Lily, Kate, Duffy et les autres ‘Girls of British Soul’ n’ont qu’à bien se tenir. Du haut de ses 19 ans, Adele est probablement la seule artiste dont le talent égale celui d’une certaine junkie multi-récompensée. Précédé par l’indispensable single « Chasing Pavements », le premier ouvrage de la jeune singer-songwriter dévoile une voix envoûtante aux intonations délicieusement jazzy.

Influencée par les inoubliables Peggy Lee, Etta James ou encore la plus contemporaine Jill Scott, Adele Adkins conte ses déboires amoureux à coups de mélodies dépouillées, parfois touchantes (« Hometown Glory », « Chasing Pavements »), souvent exaltantes, (« Best For Last » et ses chœurs gospel accompagnés de Jack Peñate, « Right As Rain »). La post-adolescente se permet une reprise d’un classique de Bob Dylan, « Make You feel My love », probablement l’extrait le plus dispensable de cette œuvre d’introduction mais qui n’altère en rien la qualité de l’ensemble.

« 19 » est une agréable surprise qui devrait attribuer à l’Anglaise une place de choix au panthéon de la nouvelle vague Soul made in UK. Reste à voir si la multiplication exponentielle de ces nouveaux talents n’entraînera pas un ras-le-bol généralisé… 

Une batterie, une basse, un saxophone, une cithare et des claviers : l’arsenal est rudimentaire, mais les soldats qui le manipulent ont décidé de tenter quelques expériences. Histoire de passer le temps, sans doute. D’un rock génétiquement modifiable, ils passent à un jazz frileux, puis à une dub bancale, en transitant par un drôle de hip-hop et un bavard noisy. L’harmonie? Elle n’existe pas ou en tous cas, elle est bien cachée, quelque part entre les longues tempêtes insidieusement ravageuses et les cris de guerre d’une batterie qui s’épuise inutilement. Honnêtement, on n’est pas contre les expériences, même quand elles ne durent que 43 minutes. Mais c’est encore mieux lorsqu’elles apportent un vent de fraîcheur et d’audace, effort que ce quatuor italien n’a manifestement pas eu envie de faire. Godspeed You! Black Emperor, vous connaissez? Et Mars Volta? Et And You Will Know Us By The Trail Of Dead? Si oui, remettez la main dessus au plus vite. Si non, allez donc faire un tour dans une brocante ou dans votre centre-ville, pour écouter ces bons vieux ocarinas péruviens qui, à défaut d’offrir un vent de fraîcheur, épargnent les tympans.

De son véritable nom Charlie Michael Kittridge Thompson IV, Black Francis alias Frank Black nous propose son 15ème album solo. Un mini elpee. Découpé en 7 titres, il ne va pas au-delà des vingt minutes. Un disque qui s’inscrit dans la lignée de « Bluefinger », paru l’an dernier. C’est-à-dire davantage dans l’esprit des Pixies. Encore qu’après avoir écouté attentivement les compos, les nuances sont bien plus subtiles. « The seus », morceau qui ouvre la plaque, campe un hybride entre punk, blues, hip hop et funk blanc. Il s’agit également du single. Un titre mordant qui aurait pu naître d’une rencontre entre Rage Against The Machine et Captain Beefheart. Caractérisé par sa basse propulsive et sa jolie mélodie, « Garbage heap » rappelle « Here comes your man », alors que « I sent away » campe une sorte de boogie post punk plongé dans un climat menaçant, digne du « I feel like a wog » des Stranglers. Finalement, la compo la plus ‘pixiesque’ est probablement celle qui clôt le cd : « When they come to murder me ». Hymnique, balisée par des drums implacables, on y recèle quand même, dans le refrain, une référence à Neil Young. Et c’est encore plus flagrant sur « Half man », une chanson plus basique hantée par une voix haut-perchée, rappelant, non pas le ‘loner’, mais Robert Pollard (Guided By Voices). Enfin, une frénésie acoustique hante le titre maître alors qu’apparemment plus allègre (NDR : imaginez la version du « Blue Suede Shoes » de Kevin Ayers revue et corrigée par les Stones), « The tale of lonesome fetter » joue sur les breaks du tempo. Il est même parfois carrément à l’arrêt, avant de repartir de plus belle.

