A l’instar de Low, Trampled by Turtles nous vient de Duluth, dans le Minnesota. Fondée en 2003, cette formation compte déjà 6 albums à son actif. Aux States, le quintet jouit d’une solide notoriété. Faut dire que la roots music y est encore très populaire. Sur le Vieux Continent, son crédit se limite aux aficionados du style. Comme chaque année, avant les festivals d’été, le Botanique tente de nous faire découvrir des artistes ou des groupes totalement méconnus du grand public. Et ce soir, ce coup d’essai s’est transformé en coup de maître…

Pour accueillir le combo étasunien, les organisateurs ont choisi la Rotonde. En configuration assise. Et le public est conséquent. Pourtant, après deux titres, on était en droit de craindre le pire pour la suite des événements. En fait, il fallait le temps que le band prenne la température des lieux. Car la suite va se révéler épatante. Le line up réunit 5 musicos. Armés d’un violon, d’une guitare, d’une mandoline, d’une basse acoustique et d’un banjo, les musicos revisitent le bluegrass traditionnel, tout en n’oubliant pas d’inclure leurs hits, imparables de l’autre côté de l’Atlantique. Et ce sont de véritables virtuoses. Et en 90 minutes, ils vont littéralement mettre le feu à l’auditoire, en adoptant une attitude presque punk ! Pourtant, cette frénésie, ils la libèrent avec respect, classe et originalité. Dispensant des morceaux issus de leurs 6 opus, dont le dernier en date, le magnifique « Stars and Satellites ». La voix de Dave Simonett est éraillée. Les interventions au violon de Ryan Young sont délirantes, et celles de Dave Caroll au banjo, épileptiques. Hormis le bassiste, les membres du groupe portent la barbe. C’est dans la tradition ! En quelques morceaux, leurs mélodies sont susceptibles de nous projeter quelque part au cœur du Midwest, dans un saloon. Une description visionnaire qui explique pourquoi leur style supposé soporifique, se mue en réalité fascinante. Et puis aussi parce que Trampled by Turtles parvient à rendre au genre, ses lettres de noblesse. Ravi, le public a même obtenu le rappel qu’il réclamait, malgré un set particulièrement copieux. Une belle découverte !

(Organisation Botanique)

En découvrant la pochette du disque et le nom du groupe, je me suis demandé s’il n’y avait pas erreur sur la personne… Pourquoi m’enverrait-on l’album d’une chanteuse de variété, fan de Chimène Badi de surcroît ? Titres en français, portrait semi caché d’une jolie brune en couverture, tout était réuni pour m’induire en erreur. Et l’introduction de l’elpee n’a rien fait pour lever cette méprise, tant le côté pop m’a sauté au visage. Et puis, en fouinant un peu, je me suis rendu compte de mon erreur. AmAndA aime brouiller les pistes, et je me suis fait avoir comme un bleu. Loin de la chanteuse de variété ultra formatée, AmAndA est un groupe de rock progressif qui sort ici son troisième album. En dix ans, à travers sa discographie, il n’a eu de cesse de jouer avec le mystère autour de l’identité de cette Amanda. Le concept est intéressant, la musique hors des sentiers battus, très théâtrale, tant influencée par la pop (on n’est parfois pas très loin de l’univers sonore d’un Rapsat, voire de Polnareff) que le space opéra (l’influence de Queen est aussi présente que celle de Starmania). Le chant, très lyrique, est de grande qualité, à l’instar des textes, et les arrangements sont aussi très ambitieux. Dommage que la production ne suive pas. Le son souffre d’un côté très synthétique (la guitare électrique est à la limite du supportable) qui rend l’ensemble souvent franchement indigeste. Saluons toutefois l’ambition et l’originalité du groupe, « Là Où Chimène Dort » n’est pas un album comme on en entend tous les jours, et malgré mon à priori franchement pas positif, j’ai quand même trouvé pas mal de bonnes choses dans cette plaque.

Après des débuts orientés punk/hardcore, The Bronx s’est amusé à brouiller les cartes, allant jusqu’à se créer un alter ego, Mariachi El Bronx. Une certitude, la formation n’a jamais publié deux fois le même disque ; et sur ce quatrième album, le groupe nous réserve un gros rock énergique et ultra-efficace qui fait mouche à chaque chanson. De leurs racines punk, ils gardent l’énergie débridée et la simplicité des structures, mais le tempo plus posé, le sens de la mélodie inné du groupe et les accents qui tirent parfois presque vers le folk rendent la plaque variée, et très plaisante à écouter. Néanmoins, le band n’oublie pas ses racines, et s’autorise des envolées plus soutenues (« Ribcage »), même si la volonté première reste avant tout mélodique. C’est peut-être le seul défaut de cet opus au final, en tout cas pour ceux qui avaient entendu leurs efforts précédents. A force de refuser catégoriquement de se laisser complètement aller (comme ils pouvaient le faire sur un titre comme « Heart Attack American », par exemple), le combo perd un peu de sa puissance ; et on aimerait parfois que les compos s’énervent un peu, comme au bon vieux temps. Cependant si vous découvrez la formation via cet elpee et que vous appréciez le rock couillu, punky, efficace et accrocheur, vous serez ravis, car « The Bronx IV » possède toutes les qualités requises au genre.

