Fergessen, c’est Michaëla et David armés de leurs guitares…
Après avoir gravé un premier album, « Les Accords Tacites » en 2011, ils laissent Paris derrière eux pour entamer de nouvelles aventures folk-rock. Direction le Grand Est, le « Far Est », qui donne aujourd’hui son nom à un nouvel opus qui sortira au cours de l’automne 2013.
Pour regarder le clip de “Back from the Start”, c’est ici
http://www.youtube.com/watch?v=q9Tov_gcDtQ
http://www.fergessen.fr/
http://www.facebook.com/duo.fergessen
Le groupe de rock parisien Clownage est de retour après avoir publié un premier album et écumé plus d'une centaine de dates en France et à l’étranger.
Tout au long de ce nouvel elpee intitulé « Trails », paru ce 29 avril, les influences explosent : des Foo Fighters aux Queens of the Stone Age en passant par Trail of Dead.
« Trails » a été produit en collaboration avec Mike Major (At the Drive-in, Sparta) et Charles de Schutter (Superbus, Pleymo).
Pour regarder le clip de « Tyson », c’est ici
http://www.clownage.fr/
Cinq titres sur le premier Ep officiel d’Attagirl, une formation majoritairement tournaisienne, dont le line up est passé à un quintet, depuis l’intégration d’un claviériste. « In the Limelight » a été mixé et produit par Tommy Desmedt, qui a notamment bossé pour The Tellers. Et il faut avouer que la mise en forme des compos est parfaite, même si elle communique une certaine uniformité dans le ton. Sans quoi, les cinq titres tiennent parfaitement la route. Tout d’abord, il y a la superbe voix de Ben qui s’exprime dans un anglais impeccable. Son chant est judicieusement contrebalancé par des contre-voix ou souligné de chœurs. Qui peuvent même évoquer Era, en tout début du premier morceau, « Flashpoint », une compo caractérisée par ses accès de tempo new wave et ses guitares bringuebalantes qui lorgnent vers les Editors, style qu’on retrouve, sur le dernier titre, « Never be apart », une plage cependant plus proche du Coldplay originel, à cause du drumming particulièrement offensif. Si Stereophonics et Nada Surf –surtout sur « Anayway », une ballade up tempo, au cours de laquelle, on a droit à un passage déclamatoire– sont des références incontestables, les interventions fluctuantes de l’orgue lors des couplets de « Sincerely sorry » nous replongent dans les seventies (Supertramp ?). Quand au titre maître, il s’agit certainement de la piste qui sort le plus de l’ordinaire. La voix de Ben épousant même le baryton de Matt Berninger de The National, alors que le morceau emprunte certains accents baroques à James…
La carrière des Cash Box Kings est exemplaire. Pourtant, s’ils commencent à se forger une solide réputation sur le Vieux Continent, c’est surtout en arpentant les routes américaines qu’ils ont acquis leur expérience. Multiracial, ce groupe est établi à Chicago, un des vecteurs de la musique urbaine issue des années 40 et 50, mais également cité traditionnelle du Delta des années 20 et 30.
Le line up de base des Kings implique Joe Nosek (chant et harmonica), Oscar Wilson (chant), Kenny ‘Beedy Eyes’ Smith, fils du légendaire Willie ‘Big Eyes’ Smith (NDR : ce drummer a longtemps milité au sein du Muddy Waters Band), et enfin le Joel Paterson (NDR : un guitariste qui participe à de nombreux projets musicaux). Ils ont publié plusieurs albums, pour la plupart d’excellente facture, et notamment "Live! At the King Club" en 2002, "Black knight fallin'" en 2003, "The royal treatment" en 2006, "Cuttin' heads at the Cuda Café" en 2009 et "I 94 Blues" en 2010. Sans oublier "Holler and stomp", un elpee qui marquait leurs débuts pour le label californien Blind Pig. C’était en 2011.
Les Kings ont décidé d’élargir davantage leur spectre musical et d’exploiter d'autres styles. Et plus seulement ceux inspirés par le Delta du Mississippi, la Louisiane et bien entendu Chicago. Pour atteindre son objectif, la band a reçu le concours de collaborateurs de calibre…
La slide de Joel Paterson ouvre "Blues fallin' down on me", un titre que le combo estime avoir concocté dans un style proche des Rolling Stones de l'époque Mick Taylor. Et le résultat est excellent. Joe chante et joue de l'harmonica. Les sonorités de l’orgue dispensées par Barrelhouse Chuck sont pourries. Elles rappellent bien les 70’s. Et cette impression revient sur l’indolent "My Tinai". Les CBK explorent également un autre filon qu’ils ont baptisé blues-a-billy, un terme puisé au sein des studios Sun de Memphis, sis entre le blues et le country rockabilly. "Black Toppin'" en est une parfaite illustration, une plage chantée par Oscar et soulignée par les percussions équestres de Buddy Eyes. Le timbre de Joe est nonchalant sur "Trying really hard", une piste paradoxalement remuante. Le saxophone de Jerry Devivo et les cordes insatiables de Joel entretiennent ce style jump. Il revient naturellement à Oscar de driver son "Oscar's jump", une piste tout en swing. La reprise du "Money, marbles & chalk" de Jimmy Rogers opère un retour dans le Chicago Southside, un morceau auquel participe Bill Flynn, un gratteur aussi subtil que notoire. L’elpee recèle deux covers de ‘classiques’. Tout d’abord le "Too late" de Willie Dixon, caractérisée par les interventions de Nosek à l'harmo ; et puis du traditionnel "Walking blues", au cours de laquelle, Paterson nous accorde une leçon de bottleneck. Plus rock, "I don't wanna fight" nous entraîne au cœur des bayous louisianais, une piste brillamment balisée par les ivoires de Barrelhouse Chuck. Oscar nous réserve une version bouleversante mais particulièrement dépouillée du "Tomcat blues" de Jerry West. Très expressive, sa voix nous remue les tripes. Le nerveux "Hot Biscuit boy" trempe toujours dans l'atmosphère moite des marais louisianais. Oscar, Joe et Joel conjuguent leurs talents pour délivrer ce superbe titre, imprimé sur un tempo proche de Jimmy Reed. Gimme some that" lorgne une dernière fois vers le blues-a-billy, une piste illuminée par les interventions habiles de la slide. De toute bonne facture, ce long playing s’achève par le "Run run run" de Lou Reed, un titre issu du premier album du Velvet Underground. Un boogie sans concession, mais étrange, qui met en exergue le talent et la créativité de Paterson…
Toujours à la recherche de petites perles indés ‘made in France’, le label Mind Riot publie sous la forme d’un vinyle, ce mois-ci, « Just Watch your Way », le nouveau single des Chinese Robots. Fondé en 2009, ce groupe parisien est drivé par PH Perromat. Et manifestement le leader et ses potes ont certainement beaucoup écouté la musique des années 90. En outre, l’influence de la scène belge est particulièrement prégnante tout au long de « Just Watch Your Way », le premier titre de ce ‘7inches’. On croirait même que le merveilleux et défunt Venus est ressuscité. Même la voix du chanteur me fait penser à celle de Marc Huyghens. Néanmoins, la solution sonore est ici pimentée de légers accents de noise et de cold-wave. Une belle réussite qui justifie à lui seul l’achat de ce très beau vinyle blanc… D’autant plus qu’en flip side, « Holy Dirt » propose un excellent morceau d’électro-rock endiablé…
De son véritable nom Ronald Horvath, Ronnie Earl est un des plus grands guitaristes de notre époque. Que ce soit dans le domaine du blues, du rock, du jazz ou de la soul, cet écorché vif est un brillant technicien capable d’injecter dans son jeu une sensibilité autant massive que détonante. Il est à peine âgé de 60 balais. Ce diplômé de l'université de Boston a choisi d’embrasser une carrière musicale. En 1979, il entre dans le Roomful of Blues. Au sein de ce big band, il succède à une autre légende, Duke Robillard. Son aventure en solo lui permet de publier les excellents "Smokin'" et "They call me Mr Earl", en compagnie de Kim Wilson, préposé au chant et à l’harmonica. En 88, il fonde son propre groupe, The Broadcasters. Il est alors épaulé par le chanteur Darrel Nulisch et l’harmoniciste Jerry Portnoy. Au cours de cet épisode, il va graver toute une série de superbes elpees, ses derniers épousant une forme de plus en plus instrumentale. En octobre prochain, il célèbrera les 25 années d'existence de son groupe. Le line up actuel des Broadcasters réunit Dave Limina à l’orgue Hammond B3 et au piano, Lorne Entress à la batterie et Jim Mouradian à la basse. Les enregistrements ont été effectués en ‘live’, aux quatre coins de l'état du Massachussets, et le plus souvent au Regent Theatre d'Arlington.
