The Brooks, secret le mieux gardé du funk canadien, est de retour le 23 octobre 2020 avec son nouvel album intitulé « Any Day Now ». On retrouve chez le collectif la minutie et la rigueur d’un James Brown, la volupté d’un D'Angelo, le charisme d’un Fela Kuti, l’ouverture intergénérationnelle d’un Herbie Hancock et l'innovation d’un J Dilla.
Après le succès d’Otis Stacks et sa fabuleuse trilogie (plus de 50 millions de vues cumulées), le label Underdog a choisi de nouveau la vidéo d'animation pour présenter The Brooks et son titre « Gameplay ». Une histoire d'amour, dans laquelle, un homme miniature habite chez une femme dont il est amoureux, mais cette dernière ne le voit pas.
« Gameplay », c'est l'histoire d'un amour impossible qui prend enfin vie, porté par la musique pleine de groove, de soul et de funk de ce fabuleux groupe canadien qu'est The Brooks.
Pour regarder et écouter le clip de « Gameplay », c’est là
A ce jour AaRON multiplié les récompenses. Il a été lauréat à Copenhague d’un European Border Breaker Awards. Choisi pour habiller le parfum ‘L’Homme’ par YSL, depuis 2017, son clip (« Blouson Noir » feat John Malkovitch) a été nommé au Berlin Video Music Award.
A ce jour, il a gravé 3 albums majeurs et en a vendu la bagatelle d’un demi-million d’exemplaires. Il a accordé plus de 300 concerts à travers le monde.
Son dernier Ep "Odyssee", et tout particulièrement le single « The Flame », paru en décembre 2019, constituent un virage artistique déroutant et réussi.
Son dernier clip "Ultrarêve", mettant en scène Jean-Claude Van Damme, a enregistré plus de 900K de vues en une semaine.
Paru le 18 septembre 2020, "Anatomy Of Light", son nouvel elpee démontre qu’AaRON s’est une fois de plus réinventé.
Issu de ce long playing, le clip de « Les rivières » est à découvrir ici
D’une voix veloutée et constamment réconfortante, Yvan Marc chante « Ta douceur », une chanson qui dresse un portrait positif du chanteur, jouissant de la nature et d'une tranquillité retrouvée.
L’artiste semble détaché de la pesanteur du présent. Il poursuit son idéal en musique, dans les bois. Il longe les ruisseaux et contemple un environnement que l’on méprise de plus en plus.
Ce clip sonne comme un retour aux sources, une dose de tranquillité dans un monde à plusieurs vitesses.
Le clip d’Yvan Marc pour le titre « Ta Douceur », extrait de l’album « L’ancien Soleil » est disponible ici et celui consacré à "Le Jardin" est là
Le nouvel album de The Pilgrim, le projet folk emmené par Gabriele Fiori (frontman de Black Rainbows et fondateur de Heavy Psych Sounds) est un 14 titres généreux qui se pare d'atmosphères americana et southern folk 60's/70's qui rappellera avec bonheur Captain Beyond, Allman Brothers, Faces ou encore Crosby Stills & Nash.
De quoi permettre au mélomane de se délecter d’un trip nostalgique dans les grands espaces de l'Ouest sauvage ; une virée sonore emplie de rêves, d'espoir et de mélancolie...
Véritable figure de l'underground heavy européen, Gabriele Fiori a de quoi occuper ses journées. Pourtant, l'idée d'un projet solo du nom de The Pilgrim germe, pour changer des productions stoner rock tonitruantes grâce auxquelles l'homme a forgé sa réputation. Pour mener à bien ce projet inédit, Gabriele Fiori est accompagné de son ami et batteur de Black Rainbows, Filippo Ragazzoni.
Sur son premier LP, "Walking Into The Forest", est paru au printemps 2019. The Pilgrim nous y proposait un son folk rétro, auquel Gabriele a ajouté une touche d'effets et claviers afin de lui conférer une saveur space rock subtile. Grâce à des compositions riches et mélodiques, ce premier opus réservait des instants à la fois émouvants et spirituels, et une performance vocale profonde et poétique. Cet album avait reçu un excellent accueil de la part de la presse spécialisée.
"From the Earth to the Sky and Back" réunit toutes les qualités pour satisfaire les attentes des fans. La production est davantage soignée. La première partie du disque baigne au sein d’atmosphères proches de l'americana, tandis que la deuxième invite des sonorités susceptibles de rappeler Santana, The Eagles, Crosby Stills Nash & Young, Faces, Spirit ou Captain Beyond. L'album a été mixé et masterisé par Shane Trimble (High Reeper), et la pochette réalisée par Maarten Donders.
