Groupe à l'origine typiquement néo-zélandais, Garageland ne compte plus aujourd'hui qu'un véritable autochtone, Jérémy Eade. En l'occurrence le chanteur/ guitariste et principal compositeur. Ce qui n'empêche pas le combo d'avoir élu domicilié aux antipodes. " Last exit to garageland " constitue son premier opus. Une œuvre qui secrète une pop contagieuse, mélodique aux oscillations électriques, stimulantes, vivifiantes, que nous pourrions situer à la croisée des chemins de REM, des Pixies, de Pavement, de House of Love, de Radiohead et du défunt Ride. Excusez du peu ! Deux exceptions confirment cependant cette règle, l'expérimental, punkcore " I'm looking for what I can't get " (Sonic Youth ?) et puis le décapant ‘fallien’ " Never gonna come around here again ". Un disque qui atteint le sommet de son art sur " Fingerpops ", " Nude Star " et surtout le mélancolique, postcard " Jesus I'm freezing " qu'AC Acoustic aurait pu inclure sur son dernier album " Victory parts " Epatant !
Comme le titre l'indique, cet album a été enregistré dans la capitale du Danemark, lors de l'ultime tournée de Galaxie 500. Le 1er décembre 1990, très exactement. Un trio qui s'est séparé au moment où il commençait à s'affirmer comme une des valeurs les plus sûres de la scène pop/rock électrique. Dean Wareham en avait marre. Il estimait que le groupe était devenu trop professionnel, plus assez audacieux. Plus assez nature, et a donc laissé tombé Naomi Yang et Damon Krukowski sans leur donner davantage d'explications. Les deux laissés pour compte ont bien essayé de remonter Pierre Etoile, mais sans grand succès. " Copenhagen " implique une cover de Yoko Ono, " Listen, the snow is falling " et une autre de Jonathan Richman, " Don't let our youth go to waste ". Un disque qui aurait pu devenir le testament du groupe, si les prises de son avaient été de meilleure qualité. Etonnant lorsqu'on sait que c'est Kramer, l'ingénieur du son fétiche du groupe, qui était derrière les manettes lors du concert; mais il est vrai que cette prise est totalement " live ". Et en l'absence de support visuel, elle aurait dû être remasterisée. Surtout pour une formation dont le style a toujours suscité des tas d'hyperboles: ‘beauté étrange, céleste, flottante...’, ‘sonorités cristallines qui se fondent dans la brume opiacée des rêves électriques les plus fragiles’, etc., etc. ; et nous en passons et des meilleures. Des hyperboles, il est, vrai justifiées par la qualité de leurs trois premiers albums studio...
Au sein de ce quatuor, on retrouve une certaine Jane Wiedlin, guitariste, chanteuse et compositrice qui a longtemps sévi chez le regretté Go Go's. Pour enregistrer ce " Cold ", elle a d'ailleurs fait appel à une ancienne camarade du groupe mythique, en l'occurrence Charlotte Caffey. Pas étonnant, dès lors, que la musique de Frosted s'inscrive dans le même contexte punk/pop/garage du défunt combo. Petite différence, mais elle est de taille, le raffinement du son, dû à la fois à la qualité des arrangements et au travail de production de Marc Waterman (Elastica, Menswear), phénomène plutôt inhabituel chez une formation capable de libérer une telle énergie. Rafraîchissant !
Avec le succès rencontré par Smog, Sophia, Palace et consorts, il faut s'attendre à voir fleurir une multitude de groupes ou d'artistes du même calibre. The For Carnation s'inscrit parfaitement dans ce contexte. Encore que cette formation ne semble pas être conduite par un leader naturel du type Callahan, Robin Proper Sheppard ou Will Oldham. Enfin, à notre connaissance. Ce qui n'empêche pas ce " Promised works " de se révéler d'excellente facture. Recelant une majorité de chansons dépouillées, sombres, qui baignent dans une ambiance feutrée, sinistre, au sein de laquelle un vocal chuchoté, intimiste s'alanguit au son des cordes de guitare tantôt plaquées mais vibrantes, tantôt gémissantes et fracturées, sur un lit de drums arides. L'album concède quand même trois titres plus électriques: le minimaliste " How I bet the devil " et les instrumentaux " I wear the gold " et " Preparing to receive you ", dont l'intensité spectrale, vertigineuse, crépite à la manière du célèbre " If I only could remember my name " de David Crosby...
