My life story est un groupe ambitieux. Il veut réconcilier la pop et le music hall en s'inspirant de Love et des bandes sonores de James Bond, en associant Scott Walker et les Pet Shop Boys, tout en cherchant à réaliser la fusion parfaite entre les styles de Divine Comedy, Pulp, Jack et de Marc Almond. Mais en plus, il s'est donné les moyens pour réaliser cet objectif. En s'entourant d'une bonne vingtaine de musiciens (cuivres et cordes en tout genre), pour enregistrer les douze compositions de ce " Golden mile ". Des chansons extravagantes, débordant d'arrangements somptueux, sur lesquelles viennent se greffer la voix de crooner de Jack Shillingford. Et le résultat est assez surprenant. Il ne fait aucun doute que ces mélodies kitsch et grandiloquentes, qui dessinent cet opéra burlesque, vont conquérir le cœur du public qui ne jure que par la pop orchestrale. Mais, d'un autre côté, cette démarche risque fort d'agacer les puristes du rock, qui estimeront, sans doute, que My Life Story vient de signer un pacte diabolique avec la musique de variétés...
Fin 95, nous avions découvert l'existence de cet ensemble néo-zélandais à travers " Nature ", un superbe album qui avouait de nombreuses affinités avec les Moffs, Church et autres Go-Betweens. Un groupe drivé par un certain Mc Glashan. Nous n'allons pas prétendre qu'il tire toutes les ficelles. M'enfin presque. Se réservant la guitare, la plupart des compositions et surtout le chant. C'est vrai qu'il a une superbe voix. Capable d'épouser tour à tour les inflexions de Michaël Stipe, de Michaël Been (The Call), de Denny Lane (Moody Blues) de Robert Wyatt ou d'Adrian Gurvitz (Counting Crows). Apportant une dimension émotionnelle à des chansons résolument pop. Produit par Hugh Jones, " Envy of angels " possède tout les atouts pour décrocher la timbale. Suffit qu'il puisse les abattre! Les atouts, bien sûr...
Nouvel album pour cet ex-quartet (aujourd'hui réduit à un trio) issu de Los Angeles. Ensemble de punk pop drivé par Kim Shattuck. Chanteuse et guitariste dont la voix nous fait inévitablement penser à celle de Courtney Love. Une voix rageuse, cassée, arrogante, envoûtante, profilée sur une texture où guitares crépitantes, basse ronflante et rythmique énergique se mélangent pour finalement enfanter de très jolies chansons, mélodieuses, à la croisée des chemins d'un Hole et d'un Weezer.
Il faut reconnaître que depuis 1991, date de la sortie de son premier album, " Lobotomizer ", cette formation norvégienne a fait d'énorme progrès. D'un mélange rudimentaire de formes musicales empruntées au passé, le groupe est parvenu, au fil des albums, à se forger un style remarquable, et surtout très personnel. Toujours influencé par la fin des sixties et la première moitié des seventies, il s'est cependant adapté à la technologie des nineties. Ce qui nous permet d'espérer un nouveau souffle pour la musique dite ‘progressive’, dont l'unique flamme, aurait pu s'éteindre, si Peter Hammill ne s'était pas chargé de la préserver; et ce depuis plus de vingt ans.
" Angels and daemon at play " propose onze morceaux dont l'intensité et la richesse sont assez étonnantes. A premier abord, on a l'impression de retrouver tantôt le krautrock de Can, voire d'Amon Düül, l'ambiant jazz de King Crimson circa Islands, la phase la plus jaunissante du Floyd (" Wish you were here ") ou même le grandiose de Magma. Tout un ensemble de références héritées du passé que l'on retrouve aussi bien dans les climats les plus planants, les plus atmosphériques, les plus intimistes que lorsque la texture prend de l'amplitude ou de la puissance. Mais sans jamais tomber dans le revivalisme. Un véritable tour de force réalisé par Motorpsycho qui parvient à digérer toutes ses influences pour les transformer en pop contemporaine. Tantôt à la manière de Clean, lorsque les chansons se font plus claires, plus mélodiques, tantôt de Wire, lorsqu'elles sont filtrées dans le psychédélisme post industriel. Ou alors et plus fréquemment encore, de Sonic Youth, parce que les sonorités torturées, acides, stridulantes des cordes de guitare décapent littéralement le son...