Envie de découvrir ? Alors, cliquez ici
Suite à la pandémie du corona, l’édition 2020 des Nuits Botanique a été postposée au mois d’octobre. Ce soir, pour accueillir River Into Lake soutenu par un quatuor à cordes ainsi qu’Offo Vrae, la salle de l’Orangerie est en configuration assise et peut accepter 150 personnes. C’est une formule qui plaît à votre serviteur, même si le port du masque obligatoire finira par devenir pénible au fil de la soirée.
Offo Vrae, c’est le nouveau projet de Jawhar Basti. Une nouvelle création qu’il a décidé de chanter dans la langue de Molière et non plus en arabe, et pour laquelle il a reçu le concours du producteur et arrangeur Lennart Hendels.
Jawhar monte sur le podium vêtu d’une jupe-culotte marron et d’un pull brun foncé. Il porte un collier rouge autour du cou et sa tête est surmontée d’un turban de couleur bordeaux.
Jawhar raconte des histoires chargées de spleen qui parlent de devenir étranger à toutes les rives quittées pour un refuge ultime. Du rêve d’une pergola. D'un balcon qui donne sur la mer. D’une maison que frôle un sable doré. D’un corps qui ne ferait qu’un avec une forêt. Une véritable incitation au voyage. Un set léger et parfaitement maîtrisé au cours duquel, pour deux compos, il reçoit le concours de Yannick Dupont au synthé, qui leur instille quelques petites et délicates touches électro.
Setlist : « Si Ivre », « Souvenir de demain », « En chemin », « L’arabe de vos guerres », « Ces Ombres », « Oh », « Sein Masculin », « Blow », « Pergola »
Boris Gronemberger est loin d’être un inconnu. Non seulement il a apporté sa collaboration à Girls in Hawaii, Françoiz Breut, Castus et le duo Blondie Brownie, mais a surtout drivé V.O. pendant une quinzaine d’années, band bruxellois qu’il a finalement rebaptisé River Into Lake. Et dont le premier elpee, « Let the beast out », est sorti en septembre 2019. Un opus de pop orchestrale combinant malicieusement mélodies pop acérées, harmonies complexes et sonorités héritées des 70’s.
Boris se charge des claviers et des guitares. Il est soutenu par une section rythmique montée sur une estrade constituée de Franck Baya (Cloe du Trèfle, Sarah Carlier, Fugu Mango) à la batterie et de Frédéric Renaux (Coffee Or Not) à la basse et aux claviers. Mais aussi d’une préposée au glockenspiel et au saxophone (Aurélie Muller), d’un claviériste/trompettiste, d’un guitariste et d’une section à cordes (trois violonistes et un violoncelliste).
Et ce sont ces cordes qui vont donner une remarquable dimension au concert.
Paradoxal, mais le drumming de Franck est à la fois sauvage et particulièrement technique. A l’avoir vu en ‘live’, à plusieurs reprises, au sein de différents projets, il est manifeste que ce musicien est un prodige des baguettes.
Elaborées sous la forme de montagnes russes, les mélodies sont raffinées. Les duels entre les différents instruments sont permanents. Le spectre de Grizzly Bear plane. Celui de Beirut également, lorsque les cuivres s’enflamment et supplantent momentanément les cordes généreuses. Mais aussi du Pink Floyd, lors des longues envolées instrumentales. La musique pénètre alors dans une sorte de prog/rock souligné par des harmonies vocales parfois délirantes, dans l’esprit de Dave Penny (Archive). Mais une expression sonore qui tout en évoluant entre seventies et eighties, est très susceptible de virer au shoegaze, au jazz, à la pop classique et à la musique de chambre, tout en conservant une forme contemporaine.
Les neuf petites perles présentées ce soir constituent autant d’hymnes à l’amour, à la vie et à la beauté de l’univers dont la plupart d’entre nous s’écartent un peu plus chaque jour.
Un excellent concert à voir et à revoir…
Setlist River Into Lake
“The book on your chest”, “Far from knowing”, “Misunderstanding”, “Let the beast out”, “Downstairs”, “Between”, “Fiberglass”, “Dig your own way”, « Devil's hand »
River Into Lake (String Quartet) + Offo Vrae
(Organisation : Botanique)
Sinéad O'Connor a enregistré une version étonnante de « Trouble Of The World », une chanson traditionnelle rendue célèbre par la chanteuse de gospel Mahalia Jackson.
Face au racisme qui s’amplifie aux quatre coins du monde et tout particulièrement depuis la mort de George Floyd, les lyrics de « Trouble Of The World » sont plus pertinents que jamais.
Cette compo fait également l’objet d’une vidéo à laquelle Don Letts s’est associée. Les scènes de rue ont été tournées à Peckham Rye, au sud de Londres, et constituent la toile de fond unique de la chapelle.