Après la catastrophique prestation ‘live’ accordée lors de l'édition 96 du festival jumelé Torhout/Werchter, nous craignions franchement le pire pour le futur de Foo Fighters. D'autant plus que le premier opus était, en fait, nonobstant la participation de quelques musiciens de studio, le fruit du travail d'un seul homme: Dave Grohl. Si vous l'ignorez encore, ex-drummer de Nirvana. Reconverti en chanteur, guitariste compositeur, et par conséquent leader d'un projet plutôt que d'un groupe. Pour enregistrer " The colour and the shape ", les trois autres musiciens ont apporté, cette fois, une collaboration beaucoup plus active. Nous voyons déjà les nostalgiques du défunt Nirvana se mettre à rêver de la résurrection du grunge. Désolé, mais le quatuor n'a accepté qu'une seule concession à ce passé seattlenesque: " Enough space ". Un morceau aussi dévastateur et contagieux que " Smells like teen spirit "! Si, si, c'est pas une blague. Maintenant, c'est vrai que dans le contexte actuel, ça fait un peu réchauffé. N'empêche, cette composition cause cette drôle de sensation passionnelle, émotionnelle ; cette vibration qui vous prend aux tripes, on ne sait même pas pourquoi! Mais pas de panique, le reste de l'album ne manque pas d'allure. Dans un autre registre, c'est vrai! Que nous pourrions qualifier de punkcore ou de popcore. Et plus particulièrement à cause de ces mélodies électriques aussi intenses que chez le mythique Hüsker Dü et ausi mélodieuses que chez Teenage Fan Club. Des couches de guitares cinglantes, crépitantes recouvertes d'harmonies vocales sucrées. Un véritable délice! En outre, le disque recèle, en " See you " une petite perle dont le rythme syncopé nous rappelle le meilleur George Harrison, lorsqu'il était encore chez les Beatles, une ballade semi-acoustique réminiscente d'American Music Club, " Walking after you ", et un titre de new wave post XTC revitalisé par le métal, baptisé " Everlong ". Remarquable!
The Folk Implosion n'est pas exactement un nouveau groupe, mais un projet expérimental monté par Lou Barlow, leader de Sebadoh, et un certain John Travis. Un duo qui se partage équitablement la composition, les instruments et le chant. La conjugaison de leurs voix est d'ailleurs tellement limpide, qu'elle nous rappelle la parfaite alchimie opérée entre celle de Bruce Gilbert et de Colin Newman, au sein du mythique et défunt Wire. Wire, c'est d'ailleurs la seule et unique référence que nous sommes parvenus à déceler chez cette formation. A cause, sans doute, de la richesse minimaliste ( ?) des compositions. Ligne de basse reptilienne, menaçante, parfois même ‘doorsienne’, accords de guitares capricieux, bégayants, énigmatiques, boucles de drums et samples judicieusement dispensés. Rien n'a été laissé au hasard pour éliminer le superflu, lors de la réalisation de cet opus de lo fi qui frôle la perfection ; même si on regrettera une certaine âpreté dans l'approche mélodique. Mais ici, c'est encore et toujours une question de goût !...