Bref un opus bien agréable, au cours duquel le vocal primal, abrasif de Francis s’en donne à cœur joie (NDR : pensez à « Debaser »), les accords de sa guitare sont plus turbulents et excitants que jamais, et les interventions à l’harmonica judicieuses. Et si ce n’est pas un chef d’œuvre (NDR : l’album a été écrit, enregistré et mixé en 6 jours), ce « Svn Fngrs » n’en est pas moins très rafraîchissant…

Jean-Louis Murat est unanime: ‘Aujourd’hui, les seuls artistes français valables sont Camille et Cocoon’. Pour Camille, on comprend : l’ovni aurait de quoi réveiller un chanteur mort (même si on sait que ceux-ci n’existent pas vraiment). Qu’en est-il de Cocoon? Honnêtement, on ne peut que partager également son avis. Le style diffère, le duo a opté pour la langue de Shakespeare et, surtout, Cocoon aurait de quoi enterrer définitivement un chanteur mort par l’ivresse berçante de ses mélodies. Mais l’Auvergnat a raison: c’est du très bon. Il y a quelques mois, il invitait d’ailleurs la chanteuse Morgane à attendrir son album « Charles & Léo ».

Morgane… Une voix tendre et somnolente, paisible et presque charnelle, qui donne toute son éloquence à ce subtil mélange de chansons folk et d’humeurs soft-pop. On ne l’écoute pas, mais on l’entend. Elle ne fait que passer, mais elle fait un bien fou. Sans forcer, sans pleurer, sans s’envoler, elle habille les guitares acoustiques, le piano, le banjo et autres ukulélés avec retenue et finesse. On dirait qu’elle ne le fait pas exprès. On dirait que la musique pourrait tourner en boucle dans nos oreilles sans que rien, jamais, ne puisse venir perturber notre quiétude et notre joie. Un seul conseil, donc: ne vous fiez pas au titre macabre de cet album. Espérons néanmoins qu’il n’y avait pas trop de chanteurs vivants à bord…

Vieux briscard de la musique américaine, Joe Ely est en selle depuis 1977. Chanteur, songwriter et guitariste, il marque ses trente années de carrière en sortant ce « Happy Songs… » sur son propre label.

Plus axée sur le songwriting que sur la démonstration technique, sa musique oscille et serpente constamment entre les idiomes fétiches de son Texas natal : très country, un peu blues, un peu folk, un peu tex-mex… Un genre finalement assez convenu et surtout très propre et lisse. Cependant, si l’on est amateur du genre, on aurait tort de bouder son plaisir : Joe Ely a du métier, du talent et sait encore ménager quelques bonnes surprises.

Le très country « Hard Luck Saint » ne laisse ainsi rien présager du très électrique « Miss Bonnie And Mister Clyde ». Entre accordéon et guitare acoustique, « Little Blossom » surprend en prenant tout à coup un rythme plutôt rock & roll. L’ambiance tex-mex de « Up A Tree » bascule sans crier gare dans le reggae tandis que les musiciens semblent s’en donner à cœur joie sur le « Firewater » de Butch Hancock. Et l’amateur de blues ne pourra qu’avoir l’oreille titillée par le feeling pesant de « July Blues », marqué par une rythmique sèche et lourde comme une soif en plein désert.

Nul doute que les Felice Brothers devaient surprendre lors de leurs débuts dans les couloirs du métro de Brooklyn ! Originaires des Catskills, au nord de New York, ces quatre jeunes gens pratiquent un country folk extrêmement roots renvoyant directement aux traditionnels américains. L’influence de The Band et surtout de Bob Dylan saute aux oreilles, notamment dans l’approche vocale –« Lou The Welterweight »–  sans parler de l’harmonica de « T For Texas », à mille lieues de la reprise de Lynyrd Skynyrd.

Logiques dans leur approche musicale, les quatre garçons ont opté pour une production sans chichis, brute mais équilibrée, jamais trop rugueuse : l’ensemble sonne ‘vrai’ tout simplement et colle parfaitement au style pratiqué. L’ensemble n’en est pas pour le moins soigné, à l’image des belles harmonies vocales de « Mercy ». Les belles ambiances intimistes sont au rendez-vous à travers la ballade « Belly In My Arms » où une simple guitare acoustique vient appuyer les voix ou encore ce « Christmas Song » presque chuchoté. A l’opposé, la version live du classique « Take This Hammer », achevant l’elpee, prouve que les FB sont capables de mettre de l’ambiance sur scène.