« Trouble Of The World » couplé à une version a capella est disponible là auprès du Heavenly Bandcamp depuis ce vendredi 2 octobre.
https://heavenlyrecordings.bandcamp.com/album/trouble-of-the-world-2
. Les bénéfices seront reversés aux associations caritatives ‘Black Lives Matter’. Sinéad a également alloué tous ses bénéfices sous forme de don à ces organisations qui non seulement soutiennent différentes causes mais mettent en exergue les incohérences de la société.
Pour découvrir ce clip, c’est ici
The New Madness est une formation danoise basée à Berlin. Son style ? Du rock énergique dont les références oscillent de White Stripes à Arctic Monkeys, en passant par The Black Keys et The Hives. A ses débuts, le combo avait choisi le patronyme de Dead-On, mais il s’est rendu compte qu’il existait déjà un homonyme à Chicago ; aussi, il l’a changé en The New Madness, après avoir sorti un single… du même nom.
En 2017, le band avait gravé un superbe single intitulé « Lovesick » (disponible ici).
Réalisée par Peder Pedersen, il mettait en scène des enfants mimant parfaitement les membres de la formation. Une mise en scène tellement parfaite que certains médias ont cru qu’il s’agissait de mômes doués pour leur âge…
Son premier elpee, « After hours », sortira ce 27 novembre 2020. En attendant, la vidéo de « Love me like a bad girl » est disponible là.
Sing Leaf, c’est le projet du musicien torontois David Como et sa musique navigue à la croisée des chemins du folk/rock, de la psyché/pop et de l’électro avant-gardiste. Pour enregistrer l’album « Not earth », l’auteur-compositeur a fait un peu tout lui-même, à la maison, en plein confinement, depuis l’instrumentation à l’enregistrement, en passant par le mixing. Avant d’envoyer le tout à Sandro Perri, qui s’est chargé de parachever la mise en forme. Les clips ont été réalisés par Jordan Borg, qui pour la circonstance s’est inspiré du monde de science-fiction en BD…
Pour découvrir le clip de « Easy on you », issu de cet opus, c’est ici et de « Forever green », là
Twin Souls réunit les jumeaux Martin et Guilhem Marcos. Ces ex-The Strings ont publié leur deuxième Ep ce 2 octobre, disque tout simplement baptisé « The twin souls II ». Tout en combinant numérique et analogique, et Ep a été enregistré en Gironde, au Studio Berduquet, studio qui avait déjà été expérimenté sur le 1er Ep. Multi-instrumentistes, cherchant à trouver le parfait équilibre entre blues, soul et rock, les frangins reconnaissent pour influences majeures, Led Zeppelin et Jimi Hendrix, et dans un registre plus contemporain, Rival Sons, les Black Keys ainsi que Jack White (White Stripes, Raconteurs).
Envie de vous faire une petite idée de leur musique ? Cliquez sur leur Bandcamp ici
Fondé en 2018 par Margot (voix/basse), Théo (voix/guitare) et Eliott (batterie), Tapeworms est un trio lillois qui après avoir publié deux Eps vient de graver son premier album. Intitulé « Funtastic », c’est un condensé hétéroclite où les pop songs saturées deviennent électroniques, les hymnes noise se transforment en terrain d’expérimentation et les comptines s'imposent comme des instants de respiration.
Extrait de cet elpee et doublé d’un clip, « Safety crash » est disponible ici.
Six longues années déjà que The Magik Markers n’avait plus sorti d’album. Et pourtant avant cette année-là, la formation originaire de Hartford, dans le Connecticut, en avait déjà gravé 18 studio, alors que son aventure n’a commencé qu’en 2001 !
Magik Markers a sorti un troisième single (« CDROM », le premier est en écoute ici et « That dream (Shitty dream) », le second, là) extrait de ce futur album qui s’intitulera « 2020 ». Baptisé « Born Dead », ce dernier constitue peut-être une histoire d'amour, mais c'est doux-amer, triste, rêveur, lugubre et nostalgique. Et il est en écoute ici
Formé à San Francisco, The Spyrals a publié son premier opus en 2012. Un éponyme suivi rapidement par « Out Of Sight » en 2013, puis par « The Curse » en 2019. Le combo puise ses influences chez les Stooges, les Stones, Creedence Clearwater Revival, le Velvet Underground, 13th Floor Elevators, Neil Young et son Crazy Horse, Bob Dylan ainsi que Muddy Waters. De belles références pour une formation dont la musique mêle rock, blues, garage, psychédélisme et alt country. Le groupe a déclaré vouloir créer du neuf, mais en conservant une vieille âme…
« Same old line », c’est le titre du futur elpee de The Spyrals qui sortira ce 30 octobre 2020, mais aussi du single qui vient de paraître ; et son clip hypnotique est disponible ici
Juana Molina publiera un album live ce 23 octobre 2020. Intitulé « Anrmal », il a été immortalisé à Mexico. L’elpee recèlera des versions réarrangées de ses précédents albums ("Halo", "Wed 21" et "Un día", ainsi que le EP "Forfun"). Responsable d’un pop/rock mystérieux et expérimental, elle nous en propose un avant-goût à travers la vidéo de « Eras », et c’est à découvrir ici
Au printemps 2021, elle reviendra en Europe - dont la Belgique - pour accorder des concerts (reportés et nouveaux).