Il faut croire que le groupe australien traverse une grave crise d'identité, puisque après avoir côtoyé, au cours des eighties, les Depeche Mode, Cure et consorts, dans la cour des grands; puis cumulé les albums les plus inoffensifs les uns que les autres, INXS cherche aujourd'hui à se refaire une santé en essayant de remettre au goût du jour les clichés de Franky Goes To Hollywood et de Simple Minds. On ne peut pas dire que l'originalité les étouffe. Et ils ne s'en cachent pas, puisque rien que l'intro de " Show me (cherry baby) " est emprunté au thème récurrent de " Real to real cacophony ". Bref, pas de quoi pavoiser, même si le titre maître, davantage inspiré par Prince et " Don't lose your head " par Primal Scream, se démarquent favorablement de l'ensemble. M'enfin, c'est un peu maigre pour fêter un dixième album...
Andy Bell, guitariste du défunt Ride, a donc décidé de remonter un nouveau groupe. En compagnie d'un ex bassiste de Thee Hypnotics, Will Pepper, d'Alex Lowe et de Gareth Farmer. Pas pour jouer de la noisy pop de Shoegazers, mais manifestement en affichant la volonté de reprendre l'héritage abandonné par les Stone Roses ; un legs que les Seahorses n'étaient pas parvenus à mettre en valeur, sur leur premier album. Avec, et c'est heureux, des nuances. Notamment un groove digne de Primal Scream, des guitares pétillantes, généreuses (Skids ?), un tempo house réminiscent des Charlatans, parfois trempé dans des claviers hammond, presque ‘doorsiens’, le tout alimenté par le timbre vocal chaud et souple d'Alex qui semble naviguer quelque part entre celui de Ian Mc Nabb et de Mark Morriss (Bluetones). Une exception qui confirme cependant la règle, le délicieux et beatlesneque " Monday afternoon ". Avec guitare acoustique, quatuor à cordes, harmonies vocales caractéristiques et tout le Saint tremblement...
En général, nous nous méfions, comme de la peste, des compiles consacrées à feu Jimi Hendrix. Pour la plupart, elles ont fait plus de tort que de bien à ce génie de la ‘six cordes’. Et pour mettre les choses au point, sachez que ce natif de Seattle, n'a enregistré, de son vivant que trois albums studio. " Are you experienced? " en 1967, " Axis: bold as love " et puis le fabuleux double elpee " Electric ladyland ". Tous deux en 1968.
" Band of gypsies " est un ‘live’ enregistré la nuit de la Saint Sylvestre 69/70 au Fillmore East de New York, en compagnie de son ami Buddy Miles et du bassiste Billy Cox. Tout ce qui est antérieur se limite à quelques singles, l'un ou l'autre set lors d'un festival, et puis à des collaborations accordées à d'autres artistes. Aussi bien à travers des jams qu'en studio. On pense ici notamment à Little Richard, Curtis Knight, Al Kooper, Stevie Winwood, Jack Cassidy, les Isley Brothers, BB King, Ike & Tina Turner, James Brown, Sam Cooke, Randy California, et la liste n'est pas exhaustive. Tout le reste est posthume et a engendré une folie prédatrice bien lucrative. On ne compte d'ailleurs plus les anthologies, les ‘best of’ en tous genres et les bootlegs qui encombrent les bacs officiels ou non des revendeurs, et qui hantent les nuits des collectionneurs et surtout des aficionados. Mais pour le profane, ce " First rays on the new rising sun " constitue une bonne manière de faire connaissance avec la musique de James Marshall Hendrix. D'abord, les 17 titres sont issus de son indispensable trilogie. On y retrouve, par exemple, " Dolly dagger ", " Night bird flying ", " Freedom ", " Stepping stone ", " Straight ahead ", " Earth blues ", " In from the storm " ainsi que " Room full of mirrors " et " Eazy Ryder ", morceaux qui ont préparé l'explosion funk qui secouera le reste des seventies, mais également et surtout les eighties. Pensez à Prince et à Lenny Kravitz, pour ne citer que ceux-là. Si le choix des titres de ce disque est à la fois judicieux et bien équilibré, il présente, en outre, l'avantage de proposer des versions originales, remasterisées par le processus de la digitalisation, mais sans le moindre remixage ni autre artifice technologique. En personnifiant la folie du psychédélisme des sixties, Jimi Hendrix est devenu une légende. Souvent imité, jamais égalé, il continue de forcer le respect des guitaristes depuis trois générations. Son style fait d'un mélange parfait d'éléments mélodiques, lyriques et sonores a marqué d'une empreinte indélébile l'histoire du rock'n roll. Et puis, ne fallait-il pas être un dieu de la guitare pour faire l'amour à la lune et aux étoiles?...