"The big train" est un R&B qui nous plonge au cœur du Memphis, une plage au cours de laquelle l'orgue de Lumina domine les débats. Mais le blues opère rapidement un retour à l’avant-plan. A l’instar de l’indolent "Blues for Celie", une dédicace comme Ronnie les apprécie et en réserve sur chacune de ses œuvres. Son jeu est extrêmement fluide. Ses notes sont dispensées parcimonieusement, mais traduisent une sensibilité à fleur de peau. Dans le style, il est sans doute le meilleur. Et écouter une telle compo est un véritable régal pour les oreilles. C’est d’ailleurs lorsque le tempo est le plus lent qu’Earl est au sommet de son art. Il peut ainsi communiquer toute la tendresse et l'émotion qu’il éprouve. Et "Miracle" ainsi que "Heart of glass" en sont également de parfaites illustration. Le temps d'un boogie, il cède le relais de soliste à Dave Limina, qui titre son épingle du jeu aux ivoires sur "Vernice's boogie". Je vous l’avais signalé, Earl aime rendre hommage aux légendes du blues qui l'ont influencé. Il le réserve à trois gratteurs mythiques. Tout d’abord Otis Rush. Sur "Rush hour", morceau bien marqué par les interventions d’orgue, et caractérisé par la présence discrète d’un guitariste issu de Detroit. En l’occurrence Nicholas Tabarias, un jeune musicien âgé à peine de 22 ans. L’inoubliable soliste Howlin' Wolf, ensuite. Pour "Blues for Hubert Sumlin". Et enfin "Robert Nighthawk stomp", une piste qui honore ce pionnier de la slide guitare. Signé John Coltrane, "Equinox" trempe naturellement dans le jazz, et se singularise par d’exquis dialogues entre orgue et gratte. Encore une adaptation d’un standard du blues, "Ain't nobody's business", une composition popularisée par Freddie King. Ed et Tabarias se partagent le shuffle "Jukein". Le long playing ne recèle qu’une seule piste chantée. Un autre classique. Celui d'Etta James, "I'd rather go blind". Et cette mission est parfaitement assurée par la chanteuse blanche issue de Boston, Diane Blue…
Sena chante le blues, la soul et le funk. Son backing band est dirigé par son père Ed(ward), guitariste aguerri. La section rythmique réunit le bassiste Steve Hansen et le drummer Tim Hasler. Elle vit dans le Midwest américain, du côté de Minneapolis. Intitulé "Leave the light on", son premier album est paru en 2011. Son label, Blind Pig, croit fermement en elle. L'enregistrement de son second opus a été réalisé à Memphis, dans le Tennessee, sous la houlette du notoire Jim Gaines (Stevie Ray Vaughan, Santana, Luther Allison, Albert Collins, George Thorogood, ….) Le SE Band jouit d’une solide réputation en live, des prestations qualifiées d’incendiaires, qu’il accorde dans les clubs et festivals, outre-Atlantique.
"Buried alive" baigne dans un funk léger. Agréable, la voix féminine nous transporte vers un univers davantage blues rock. Daddy Ed enfonce ses pédales pour sa première sortie. Il a manifestement de l'expérience et de la bouteille. Place ensuite à la cover du "Cry to me" de Bert Berns. Solomon Burke l’avait traduite en hit. Les interventions d’Ed sont particulièrement subtiles tout au long "All in", un funk dansant. Coécrits par Tom Hambridge et Gary Nicholson, "I want to get you back" retourne au rock/blues ; et incontestablement, c’est dans ce registre que le paternel s'éclate et s’illustre le mieux. La voix de Sena colle parfaitement à cette atmosphère ‘rockeuse’. Célèbre slow blues, le "Cold cold feeling" de Jessie Mae Robinson avait été popularisé par Albert Collins. Sena chante passionnément. Ed injecte toute sa sensibilité dans son jeu proche de la quintessence de Stevie Ray Vaughan. "Live and learn" est un blues imprimé sur un tempo plus enlevé. Une plage bercée par le swing de la section rythmique au cours de laquelle Ed semble inspiré par cet élan jazzyfiant. "Man up" opère un retour dans le rock. Les petits éclats de voix dispensés par Sena se révèlent judicieux. Son timbre est empreint de sensualité tout au long des blues lents "Storm's coming" et "Baby Valentine". Le funk refait une dernière fois surface lors d’une adaptation rythmée de "So excited", une compo issue du répertoire de BB King. La six cordes de Mr Ehrhardt sonne comme la sublime Lucille, les changements de tempo à la clé! De toute bonne facture, cet opus s’achève par "Dreamin' or dyin'", une tendre ballade soul.
Midas Fall nous vient tout droit d’Ecosse. « Wilderness » constitue son deuxième album. En prenant connaissance de leur biographie, on apprend que le trio a notamment assuré les premières parties de groupes tels que Mono, We Were Promised Jetpacks ou encore 65daysofstatics. Concernant le dernier nommé, Midas Fall partage le même label, à savoir Monotreme.
Musicalement, il n’est dès lors pas étonnant de retrouver les grandes caractéristiques du post-rock : des arpèges étincelants se développant en de longs crescendos, une mélancolie omniprésente, etc, … Autre bonne surprise, le groupe ajoute circonstanciellement des éléments électroniques dans son expression sonore, un peu à la manière de 65daysofstatics ; et tout particulièrement sur « BPD ». Vu la description, les amateurs de post-rock devraient y trouver leur compte. Malheureusement comme c’est bien souvent le cas, il y a un MAIS. Et dans ce cas, ce MAIS se conjugue au féminin puisqu’il est provoqué par les interventions vocales d’Elizabeth Heaton. Dès l’instant où elle ouvre la bouche, tout l’édifice sonore mis en place par le groupe s’effondre. A l’instar d’Amy Lee, chez l’abominable Evanescence, elle laisse alors dégouliner son chant mielleux aux accents gothiques. Le pire, c’est qu’elle n’hésite pas à en rajouter une couche dès qu’elle en a l’occasion. On ne peut alors que constater les dégâts. Dommage !!!
« Oak Island » constitue le deuxième album solo de Dave Hartley, le bassiste de War On Drugs. Ce multi instrumentiste de talent l'a enregistré comme le précédent ("Forget The Mantra") dans la chambre à coucher de son appartement philadelphien. Et cet exercice solitaire a bien du charme, livrant une dream-pop rétro très influencée par le soft-rock des 70's que l'on pourrait rapprocher des réalisations récentes de Gayngs et Disorder, la production léchée en moins, un soupçon de psychédélisme en plus.