Après 4 longues années de silence, Maxïmo Park est de retour avec un nouveau titre. Intitulé « Child of The Flatlands » il fait l’objet d’un clip réalisé par le designer expérimental et vidéaste (NDR : et récent collaborateur de Daniel Avery), Greg Hodgson. « Child Of The Flatlands » évoque le va-et-vient entre notre environnement urbain et l’emprise persistante de la nature. Le clip est disponible ici
Tim Burgess, le chanteur des Charlatans a gravé son cinquième elpee solo, « I love the new sky », en mai dernier. Insatiable, il sort un nouvel Ep, « Ascent Of The Ascended », le 27 novembre 2020. En attendant, « Yours. To Be », extrait de cet Ep est en écoute ici.
Huitième opus studio pour Sophia, le projet de Robin Proper-Sheppard. Depuis 2016, le line up de son groupe semble stable, impliquant son fidèle drummer Jeff Townsin, ainsi que trois musiciens belges ; en l’occurrence le bassiste Sander Verstraete, le guitariste Jesse Maes et le claviériste Bert Vliegen.
Lors des sessions, Terry Edwards (Nick Cave, PJ Harvey) est venu souffler (brillamment, par ailleurs) dans son saxophone sur « Alive », une compo dont la mélodie romantique (NDR : ce sens mélodique est toujours aussi soigné tout au long de ce disque) est très caractéristique chez Sophia. Romantique comme la tendre ballade « Avalon ». Autre ballade, mais mid tempo, « Wait » combine subtilement cordes semi-acoustiques et électriques (NDR : une technique qu’on retrouve régulièrement sur cet LP), ces dernières finissant par se mettre à grésiller et à crépiter sur cette plage enrichie de chœurs hymniques.
L’elpee s’ouvre par « Strange attractor ». Amorcé par des synthés à coloration 80’s, cette piste vire ensuite au pop/rock entraînant. Imprimée sur un tempo métronomique (Wire ?), elle est ensuite dynamisée par une guitare graveleuse. Le long playing ne manque, bien sûr, pas d’électricité. A l’instar du très intense « We see you (taking aim) », une protest song qui vilipende le capitalisme. La basse est menaçante et les grattes électriques s’en donnent à cœur joie, un peu comme chez le Broken Social Scene de son album éponyme. Puis de « Road song », un titre au tempo paradoxalement latino qui s’achève dans la noisy. L’elpee recèle deux titres pop/rock plus classiques, « Days » et « Undone again », compo au cours de laquelle les cordes de guitare chevauchent allègrement les harmonies. Et la plaque de s’achever par l’instrumental cosmique judicieusement intitulé « Prog rock Arp (I know) ».
Enfin, pour que votre info soit complète, sachez que l’artwork de la pochette a été réalisé par Gertrude Grunow, artiste allemande du Bauhaus, qui a énormément bossé sur la liaison entre les notes de musique, les couleurs et les mouvements…
Après avoir milité au sein de formations punk et hardcore, Gab de La Vega a décidé de se lancer dans une carrière solo, à partir de 2011. Et « Beyond space and time » constitue déjà son troisième elpee personnel. Mais c’est le premier pour lequel il a reçu le concours d’un groupe au complet.
A travers les compos de cet opus, l’artiste d’origine italienne aborde des thèmes aussi brûlants que la question migratoire et le fascisme, mais également le combat de l’être humain face aux épreuves de la vie, la nécessité de trouver sa place dans le monde, la routine de l’existence ou encore la confiance et la foi.
La plupart des morceaux mêlent judicieusement cordes de gratte acoustiques et électriques. Pas étonnant que Gab aime autant Oasis que Noel Gallagher’s Flying Birds. Pas que les compos s’en inspirent directement, mais plutôt qu’elles utilisent une méthode qu’on pourrait qualifier de comparable. Pour les références folk, on penserait plutôt à Billy Bragg et surtout à Frank Turner, et tout particulièrement sur « Words unspoken », une plage enrichie d’un harmonica, ainsi que le morceau final, « I still believe ».
