trop.
A 20h50, Simon Neil (guitare/chant), qui a enfin abandonné la barbe et le blond platine, et les frères Johnston (basse/batterie) débarquent sur le podium. Ils ont laissé la chemise au vestiaire. Histoire de faire comprendre à son public que la température va monter très rapidement. Tout faux ! Il est déjà loin le temps où les natifs de Kilmarnock provoquaient convulsions, spasmes et sueur. En face du trio, un auditoire autrement plus apathique que le parterre du Vaartkapoen il y a 3 ans ou que celui qui transpirait à grosses gouttes sous le chapiteau The Shelter, lors de l’édition 2010 du Pukkelpop. Désormais, l’assistance se tient à carreau en se croisant les bras et/ou en dodelinant gentiment de la tête. Le feu que Biffy Clyro tente de mettre aux poudres ne prendra pas ce soir. Les fans préféreront se contenter de répéter en chœur chaque syllabe de chaque morceau. L’effet ‘dimanche soir’ ? Ou celui d’une formation qui a su renouveler son public, sans forcément se renouveler elle-même ?
Sur scène, le band se démène comme à son habitude mais concentre son set sur leurs deux derniers LPs, oubliant ainsi totalement les fans de la première heure. Sur 23 morceaux, seuls quatre sont consacrés à des compos antérieures à « Only Revolutions ». Et sur ces quatre archives, trois sont tirées de « Puzzle ». Et pas forcément les plus excitantes. A titre d’exemples, un « Who’s Got A Match ? » qui passe à côté du sujet et un « Machines » provoquant plus de bâillements que de stimuli. Snobés par leurs géniteurs, leur exemplaire « Blackened Sky » ainsi que « The Vertigo Of Bliss » ont tout simplement brillé par leur absence.
Neil et ses deux collègues tablent sur un set Metal pour les riffs grinçants et Pop pour les refrains de stade. De manière générale, la setlist est trop peu variée, au point d’en devenir relativement écœurante au bout de trois-quarts d’heure. Mais la raison principale procède des morceaux tirés de « Only Revolutions » et « Opposites » qui se partagent la plus grosse part du gâteau. En outre, forgé sur le succès commercial de « Puzzle », le contenu des deux dernières publications est bien trop similaire. A croire que les idées des trois hommes stagnent complètement. Ou peut-être sont-ils encore trop concentrés à vouloir justement reproduire l’effet « Puzzle », leur premier élément discographique à avoir atteint le top 3 en Grande-Bretagne.
Le concert proposé ce soir par les trois Britons de Biffy Clyro était donc clairement destiné à tous ceux qui ont découvert la troupe, lors de la sortie du single « Many of Horror ». Ou qui ont cliqué sur le bouton ‘I Like’ dans le courant des trois dernières années. Les fans de la première heure ont bien espéré un petit regain d’intérêt lors du rappel, mais celui-ci sera à l’image du reste de la soirée : sans intérêt. Une belle déception ! Les inconditionnels et fans des deux dernières galettes du trio scottish pourront néanmoins encore les applaudir le 4 juillet, lors de l’édition 2013 du Rock Werchter.
(Organisation : AB)
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Une fois de plus, le label et distributeur belge Play it Again, Sam) investissait Tour & Taxis pour ses [Pias Nites]. Suivant la formule qui semble avoir fait ses preuves, le vendredi était réservé à l’électro et le samedi au pop/rock. Pari gagnant, puisqu’en début de semaine, toutes les places prévues pour le second jour étaient déjà écoulées. Il faut dire que les organisateurs avaient mis le paquet en programmant, notamment plusieurs de leurs fleurons, dont Jason Lytle, Balthazar et Alt-J…
Samedi, l’ambiance s’annonce plus détendue. A l’instar des éditions précédentes, l’affiche est alléchante. Néanmoins, on se demande quand même comment les songwriters vont parvenir à chauffer le public, dans un espace aussi imposant que celui de Tour & Taxis. Contrairement à la veille, il n’y a qu’une salle ouverte. Ce qui explique le début des hostilités fixé à 18h. Une certitude, cependant, le public a surtout effectué le déplacement pour assister aux sets de Jason Lytle, Balthazar et Alt-J.
