Pour pouvoir grandir, un groupe doit pouvoir changer, se métamorphoser même. Sans quoi, il risque de mourir. Apparemment, le duo anglo-américain de The Kills l’a bien compris, et le démontre sur son nouvel opus, « Midnight Boom ». D’une manière surprenante, il vient d’ouvrir une boîte de Pandore emplie de changements radicaux ! Après s’être alimenté au punk 60’s et abreuvé de scène newyorkaise, VV et Hotel on décidé de tourner la page en invitant Alex Epton aka Armani XXXchange, producteur et moitié de Spank Rock, pour enregistrer cet opus. Une collaboration qui semblait à l’origine improbable. Pourtant, par magie, ce dernier a réussi le pari de fusionner le punk minimaliste et le hip hop. Et il faut reconnaître que le résultat de cette fusion est plus que satisfaisant. 

Retirés du monde cosmopolite, Jamie et Alison se sont donc frottés pour la toute première fois à l’informatique, une technique pratiquement absente sur leurs deux rondelles précédentes. Et en particulier le ténébreux « No Wow », paru en 2005. A premier abord plus pop et charnelles, les sonorités électroniques entretiennent paradoxalement le climat âpre et violent des compos. Des compos orchestrées intelligemment. D’ailleurs, le duo est ici parvenu à dépasser la barre des deux accords. « Cheap and Cheerful » illustre le mieux ce virage à 180°. A cause de cette rythmique discoïde punk qui balise parfaitement la voix féline d’Alison. Plus garage, « Last Day of Magic » met davantage en valeur la guitare. Décalée, elle libère une énorme dose de passion. Et le reste ne manque ni d’intérêt ni de malice. Pourtant, si l’expérience vécue semble manifestement avoir été enrichissante, la collaboration entre Epton et Alison Mossahrt, n’a pas toujours été de tout repos. Un conflit de personnalités, sans doute…

Certains vont adorer. D’autres détester. Une chose est sûre, personne ne pourra rester indifférent à l’écoute de ce « Midnight Boom ». Personnellement, passé le trouble provoqué par l’évolution du combo (NDR : j’en connais qui vont tomber le cul par terre), je l’ai trouvé excellent. The Kills vit chacun de ses projets à 200%. Il s’implique. Que ce soit au cœur d’un punk chaotique ou lors de ses expérimentations. Et à ce titre, il mérite le respect.

Le nouvel album de la diva latine ne change pas fondamentalement le chemin musical parcouru jusqu’ici. La belle Jennifer propose des chansons romantiques qui s’inspirent du hip hop old school, de Michael Jackson et des nouveaux sons r’n’b. Une bonne moitié de « Brave » s’enlise dans des titres plutôt faibles et convenus comme les ballades mielleuses « Forever » et « Gotta Be There », les sons crunk ratés de « Mile In these Shoes » ou le r’n’b rutilant mais banal de « Do It Well » ou de « Brave ». Quelques compos passent mieux la rampe, comme « Never Gonna Give Up » et sa belle section de cordes, les très soul « The Way It Is » (basé sur un énorme break de batterie) et « I Need Love » (calqué sur « Use Me » de Bill Withers) ou encore la jolie ballade « Be Mine ». Le reste est à oublier, sauf si vous faites partie du fan club de ‘Jenni from the Block’.

iTunes :

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YouTube :

http://nl.youtube.com/user/JenniferLopez?ob=1

Mike Morgan est un musicien que j’apprécie tout particulièrement. Et le Texan nous revient flanqué de son Crawl! C’est à Dallas qu’il avait fondé ce groupe. En 1986. En compagnie de Darrell Nulish. Ce dernier sera cependant remplacé en 1989, par le chanteur de Kansas City, Lee McBee. Premier album, "Raw and ready" paraîtra quelque temps plus tard. En 1990. "Live in Dallas", le dernier elpee, remontait déjà à 2004.