Dave Hartley, en grand fan des Beach Boys, de Crosby, Still & Nash et de Simon & Garfunkel, aime les harmonies vocales. Il en use et abuse tout au long du disque. Dissimulant une tessiture somme toute assez banale sous une multitude d'effets, il s'ingénie à superposer les couches vocales (jusqu'à 300 sur le morceau "Nico"). Ces boucles, beaucoup de reverb, un zeste de sonorités electronica et des rythmiques légères créent une atmosphère souvent onirique. Mais quelques notes de trompettes au groove nonchalant et aux mélodies imparables et les accords classiques d'une guitare acoustique nous rappellent que le propos est résolument pop. Des morceaux comme le tubesque « I Fell In Love With A Feeling », le chaloupé « Born To Love » ou « So Far So Long » (sorte de rencontre improbable entre Magnetic Fields et Flaming Lips) sont d'ailleurs de vraies perles de pop aérienne. Une sereine nostalgie se dégage d’« Oak Island », comme une rêverie adolescente, une invitation à un voyage imaginaire. Composé patiemment, en bon artisan, pendant deux ans et demi entre deux tournées des War On Drugs, il se révèle un agréable compagnon dans lequel on apprécie de se plonger en ces jours de torpeur estivale.
A quelques encablures de méritées vacances, l’insatiable maison barcelonaise Vampisoul a décidé de bouger son curieux curseur vers Puerto Rico d’où est originaire l’Orquestra El Macabeo, un ensemble salsa réputé pour son groove endiablé. Réunissant 12 membres, cette formation ne lésine pas sur les moyens pour véhiculer des messages sociaux engagés en se servant d’une expression sonore à la fois dansante et légère… « Salsa Bestial » est une sorte de ‘best of’ de leurs deux albums « Salsa Macabra » et « El Entierro ». Formé en 2008 par des musiciens qui militaient au sein de différents univers (punk, ska, hardcore ou encore reggae), Orquesta El Macabeo s’est autorisé un léger lifting pour revisiter un genre sacré en Amérique Centrale, afin de concocter la forme de Salsa la plus excitante du moment…
John Primer est un guitariste de couleur noire, originaire du Mississippi. Il a milité au sein des Blues All Stars de Willie Dixon, en 1979, puis du Muddy Waters Band jusqu'à la mort de la légende de Chicago, soit en 1983. Plus récemment, il a sévi au sein des Teardrops de Magic Slim, avant d’embrasser une carrière personnelle. Au cours de laquelle il a publié une bonne dizaine d'albums, dont plusieurs sur le label autrichien Wolf.
Bob Corritore est un harmoniciste de couleur blanche. Il est aujourd’hui âgé de 56 balais. Sa vie a basculé lorsqu'il a douze ans à peine et qu'il écoute Muddy Waters. Il devient d’abord un fan, puis décide de devenir lui-même musicien. Pour forger son expérience, il a beaucoup écouté Walter Horton, Junior Wells, Big John Wrencher et Carey Bell. En 1981, il émigre à Phoenix, dans l’Arizona. Dix ans plus tard, il ouvre son club, ‘The Rhythm Room’ qui existe toujours aujourd’hui, un club qui demeure incontestablement un des meilleurs aux USA. Son premier album remonte à 1999. Il s’intitule "All Star blues sessions" et est paru sur le label Hightone. Depuis, il a mis en boîte de nombreux autres elpees, sous son propre nom ou en collaboration avec d'autres musiciens. Il a signé chez Delta Groove.
Les enregistrements ont été opérés à Tempe AZ chez Corritore et à Chicago. Le duo est soutenu par d'excellents musiciens. Expérimentés aussi. La mise en route est exécutée suivant la grande tradition du Chicago blues ; en l’occurrence par "The clock" de Jimmy Reed, et sur la rythmique de ce dernier. Barrelhouse Chuck se réserve le piano. Bob souffle dans les aigus à la manière de Reed. Blues lent, le "Blue and lonesome" de Little Wlater nous plonge dans le mythique quartier sud de Chicago. Corritore démontre qu’il a bien assimilé le style de ce géant de l'harmonica. Primer est rejoint à la guitare par Chris James, et les interventions de se dernier ne manquent pas de charme. John se concentre sur la slide à la manière de son maître, Muddy Waters. Primer chante son "When I get lonely" au cœur d’une atmosphère plus traditionnelle, issue du Delta. Superbe Chicago shuffle, "Cairo blues" est issu de la plume du Texan Melvin ‘Lil Son’ Jackson. La version est parfaite, que ce soit le chant, l’harmo, le piano et les cordes de Billy Flynn. Quant à la section rythmique, elle est ici assurée par le vétéran Bob Stroger, de Beedy Eyes Smith. "Leanin' tree" lorgne vers le Chicago Westside. Corritore nous réserve un tour de force instrumental tout au long de "Harmonica Joyride", un morceau largement inspiré par Little Walter. Signé Robert Lockwood, "Little boy blues" est un autre blues lent. John martyrise sa slide sur le remuant "Just like I treat you" de Willie Dixon. Bob est intenable sur sa musique à bouche. Robert Kelton est un pionnier de la guitar jump blues. Le band en interprète son "Man or mouse", un shuffle au cours duquel les musicos démontrent toute leur cohésion et leur talent. Remarquable, cet elpee s’achève par le "Going back home" de l'incomparable Lightnin' Hopkins, un slow blues d’excellente facture, brillant même, au cours duquel la voix de Primer libère une fameuse dose d’émotion. Et s’il partage les cordes avec Chris James, l’harmonica et le piano sont une dernière fois à la fête!
Une fois n’est pas coutume, une petite touche de géographie s’impose avant d’attaquer mon compte-rendu. L’Open’er festival se déroule à Gdynia, au (centre) Nord de la Pologne, en bordure de mer Baltique. Des vols low-costs relient Eindhoven ou Cologne à Gdansk (2 heures). Et la compagnie régulière scandinave vous propose même des vols à prix modérés vers Gdynia ou Gdansk, au départ de Bruxelles, avec escale en pays nordique (3 heures y compris cette escale). Seulement voilà, il faut s’y prendre à l’avance, et je ne reçois mon accréditation qu’après d’âpres négociations (merci à Johan), et moins d’une semaine avant le jour ‘J’ ! Je suis donc encore parti pour un long chemin de croix, et un nouveau voyage ‘à l’arrache’, en compagnie de deux acolytes. Après s’être levé à 4h30 du mat’, il a fallu combiner voiture, avion (via Varsovie), train (comptez 6 heures pour le trajet Varsovie-Gdynia), bus, tram et de longues marches, pour atteindre le site du festival. Soit le jeudi soir vers 20 heures. Mais si l’affiche s’aligne sur celle de Werchter, la desserte des lieux est bien plus organisée. Navettes de bus en permanence, débarquement des festivaliers à proximité de l’entrée du site, et surtout de grands espaces qui ne donnent jamais l’impression de devoir vivre dans une boîte à sardines. En fait, l’événement se déroule en bordure de l’aérodrome Kosakowo.