D’ailleurs, lorsque Champs ouvre le bal, l’auditoire est plus que clairsemé. Issu de l’île de Wight, la formation insulaire vient défendre son premier elpee. Mais difficile de jauger leur pop/rock lors d’une prestation limitée à 30 minutes, surtout quand elle est accomplie devant aussi peu de monde…
Lord Huron, alias Ben Schneider, prend le relais. La salle commence tout doucement à se remplir. Le Californien est entouré de son backing group. Sculpté dans le folk, son set est essentiellement puisé au sein de son premier elpee, « Lonesome Dreams ». Et il ne manque pas de charme. Malheureusement, le public est toujours aussi distrait…
Andy Burrows est une figure de proue du rock insulaire. Membre fondateur de Razorlight, il y a sévi comme drummer, de 2004 à 2009. Et milite au sein de We Are Scientists, depuis. Il se consacre également à de multiples projets, en parallèle. Dont le dernier, implique Tom Smith, des Editors. Mais c’est en solitaire qu’il se produit ce soir. Et sa pop, finalement, ne manque pas d’allure. Seule la configuration des lieux ne semble pas adaptée à ce style de récital.
Ce n’est véritablement vers 20h45, que la soirée à véritablement commencé. Pas pour rien que lorsque Jason Lytle monte sur l’estrade, la salle est presque comble. Après s’être illustré, lors de l’édition 2012 du Pukkelpop, en août dernier, l’ancien leader des regrettés Grandaddy est de retour sur une scène belge pour présenter son nouvel opus : « Dept. Of Disappearance ». C’est un rituel, lorsqu’il monte sur les planches, le Californien est coiffé de son inséparable casquette. Il est accompagné d’un musicien. Les deux artistes se plantent derrière leurs claviers et vont nous distiller une pop atmosphérique, réminiscente des grandes heures de Grandaddy. La superposition des nappes instrumentales est bien sentie et la voix de Lytle toujours aussi suave, mais la foule semble toujours aussi amorphe…
Balthazar prend le relais. Le combo courtraisien jouit d’une solide notoriété en Belgique, surtout au Nord du pays ; et pas seulement depuis la sortie de leur dernier opus, « Rats ». Ca se voit et ça s’entend. Dès leur arrivée sur le podium, les acclamations fusent. Le set est bien en place. Les morceaux de leur dernier long playing s’enchaînent. Les interventions des guitares et du violon virevoltent. Les rythmiques sont percutantes. Et miracle, le public commence enfin à se réveiller. Bref un très bon concert, pour lequel certains mélomanes n’ont pas hésité à oser la comparaison avec dEUS voire The last Shadow Puppets… et ces références semblent justifiées.
Vers minuit, la tête d’affiche entre en scène. Mais paradoxalement, la révélation de l’année 2012, n’est pas encore réellement parvenue à convaincre en ‘live’. Que ce soit au Pukkelpop ou à l’AB. Les Anglais sont donc attendus au tournant. Pourtant, dès le début de leur show, on se rend compte que le groupe n’aura aucun mal à conquérir un public entièrement voué à sa cause. Leurs tubes (d’une grande efficacité) s’enchaînent : « Mathilda », « Breezeblocks », … La combinaison du lightshow et du son est parfaite. Alt-J réalise un sans-faute. Les mauvaises langues leur reprocheront sans doute une trop grande rigueur et par conséquent un manque de folie. Je le reconnais, les morceaux sont joués exactement comme sur l’album. Mais lorsque l’on voit l’enthousiasme manifesté par le public, on en conclut que l’important est sans doute cette satisfaction collective… de vivre un bon moment.
(Organisation Pias)
Il n’a fallu qu’une poignée d’albums autoproduits, quelques rencontres providentielles et un premier LP loué par la critique pour transformer Gary Clark Jr. en ténor du blues. Si son « Blak and Blu » peine à convaincre pleinement, c’est surtout sur scène que le Texan gagne ses galons de talent incontournable. Il va le prouver le soir même de son anniversaire, sur la petite scène du Club de l’Ancienne Belgique, devant un public conquis dès les premières notes d’un concert mémorable.
Le soir de son passage à Bruxelles, Gary Clark Jr. soufflait donc ses 29 bougies. Dès 20h30, le prodige fait son entrée sur scène devant une foule qui lui chantonne un ‘happy birthday’ à tue-tête. Un sourire jusqu’aux oreilles, il remercie le parterre et entame sans cérémonie un spectacle qui ne durera pas moins de deux heures ! Et dès les premières notes, on est gagné par les frissons. D’entrée de jeu, le petit mec au look de beau gosse de la tête aux pieds, t’envoie un uppercut dans la face.