« Stronger every day » constitue le dixième opus du collectif. La section rythmique est constituée du drummer Brian Ferguson et du bassiste Drew Allain. Deux invités se partagent les vocaux : Lee McBee et Randy McAllister. Et leur présence n’est guère étonnante, puisqu’ils sont des amis de longue date. Cet opus recèle un seul instrumental : "Okie Dokie stomp", un morceau nous rappelant le regretté Clarence Gatemouth Brown! L’interprétation de Mike est talentueuse, rapide et concise. Pour le reste de la plaque, Mike a écrit ses compositions sur mesure en fonction des chanteurs en présence. Et tout d’abord pour lui-même ; et même s'il souffre de la comparaison avec Randy et Lee, son chant s'adapte fort bien à son style. Il travaille ses cordes vocales sur quatre titres. Tout d’abord en ouverture. Un shuffle auquel il nous a habitués depuis ses débuts : "All night". "You're the one", ensuite. Le tempo est rapide. Lee McBee est probablement préposé à l'harmonica. "The birthday song" est une autre plage rocker de toute bonne facture. La rythmique qui lui colle à la peau imprime le tempo. La guitare démarre au quart de tour. Ballade acoustique au départ sans grand intérêt, "How much more time" prend de l’ampleur en fin de parcours. Notamment lorsque Mike dispense un énorme solo tout en mélodie et en sensibilité, un exercice de style qui monte en puissance progressivement. Son ami texan et chanteur de gospel, Joe Wayne Reynolds, en assure les chœurs. Randy McAllister chante sur cinq plages. Mike lui a réservé essentiellement des ballades soul. Elles correspondant parfaitement à son profil. Randy jouit d’une voix taillée pour chanter la soul. Stefano Intelisano se charge de l’orgue pour "Where's the love", pendant que Mr Morgan affiche beaucoup de créativité et de subtilité sur les cordes. "Stronger every day" est une plage qui allie beauté, simplicité et pureté. R&B, "When I get back home" est une ballade lente comme les aimait Otis Redding. L'orgue Hammond de Mike Hanna est un tremplin idéal à la performance vocale torride de la chanteuse noire de gospel, Benita Arterberry Burns. "97 times" est plus rapide. La voix soul blue se détache nettement. Les soli de Mike brillent de mille feux. Mais c'est bien en compagnie de Lee McBee, son vieux complice, que Mike Morgan se montre sous son meilleur jour. C’est également le moment au cours duquel les compos affichent leur face la plus blues. De sa voix inimitable et si chaleureuse, Lee chante "Sweet angel", un de ces blues lumineux sortis tout droit du pays des swamps. "I cried for my baby" constitue le texas blues lent attendu et espéré. Taquiné par les courtes phrases assassines de son pote Mike, et sur fond d'orgue Hammond, Lee se fait shouter de charme. Cet opus d’excellente facture s’achève par un autre shuffle made in crawl : "Time".

Le moins que l’on puisse écrire, c’est que la sortie de ce double Cd/Dvd s’adresse avant tout aux fans de Muse. Bien sûr, les mauvaises langues vont se délier et reprocher au trio de tirer un peu trop sur la corde. Et pour cause. Après 3 Dvd ‘live’ (dont « Hullabaloo » et « Absolution tour ») et 4 albums studio, on peut dire que le band cultive le sens du marketing ! Au niveau promotion, rien n’a été laissé au hasard, non plus : medias, projections en avant-première dans les cinémas de métropoles, etc. Néanmoins, ne gâchons pas notre plaisir. A l’écoute et la visualisation de ce show titanesque, planté au sein d’un stade qui ne l’est pas moins, on a de quoi être impressionné. Les aficionados la première heure risquent même d’être étonnés du parcours opéré par Muse en une dizaine d’années, devenant par la force des choses (ou cette force obscure du marketing dont on vous parle ci-dessus), l’un des grands groupes pop/rock incontournables, au même titre que Placebo et autre Radiohead.

Hormis la galerie photo très moyenne, le Dvd ne recèle pas de bonus. Pas question d’interview ou de reportage no plus. Uniquement le concert. Mais bon, en 1 heure 40 pour 20 titres, il n’y a pas de quoi faire la fine bouche. 

Le CD est plus… compact. Il est découpé en 14 titres. Justifiée sur le Dvd (NDR : à cause de l’entrée en scène toute en couleurs), l’intro traîne en longueur et finit par devenir pénible à supporter. Heureusement, “Knights of Cydonia”, “Hysteria” et “Supermassive black hole” embraient pour le plus grand plaisir de nos oreilles. La déferlante de tubes épingle entre autres “Starlight” et “Time is running out ». Et lors du final, “Take a bow” provoque une véritable onde épileptique. Matthew James Bellamy semble au sommet de sa forme. Souvent comparée à celle de Thom Yorke, sa voix haut-perchée est en démonstration. Pourtant, lors de cet exercice de style, elle peut devenir irritante. Il y manque cependant quelques plages pourtant incontournables. Pas de “Bliss” ni de “Citizen Erased”, pourtant bien disponibles sur Youtube lors des mêmes concerts accordés au stade de Wembley le 16 et 17 juin 2007. Quant à “Feeling Good”, il figure bien sur Dvd, mais pas sur le cd.

