Kieran Hebden est loin d’être un inconnu sur la scène électro. D’abord guitariste au sein du groupe post-rock Fridge, le Londonien s’est reconverti dans l’électronique en créant Four Tet. Un projet en solitaire qui lui a permis d’explorer ses propres idées. Pour enregistrer « NYC », il s’est associé à Steve Reid, drummer d’anthologie qui a notamment participé à l’aventure Motown, mais également réalisé des arrangements en compagnie de Miles Davies, Ornette Coleman ou encore James Brown. 

La rencontre opérée entre les deux artistes et surtout les deux styles n’est pas facile d’accès ; elle est même très susceptible de laisser l’auditeur sceptique. On nage d’ailleurs parfois en pleine expérimentation pure et dure pour ne pas parler d’underground. Les arrangements concoctés par le duo sont cependant parfaitement au point. Endiablé, le drumming du sexagénaire Steve Reid trouve parfaitement sa place au sein de l’univers sonore synthétique élaboré par Kieran. Et « Lyman Place » constitue probablement le sommet de leur rencontre. On les sent même quelquefois complices. L’opus explore également les tendances jazz expérimentales des 60’s et 70’s. A l’instar de « 1st & 1st » ou encore de l’exceptionnel « 25th Street ». Il s’achève par « Departure », plage au cours de laquelle les cordes synthétiques fusionnent magistralement avec les sonorités percussives martelées par Reid. Et côté technique, Steve est tout bonnement irréprochable…

Tout au long de cette œuvre le duo tente, à travers leur musique, de projeter une vision très personnelle de New-York. Ce qui explique le titre de l’elpee. Particulièrement complexe, « NYC » n’et pas à mettre entre toutes les oreilles. Les non initiés risquent même de le taxer de brouillon voire de cacophonique. On ne pourra cependant pas reprocher à cet album de manquer d’originalité. En outre, j’estime sincèrement que le résultat de cette rencontre entre jazz et électronique contemporaine tient parfaitement la route. Il est même abouti. Et c’est à souligner ; car la rencontre entre deux musiciens talentueux n’est pas toujours synonyme de réussite…

Hokie Joint est une formation née voici un an à peine. Elle nous vient de Colchester dans le sud-est de l’Angleterre. Un très jeune quintet réunissant le chanteur Jojo Burgess, le guitariste Joel Fisk, l’harmoniciste Giles King, le drummer Stephen Gutmore et le bassiste Fergie Fulton. Le combo signe dix des onze titres de ce premier opus, un disque qui baigne dans le blues dynamique, cru, sale et vivifiant. Giles King n’est pas un inconnu, puisqu’il avait participé aux sessions d’enregistrement de l'excellent elpee de Ian Siegal, "Meat & potatoes". Il milite également chez Ligthnin' Willie and the Poorboys.

Le titre maître ouvre l’opus. La slide est lourde et déterminée. Cette plage constitue une belle synthèse de la musique du groupe, dont le style me rappelle parfois la quintessence de ce que proposait naguère El Fish. Surtout dans la manière de souffler de Giles. Imprimé sur un rythme plutôt rageur, "Mr Jones" est dominé par les cordes acoustiques. Jojo attaque "Franklin" en manifestant une certaine frénésie punk. Son discours implacable est planté au sein d’un décor Delta blues puissant et électrique. Jojo chante "Chocolate Cake" sur le rythme d'un mambo, un mambo entretenu par les percussions exotiques de Stephen. La rythmique de Giles est lancinante. Giles en profite pour s'évader sur son harmonica, calquant son phrasé sur celui de Sonny Boy Williamson II. "Back where we are going" évolue sur un tempo alerte. La démarche rappelle inévitablement le géant Howlin' Wolf. Jojo éructe ses vocaux. Il est talonné par les courtes notes dispensées par King. L'homme souffle dans son instrument en puissance, mais parcimonieusement. Il se libère du canevas imposé par ses partenaires, avant de céder le relais aux cordes acoustiques de Joel. Une seule reprise : le "Tom Rushen blues" de Charley Patton. Nous débarquons dans le Delta. Ce country blues devenu très électrique baigne au sein d’une atmosphère pourrie. La slide occupe le devant de scène. Tous les acteurs remplissent bien leur rôle. Percutant et très soudé, l’ensemble se resserre autour de la voix de Mr Burgess, devenue soudainement féroce. "The crying song" change de style. Une ballade dont la douceur est contrebalancée par l'intensité et la passion du chant de Jojo. Lors de la lecture de ses sentiments, sa voix libère beaucoup d'émotion et de profondeur, pendant que Giles joue sereinement, en soutien. "Ghost" s'appuie sur une rythmique implacable et saccadée. L'harmonica se joint aux percussions ravagées de Stephen. Jojo récite son chant déterminé sur ce rythme du chemin de fer. Toute la misère du Mississippi hante "Clarksdale mill". "Chain me" nous précipite dans une certaine torpeur. Un blues mélancolique, quasi hypnotique, au cours duquel la complainte de l'harmonica reflète un climat oppressif. Dans l’esprit, nous ne sommes pas loin de la démarche si personnelle de Charlie Musselwhite. "Chain me" emporte tout sur son passage. Jojo inocule force et fureur dans son chant. Il communique tout son mal de vivre. Une dose de frénésie qui n’appartient qu’aux vocalistes punk. La slide et l'harmonica participent à ce combat de chefs. A croire que tels des mauvais garçons, les Hokie Joint préparent un mauvais coup. Ils se retirent heureusement sur une touche plus participative. En l’occurrence lors de leur "Lost in the city". Le chant de Burgess est souverain. Fisk s'illustre sur le dobro. Puis King, à l’harmo. Il souffle toute sa colère. Jojo et Joel chantent à tue-tête, le sentiment du bon travail accompli. Manifestement, ce premier elpee de Hokie Joint risque de faire de ravages. Et pour cause le combo, comme il le revendique, cherche à restituer le blues aux masses…