Sans quoi, si la voix de la Vega n’est pas inoubliable, ses compos tiennent la route. Et tout particulièrement l’épique « Phoenix from the flames », une piste illuminée de cordes limpides, « Perfect texture », qui bénéficie d’une jolie intervention du violoniste Niocola Manzan (Bologna Violenta), violon qui traverse encore un « Rosary of days » au refrain hymnique, puis l’explosif « Bomb inside my head », réminiscent des débuts des Kinks et enfin « As one », une valse qui se mue en rock au crescendo électrique…
Gabriele Fiori multiplie les projets. Cet ex-Void Generator est le chanteur et guitariste de Black Rainbows et de Killer Boogie. Mais également de The Pilgrim, un duo italien qui implique le batteur actuel de Black Rainbows, Filippo Ragazzoni. Et pour ce tandem, il a décidé de privilégier la forme acoustique. C’était déjà le cas sur le premier essai, « Walking into the forest », même si sur le second, le drumming est plus présent.
Simplement, si elle se révèle fondamentalement country/folk, l’expression sonore intègre d’autres courants, dont une bonne dose de psychédélisme. Mais également du jazz (« Riding the horse », traversé par une pedal steel, le syncopé « Cuba »), de la bossa nova (« Fool around ») et même du rock latino (« Solitude » et son envolée de guitare électrique à la Carlos Santana).
Par la technique de l’overdubbing, Gabriele trame la plupart des compos dans les cordes, en picking et/ou grattées, les enrichissant parfois d’interventions plus électriques. Et franchement, sur son manche, il est doué !
Dommage cette voix un peu trop distante et linéaire, car les compos qui figurent sur « From the earth to the sky and back » rappellent souvent Crosby, Stills & Nash (sans les harmonies vocales, malheureusement) et parfois, notamment lors des morceaux les plus expérimentaux, The Dodos.
L’Australienne Gabriella Cohen s’imagine californienne tout au long de « Pink is the Colour of Unconditional Love », son second album. Les sonorités ‘surf’ ne trompent d’ailleurs pas, ni celles plus folk du Laurel Canyon sur « Miserable Baby ». Sous la torpeur nonchalante du soleil de Los Angeles, elle tisse des morceaux langoureux et s’autorise de la reverb en toute décontraction. Douée, elle n’hésite pas à effleurer les couleurs brésiliennes sur « Morning Light » ou attaquer le ‘classic rock’ sur l’imparable « Music Machine ». C’est d’ailleurs tellement bien fait et référencé qu’il n’est pas étonnant que Gabriella Cohen ait tourné en compagnie de Foxygen. Pas loin de la coolitude absolue… en mode sépia, bien entendu…
Suarez, dont le patronyme reste associé au charismatique Marc Pinilla, opère un virage à 180 degrés, en publiant ce nouvel opus intitulé « Vivant ».
Ce cinquième elpee correspond au dixième anniversaire du combo et propose une esthétique différente dans la direction artistique.
Abordant des univers davantage variés (« Nouveau Départ », « Céleste »), la formation assume une prise de risque évidente. Sans pour autant renier son passé, elle n’évite cependant pas quelques chansons passe-partout qui ont jusqu’ici forgé sa popularité (« Bienvenue »).
Les titres ‘grand-public’ s’enchaînent sans vraiment prendre leur envol et les thématiques gnangnans se ressemblent. Bref, cet elpee ne restera pas dans les annales. Au lieu d’un vent nouveau, le souffle se résume à une brise timorée…
Trois ans donc après avoir publié l’emblématique « Ni rancœur, ni colère », Suarez multiplie les efforts pour écrire un nouveau chapitre de sa carrière sans pour autant s’en donner complètement les moyens.
Malgré le changement de style, « Vivant » devrait ravir les aficionados de Suarez. Après l’étonnement, nul doute qu’ils y adhéreront...
Enfin, comme sur chaque LP, Pinilla et les N’Java ont adapté un tube retentissant de la variété. En l’occurrence « Sarà perché ti amo », un titre interprété à l’origine par le groupe de musique populaire italien Ricchi e Poveri, en 1981. Et si c’était la seule bonne nouvelle ?