Comme je le précisais, ce Dvd devrait combler les inconditionnels. Mais également le grand public, qui dispose ici bonne opportunité de (re-)découvrir ce groupe. A l’instar d’« Absolution », ce Cd/Dvd constitue d’ailleurs une excellente entrée en matière pour pénétrer l’univers de Muse. Et pour que votre info soit complète, sachez que le titre de cet opus live fait référence aux pièces principales du décor de la tournée : d’immenses soucoupes relevant d’un programme d’études scientifique américain, baptisé Haarp.

Légende du hip hop old school, le New-yorkais d’origine anglaise Slick Rick disposait de tous les atouts pour devenir une star. De nombreux ennuis avec la justice américaine ont fichu en l’air une carrière qui s’annonçait prometteuse. Slick Rick se distinguait par son flow ultra décontracté et les histoires souvent méchantes et drôles qu’il débitait sur des beats old school. On peut même dire qu’il a largement inspiré des gens comme Jay-Z et Snoop Dog, pour n’en citer que quelques uns.

Compilé par le dj J-Love, ce disque réunit tous les classiques de Slick Rick, ainsi que quelques inédits et des collaborations, opérées notamment en compagnie de Ghostface Killah et Morcheeba. La plupart de ces titres (enregistrés entre 1985 et les années 2000) sont des tueries qui n’ont pas pris une ride ; mais on regrettera le peu de soin (sonore et informatif) accordé à cette sortie. La moitié des titres n’est pas mentionnée au sein du track listing ; en outre, certains morceaux sont quasi-inaudibles tant ils semblent avoir été repiqués sur une cassette audio miteuse. Comme si cette situation ne suffisait pas, J-Love interrompt de nombreux titres par des interjections comme ‘J-Love on the side !’ ou encore ‘My Nigger J-Love !’ : inutile et très vite énervant. C’est vraiment dommage, car Slick Rick mérite beaucoup mieux que ce ‘best of’ mal fagoté.

Probablement intrigués par la grande qualité de ses chansons, les acharnés des compilations de ‘rare funk’ y ont sûrement déjà croisé le nom d’Eddie Bo. Figure méconnue du funk de la Nouvelle Orléans, Eddie Bo a pourtant largement contribué à l’éclosion stylistique du genre. Le sort et les pratiques de plusieurs producteurs véreux ont jusqu’à ce jour, conjugué leurs efforts pour qu’Eddie Bo soit confiné dans un rôle d’auteur confidentiel. Le label espagnol Vampisoul tente de réparer cette injustice en proposant un éventail de ses 45 tours (NDR : et ils sont nombreux !), mais également des artistes qu’il a produit entre 1955 et l’aube des années 80.

Fortement influencé par Ray Charles à ses débuts, Eddie Bo ne se contentait pas d’inventer des grooves futuristes (écoutez « I Found a Little Girl » pour vous en convaincre), mais il composait aussi de superbes morceaux, portés par un style vocal original. De la pure ‘feel good music’, au groove implacable, qui peut mettre le feu à n’importe quel dancefloor. Quelques uns des 28 titres repris ici ont déjà été publiés sur les compilations « Saturday Night Fish Fry » et « New Orleans Funk », que le label Soul Jazz a consacré au funk de Crescent City. Les autres plages sont moins courantes mais tout aussi excellentes. On regrettera seulement le son quelquefois un peu limite, les bandes masters des chansons ayant été perdues (ainsi que les biens du pauvre Eddie) lors de l’ouragan Katrina. Un léger bémol qui ne doit pas empêcher les ‘funk heads’ de se ruer sur ces quelques pépites musicales.