Etiqueter la musique concoctée par Kludde de black metal atmosphérique nous semble un brin trop réducteur. En sortant une pièce d’orfèvrerie du calibre de « In Den Vergetelheid », Kludde a accouché d’un chef-d’œuvre aussi inclassable qu’incontournable, à glisser dans votre discothèque entre le « Monotheist » de Celtic Frost et le « Blackwater Park » d’Opeth. Et même si le jeune combo belge (Alost) ne bénéficie pas des moyens financiers de ces deux monstres du dark metal, la production de ce premier véritable album frappe par cette incroyable impression de noirceur et d’étouffement qui règne de la première à la dernière mesure.

Véritable oraison funèbre déclinée en sept titres, « In Den Vergetelheid » constitue une œuvre effrayante. Elle vous prend aux tripes. Lentement. Doucement. Pour ne plus vous lâcher. Guttural mais pas hurlé, le chant se mue parfois en déclamation, évoquant une âme meurtrie ou en colère. Les riffs assassins, les incessants changements de rythmes, tantôt black, tantôt doom, et le travail accompli sur l’atmosphère en général confèrent à cette descente aux enfers un côté délicieusement malsain. Phénoménal ! Après Ocean of Sadness, Axamenta, Southern Voodoo, Sons of Jonathas, Solenoid, et maintenant Kludde, la scène metal belge n’a plus rien à envier à la déferlante scandinave. Encore faut-il mettre en place une solide promotion pour faire reconnaître nos valeurs dans toute l’Europe. Et ça, c’est un tout autre problème…

Né en 1960, Bob Mould est loin d’être un inconnu. Originaire de Malone, dans l’état de New-York, il a entamé son parcours de compositeur et de guitariste au sein du groupe punk Hüsker Dü. En 1979. Un trio qui a sévi tout au long des années 80 et au sein duquel militait également Grant Hart. Le combo splitte en 1987 ; et début des 90’s, Bob remonte déjà un autre groupe : Sugar. Après deux elpees et un Ep, il abandonne l’aventure et se lance dans en solo. Sans davantage de succès cependant, même s’il va continuer à mener sa barque en solitaire tout en opérant de multiples collaborations dans l’univers de la dance. Formant même un side project répondant au patronyme de Loudbomb (NDR : choix pas très original, puisqu’il s’agit d’un pseudonyme dérivé de l’anagramme de son nom). Mais son existence va être marquée par une autre passion : le catch professionnel… Il va même rejoindre la désormais légendaire ligue World Championship Wrestling, comme scénariste. Une expérience qui va tourner court et se soldera par un nouvel échec et un départ précipité au beau milieu des prises de vue, suite à des divergences d’opinion (NDR : aurait-il voulu révolutionner la discipline ?) Suite à ce nouveau contretemps, il décide de revenir à la musique en compagnie de Rich Morel, mieux connu dans le monde dance de D.C. (District of Columbia), pour former le collectif Blowoff, responsable de mixes controversés de groupes rock. D’Interpol notamment.