Le parcours de Gary Clark Jr démarre à ses douze ans lorsqu’il s’empare pour la première fois d’une guitare. Il ne la lâchera plus et sera repéré par le tenant du club de Blues le plus prisé d’Austin, sa ville natale, ainsi que par Jimmy Vaughan, le frangin de Stevie Ray. Il en profite pour publier quelques albums qu’il vend à l’étalage. Quelques années plus tard, le Texan croise la route d’un certain Clapton, qui l’invite à son Crossroads Festival ; puis tout s’enchaîne pour le guitariste qui se chope un critique de choix en la personne d’Obama. Le président of ze United States est conquis, et Warner décroche la timbale en faisant signer un contrat juteux au jeune homme. « Blak and Blu », son premier LP sur une major, atterrit dans les bacs en octobre 2012 et ravit les critiques qui voient déjà en lui le nouvel Hendrix. Mais plus que sur disque, c’est surtout en ‘live’ que Junior montre de quel bois il se chauffe.
Dans le confort du Club, même les compositions les moins convaincantes de « Blak and Blu » sont sublimées. Le mec, plutôt taciturne, donne le meilleur de lui-même. On prend un vrai pied à le voir caresser les cordes de ses guitares et balancer un blues rock bien graisseux, qui te fait vibrer chaque parcelle de ton corps, à deux doigts de toucher l’âme. Derrière lui, sous sa coiffe afro, le batteur s’acharne sur ses fûts. Il doit certainement étouffer sous sa chevelure. A sa gauche, le bassiste se prend pour Bono. Il est chaussé d’horribles lunettes de soleil jaunes pâles qui détonnent avec la sobriété de ses camarades. Une faute de goût toute pardonnée lorsqu’il déloge un solo parfait en milieu de set. Et à sa droite, se dresse un guitariste qui passe un peu au second plan, vu le talent énorme du leader de la troupe.
Clark Jr. adresse quelques sourires à la foule en lui demandant de temps en temps si tout va bien, inquiet du calme qui y règne entre les morceaux. C’est qu’on est tous accroché à tes lèvres et ta guitare, mon gars ! Beaucoup plus que Jimi Hendrix, la voix et certains riffs, justement, évoquent souvent The Black Keys. Ce qui laisse penser qu’une collaboration entre la paire Dan Auerbach/Patrick Carney et le bluesman pourrait faire de grosses étincelles. En attendant, au Club, les solos du kid s’enchaînent, ne laissant les spectateurs reprendre leur souffle qu’entre deux morceaux. Enorme !
Pour clôturer les deux heures de pur plaisir qu’il a offert au public belge, Gary Clark Jr. se lance en rappel dans une démonstration dépouillée d’une ballade Soul, en solo, avant d’être rejoint par ses acolytes pour la der des ders. L’auditoire en profite pour lui souhaiter à nouveau un joyeux anniversaire en chanson. Et c’est un verre de champagne à la main que le prodige se retire du podium, tout sourire. Un sourire presque aussi large que celui des quelques 250 personnes qui ont pu assister ce soir à l’éclosion d’un talent qui a toutes les chances de connaître une ascension vertigineuse. Preuve en est que le bonhomme est déjà annoncé sous le chapiteau ‘The Barn’, la petite dernière de Rock Werchter, le 5 juillet. Si vous y êtes, ce serait du gâchis que de passer à côté d’une telle opportunité !
(Organisation : AB)
Les prémices de Wo Fat remontent à 2003, lorsque le guitariste Kent Stump se joint au bassiste Tim Wilson et au batteur Michael Walter. Le trio a un but commun : créer une musique féroce, puissante et lourde. Et pour y parvenir, il va puiser dans la quintessence de l’œuvre de Black Sabbath et Jimi Hendrix. Le combo est texan. Il est établi du côté de Dallas, à l’instar de ZZ Top. Pas étonnant dès lors que les racines southern rock soient bien présentes, tout comme le feeling bluesy. Il pratique du psyche-doom-adelic, se réservant une liberté totale d’improvisation ; un peu comme un jam band biberonné au stoner rock. Il avait publié son premier elpee en 2006, "The gathering dark". Un disque suivi par "Psychedelonaut" en 2009 et "Noche des Chupacabra" en 2011. Wo Fat est signé chez Small Stone. Et au vu du style proposé, ce n’est guère surprenant. En observant la pochette de ce "Black code", on a l’impression d’entrer dans un univers sidéral, lugubre et peu accueillant.