La tête à moteur a retrouvé la formule sacrée du trio, puisque aujourd'hui, seuls restent aux côtés du chanteur/bassiste et leader Ian Lemmy Killminster, le guitariste Campbell ainsi que le drummer Mikkey Dee. Le dernier album de Motörhead, n'a pas la prétention de rechercher l'innovation. Il y a bien quelques bribes de guitare acoustique et un morceau presque dansant, mais fondamentalement il dispense le même hard rock, sans compromis, limité aux trois accords de base... M'enfin, pourvu que la machine à riffs soit bien huilée et que le volume sonore soit poussé au maximum, c'est tout ce que les aficionados du groupe souhaitent...
Neuvième album pour Morrissey, ex-leader du mythique et défunt Smiths, dont les membres se sont séparés voici déjà dix ans. Un disque d'honnête facture, qui comblera, cependant, les inconditionnels de Mozz. Enfin, de son timbre vocal... Pour le reste, l'artiste n'a pris aucun risque, se contentant de ciseler, mais à la perfection, à l'instar du single " Alma matters ", toutes les caractéristiques mélodiques de sa pop mélancolique. Onze pop songs contagieuses, découpées dans des cordes de guitares tendres, chatoyantes, chansons élégantes, caressées de rythmes feutrés et enrichies d'arrangements somptueux. Morrissey y exorcise de sa voix, à l'aide de lyrics profonds, mais souvent ambigus, durant un peu moins de 45 minutes, tout son mal de vivre, sa solitude, sa tristesse... Dommage que l'opus manque cruellement d'agressivité. Une agressivité qui avait rendu son précédent opus, si attachant.
Saint Etienne, Geneva, Monaco ; visiblement, les villes européennes inspirent les combos britanniques. Mais venons en à la nouvelle formation de l'ex bassiste de Joy Division et de New Order , Peter Hook. Bien sûr, l'ombre de ces deux ensembles mythiques plane plus que jamais sur " Music for pleasure ", premier album de Monaco. Et pas seulement à cause de la digitalisation des compositions ou parce que le timbre vocal de David Potts glisse, à l'instar de Bernard Summer, anonymement, introspectivement sur le glacis mélodique des compositions. Mais surtout parce que Peter Hook pille son propre passé. Celui de " Low life ", de " Technique ", et même de " Brotherhood ". Encore, que " Junk " lorgne plutôt vers la house d'Electronics, " Sweet lips " vers le disco des night clubs (NDR : tiens, ce n'est pas de la techno qu'on y dispense ?) et, exception qui confirme la règle, " Buzzgum " la britpop des Charlatans, voire d'Oasis...
Si à l'origine, cet ensemble glaswegien avait un net penchant pour la musique underground US. Celle de Sonic Youth et de Slint, en particulier, il faut reconnaître que leur nouvel album a pris une toute nouvelle orientation. Plus extatique, à l'instar de Labradford, plus psychédélique dans l'esprit de Spacemen 3 et surtout plus noisy. Dans la lignée de My Bloody Valentine. Encore, que parfois, lorsque l'électricité devient franchement luxuriante, c'est plutôt du côté du prog rock de King Crimson circa " Lark's tongues in aspic ", que nous lorgnons. Peu de vocaux sur leurs compositions, à la limite quelques chuchotements, Mogwai privilégiant les longues périodes atmosphériques, paysages sonores au sein desquels les envolées de guitare immaculées de Stuart Braithwite déversent tantôt tout leur spleen, tantôt toute leur fureur; en résumé, toutes leurs émotions...
Wim Mertens n'est pas n'importe qui. En effet, puisqu'après avoir obtenu une licence en science politique à l'UCL, il s'adonne à l'étude de la musicologie et publie en 1980 son premier ouvrage sur la musique répétitive américaine. Ce n'est qu'un an plus tard qu'il se tourne vers sa principale passion. Seul ou avec son premier groupe: Soft Verdict. 16 ans plus tard, Wim est toujours là, fidèle à son style. La musique est peut-être plus enrobée, plus maximaliste, mais le piano occupe toujours la place centrale de son œuvre. Oscillant entre le classique et l'électronique, les chansons sont sans textes, mais parfois Wim y ajoute des vocaux dénués de toute signification. Un peu comme Enya ou Enigma. Mais uniquement du point de vue textuel, pas musical! Paradoxal pour cet intellectuel qui a certainement beaucoup à dire et qui se hâte de répliquer qu'aucun texte n'est plus expressif qu'une mélodie. Et sa réponse trouve dans ce " Jardin clos ", encore toute sa pertinence...