En 2005, il a repris sa carrière en solitaire et commis l’elpee “Modulate”, œuvre qu’il est allé défendre courageusement en tournée. Dès son retour, il s’est remis au travail et s’est enfermé en studio pur pondre “District Line”, flanqué de son pote Rich Morel aux claviers et de Brendan Claty, le drummer de Fugazi. Ce sont les deux seuls collaborateurs qui ont participé aux sessions d’enregistrement, Mould s’étant réservé tout le reste de l’instrumentation. Si on retrouve le son torturé et déstructuré très caractéristique du personnage, et puis ses qualités vocales indéniables, son rock est devenu trop propre pour pouvoir vraiment convaincre. On a même l’impression qu’il en garde constamment sous la pédale et finalement, l’album ne décolle jamais. Dommage !

The Parties est une formation californienne. Etablie à San Francisco, elle a été fondée en 2004 par le vétéran John L. Morgan IV ainsi que Jérémy Powers. Ce sont d’ailleurs les deux compositeurs et les deux guitaristes ; même si le premier cité se charge également des drums. « Can’t come down » constitue leur premier elpee. Un disque qui nous replonge tantôt dans l’univers des sixties (The Beatles, The Hollies, The Byrds), tantôt au beau milieu des eighties/début des nineties (Ride, Charlatans, Teenage FanClub, Luna). Les harmonies vocales sont superbes, les parties de grattes bringuebalantes, tintinnabulantes, frémissantes, savoureusement discordantes et les mélodies contagieuses, parfois hymniques. Bref, les onze compos de cet opus sont très agréables à écouter, mais elles sont tellement revivalistes que leur succession finit par lasser. Bref, un disque qui risque fort de sombrer rapidement dans les profondeurs l’oubli. Comme le groupe, par ailleurs…

Il ya deux ans, Psapp publiait l’inattendu « The Only Thing I’ve Ever Wanted », une véritable petit mine de créativité peuplée de créatures malicieuses et de chats, animal fétiche du duo. Une excellente surprise que Galia Durant et Carim Clasmann continuent d’exploiter sur « The Camel’s Back », leur troisième ouvrage. Parce qu’il devait bien nourrir leurs félidés domestiques, le duo s’est intéressé de près au peuple océanique. Et le moindre que l’on puisse dire est que la pêche aux idées des deux joyeux drilles a été manifestement fructueuse. Dans la lignée de son prédécesseur, « The Camel’s Back » regorge de bidouilleries ‘folktroniques’ et de sonorités cocasses créées à partir d’instruments atypiques. Les jouets, par exemple, ont toujours une grande place dans le travail de composition de la formation.

Emmené par l’excellent single « The Monster Song » et son vidéoclip ‘Psappesque’, « The Camel’s Back » est une collection de douze morceaux réjouissants. Le genre qui vous colle un large sourire au visage et égaie les journées les plus grises. Ce recueil, sans réitérer l’effet surprise de « The Only Thing I’ve Ever Wanted » et marquer autant que celui-ci, s’adresse à un public de tout âge qui ne pourra en sortir qu’émerveillé. Les splendides « Screws », « The Camel’s Back », « Marshrat », « Mister Ant » ou « Somewhere There Is A Record Of Our Actions » font de cette troisième œuvre une galette intemporelle à ne pas manquer.

Alors que l’on attend impatiemment le successeur de « Pieces Of The People We Love », The Rapture se paie du bon temps en compagnie du label !K7. Ensemble, ils publient un DJ Kicks qui n’en est pas un. Probablement annonciatrice d’une nouvelle série, la compile « !K7 Tapes » des quatre rigolos procure à la fois un insupportable mal à l’estomac et une folle envie de s’envoyer une petite séance d’aérobic rythmique sur la table la plus proche. Hip Hop, Funk, Disco, Dance et Electro. The Rapture nous font bouffer à tous les râteliers mais sont également prévenants et font l’effort d’organiser le tout par genre. De quoi donner un semblant de cohérence à un tracklisting à priori indigeste. La différence entre un DJ Kicks et une !K7 Tape ? Ce dernier ne jouit pas de morceau inédit des responsables du mix. Dommage !