L’elpee est découpé en cinq longues plages. "Lost highway" nous précipite immédiatement dans un monde terrifiant, implacable. Les riffs sont écrasants. Les trois musicos manifestent une cohésion sans faille pour alimenter cette lame de fond dantesque. Le spectre de Black Sabbath est bien présent, c’est une certitude, même si le combo possède sa propre identité. Pas de hurlement intempestifs, mais une sensibilité autant métallique que dramatique ; et la voix de Kent s’inscrit parfaitement dans ce contexte. Caractérisée par ses changements de rythme, la structure de cette plage est complexe. Sa progression est indolente mais savamment orchestrée, jusqu’au moment où les cordes décident de s’échapper, telles des bêtes sauvages qui défoncent (les pédales ?) tout sur leur passage. Ce mal de vivre s’accentue encore tout au long de "The black code". Un code noir bien de rigueur alimenté par des cordes déchirées, triturées, agonisantes, décrété sur un tempo aux accents blues. Décharnée et glauque, la voix adopte le timbre d’un célèbre concitoyen, Billy Gibbons. Le choc des générations est impitoyable. Stump lutte à l’aide de ses cordes. Pendant près de 10', la pression exercée sur la pédale wah wah est impitoyable. Et "Hurt at bone" ose pousser le bouchon encore plus loin, si c’est encore possible. Pour la circonstance, Stump percute stoner rock et Mississippi blues basique, en se servant d’une slide qui n'est pas parvenue à fuir à temps. Une recette rappelant le Led Zeppelin des grands jours. Faut croire que Kent a du rêver de Jimmy Page, au cours des nuits qui ont précédé les sessions d’enregistrement. Nos trois rockers empruntent leur vaisseau spatial pour se rendre sur le nouvel astre, là où règne déjà le ‘sabbat noir’. Ce périple est reproduit tout au long de la longue introduction instrumentale de "The shard of Leng". A leur arrivée, ils y constatent que les débordements lysergiques sont d'une intensité inouïe. Wo Fat nous abandonne à notre cauchemar après s’être enfoncé dans une forme de sommeil particulièrement agité ("Sleep of the black lotus"). Pas de répit ni de repos sur cet opus, mais un voyage au cours duquel on a l’impression de vivre des moments de peur, d’angoisse, de torpeur et même d’agression. Et pourtant, cet album est superbe…
Dans l’univers de la musique progressive européenne, Focus est un groupe incontournable. Il était parvenu à créer un subtil cocktail de rock et classique. La naissance de ce combo batave remonte à 1969, il résulte de la rencontre entre deux musiciens exceptionnels, le claviériste/flûtiste Thijs Van Leer et le guitariste Jan Akkerman. Le duo était alors soutenu par une section rythmique. Au cours des premières années d’existence Focus rencontre un franc succès. Il aligne les albums "Focus plays Focus", "Focus 2", "Focus 3" et le live "At the Rainbow", sans oublier les singles "Hocus Pocus", "House of the King" et "Sylvia". La suite sera plus chaotique, à cause de ses multiples séparations et de reformations. Depuis le début de ce nouveau siècle, Van Leer, un des deux leaders historiques, a repris le collier. Mais s’il a remonté Focus, il faut avouer que son backing group est à géométrie variable.
Pour concocter ce "Focus X", Van Leer s’est chargé de l’orgue, de la flûte et du chant. Il est soutenu par son beau-fils Bobby Jacobs à la basse, Menno Gootjes aux guitares et Pierre Vander Linden à la batterie. Ce dernier militait au sein du line up originel.
"Father Bacchus" ouvre la plaque. On se croirait revenu en 1970. A cause de cette dualité entre les cordes et la flûte traversière. Instrumental lent, majestueux, "Focus 10" est digne des anciennes compos également baptisées "Focus". Bien qu’empreintes d’émotion et d’esthétisme, "Victoria" et "Amok in Kindergarten" adoptent un format un peu trop copier/coller, en se référant exclusivement au passé. La suite est beaucoup moins intéressante. "All hens on deck" s’appuie sur un riff de guitare un peu trop lourd. En outre, les parties vocales sont très ‘limite’. Il est vrai que le chant n’a jamais été le point fort du combo hollandais. Je lui préfère "Birds come fly over". La voix du Brésilien Ivan Lins passe plutôt bien la rampe. Elle me rappelle même Richard Sinclair (Caravan). Et les accents hispaniques se marient parfaitement à l’ensemble. A contrario, celle plus grave et gutturale de Van Leer sur "Hoeratio", est irritante. Heureusement, ce morceau baigne dans un climat krautrock (Amon Düül ?) ; et puis la sortie de cordes opérée par Gootjes est superbe. Enfin "Message magique" nous ramène une nouvelle fois quatre décennies en arrière. Nostalgie… A signaler quand même, la pochette. Elle est signée Roger Dean, artiste qui en a illustré de nombreuses pour Yes, Asia, Uriah Heep, et j’en passe…
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