Les Melvins nous gratifient, de temps à autre, d'un album expérimental; comme cet " Honky ", que nous pourrions même qualifier d'étrange. On y retrouve bien sûr encore quelques traces de métal, et en particulier de grunge, traces héritées de leur admiration sans borne pour le premier elpee de Black Sabbath; mais en général, le trio explore ici, à l'instar de Swans, une sorte de no wave teintée de psychédélisme morbide. En plus cosmique, en plus viscéral, mais aussi en plus sinistre. Ce qui vous donne un petit aperçu de l'ambiance qui règne tout au long de l'opus; surtout lorsqu'on connaît le côté joyeux des compositions du duo Gira/Jarboe. L'ex-Babes In Toyland, Katherine Bjelland, est venue donner un petit coup de main, ou plus exactement de la voix. Sur " They all must be slaughtered ". Un titre sur lequel, son gémissement perçant associé au grognement de King Buzzo, entretient parfaitement le climat général du disque...
Après avoir participé à la confection des trois " Anthology " consacrées aux Beatles, McCartney a subitement éprouvé le désir d'enregistrer un nouvel album. En solo, bien sûr. Encore, qu'il se soit entouré, comme à son habitude, d'une pléiade de collaborateurs. Jeff Lynne, tout d'abord. Faut dire que le travail réalisé par l'ex Move, ex ELO, sur la trilogie testamentaire des quatre de Liverpool, avait impressionné Paul. Quoi de plus naturel, donc, de retrouver Jeff à la coproduction de ce " Flaming pie ". Mais en outre, il apporte son expérience à la guitare sur plusieurs titres, tout en participant aux backing vocaux. Dans ces conditions, comment voulez-vous que cet opus ne soit pas hyper-léché, fignolé, mis en forme avec une précision d'orfèvre? Pourtant, seul le morceau maître laisse transparaître la griffe d'Electric Light Orchestra. Sans grande utilité, d'ailleurs, puisqu'il s'agit d'une des compositions les plus faibles de l'elpee. Avec " Heaven on a Sunday ", tellement fade, qu'elle aurait pu servir de plate forme a un nouveau et hypothétique duo entre McCartney et Michaël Jackson. Dommage que ce soit cette chanson qui ait été choisie pour introduire le fiston. D'autant plus que par la suite, il n'a plus jamais droit au chapitre. " Young boy " est tout aussi dispensable, et ce nonobstant la présence de Steve Miller à la guitare. En fait, on a l'impression d'avoir déjà entendu cet air quelque part. Chez les Wings, probablement. Il est vrai que la plupart des chansons des Wings se ressemblent beaucoup... Un Steve qui se rattrape quand même sur deux autres fragments. Tout en tentant de nous refaire le coup de " Rock'n me ". C'est évident sur " Used to be bad ", alors que pour " If you wanna ", il aurait bien piqué quelques riffs au célèbre " Gloria " du Them... Ringo Starr est également de la partie. Aux drums, bien sûr, pas pour jouer du cinéma. Encore que sur le très vivifiant " Really love you ", on n’est pas tellement loin d'un pastiche des Rolling Stones, et que sur " Beautiful night ", slow aussi majestueux que " The long and widing road ", à la limite " philspectorien ", avec orchestrations, chœurs et tout le Saint Tremblement, le final tourne à la franche rigolade... Il faut d'ailleurs croire que Paul a le blues des seventies, puisque " The world tonight " embrasse une pop/rock FM, étreinte tant de fois par un certain Robert Palmer. Beaucoup mieux, " Souvenir ", ballade bringuebalante, traversée d'éclats de guitares cinglants, incisifs, dans l'esprit de " Oh darling " ou de " Here comes the sun ". Mais le meilleur nous vient lorsque Paul fait le vide autour de lui. Sur " The song we were singing ", petite chanson pop, sans grande prétention, mais bigrement bien ficelée, au cours de laquelle il raconte ses souvenirs (NDR: encore!) d'enfance. " Calico skies ", qui aurait pu trouver place sur le double blanc aux côtés de " Blackbird " ou de " Piggies ". " Little willow ", une berceuse poétique empreinte de tristesse mais aussi d'espoir... Enfin, " Someday ". Une perle. Probablement ce que Paul McCartney a écrit de mieux depuis bien longtemps. Il s'est quand même entouré d'une section de cordes, comme à la belle époque d' " Eleanor Rigby ". Chante. Joue de la guitare sèche, traditionnelle, mais également espagnole, en " picking ". Et nous gratifie d'une mélodie comme seuls les Beatles étaient capables d'enfanter. Avec une charge émotionnelle qui vous transperce littéralement l'âme. Imaginez Lennon en contre-voix, et c'était Byzance. Enfin, sans lui c'est déjà impressionnant. Mais rien à faire, c'est à John que nous pensons en écoutant cette chanson. D'ailleurs, si elle sort en single, elle risque de faire un malheur dans les charts...