Le quatuor invite à sa petite sauterie des valeurs sûres (Thomas Banglater, Ghostface Killah, Armand Van Helden, Alter Ego, Richie Havens), d’obscurs représentants de la scène disco et electro (Northend, Martin Circus, DJ Mujava, Kiloo…) ainsi que quelques pique-assiettes qui auraient pu faire tourner la soirée au vinaigre (les inutiles « Everybody’s Got To Make A Living » de Dancing With White Girls, « Afro Arps & Minimoogs » de Galaxy 2 Galaxy ou « Say U Will » de Cajmere). Après une première moitié de soirée fort réussie –si l’on esquive Don Armando’s Second Avenue Rumba Band et leur horriblement kitsch « I’m An Indian Too »–, le quatuor s’emmêle les pinceaux lors d’une seconde manche moins passionnante, bien que toujours aussi remuante. La formation permettra même à Paul Johnson de nous glisser à nouveau son immanquable et (trop) entêtant « Get Get Down » dans les oreilles.

Sans être tout à fait indispensable, le « !K7 Tapes » de The Rapture procure, en cette période de fêtes de fin d’année, l’assurance de transformer le plus ennuyeux des salons en dancefloor digne de ce nom. Allez ! ‘Come on baby, shake what your mama gave ya’ !

Imaginez-vous un continent lointain. Pourquoi pas l’Australie ? Près de vous, un feu de camp crépite et une tribu aborigène célèbre la Terre-Mère. Des sons sortent d’étranges bouts de bois et vous chatouillent l’échine au point de vous procurer une petite décharge électrique. Des vibrations sonores graves et profondes sortent de ces yirdakis, appelés chez nous plus communément didgeridoos.

Dimanche soir, à l’Ancienne Belgique, seul un ticket d’entrée pour Xavier Rudd vous permettait de vous rendre en aller-retour direct à l’autre bout du globe. Ce talentueux homme-orchestre maitrise et joue, en même temps, de plusieurs instruments, sans transition et en continu. De la tête au pied, chaque membre de son corps s’agite. Depuis 2002, à la sortie de son premier album, et en toute discrétion, Xavier Rudd promène ses instruments aux quatre coins du monde. Et ce n’est qu’en 2006, lors de la sortie de l’album « Solace », qu’il a récolté du succès en Europe. Ce qui lui a permis d’être propulsé en tête d’affiche de certains festivals alternatifs, dont l’Esperanzah ! auquel il a participé cet été.

Comme c’était à prévoir, le concert affichait complet. Pendant que Ben Howard, séduisant musicien nous venant de l’autre côté de la Manche, nous interprète quelques compos acoustiques, la salle se remplit, lentement. Il faut le préciser, l’audience est arrivée fort tardivement.

Dave Tolley, le batteur, est l’unique musicien qui l’accompagne sur les planches. Le décor est sans artifice : juste un drapeau aborigène accroché en toile de fond. Une sobriété mise en valeur par un excellent éclairagiste dont les spots aux couleurs chatoyantes vont illuminer le set, tout au long de la soirée. Coté jardin, une pléthore d’instruments rassemblés autour d’un tabouret : cymbales, percussions, Weissenborn slide guitare, djembé, un harmonica, et bien-sur 3 didgeridoos disposés sur un support. Côté cour, une batterie, des congas et des bongos. C’est impressionnant à voir et à entendre! Un multi-instrumentiste habile qui arrive, de manière simultanée, à souffler dans son didgeridoo et à jouer sur sa slide guitare. A deux, ils produisent autant de sons que s’ils avaient été dix !

Bien au chaud, les morceaux s’enchaînent harmonieusement pendant 100 bonnes minutes. L’artiste échange quelques timides propos avec les 2000 personnes présentes sans la salle. Tout en humilité, il nous rappelle combien il a de la chance de pouvoir faire de la musique et voyager. Surfeur à ses heures perdues, il milite en faveur des droits des aborigènes. Il est également actif dans le domaine de la protection de l’environnement. Ces paroles engagées transmettent des messages positifs, sur un ton humain, loin d’être moralisateur. Il tente simplement de conscientiser les esprits. Le public l’écoute et vibre. Sa playlist ne lasse pas. Au fur et à mesure, on découvre les morceaux de son dernier album « Dark Shades of Blue », ainsi que certaines anciennes chansons plus connues telles que « Let me Be » et « The Mother ».

Le plaisir et l’émerveillement s’achèvent sur quelques pas de danse… Xavier Rudd, il faut le voir ! Certes influencé par Paul Simon, Xavier Rudd pratique avant tout une musique folk teintée de roots et de reggae… Une musique particulièrement envoûtante susceptible de donner un coup de fouet au premier qui serait pris de déprime pendant ces tristes journées d’hiver.