Ma soirée débute par la fin du set de Tame Impala. A l’instar de leur fameux clip « Elephant », le jeu de lumière est plutôt flashy et kaléidoscopique. Tout comme pour leur dernier album, « Lonerism », la musique oscille entre rock expérimental et psychédélisme. Un concert qui aurait gagné à se dérouler sous un chapiteau plutôt que sur ce podium central. La chaleur de l’après-midi a laissé place à des averses incessantes. Mais c’est surtout une pluie d’applaudissements qui s’abat en fin de parcours…
Les techniciens s’activent sur l’estrade (NDR : il n’y a que peu de temps mort entre chaque prestation). Deux grands pylônes d’éclairage à l’arrière de la scène forment un A et un M inclinés. Pas de doute donc, les Arctic Monkeys vont débouler sur les planches. Et l’entamer par un « Do you wanna know », issu du dernier opus. Enchaînant aussitôt par deux tubes qui remontent à leurs débuts, en 2007, « Brianstorm » et « Dancing shoes ». De quoi se rendre compte de l’évolution du groupe, en ‘live’, sur 5 ans. Un show beaucoup plus mature et posé, à l’image de son leader, Alex Turner. Un petit incident technique causé par la guitare durant « R U mine » ne perturbera même pas le déroulement minuté du concert.
Car les surprises, elles se dénichent ailleurs. Comme sur l’Alterklub stage, où Matisyahu termine sa prestation. Il s’est produit, il y a quelques jours, en Belgique, dans le cadre du Couleur Café. Et comme lors du festival bruxellois, l’ambiance y est plus conviviale. Quelques milliers de personnes assistent au spectacle, devant cette seconde scène en plein air, contre quelque dizaines de milliers sur la principale. La formation propose un savant mélange de reggae, dub et hip-hop. Les interventions du guitariste sont particulièrement solides ; il nous balance même des riffs capables de prendre le relais de la beatbox. Le leader, Matthew (Matisyahu en hébreu), nous réserve une véritable démonstration au chant, passant d’un registre à l’autre avec puissance et décontraction à la fois. En outre, l’aspect religieux (juif hassidique) n’est pas trop pompeux. Bref, un artiste à redécouvrir.
Mais il est déjà minuit, le moment choisi par Nick Cave pour s’emparer de la scène principale. Il a publié, il y a quelques mois un LP intitulé « Push the sky away », qui m’a laissé mi figue-raisin. Et le line up est aujourd’hui orphelin de pions majeurs, comme Mick Harvey et Blixa Bargeld, même s’il a été compensé par le renfort d’Ed Kuepper. Néanmoins, l’Australien va une nouvelle fois démontrer qu’il reste une bête de scène. En nous réserver un véritable best-of. Le quinquagénaire se dépense comme un beau diable. Il ne reste pas figé au milieu de l’estrade, et vient le plus souvent chanter en front-stage, auprès de ses fans. Il n’hésite pas à demander aussi à son auditoire quel titre il souhaite entendre. Lui répondant meme par un ‘OK, we’ll play “Red right hand” for you, it’s a song from the Arctic Monkeys’. De quoi clôturer sur une note humoristique, cette soirée déjà bien chargée, sachant que les jours suivants ne seront pas davantage de tout repos, pour les jambes et les oreilles.
Connu également sous le patronyme de The Saint Alvia Cartel, ce groupe est le fruit de la réunion entre des membres de principales formations d'emo-punk canadiennes (Grade, Boys Night Out, Jersey, The Video Dead). Les deux premiers albums sortis en 2007 et 2008 ont connu un certain succès dans leur contrée. Régulièrement diffusés sur les radios alternatives, ils ont en outre été nominés aux JUNO, les victoires de la musique locales. Depuis lors, ces habitants de Burlington (NDR : c’est dans l’Ontario) ont vu le départ d'un des deux membres fondateurs, Rob Pasalic (qui, en bon punk, a décidé de se consacrer à sa carrière d'avocat...), accueilli un nouveau bassiste et un claviériste, puis déploré le vol de leur van de tournée. Remis de toutes ces émotions, ils publient enfin leur troisième réalisation « Static Palms » dont le ton ne diffère pas radicalement des précédentes. Les morceaux restent assez conventionnels entre punk-rock/pop, classic rock (des Beach Boys à Aerosmith) et rétro-rock rappelant alors les Gaslight Anthem (formation régulièrement évoquée dans leurs interviews et avec laquelle ils ont d'ailleurs tourné). Ajoutez-y un zeste de blues, un chouïa de new-wave et un doigt de country et le tour est joué. Le tout est relativement varié, plutôt bien interprété, plaisamment chanté et produit sobrement par le renommé Greg Nori (Sum 41) mais votre serviteur a eu beaucoup de mal à trouver un réel intérêt dans ces compositions sans doute efficaces mais manquant cruellement d'originalité.
« Red Mecca » l’album culte de Cabaret Voltaire sera réédité en vinyle, le 22 juillet prochain.
Red Mecca Vinyl Tracklisting
Side 1
A Touch Of Evil
Sly Doubt
Landslide
A Thousand Ways
Side 2
Red Mask
Split Second Feeling
Black Mask
Spread The Virus
A Touch Of Evil (Reprise)
Comme les rois mages en Galilée, les cinq garçons élégants et raffinés d’Elmer Food Beat sont de retour. Intitulé « Les Rois du Bord de Mer », leur nouvel album sortira le 14 octobre.
Autoproclamé le groupe le plus débile du rock français, Elmer Food Beat dévoile pour l’été le titre « Pamela » qui vient retrouver Daniela, Linda, Brigitte, Caroline et Jocelyne dans la longue liste des muses et héroïnes du groupe.
Les auteurs du « Plastique c’est Fantastique », « La Caissière de chez Leclerc » et de bien d’autres comptines poursuivent l’aventure en se servant de leur poésie habituelle sans oublier d’y injecter leur énergie communicative.
Dear Eyes, c’est le pseudo d’un artiste français. Vaporeux, son premier Ep s’intitule « Happy sad », un disque au cours duquel, ce musicien joue sur les ambiances et les nuances pour concocter une pop teintée d’électronique. « Happy sad » nous entraîne même dans le clair obscur…
Pour découvrir le clip d’« Etretat », c’est ici
https://www.facebook.com/DearEyesMusic
http://www.noomiz.com/DEAREYES
Le 23 septembre prochain sortira « Dirt on My Tongue », le premier album de Jo Harman que la presse roots et blues encense déjà…
Elle se produira en live le 17 juillet au Swing Fest de Wespelaar.
https://www.youtube.com/watch?feature=player_detailpage&v=x_K9uQ3l88o
Vitor Hublot a été définitivement classé ‘hors format’! Objectif : se faire entendre et comme il n’y a pas moyen de passer par les grands axes, continuer son chemin en prenant les routes de traverse…
Conclusion toute la discographie de Vitor Hublot sera en téléchargement gratuit sur le net !
Les cd, les inédits, la totale ! Et un morceau tous les 15 jours à partager…
Et pour commencer, "Je me fais du bien", reprise de Raphael Elig, sur le plaisir solitaire interprétée par Jacques Duvall & Isabelle Wery.
http://soundcloud.com/psoriadiscs/vitor-hublot-je-me-fais-du
Josh Ritter se produira, en acoustique, le 5 novembre prochain au Botanique…
En attendant, vous pouvez toujours savourer « A Certain Light (Orange Street Sessions) » ici, histoire de vous donner l’eau à la bouche…
En partenariat avec l’Ancienne Belgique, ONE part à la recherche du nouveau Bob Dylan belge. Un artiste encore inconnu, capable d’inciter ses contemporains à agir grâce à la puissance d’une chanson de contestation.