Soyons honnêtes, nous n'avons jamais été de fervents admirateurs de Marillion. Loin s'en faut! Pas besoin d'entretenir la polémique non plus, les fanatiques s'en chargeront (NDR: heureusement ils sont moins nombreux que ceux de U2...). M'enfin cette prise de position mérite quelques explications. D'autant plus que les membres de Marillion sont d'excellents musiciens. Malheureusement, après neuf albums, ils n'ont toujours pas compris que nous n'étions plus en 1975 et que le rock avait évolué. Pire, après avoir vécu dans le souvenir de Genesis, la formation s'est progressivement (!) mise à exhumer le passé de Kansas, lorsque ce n'est pas celui de Supertramp. Sensation qui est encore plus flagrante avec ce " This strange engine ". Et ce n'est pas parce que des formations telles que Motorpsycho, Ozric Tentacles ou même Spiritualized Electric Mainline sont parvenues à rendre des lettres de noblesse à la musique progressive, qu'il faut à nouveau retomber dans les travers de la période la plus décadente du rock'n roll. Sinon, à quoi aurait alors servi le punk? Peter Hammill l'avait d'ailleurs bien compris, lui qui est parvenu à préserver l'unique flamme de ce style qui avait tellement marqué de son empreinte la fin des sixties et la première moitié des seventies. Et si vous ne nous croyez pas, allez plutôt rechercher vos vieux vinyles, les trois ou quatre premiers le plus souvent, de Yes, King Crimson, Jethro Tull, Vandergraaf Generator, Gentle Giant, Caravan, Gong, Magma et consorts. Marillion vous paraîtra dès lors bien fade...
A force d'entendre parler de ce groupe et surtout de s'extasier à l'écoute de ses singles, nous commencions à nous demander si la presse britannique n'était pas encore occupée de monter un hype. Il n'en est heureusement rien, puisque le premier album de Mansun est à la hauteur de toutes nos espérances. Et pourtant, à contrario de toutes les formations de britpop, cet opus nécessite plusieurs écoutes avant de véritablement séduire. Ne revenons pas sur les hits " Egg shaped Fred ", " Take it easy chicken ", " Stripped vicar ", et surtout le remarquable " Wide open space ", mais penchons nous sur les sept autres fragments qui font la part belle au glam le plus scintillant. Pensez à Suede et à Verve (dont une composition a inspiré le nom du groupe), pour la richesse des orchestrations. A TRex et Cockney Rebel, pour les glorieuses références du passé. A Roxy Music aussi, mais à cause des chœurs féminins. A Tears for Fears, pour le timbre vocal de Paul Draper, dont le falsetto est tellement proche de Roland Orzabal. Enfin, dans une moindre mesure, mais parce qu'ils ont certainement eu une influence sur le groupe, à Japan, Gene, Gene Loves Jezebel et Marc Almond. Pour ne rien vous cacher, sachez que le combo fait aussi bien appel à l'instrumentation pop-rock conventionnelle qu'aux instruments nés de la technologie moderne. Et si vous n'êtes pas encore parvenus à vous faire une idée précise du style pratiqué par Mansun, n'ayez crainte, au fil des écoutes, vous risquez de faire d'autres découvertes. Mais un bon conseil, poussez le volume, sans quoi, vous risquez de perdre un des multiples détails qui font de cet album un véritable must!...
Noir Désir est assurément devenu une des valeurs les plus sûres de la scène pop/rock hexagonale. Surtout depuis la sortie de " Tostaky ", il y a maintenant 4 ans. Un disque qui les a véritablement propulsés hors de leurs frontières, les plaçant sur orbite planétaire et entraînant une tournée historique, à guichets fermés, immortalisée par le double live " Dies Irae ". Après un break de quelques mois, juste le temps de faire le point, la formation girondine nous propose déjà son troisième album. " 666.667 Club ". Un opus brillant. A l'image du simple " Un jour en France ". Qui s'appuie sur des textes recherchés, profonds, que chacun peut interpréter à sa façon. Des lyrics qui traitent, souvent entre les lignes, des thèmes de la mort, de l'injustice, de l'amour, de la politique et notamment du danger que constitue l'extrême droite... le tout teinté d'une sensibilité musicale puissante, fort proche de l'album précédent ; car si guitares, basse et batterie se taillent la part du lion, l'expression sonore est enrichie tantôt d'un piano, d'un l'harmonica ou de cuivres. En un mot, splendide!
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