Il faut avouer que votre serviteur n’a pas manifesté une motivation folle lorsqu’il s’est décidé à écouter « Delta », le nouvel album des machines de stade que sont devenues Mumford & Sons. Mis en forme par le ‘super-producteur’ Paul Epworth, il s’agit de sa quatrième livraison. La formation y prétend adapter son folk ancestral dominé par les banjos aux sonorités modernes. Mais le résultat est plutôt éclectique, oscillant entre ballade tire-larmes (« Beloved »), compo (sur)-orchestrée (le sirupeux « If I Say »), détour autotuné devenu aujourd’hui quasi-obligatoire (« Darkness Visible » … mais n’est pas Bon Iver qui veut), indie-folk à la Alt-J (« Woman ») et hymnes pop à reprendre en chœur (« Guiding Light » ou encore le moche « Slip Away »). Plus guère de trace des racines folk mais une succession de hits très produits lorgnant davantage vers Coldplay que Trampled By Turtles. Un produit finalement aseptisé qui ne risque pas de me rabibocher avec ce band britannique…
SBRBS sort un nouveau titre. Intitulé "Holding again", il s’agit d’une version piano à 4 mains de "Holding Everything That Went Wrong", un morceau extrait de son premier Ep, "By Lust & Gold", sorti en octobre 2019.
Deux pianos, quatre mains. L’un à queue et l’autre en feu. Cette session piano / voix est aussi mystique qu’elle en a l’air. SBRBS s’amuse ici autour de la dualité et de son fort pouvoir artistique.
C’est simplement la force que dégage une femme avec un homme, l’apparente distance entre la couleur et les gris, la froideur et les flammes en extrêmes attirants. Et enfin, deux mains droites et deux mains gauches, sans en retenir ce qu’en dit l’expression.
La nouvelle version de « Holding again », c’est là
AaRON a réussi un joli coup de maître en persuadant notre compatriote Jean-Claude Van Damme de participer au tournage d’une vidéo qui annonce la sortie d’un nouvel album.
« Ultrarêve », qui met en scène JCVD, le nouveau clip d’AaRON, est à découvrir là
Laure Slabiak explique pourquoi le groupe a repris « Pendant que les champs brûlent » de Niagara : ‘L’idée de cette chanson est venue pendant le confinement ; cette période d’étrangeté totale, me concernant en tous cas. Une période où le ‘présent’ était étrangement très fort puisqu’on ne pouvait pas se projeter… je n’avais pas envie d’écrire ni de composer. L’important était d’être là. Juste là, disponible pour mes enfants. Recréer un quotidien rassurant pour traverser cette période. Dealer avec les inquiétudes, l’ennui, l’insécurité, trouver la confiance, prendre des nouvelles, rassurer, inventer la suite… Alors, chanter une chanson qui fasse du bien. Redessiner d’autres contours. Pas mes mots mais avec ma voix. Pas notre musique mais les arrangements d’Olivier. Notre sensibilité dans une chanson qui n’est pas à nous. Oser vibrer à nouveau. Interpréter. Pourquoi cette chanson ? Une sorte de légèreté en première écoute. Un goût de fin d’adolescence. La chanson de mes 20 ans. Une histoire d’amitié. D’amour. De rires. Mais aussi de lutte, de larmes, de feu et de pulsions. De vie, quoi !’
Le clip de « Pendant que les champs brûlent » est disponible ici
Une batterie, une guitare, quelques effets, deux voix, nul besoin pour Bafang de davantage d’instruments pour embarquer le public dans un voyage soumis à de fort agréables turbulences sonores.
Sur scène ou sur disque, à l’instar de son explosif 1er album, « Elektrik Makossa » (sortie automne 2020), les frères Enguerran et Lancelot, furieux pilotes de leur pirogue afro rock, nous entraînent sur les flots tumultueux d’un fleuve exubérant nous rendant témoins d’un spectacle unique qui réveille les esprits tout en faisant osciller les têtes et les corps.
Là, lorsque la puissance grasse du stoner vient se lover dans la douceur déchirante d’un blues du désert, quand les pulsations hard-rock viennent saturer l’air d’un groove aux contours world, l’étincelle peut alors se produire et transformer le cœur de ceux qui la contemplent en un magique brasier émotionnel.
L’univers de Bafang est semblable à celle d’un big bang vertigineux où l’énergie scénique et l’urgence rock de Royal Blood viendrait fusionner avec la flamboyante guitare d’Hendrix et où la chaleur du désert magnifiée par le blues de Tinariwen prendrait les festives couleurs du makossa de Manu Dibango ou du groove imparable d’Earth, Wind and Fire.
« Mounaye » est en écoute ici
Acoustic Resistance est un projet initié par Julien Decoret (Joon Moon, Nouvelle Vague) et Julien Boyé (Gush, Nouvelle Vague). S'appuyant sur une large collection d'instruments accumulés au fur et à mesure des années de voyages et de tournées, le groupe propose une expression sonore répétitive, hypnotique et dansante, qui peut rappeler certaines musiques électroniques dans l'agencement et la forme. Les sujets abordés posent un regard sur le monde et son mode de fonctionnement.