Un concours dans le cadre d'une campagne globale auquel participent des artistes comme Arno, U2, Sting, Angelique Kidjo, Cali, Mumford and Sons & Elvis Costello, Tiken Jah Fakoly, Dominique A, Tal, Ed Sheeran, Tryo et Kenzah Fara.
Le gagnant du concours aura la chance de pouvoir enregistrer cette chanson dans le studio de l’Ancienne Belgique. Sa vidéo sera mise en ligne sur le site web d’ONE et figurera à côté de celles de stars du monde entier. Enfin, il sera invité à se produire au Festival Feeërieën à Bruxelles.
Pour en savoir plus sur ce concours, visitez http://act.one.org/survey/brussels_music_competition
Carton plein pour le festival Couleur Café qui à son terme peut se targuer d’avoir écoulé tous les sésames disponibles. L’événement bruxellois a réussi à rassembler 27 000 personnes par jour, malgré une affiche plus sexy sur papier qu’en pratique. Et le soleil, invité surprise de la veille, reprend également ses quartiers au-dessus de la capitale, de Tour & Taxis, du Titan et des artistes qui y défilent. Mais les véritables gagnants de la soirée, c’est sous un chapiteau Univers surchauffé qu’on va les dénicher.
Pas de pieds de plombs aujourd’hui. Le choc de la nouvelle configuration des lieux, et de la dénaturation intégrale du bar ‘Papafoufou’ auquel j’ai prêté mes services des années durant, est enfin amorti. Je me rends donc, avec un plaisir certain, vers le chapiteau Univers pour y découvrir le Mos Def nouveau, celui qui se fait désormais appeler Yasiin en privé, depuis qu’il a trouvé la foi. Le sympathique préposé au vidéoclub de « Be Kind, Rewind » est pour la circonstance accompagné du Robert Glasper Band. Une fusion lumineuse de Jazz et Hip Hop, qu’écoute religieusement un public manifestement captivé par l’union du flow du rappeur et des envolées de saxo de son compère. Tout comme Xavier Rudd la veille, on ne pouvait pas espérer mieux comme entrée en matière.
Après cette mise en bouche fort agréable, les festivités se poursuivent du côté du Titan où Calexico monte en selle. Le soleil et les tubes hispano-ricains d’un Joey Burns grisonnant et de son équipée font bon ménage. L’ingé son de la scène principale est toujours dans le coma, mais l’assemblée clairsemée sur les flancs permet à votre serviteur de se glisser un peu plus près des Arizoniens, histoire de profiter correctement des superbes « Victor Jara’s Hands », « Crystal Frontier », « Para » ou des jolies reprises de « Guns Of Brixton » et « Alone Again Or… » Un premier passage à Couleur Café qui aurait pu (ou dû) rameuter largement plus de monde que celui présent devant l’estrade.
Petite modif’ dans la prog. Ou grosse, pour les fans de Patrice. Pas encore arrivé, le Teuton ? Quoi qu’il en soit, le set prévu à 21h45 sur le grand podium est déplacé à la ‘Move’ à… minuit. De quoi faire grincer les dents de ses aficionados. Pour le remplacer, Salif Keita, originellement prévu également sur la deuxième scène plein air. Mais à peine un petit quart d’heure après le début de la prestation du Malien, on observe un exode impressionnant vers l’Univers.
Et le chapiteau est littéralement pris d’assaut. Les Freeks sont là. Univers déborde comme il a rarement débordé. A l’image du Dance Club du festival Pukkelpop, en 2010. Parce que le collectif Die Antwoord était très attendu. S’il avait pu aisément combler la grande scène, au moins les Sud-Africains ne souffriront pas d’une qualité sonore approximative. Et c’est à plein volume que DJ Hi-Tek dégaine son intro « DJ Hi-Tek Rulez » devant un parterre de surexcités. Yo Landi Vi$$er et sa voix de crécelle le suit de très près sur un « Fok Jullie Naaiers » au cours duquel Ninja débarque afin de poser son rap. Suivent des « Wat Pomp », « Fatty Boom Boom » et autres « Rich Bitch » qui font monter la pression. Le duo et leur DJ assurent le show, danseuses, décors et bizarreries incluses. A l’heure du combo « Baby’s On Fire » et « I Fink U Freeky », le constat est simple : Die Antwoord est un rouleau compresseur qui écrase et soulève tout sur son chemin. Un petit « Enter The Ninja » vient clôturer le spectacle et calmer les esprits pour la dernière ligne droite du festival. Niveau ambiance et affluence, Die Antwoord s’en sort plus que haut la main, ce dimanche.
Une très petite touche de CeeLo Green, sans costume extravaguant, pour achever la 24ème édition de Couleur Café, du côté de la grande scène. Accompagné d’un live band et de danseuses-aguicheuses, le ‘LadyKiller’ d’1m60 max ouvre les hostilités par un « Bright Lights, Bigger City » et sa version du « Need You Tonight » d’INXS, détruits par la sono. Je n’attendrais donc pas de voir Selah Sue débarquer sur les planches (comme elle avait fait la veille pendant la prestation de Wyclef Jean et quelques minutes auparavant du côté de son acolyte Patrice) pour « Please » et prends la poudre d’escampette immédiatement après sa reprise plutôt moyenne de « Let’s Dance » de Bowie.
Ainsi donc s’achève la mouture 2013 du festival bruxellois qui, de mon point de vue, a perdu énormément en charme et en convivialité, en l’espace de 3 ans. Sans oublier les prétentions solidaires des premières années, repoussées au loin, dans la cabane au fond du jardin. Les pages du dernier weekend de Juin 2014 risquent fort de rester vierges dans mon agenda.
Mais ne jamais dire ‘jamais plus’ !
(Organisation Couleur Café)
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Deuxième jour de fête au cœur de la capitale. Et le ciel adresse un pied de nez aux prévisions météorologiques. Amen ! Retour sur le site amputé de Tour & Taxis pour un samedi affichant complet depuis belle lurette. La raison principale de la fermeture des guichets ? Sans aucun doute les grands gagnants de la course aux tubes en 2013. En l’occurrence Macklemore & Ryan Lewis, que sont venus applaudir en masse une horde de kids branchouilles.
Pas une gouttelette de pluie ce soir. Une aubaine pour les festivaliers qui ont vécu la version ‘Douroise’ de Couleur Café, la veille. C’est même sous un soleil radieux et fort à-propos que se déroule le concert de Xavier Rudd sous l’Univers. Le multi-instrumentiste australien, seul sur les planches, parcourt sa discographie insulaire face à un parterre conquis. Le set est en dents de scie, mais tout le monde s’en fout. La musique du bonhomme se prête tellement à l’ambiance du festival qu’on n’en retient que les hauts. « Follow The Sun », chantonne le surfeur. On répond donc à ses ordres pour filer vers la grande scène.
Sur le Titan, c’est une belle inconnue qui chauffe la foule. Cette assistance s’agglutine lentement mais sûrement afin d’assister aux spectacles des artistes qui vont se produire par la suite. Andy Allo est un peu le pari du Couleur Café. Une chance pour la belle Camerounaise qui effectue là ses premiers pas sur une scène de cette taille et y prend manifestement son pied. Le Funk de la préposée aux guitares chez les New Power Generation de Prince n’est pas des plus transcendants, mais sa bonne humeur communicative et les touches de saxo qui pimentent ses compos suffisent à se laisser aller à deux ou trois pas de danse. « People Pleaser » clôture son set en trahissant ses influences ‘Princiennes’ ; et le groove libéré laisser penser la demoiselle foulera encore les planches du festival, lors d’éditions futures.