Le 24 avril 75, Pete Ham se donnait la mort. Par pendaison. La majorité des musiciens qui l'ont côtoyé au sein des Iveys et de Badfinger, entre la fin des sixties et le début des seventies, ont voulu, à travers ce disque, lui rendre un hommage. Pas de succès du style " Come and get it " qui avait été composé par Paul Mac Cartney, ni de " Day after day ", qui deviendra un best-seller aux States en 74, mais uniquement des démos de Pete, soigneusement dépoussiérées et reliftées par la technologie moderne ; mais sans pour autant altérer la matière première. Soit 18 compositions qui fleuraient bon la pop des Tremeloes, des Kinks et bien sûr des quatre de Liverpool. Et c'est vrai que juste avant de se séparer les Fab Four avaient pris Badfinger sous leur aile protectrice. Le signant même sur " Apple ". Et à l'écoute de ce " 7 Park Avenue ", on doit avouer que c'était tout à fait justifié. Mais alors qu'un tel groupe n'ait pas obtenu le succès qu'il aurait amplement mérité, demeure un mystère. Un de plus, serions-nous tenté d'ajouter...
Faute de Guided By Voices, des formations telles que Sebadoh ou Pavement n'en seraient encore nulle part aujourd'hui. Faut dire que GBV émargeait déjà à la lo fi lorsque Steve Malkmus et Lou Barlow étaient encore en culottes courtes. Pourtant, Robert Pollard, le leader du groupe, n'en tire aucune vanité, estimant que Jad Fair et Godz avaient exploré ce courant musical, bien avant lui, et plus précisément vers 1967. Venons-en donc à " Mag earwhig ", le nouvel opus du combo yankee. Probablement l'opus le plus hi fi réalisé par la formation, à ce jour. C'est vrai qu'en dix ans d'existence, il a commis une bonne dizaine d'elpees aussi différents les uns que les autres. Fondamentalement créatif, GBV n'en a pas pour autant ses propres sources d'inspiration. Qu'il puise chez les Beatles, les Byrds, Big Star et Blue Oyster Cult. Et on peut encore s'en rendre compte sur les compositions de ce disque, à la fois torturées, chatoyantes, mélancoliques, fragiles et même volcaniques. Harmonies vocales sucrées, mélodies contagieuses, cordes de guitare capricieusement, sournoisement, onctueusement psychédéliques (Syd Barrett ?) ; tout un ensemble de caractéristiques qui feront de ce " Mag earwhig ", un des meilleurs albums de l'année 1997. C'est une certitude !
Nous n'avions pas trop apprécié le dernier opus des Hooblers, estimant que le groupe avait un peu trop marché sur les plates bandes du Crazy Horse de Neil Young. Mais un Neil Young dont le potentiel émotionnel aurait été vidé de sa substance ; et ce nonobstant le timbre vocal de Mike, fort proche de celui du célèbre Canadien. " Shaken not stirred " constitue le premier album solo du chanteur/compositeur/guitariste des Hooblers. Un Canadien également. Et bonne surprise, ses nouvelles chansons sont parvenues à éviter le piège de la parodie, même si les influences de Neil sont toujours bien présentes. Parce qu'aussi bien sculptées dans la country traditionnelle que dans l'intensité des guitares électriques, la sensibilité mélodique y est omniprésente. Et dans le jeu de Mike Grier, c'est un maître atout...
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