Eponyme, son Ep est paru ce 19 juin. Les instruments sont issus, pour la plupart, des quatre coins du monde. Les rythmiques sont construites à l'aide du bombo (Argentine), du daff (Iran), du mridangam (Inde du Sud), de la cuica (Brésil), de le Tama (Afrique), etc...
L'harmonie est assurée par le Saz (Turquie), la guitare aux cordes en nylon, le guembri (Afrique), l'anklung (Thaïlande), la harpe, la vibraphonette, la contrebasse, la guimbarde (Amérique), le crystal baschet (France), le saxophone et le soubassophone.
L'Ep s'ouvre sur une fresque musicale (« Ride On ») très cinématographique, riche en sonorités, et doublée d’un clip à découvrir ici
Plutôt trois fois ‘Oui’ qu’une pour ce band lyonnais qui vient de graver son premier LP. Tout au long de cet « Ok Ok ! », ce trio démontre qu’il est aussi influencé par la synth-pop (« Alive »), l’indie-rock (« So Long III ») que l’électro-pop (« No Futur ») chère à Metronomy. Cependant, Manon Rudant (au violoncelle et au chant), Jacques Vanel (à la guitare) et Arthur Delaval (aux claviers, chant et boite à rythmes) prennent un soin tout particulier à soigner les mélodies de leurs chansons interprétées dans la langue de Voltaire ou de Shakespeare. Vu ses ambiances disparates, ce premier elpee ressemble davantage à une excellente compilation de différents groupes ou artistes à découvrir qu’à l’album d’un seul…
Sept ans déjà que Throwing Muses n’avait plus publié d’album. Paru en 2013, il s’agissait de « Purgatory/Paradise ». Ce qui n’avait pas empêché Kristin Hersh de poursuivre sa carrière solo. « Sun racket » constitue donc le dixième elpee des Muses, une œuvre mise en forme par le collaborateur de longue date, Steve Rizzo.
Première constatation, la formation n’a rien perdu de son pétillant naturel. Bien que très souvent imprimées sur un mid tempo, les compos sont viscérales, noueuses, percutantes, déchirées entre tendresse et sauvagerie. Et puis, il y a la voix de Kristin, une peu rauque, susceptible d’osciller d’un chuchotement tourmenté à un cri d’angoisse, en passant par le gémissement, l’incantation et la douceur. C’est du rock, en général, bien électrique, aux percus vivaces et à la ligne de basse profonde et solide. Des compos au lyrisme poétique, mystique, et pour la circonstance, liées au symbolisme de l’eau.
Découpé en 10 pistes, cet elpee s’ouvre par « Dark blue », un morceau propulsif, aux riffs de guitare grinçants et à la rythmique métronomique, presque en boucle. Des riffs qui grésillent et crépitent, tout au long de « Bo Diddley bridge »
Valse, « Bywater » projette des images surréalistes et évocatrices d’un poisson rouge baptisé Freddie Mercury.
Doux-amer, « Marie Laguna » se révèle plus atmosphérique. Chatoyantes les cordes de gratte finissent pourtant par devenir discordantes. Discordantes comme sur « St Charles », une compo plus expérimentale et aux percus arides, réminiscentes de Tom Waits.
Piste la plus longue (4’58), « Frosting » se transforme progressivement en crescendo flamboyant.
« Upstairs Dan » se consume lentement, une forme de noisy à la limite du drone.
La voix est particulièrement tourmentée tout au long du ténébreux, onirique et énigmatique « Kay Catherine », une piste au cours de laquelle les cordes sonnent comme celles d’un banjo. Dans le même registre, « Milk at McDonald’s » adopte un format davantage semi-acoustique.
Le long playing s’achève par « Sue’s », une dernière valse. Atmosphérique ou plus exactement aquatique. De quoi en revenir au thème de l’album.
Excellent !
Deux ans après avoir gravé l’excellent « I’m Bad Now », le quatuor canadien nous propose son quatrième opus. Pour la réalisation, la formation a confié la mise en forme à deux pointures de l’indie-rock ; en l’occurrence Jonathan Low (The War on Drugs, Strand of Oaks) et James Elkington (Steve Gunn).
Les textes de Nigel Chapman, critiques sociologiques, sont interprétés d’un ton déclamatoire par Chapman. C’est le seul fil rouge de cet LP. Les plages sont parfaitement soutenues par des guitares tour à tour slide, énergiques ou plus harmonieuses. Le tempo fluctue suivant les pistes, oscillant, par exemple du paisible « Fool Thinking Ways » au plus rapide « If You Were in Prison ». Jamais, on ne s’ennuie à l’écoute de « Snapshot of a Beginenr ». Et les mélodies se révèlent au fil des écoutes.