C’est une petite demi-heure plus tard que les stars de cette édition prennent possession du Titan. Mais votre serviteur décide quand même de rester sur place. Devant le podium, un public jeune (voire très jeune) se comprime à la mode ‘boîte à sardines’, tandis que les parents et les blasés optent pour les flancs. Les adeptes du Thrift Shopping sont également bien présents pour ajouter un peu de Couleur dans ce Café qui manque un peu de fantaisie, lors de cette édition. Macklemore et Ryan Lewis débarquent à l’heure prévue face à un parterre déchaîné. Sur les côtés, le son est tellement ‘pourrave’ qu’on comprend à peine les (looooongues!) litanies de Macklemore à qui un fan lui offre la même veste en fourrure portée dans le clip de « Thrift Shop », saveur d’aisselles en bonus, comme il le soulignera en plaisantant. Un « Thrift Shop » lancé étonnamment tôt, puisque qu’il est plus ou moins programmé lors du troisième morceau de la setlist. L’énergie y est, les tubes défilent et Ray Dalton rejoint ses camarades pour chantonner, comme en studio, le « Can’t Hold Us », en fin de parcours. Le tube actuel sera même le plus fédérateur du festival. Les ‘nanananananana hey’ sont hurlés de toutes parts, autant par les fans que les allergiques. Puis hop, une seconde vague de « Thrift Shop » pour secouer une dernière fois les énervés de l’auditoire et puis s’en vont.
23h40, le traditionnel feu d’artifice anime pendant un petit quart d’heure le ciel de Bruxelles. Quelques instants plus tard, nous v’là à nouveau sous la coupole de l’Univers pour juger une nouvelle fois de l’efficacité des Birdy Nam Nam. Et c’est une première, depuis un petit moment, rien à redire. Les quatre maîtres du turntablism et du scratch effectuent un sans-faute en nous réservant des versions explosives des « Jaded Future », « The Parachute Ending » et autres « Defiant Order ». Les anciens champions du monde de DMC n’ont toujours rien à craindre de leurs homologues C2C.
Malgré son emplacement de fortune, je me dirige tout de même du côté de la scène Move, où JoeyStarr se prend pour Fatman Scoop, en compagnie de son B.O.S.S. Soundsystem. Le condensé efficace de beats electro et dancehall distillés par les trois boss et JoeyStarr termine le travail entamé par Birdy Nam Nam. Le rappeur français se fait ici très clairement plaisir et partage celui-ci dans une bonne humeur qui aurait traversé tout le parterre, si celui-ci n’était pas forcé de se démener sur un lit de cailloux. Hormis les solides défauts des lieux, mission accomplie pour Couleur Café qui a offert à son public une seconde journée bien plus intéressante que la précédente.
(Organisation Couleur Café)
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L’affiche plus ou moins clinquante de l’édition 2013 du Festival Couleur Café 2013 s’est traduite par une envolée particulièrement rapide des tickets. Au programme de ce weekend, quelques jolis noms, d’autres moins, et deux ou trois habitués. Mais surtout, une nouvelle config’ qui n’est pas pour ravir les fidèles de l’événement. Pas plus que le ciel qui plombe le secteur, ce vendredi.
Après s’être accordé une petite infidélité l’an dernier, votre serviteur est de retour sur le domaine de Tour & Taxis pour l’édition 2013 de Couleur Café. Premier constat choc à l’arrivée : la section principale de la rue du ‘bien manger’ (une moitié avait déjà été rayée de la carte en 2011) n’est plus. Relayée dans un hangar sombre au fond du site, et rebaptisée ‘Palais du bien manger’, elle a perdu toute convivialité. Autre modification importante, le chapiteau ‘Fiesta’ a également été éradiqué pour faire place à une deuxième scène en plein air, dressée à l’endroit le plus exigu du site, sur un sol jonché de cailloux de toutes tailles. La tente ‘Univers’, elle, a été préservée et n’a subi qu’un simple déménagement, de la droite vers la gauche. Mais de manière générale, la configuration se prête de moins en moins à un événement de cette ampleur, qui a déjà perdu un bon 50% de son espace initial.
Le temps d’absorber le nouvel aspect des lieux, dû aux nombreux projets immobiliers dans et autour de Tour & Taxis, il est déjà impératif de sortir sa veste d’hiver. Le temps de profiter des dernières notes accordées par Aloe Blacc, sur la grande scène, à la masse de demoiselles courageuses rassemblées aux premiers rangs. « I need a Dollar » chantonne le Soulman, tandis que les nuages s’amassent sans l’ombre d’un relâchement.
La pluie a du bon pour le rappeur français Kery James, qui se produit sous un ‘Univers’ full et motivé. Musicalement, le rap français n’est pas trop ma came, mais le petit arrêt sous la grande tente démontre une nouvelle fois le côté fédérateur du style. Des premiers aux derniers rangs, les gens dansent, suivent les instructions de celui qui avait fait ses premiers pas à Couleur Café, en 2008. Mais, non, musicalement, ça ne le fait toujours pas pour moi.
Détour vers le Titan, où le son est tout aussi naze que deux ans plus tôt. Nneka foule ses planches pour la troisième fois. Le style est plutôt attendu, et la demoiselle égale à elle-même. Larmes incluses. Le temps et le ton un peu trop sirupeux de la Nigérienne m’incite à abandonner le périmètre plus vite que prévu.
Un tour du propriétaire s’impose donc avant de rejoindre le podium Univers pour l’explosion de guitares annoncée. Outre le village associatif, qui est désormais réduit à 4 ou 5 stands tout au plus, le marché souffre également de la restructuration et se retrouve désormais perdu entre le Titan et le chapiteau Univers. Quant à la nouvelle scène en plein air, baptisée ‘Move’, tout a été déjà dit plus haut. Moins d’espace, moins de confort.
L’éclaircie de la journée proviendra de l’énergie dispensée par Skip The Use en ‘live’. Mat Bastard est une véritable pile sur patte. Le gars passe 50% de sa prestation à sauter dans tous les sens, et sa bonne humeur est ultra-communicative. Entre « Give Me Your Life », « Ghost » et leur reprise du « Song 2 » de Blur, les Lillois ne laissent aucun répit à la foule. Sans aucun doute l’heure la plus sympathique d’une première journée assez décevante.
Un peu plus loin, Wyclef Jean s’empare de la grande scène et balance son (seul) tube « Hips Don’t Lie », sans Shakira mais soutenu par un big band qui s’en sort pas mal, avant d’interpréter un medley des Fugees, sans grande conviction. D’ailleurs pas convaincu pour un sou, ma soirée se clôture sur un chouia de Jimmy Cliff, peu transcendant, puis une Sister Bliss totalement absorbée par ses platines. En même temps, jouer un DJ-Set sur l’estrade principale et sous la pluie pour pas beaucoup plus de 150 personnes, la DJette a dû connaître mieux dans sa carrière…
(Organisation Couleur Café)
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L’histoire de Wild Boar & Bull Brass Band remonte à 2006, suite à la rencontre entre Sebastien Van Hoey, préposé aux trombones, et Herbert Celis, MC de son état. Deux Bruxellois. Sept ans plus tard, les deux hommes, rejoints par cinq acolytes, proposent « Consume This ! » un premier LP tous cuivres à l’avant. Un disque qui n’est pas sans rappeler les travaux du Youngblood Brass Band, l’expérience en moins. Musicalement, la troupe nous envoie, d’un coup de pied bien placé, dans les rues de la Nouvelle-Orléans. Côté vocalises, les frasques hip hop de MC ‘Herb Cells Da Mic Jagga’ peuvent autant taper dans le mille (« Brass War », « Stone » ou la salve finale de « November ») que sur les nerfs (« Mr Pink », « End Of the Month Party »).