Visiblement inspiré par l’épisode « Grinderman », Nick Cave n’avait pas concocté d’album aussi intéressant que ce « Dig, Lazarus, Dig ! ! ! », depuis bien longtemps. Il faut bien dire qu’à partir de « The Boatman’s Call », les œuvres du bon Nick étaient devenues souvent dispensables et ennuyeuses. « Dig, Lazarus, Dig ! ! ! » est gorgé de longues plages narratives plongées dans un rock crépusculaire, rehaussé des fantastiques trouvailles sonores de Warren Ellis et des paroles toujours soignées de Nick Cave. Les chansons rappellent souvent les albums des années quatre-vingt des Bad Seeds : de la country hantée de « Your funeral, My trial » aux cauchemars industriels de « From Her to Eternity », en passant par la mélancolie de « Tender Prey » et le rock de « Henry’s Dream ». Tout n’est pas franchement réussi, comme en témoigne l’épuisant « We Call Upon the Author », mais quelques titres renouent avec le meilleur des Bad Seeds. On citera les magnifiques « Hold on to Yourself » et « Jesus of the Moon », l’hypnotique « Night Of the Lotus Eaters », le très pop « More News From Nowhere » (qui rappelle « Oh ! Deanna ») ou encore l’innovant « Midnight Man ». Une moitié d’album formidable, une autre plus dispensable, mais « Dig, Lazarus, Dig ! ! ! » témoigne d’une belle renaissance artistique.

Trio espagnol, Charlotte’s Shadow est manifestement hanté par la musique gothique du début des eighties. La cold wave aussi. Des influences qui oscillent de Cure à Bauhaus, en passant par Indochine (époque « l’Aventurier ») et Sisters of Mercy. La voix de J.Catala campe même un hybride entre Peter Murphy et Andrew Eldritch. Sur cet Ep 4 titres, la version radio de « Hush », morceau qui termine la plaque, une voix féminine vient déclamer quelques lyrics, à la manière d’Anne Clark. Bref, si leur solution sonore tient plus ou moins bien la route, elle manque singulièrement d’originalité ; et dans ces conditions sera inévitablement traitée de revivaliste…

Vincent Delerm : un être désabusé et solitaire, à la limite de la misanthropie? Détrompez-vous, l'homme a plein d'amis, et des amis qui chantent en plus. Lors de son passage à la Cigale, ce portraitiste de société s'est offert chaque soir un mini-karaoké entre potes, sur des airs qu'il affectionne.

« Madame, c'était bien » est entre autres mis à l'honneur. Parce que oui, Vincent Delerm aime Reggiani et Bourvil. Méfiez vous du tranchant de l'album, car décidément il guillotine les préjugés sur le chanteur parisien. Inconditionnels de ce narrateur de notes, ne tremblez pas pour autant. Quel que soit l'air d'origine et le tempo, l'interprète ne s'allège pas de son phrasé caractéristique.

Si le coup de soleil qu'il se prend dans les bras de Valérie Lemercier ne risque pas de faire rougir Richard Cocciante, certaines reprises parviennent à réinventer la force d'origine. En binôme et sur piano appuyé, « Quoi » (avec Cali) tient la route. Et quand la malicieuse Irène Jacob déploie son exubérance souriante sur « Désir, désir » même Delerm semble se dandiner de plaisir. Premier rôle masculin d'un casting soigné –Souchon, Charhal, Bénabar, Renaud, Biolay et passons-en– l'artiste gagne en vitesse, en potentialités. Et si les prestations font rarement oublier les originaux, des arrangements intimistes naissent de nouveaux équilibres qui méritent d'être écoutés.

Alléluia. La quiétude est de retour. Par cette atmosphère douce et éthérée, Alison Goldfrapp et Will Gregory retournent vers les débuts glorieux de « Felt Mountain ». Leur  nouvel album signe une tendance au folk envoûtant et psychédélique, à des années lumière des formes électroclash glamour de « Black Cherry » et des beats dancefloor de « Supernature ». Ces deux albums qui avaient laissé perplexes et séparé définitivement les amateurs de Goldfrapp entre un avant et un après irréductibles, sont ici balayés d’une voix adoucie et d’une instrumentation épurée. La gravité de Cat Power sans la dramatisation, l’harmonie des vocalises de Meg Baird sans la lente récurrence. Frissonnant et intense, parfois hanté, « Seventh tree » se peuple d’envolées cinématiques d’inspiration Ennio Morricone (« Clowns »), d’apogées trip-hop puisée dans les meilleurs moments de Massive Attack (« Little Bird »), voire de pop souriante presque candide (« Happiness » et « Caravan girl »). Un joli assemblage de perles aux humeurs dégradées, successivement éclaircies puis assombries. « Eat yourself », onirique et apaisé, fait tomber toutes les résistances. Non, la créativité de Goldfrapp ne naît pas seulement d’une émotion torturée ou d’un beat radiophonique irrésistible. « Seventh tree » fait la part belle à la simplicité de vocalises doucereuses couchées sur un lit mélodique haut perché, sans perdre le glamour peut-être désormais l’unique invariant de la discographie de Goldfrapp.