Cependant, si l’on n’est pas client du folk traditionnel nord-américain, on risque fort de s’ennuyer ferme car si le songwriting est affiné et les chansons fort belles, l’album dans son ensemble est tout de même quelque peu mollasson… Les amateurs en revanche y verront sûrement beaucoup de talent en devenir, et objectivement, c’est indéniable !

Passons sur la pochette, mal sentie et peu attirante. Allons directement à l’essentiel : les Américains de The Films ne sont pas là pour faire de la figuration. Le rock’n roll, ils maîtrisent. La frénésie, c’est leur dada. Ne comptez pas sur eux pour vous détendre après une dure journée de labeur : ils vont forcément vous esquinter et flinguer le peu d’énergie qu’il vous reste. Dès les premiers riffs, la bataille entre les guitares et la batterie est intense, tandis que la voix ‘supergrassieuse’ du chanteur s’impose très vite comme un ennemi qui nous veut du bien. Les morceaux s’enchaînent à la vitesse du tonnerre, précis comme des scuds et perfides comme des ombres frigides (ne cherchez pas, c’était juste pour rimer avec perfides). Vous prendriez bien un slow en guise de trêve? Oubliez ça tout de suite. The Films frappe de plein fouet, arrogant et sec, téméraire et enjoué, ne laissant aucune place aux sonorités de série B. Loin d’être profondément révolutionnaire mais suffisamment expressif que pour être ausculté des deux oreilles, cet album sonne juste et épate par sa fulgurance, sa fausse simplicité et ses refrains subtilement primaires.        

Issu du cerveau, perpétuellement en ébullition de Damon Albarn, le projet Gorillaz a vu le jour en 1997. Bénéficiant de la collaboration de Jamie Hewlett, Cass Browne, Simon Tong et Niho Hatori entre autres, il met en place un groupe virtuel que l’on ne présente plus. Quand un ogre à l’appétit féroce comme Albarn et à qui Midas à transmis son don, décide de frapper fort, il vaut mieux se mettre à l’aise pour prendre les claques inévitables susceptibles de tomber. Après avoir commis « Gorillaz » en 2001, « G-Sides » en 2002, « Demon Days » en 2005, cette tribu d’allumés nous propose, « D-Sides », son dernier elpee. Un double ! En principe, ce serait le dernier concocté par la formation, sous son concept actuel. Je dis bien, en principe ; car rien chez ces lascars, rien n’est à prendre au sérieux, tant le ‘groupe fantôme’ se complait à apparaître et disparaître à sa guise. Les membres du combo auraient déclaré récemment, que Gorillaz allait muter et proposer quelque chose de neuf et de détonant. Personnellement, je pensais que c’était déjà le cas. A vrai dire, je me suis gouré fortement.

Sans être condescendant, « D-Sides » est purement génial. Il collige des morceaux pas encore exploités, destinés aux flip sides (mais qui méritent manifestement de figurer sur la face opposée) et des remixes inédits sulfureux. Le box est scindé en deux galettes distinctes. La première de ces sucreries aligne des morceaux inédits comme « 68 State » (sorti uniquement sur la version Japonaise de « Demon Days »), « Highway », « Rock It »,… En tout, 13 plages savoureuses dessinant, sans surprise, un arc en ciel reflété directement par les enceintes. C’est après avoir effectué un incroyable plein d’énergie incroyable, que le deuxième cd est placé dans le lecteur. Et –oooh pas de surprise– un coup de maillet fini de nous achever en deux temps, trois mouvement. Epinglant 9 remixes, dont le « Feel Good Inc » opéré par Stanton Warriors, « Dare » repris deux fois, la première par DFA, la deuxième par Soulwax, « Kids With Guns » par Hot Chip, « El Montana » par Metronomy,… on ne résiste pas longtemps avant de succomber sous l’émotion. Il serait idiot d’attendre la fin de cette chronique pour vous décider à vous ruer chez votre disquaire, afin d’acquérir cet album indispensable à votre collection. Pour ma part, ‘respect’ est le seul mot que j’arrive encore à prononcer après son écoute.