« Consume This ! » dessinera un large sourire sur les visages des inconditionnels de Brass Bands et surtout ceux qui prendront le temps d’aller les applaudir sur scène. Car le full potentiel d’une formation de ce genre n’est réellement palpable que lorsqu’elle prend possession des planches. Et, à l’écoute de leurs mélodies estivales, nul doute que Wild Boar & Bull Brass Band est de celles qui secoueront le public avant même de verser la moindre goutte de sueur. Ce ne sont pas les spectateurs qui ont croisé leur route aux Nuits Botanique et au Brussels Jazz Marathon qui diront le contraire.
Il est donc déconseillé de manquer WB&BBB si vous traînez du côté de Dour ce 18 juillet ou de Bruxelles-Les-Bains le 2 août. D’autres dates sont également prévues cet été à Liège, Flémalle, Havelange, Tournai et Sint-Niklaas.
Difficile de se dépatouiller de cette sensation de déjà étendu sur ce « Welcome Oblivion ».
Projet parallèle, perpendiculaire et transversal de Trent Reznor, How To Destroy Angels ne se résume pourtant pas qu’à la seule identité du gaillard. Mais son influence autant que sa patte ne pouvaient qu’imprimer, sur disque, sa vision distordue de la réalité.
Quand on sait que sa compagne de tous les jours est le pendant féminin de ce projet, on comprend alors pourquoi on nage dans les mêmes eaux troubles, même si moins oppressantes que NIN.
On sent néanmoins un désir de se détacher de l’univers habituel, et quelques coups de lames acérées viennent déchirer ça et là des pans de ciel gris pour laisser entrevoir quelques rayons de lumière bienvenus.
Sur « How Long », on approche même d’un format chanson plus traditionnel.
Une sorte de calme de surface qui masque les bouillonnements intérieurs et empêche toute teinte sombre d’éclater au contact de l’air.
Le résultat reste néanmoins mitigé. Pas à la hauteur de l’éponyme Ep de 2010, mais supérieur à « Au Omen », paru l’an dernier
Entre apaisement et angoisse, on se retrouve au final tournoyant au milieu d’une clairière bordée d’arbres séculaires menaçants, scrutant le ciel qui défile à vive allure.
Il ne s’agit donc pas ici d’un Nin Inch Nails édulcoré, mais bel et bien d’un projet ouvert aux expériences et éloigné de tout mercantilisme, même si à présent signé sur une Major.
Et dont il est difficile de dire à l’heure actuelle s’il laissera une quelconque trace.
STRFKR (prononcez Starfucker !) marche allègrement sur les traces de MGMT (prononcez Management !) à travers son acronyme mais aussi grâce à son rock psyché aux très forts relents synth-pops et dansants. Au départ, il s’agissait du projet solo de Joshua Hodges. Fondé en 2007 à Portland, dans l’Oregon, il répondait au nom de Pyramiddd. Puis, en 2010, il a changé de patronyme, choisissant celui de STRFKR, soit le titre d’une compo de Grateful Dead. Enfin, phonétiquement. Et est passé à un quatuor
« Miracle Mile » constitue le 4ème opus STRFKR et, vu son efficacité immédiate, il devrait rencontrer un certain succès et même affoler les pistes de danses des festivals estivaux où le groupe excelle –enfin… dans un monde parfait– tant l’album regorge de tubes potentiels (« While I’m Alive »). Mais, tout semble superficiel et inoffensif chez STRFKR (comme leur envie de ‘starfucker’ d’ailleurs) mais qu’est-ce que ça fait du bien (comme leur envie de ‘starfucker’ d’ailleurs - bis) même si leurs lyrics sont, paraît-il, tout à fait affligeants, à contrario de ceux de Passion Pit, auquel le band ressemble pourtant de plus en plus ! Les 7 minutes du dernier morceau « Nite Rite » laissent toutefois entrevoir une ouverture vers d’autres horizons. Plus sophistiqués, ils semblent même emprunter les visions hallucinées d’Of Montreal…
Lorsqu’ils ne font pas couler de l’encre au sujet de leurs frasques scéniques et délires du quotidien, les membres du collectif Odd Future, aka OFWGKTA, publient des albums. De très bons albums. Certes, l’un d’entre eux, a largement tiré son épingle du jeu, à savoir le désormais incontournable Frank Ocean. Mais les autres s’en sortent pas mal non plus en matière de prod, même si le buzz n’a pas la même ampleur. Ainsi, en attendant le très attendu premier LP d’Earl Sweatshirt et les nouvelles compos de The Internet, c’est le créateur, Tyler, qui nous balance du gros son pour la seconde fois en version physique. Mais pour le compte de Sony. Deux ans après « Goblin », la créature montre ses crocs sur « Wolf ». Un LP résolument Hip Hop old school et beaucoup plus affiné que le précédent. A l’image des terribles « Pigs », « Parking Lot », « Cowboy » ou des délirants « Tamale » et « Awkward ».
Au rayon des invités, le chef du (golf) wang ne se casse pas trop la tête, conviant la clique OFWGKTA au complet, bien que disséminée à travers tout le disque. Tyler ‘The Creator’ Okonma se paie également quelques convives de choix, n’ayant pas un lien direct avec sa meute. Et pas des moindres : Pharrell Williams, dont l’influence est à peine dissimulée, Laetitia Sadier (Stereolab) ainsi qu’Erykah Badu et Coco Owino (NDR : chanteuse de la formation Soul danoise Quadron, à voir dès la rentrée au Botanique) pour la touche Soul.
Côté textes, Tyler, The Creator reste fidèle à lui-même. Sexe, Guns, Name Dropping, … Tout y est. Y compris une captivante lettre ouverte à son père biologique, « Answer », pierre angulaire d’un LP de 71 minutes qui n’en compte quasi aucune à jeter. « Wolf », entièrement produit par le loup en chef lui-même, relègue le bordélique « Goblin » aux oubliettes. Un grand disque Hip Hop s’il en est.
Les planches de la scène « The Barn » de Rock Werchter trembleront au gros son de Tyler et ses potes, le samedi 6 juillet. Après Earl Sweatshirt en milieu d’aprèm’, et avant Frank Ocean prévu en clôture, c’est en compagnie de toute la troupe Odd Future que le turbulent Creator s’y produira. A ne pas rater si vous en êtes.
Comment rebondir, lorsqu’on a plus de 40 ans et quand on a été l’un des piliers du Wu-Tang Clan, formation tutélaire et inégalable du rap ‘East Coast’ US ? Dennis Coles, alias Ghostface Killah, y parvient remarquablement tout au long de « Twelve Reasons to Die », un nouvel album fascinant, qu’il a écrit en compagnie du jeune producteur soul et multi-instrumentiste, Adrian Young. MC surdoué au flow unique, Ghostface mène une brillante carrière solo depuis 1996, soit depuis la sortie d’« Iron Man », un elpee encensé par la critique. « Twelve Reasons to Die », son 10ème chapitre solo, produit par son acolyte de toujours RZA, est une œuvre conceptuelle qui doit être écoutée comme la BO d’un film d’épouvante italien… Sortie sur Soul Temple, le label du même RZA, elle agrège les sonorités soul et hip hop du Wu-Tang et les ‘soundtracks’ d’Ennio Morricone, au sein d’un climat angoissant, presque trip-hop. Bénéficiant du concours de William Hart des Delfonics ainsi que de la participation d’autres membres du Wu-Tang, comme Masta Killah, Inspectah Deck, Cappadonna et Killa Sin, cette collection de vignettes cinématographiquement référencées fait mouche à plus d’une reprise (« The Rise of the Ghosface Killah »). Le flow imparable de Tony Stark (oui oui, Iron Man), aka Ghostface Killah’, n’a rien perdu de son efficacité lorsqu’il est appuyé par de judicieux samples vintage made in 60’s ou 70’s… The Wu is rising again!