L’indie-folk/rock du groupe d’Halifax n’a jamais paru aussi incisif. A l’instar des excellents « Even Though I Can’t Read Your Mind » et « Mark Zuckerberg », titres qui lorgnent parfois vers Neil Young, War on Drugs ou encore Wilco.
Nap Eyes vient de franchir un palier supplémentaire dans son parcours. En espérant que cette progression puisse lui permette d’accéder à la reconnaissance… qu’il mérite amplement…
Le charango est un instrument de musique à cordes pincées des peuples autochtones des Andes, constituée d’une carapace de tatou. C’est également le titre de ce second elpee de Lisza, jeune belge d’origine chilienne, qui n’est jamais allé en Amérique latine. Pour enregistrer cet opus, elle a pu compter sur Lionel Capouillez (Stromae) au mixing et Vincent Liben (Mud Flow), son compagnon, à la mise en forme. Hormis la basse et la contrebasse, il assure également la quasi-intégralité de l’instrumentation. Dont ce fameux charango, mais également le tres cubain et le cuatro vénézuélien, également instruments traditionnels à cordes, ainsi que les parties de claviers, de guitares et de batterie. Mais il co-signe aussi les chansons. Il s’est sans doute chargé de la musique et Lisza des textes.
Lisza possède une superbe voix susceptible de rappeler Axelle Red, mais également parfois France Gall, à l’instar de l’allègre « Les vacances à la montagne », voire Françoise Hardy, sur des morceaux plus tendres, et tout particulièrement lorsque son timbre devient diaphane, comme sur « Le choix », traversé en filigrane par le saxophone de Mathieu Moureau, ainsi que le tango/reggae « Poésie ». Ce dernier s’autorise encore un superbe solo sur « Forêt ». Lisza chante tour à tour en espagnol ou en français. Et des plages comme les allègres « Cante querida » ainsi que « ¿Cómo » évoquent inévitablement La Mano Negra. Si « Daddy » ainsi que « Papa soleil » nous entraînent dans une sage salsa, « Capitaine » lorgne vers le reggaeton, version caribéenne du reggae. Particulièrement diversifié, cet opus nous livre « En finir », un titre balisé par une guitare jouée en arpèges (Durutti Column ?). Cette piste est dynamisée par des percus latinos (NDR : on s’en doute) alors que minimaliste, le synthé semble emprunté à Yan Tiersen. Enfin caractérisé par ses arrangements chaâbi (NDR : musique arabo-andalouse), « Sohno voltou » est interprété en portugais.
Bref, un chouette album, même si votre serviteur préfère les compos les plus enlevées, attaquées dans l’esprit d’un Manu Chao. Mais ce n’est qu’un avis personnel.
Mazy, la fille de Tricky, a mis fin à ses jours au printemps 2019, alors qu’il commençait à bosser sur ce nouvel elpee. Ce qui explique pourquoi, dans son ensemble, « Fall to pieces » traduit son immense douleur. Mais le plus souvent à travers la voix de la chanteuse polonaise Marta Zlakowska. Parfois en duo. Découpé en 11 pistes, ce 14ème opus ne va pas au-delà des 29 minutes. C’est court, mais sincère et troublant. Aussi personnelle que soit sa souffrance, Tricky a quand même reçu le concours de collaborateurs. Outre Marta aux vocaux, figurent la violoncelliste Marie-Claire Schlameus et Kristof Hahn à la slide. Sans oublier le chanteur/compositeur danois Oh Land sur « I’m in the doorway »
« Hate this pain » constitue certainement le morceau le plus poignant du long playing. Une ballade balisée par une ligne de piano blues au cours de laquelle l’échange des vocaux entre le duo est à la fois profond et mélodramatique. Un duo intimiste, mais chuchoté, qu’on retrouve tout au long du minimaliste, lugubre et indolent « Vietnam ». L’opus laisse bien sûr de la place au trip hop. A l’instar de « Like a stone ». Imprimé sur un mid tempo, cette plage est à la fois sensuelle et atmosphérique. Du palpitant « Throws me around ». Et puis du volatil « Chills me to the bone », un morceau qui s’ouvre et s’achève sur un rythme EBM (Front 242 ?).
Plus électro encore le blues « Running off » emprunte des samplings au musicien Đuka Čaić. Et si « Fall please » évolue sur un tempo syncopé, parfois disco, titre judicieux, « Close now » s’enferme dans un univers claustrophobe. Bouleversant, cet opus tient parfaitement la route, mais certaines pistes auraient mérité un certain pour ne pas dire un développement certain…
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