Du haut de ses 26 printemps et de sa gueule d’ange, Adam Green cache derrière lui une espèce de nonchalance qui a le don d’agacer certains musiciens. Véritable génie de la musique, cet ancien membre des Moldy Peaches, n’en est pas à son premier coup d’essai, depuis qu’il a entamé sa carrière solo. En 2002. Son cinquième opus, « Sixes & Sevens », fête le retour de l’été : ça sent bon le soleil et les plages de sable fin. Vingt titres courts, mais qui nous laissent tout le temps de respirer le bon parfum des vacances !

Dès l’entame du disque, le Newyorkais pose avec beaucoup d’aisance, ses ondes vocales douces sur des compositions toutes différentes et curieusement sans ordre préconçu. Variant d’une pop rétro dans laquelle il excelle en manifestant un humour très particulier (« Twee Dee Dee »), en passant par la folk sans prétention (« Drowning Head First ») et même le jazz de saloon (« Rich Kids »)! Branle-bas de combat donc pour ce « Sixes & Sevens » au cours duquel un impressionnant arsenal d’instruments a dû être réquisitionné. On retrouve ainsi des cordes, du piano et même une flûte de pan.

Parfois confus, on fait l’impasse et on se délasse à l’écoute de ce très beau cinquième album. En six années, ce jeune précoce aux revendications anti-folk, prouve être devenu davantage qu’un crooner à la voix incomparable, mais surtout un songwriter et musicien de talent. A son âge, on pourrait très bien dire qu’Adam est un artiste comblé. Espérons que ce raconteur d’histoires continuera à nous procurer toujours autant de tendres moments de musique.

http://streaming.cissme.com/bgroup/wm/rough/agreen/video/GB-CVZ-08-00012_128.asx

http://streaming.cissme.com/bgroup/wm/rough/agreen/video/GB-CVZ-08-00012_300.asx

http://streaming.cissme.com/bgroup/rm/rough/agreen/video/GB-CVZ-08-00012_128.ram

http://streaming.cissme.com/bgroup/rm/rough/agreen/video/GB-CVZ-08-00012_300.ram

The Helio Sequence est un duo au sein duquel on retrouve Benjamin Weikel, un musicien qui a longtemps tourné en compagnie de Modest Mouse. Il est préposé aux drums et aux claviers. Brandon Summer est le lyriciste/chanteur/guitariste. Avant d’enregistrer leur cinquième opus, les cordes vocales de Brandon se sont substantiellement altérées. Son timbre est ainsi devenu plus capricieux, moins limpide, rappelant même aujourd’hui parfois un certain Bob Dylan. Face à cet accident de parcours, le tandem a décidé de changer de style musical. Et de tourner le dos à une musique qui tout en mélangeant le shoegazing et le psychédélisme, puisait son inspiration essentiellement chez les Flaming Lips et My Bloody Valentine. En témoigne leurs quatre premiers elpees. Toutes ces traces ne se sont cependant pas totalement volatilisées ; elles se sont largement estompées, nuance !

Une grande majorité des compos de « Keep your eyes ahead » bénéficie d’arrangements luxuriants et soignés. A un tel point que parfois, elles sont étouffées sous leur richesse. Les mélodies sont pourtant souvent contagieuses, soucieuses d’un esthétisme empreint de charme et de mélancolie ; mais les détails qui devraient faire la différence ne sont pas suffisamment mis en évidence. En outre, le recours à l’électronique est un peu trop systématique, et finit par rendre la solution sonore indigeste. Dommage, car les interventions de sèche en picking sont absolument superbes (« Shed your love »). Les accords de guitare électrique bringuebalants, chatoyants, réverbèrent en notre fors intérieur ceux d’un House Of Love, de Hurricane #1 et même des Chameleons (« Keep you eyes ahead » et son tempo new wave).

Paradoxalement, c’est quand The Helio Sequence change diamétralement de style qu’il devient le plus intéressant. Plus lo fi, plus minimaliste, même s’il subsiste l’une ou l’autre trace d’indietronica. A l’instar des deux derniers morceaux de l’elpee. Manifestement hantés par l’esprit du Zim. Sur le titre de clôture, « No regrets », le vocal nasonnant de Brandon et ses interventions à l’harmonica se révèlent même troublants…