Pour ceux qui connaissent Thalia Zadek, notamment au travers de Come, cet album ne changera pas la donne, tant il est marqué de son inégalable empreinte.
Pour les autres, que dire de « Via » ?
Si l’on écarte l’historique de cette artiste underground, ce qui implique mettre entre parenthèses une part du respect poli dû à son parcours, force est de constater que cet album est somme toute assez insipide (NDR : et si on s’est levé du mauvais pied, on pourra même le taxer franchement de ‘pelant’).
Surtout quand l’instrumentation se fait lourdingue et plombe du coup des chansons honnêtes mais qui mériteraient sans doute d’être traitées plus sèchement.
Et puis, bien sûr, il faut s’accommoder de cette voix à la limite androgyne, qui n’en fait jamais trop mais semble toujours avancer dans le noir, à tâtons. Et dont le dernier souci est de vous prendre par la main.
On reste donc un peu dans la boue, les pieds englués, et on avance tout en essayant de ne pas se vautrer.
Thalia, elle, déjà loin devant, ne nous a pas attendus.
Tombée, elle s’est relevée. Et puis, elle connaît la chanson, vu qu’elle nous la ressert depuis des années, maintenant.
Du coup, reste à se débrouiller seule avec ses neuf titres éparpillés à la surface d’eaux plutôt troubles.
Décevant si l’on excepte le dernier titre « Want You To Know » qui semble enfin réveiller la bête tapie quelque part au fond de la tourbe.
Trop tard…
Plutôt que d’enregistrer un long playing, Alt a préféré choisir la sécurité. Comment ? En décidant de publier quatre Eps. Pas en même temps, mais l’un à la suite de l’autre. De manière à financer le suivant. Une démarche originale, mais également prudente. « I’m a Dancer » constitue le premier essai. Un disque découpé en quatre pistes.
La formation parisienne qualifie sa musique de ‘damaged rock’. On ne sait pas trop ce que le combo a voulu exprimer en collant une telle étiquette, mais une chose est sûre, la solution sonore n’est pas léchée…
Bourrée de testostérone, elle ne manque, en outre, pas de singularité. Alt puise clairement ses influences dans le punk et l’indus. Pensez à Nine Inch Nails. Mais, pas seulement. La voix du chanteur a de quoi déstabiliser ; mais au fil du temps on s’y habitue. A tel point qu’on finit par apprécier pleinement « I’m a Dancer ».
Vu la durée de l’Ep, pas la peine de perdre de temps. Dès « I Amnt’t », place à un riff électrique et obsessionnel. Omniprésent, il évoque paradoxalement le bruit d’une tronçonneuse ! Sur « The Important Ones » la voix devient ténébreuse, voire gothique. Perso, cette forme vocale me laisse sceptique ; et heureusement qu’un break bien senti vient régulièrement nous préserver d’un accès de déprime. Enfin, les deux dernières plages brillent par la constance de leur intensité.
Bref, sur cet Ep, Alt souffle le chaud et le froid. Néanmoins, en choisissant un tel rythme de croisière, le band hexagonal a pris la bonne décision. Parce qu’il n’est pas encore prêt à publier un LP. Et que cette cadence lui permettra de progresser. A voir maintenant comment il va gérer ce planning…
Dans l’histoire du blues, James Cotton est l'un des plus grands harmonicistes. Né à Tunica, dans le Mississippi, il est aujourd'hui âgé de 78 ans. Début des années 50, il avait entamé sa carrière, au sein du backing band du mythique Howlin' Wolf. Ses débuts discographiques remontent à 1953. Chez le label Sun. Quelques années plus tard, il succède à Little Walter au sein du Muddy Waters Band. Il y restera jusqu'en 1966. L'année suivante, il fonde son James Cotton Blues Band, formation qui se produit alors régulièrement au Fillmore. Tant celui de New York que de San Francisco. Il a enregistré une belle panoplie d’albums. Fin des années 90, on lui diagnostique un cancer de la gorge. Et il va finir par gagner son combat contre la maladie. Son dernier enregistrement vocal date de 2000. Un disque intitulé "Fire down under the hill" et paru chez Telarc. Depuis, il se concentre sur son harmonica.
Pour concocter cet elpee, le label chicagolais Alligator a mis les petits plats dans les grands. Il a ainsi invité une belle palette d’invités notoires. "Cotton Mouth Man" a été enregistré à Nashville, sous la houlette de Tom Hambridge (Buddy Guy, Joe Louis Walker, Susan Tedeschi). Hambridge et son ami Richard Fleming ont pratiquement écrit toutes les plages. La base instrumentale est assurée par Hambridge, aux drums, Glenn Worf à la basse, Chuck Leavell aux claviers et Rob McNelley à la guitare rythmique. Des partenaires issus de son Blues Band ont également participé aux sessions, dont Tom Holland, Noel Neal et Jerry Porter. On les retrouve sur l’une ou l’autre plage. Et de nombreux vocalistes sont venus prêter main forte au mythique bluesman…
La plaque s’ouvre par le titre maître. Un boogie détonant balisé par le quinquagénaire texan, Darrel Nulisch. Le vieux James souffle comme un possédé dans sa musique à bouche. Le solo du jeune Bonamassa aux cordes est particulièrement coloré. De sa voix ravagée, Cotton annonce l’arrivée imminente du "Midnight train", et sous les coups de boutoir de son instrument, la compo emprunte le rythme du chemin de fer. Gregg Allman y assure le chant. Autre membre des Allman Brothers Band, Warren Haynes guide le boogie "Something for me", de la voix et de sa slide. "Mississippi mud" nous ramène dans le Delta. Un excellent blues lent chanté par le bluesman noir californien Keb Mo, face au piano inspiré de Chuck Leavell. Keb Mo se réserve le micro, mais aussi la six cordes sur "Wasn't my time to go". Darrel Nulisch est régulièrement préposé au chant. Normal, puisqu’il remplit ce rôle au sein du James Cotton Band. Dans le passé, Nulisch a milité chez les Rockets d'Anson Funderburh, le Mike Morgan Crawl et les Broascasters de Ronnie Earl. Excusez du peu! Il chante encore cinq titres, dont les superbe blues "He was there", au cours duquel Cotton est au sommet de son art, ainsi qu’une merveilleuse version du "Bird nest on the ground" de Doyle Bramhall. Mais également le sémillant "Saint on Sunday", un "Yound bold women" inspiré par la Nouvelle Orléans et le funky "Blues is good for you". Texane, Ruthie Foster est une vocaliste de blues et de gospel talentueuse. Elle interprète élégamment un autre blues lent, "Wrapped around my heart". Les interventions de James sur son harmo sont belles à pleurer ! Delbert McClinton est un autre Texan. Il est aux commandes de l'excellent "Hard sometimes", soutenu par la slide de McNelley, pendant que l'harmonica gronde. Une dernière surprise nous attend en finale. James chante "Bonnie Blue", une compo acoustique interprétée en duo avec Colin Linden. A ce jour, ce « Cotton Mouth Man » constitue le meilleur album de blues paru en 2013…
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