Alain ‘Bill’ Deraime est un chanteur/guitariste de blues. Agé de 66 ans, il est français et ses vocaux, il les exprime dans la langue de Molière. Son premier album était éponyme. Il date de 1970. Pour la circonstance, il avait reçu le concours de l'harmoniciste Jean-Jacques Milteau. Depuis, il en a publié près d'une vingtaine. Dès ses débuts, sa voix est marquée par celle de Ray Charles. Pour la six cordes, il est plutôt adepte du folk blues institué par Big Bill Broonzy et Lightnin' Hopkins. Sa carrière a connu diverses fortunes. Au cours des dernières années, le label Dixiefrog l’a remis, en quelque sorte, sur les rails. En 2010, il a gravé un double elpee intitulé  "Bailleur de fond", une œuvre qui opère, une forme de synthèse de son parcours. La voix de Bill est rauque et parfois, on se demande, s’il ne l’élime pas volontairement… M’enfin, les multiples expériences de l’existence ont peut être également forgé son organe, pour le rendre aussi rêche

L’opus s’ouvre par "Il braille". C’est tout à fait le cas. La gratte du fidèle Mauro Serri atténue cependant le message sévère qu'il nous adresse. "La pieuvre" est une plage empreinte de douceur, malgré la tristesse du discours véhiculé par le looser. La slide est cool. Jean Roussel siège derrière son orgue. Bill a toujours eu un faible pour le reggae. D’ailleurs son seul succès commercial demeure "Babylone tu déconnes", un hit qu’il avait décroché dans les années 80.  "Mon obsession" exhale ainsi un parfum issu de la Jamaïque. Et on reste dans un registre rythmique semblable sur "Rien d'nouveau" ainsi que le plus léger "Je rêve". Il est vrai que Roussel a quand même été l'arrangeur de Bob Marley et de Police! Sa voix vocifère toute son amertume sur "Esclaves ou exclus", une compo qui dénonce les injustices sociales. La rythmique est funkysante. Serri en ajoute une couche à la slide pour exacerber la colère légitime de l'artiste. Un courroux qu’on retrouve tout au long de "Y'en avait marre", un boogie secoué par des cordes hard rockin' blues. "Après demain" constitue sans doute le meilleur titre du long playing. Une ballade chargée de tendresse, paradoxalement écorchée par le timbre glauque de Deraime, dans un style qui évoque le regretté Bashung. Dommage que le final soit si brusque. Bill nous propose sa version du succès de Jacques Dutronc, "Les cactus". Son gratteur, Fred Chapelier, est d’ailleurs présent pour cette piste. Le rythme est nerveux. On assiste alors à la rencontre entre le béret rouge (NDR : celui de Bill) et le noir (NDR : de Fred). Acoustique, "Le vieil homme" est une plage empreinte de délicatesse. Bill interprète, mais dans la langue de Shakespeare, le titre-phare d’un vieux bluesman mythique, le "Death don't have no mercy" du Reverend Gary Davis. Une aspiration à plus de justice ! Dommage que l’artiste ne parvienne pas à rendre son timbre un peu plus moelleux, pour la circonstance. L'album s’achève par "Bobo boogie", un boogie divertissant, auquel participe San Severino.

Déposées tel un fagot de bois à la lisière d’une sombre et épaisse forêt de ronces, les visions crépusculaires qui jonchaient nos imaginaires, à l’écoute de « Violet Cries », ne demandaient qu’à revivre et attendaient patiemment depuis, de nouvelles raisons de se dessiner.

En friche depuis deux mille onze, cet univers désolé et peuplé de lumières étiolées, s’étendait silencieusement dans un recoin de l’esprit, attendant que les trois jardiniers de Brighton ne donnent une suite à l’Ep « Hexagon », dont les six pièces cultivaient une même trame dramatique.

Un laps de temps mis à profit pour se débarrasser de quelques apparats encore évidents, devinés à l’aube d’une jeunesse passée dans l’ombre de la reine Siouxsie.

Une émancipation bienvenue et qui porte ses fruits sur cet album ; des grappes aux couleurs certes toujours violacées, mais teintées à présent de nuances toxiques hautement plus addictives encore.

Un venin qui se propage dans les racines électrifiées de cet elpee et se distille dans les coupes emplies d’un même nectar enivrant.

Un pâle rai de lumière éclaire cet opus, comme un fil serpentant au cœur d’une nature sauvagement abandonnée, incarnée par la voix de Rachel Davies qui prend possession des lieux et nous guide à travers un parcours chahuté. Que ce soit un déluge d’électricité ou de longues plaines désolées, des cieux écrasants ou marécages ensorcelants. Bref, les plages de ce disque s’appréhendent comme autant de terrains que l’on découvre le cœur palpitant, le regard fiévreux et la démarche chancelante.

Retournant sur nos pas avec plaisir, fouillant la tourbe de nos mains et revenant encore et encore sur ces parcelles de chagrins et tourments savamment entretenus.

Et dans le lointain désespoir, comme jaillit le bourgeon au cœur d’un éternel hiver, scintille le désir ardent de prolonger ce moment de grâce.

Se détachant lentement des oripeaux gothiques qu’on lui assenait systématiquement, EATW dirige son embarcation sur des eaux certes toujours troubles, mais à présent habitées par des sirènes aux chants moins lugubres.

Le single « When That Head Splits », par exemple, emprunte des chemins qui ne sont pas sans rappeler Warpaint.

D’autres envolées quant à elles soulignent en pointillés des ponts entre cette Post Wave glaciale et des réminiscences Post Rock.

En parcourant les lyrics, reproduits au sein du booklet, l’esprit se dilue au gré des atmosphères tissées de long en large, et se laisse absorber par le terreau fertile de ces trois jeunes gens affichant décidément une identité musicale singulière.

Tour à tour fleur et serpent qu’elle cache.

Jerusalem in my Heart est un projet pour le moins singulier, mais qui colle parfaitement au label Constellation. Dans le style, après avoir signé Matana Roberts, seul le label montréalais était susceptible d’engager cette formation alternative.

Jerusalem in my Heart est né en 2005, sous l’impulsion de Radwan Ghazi Moumneh. Originaire de Beyrouth, ce Libanais a émigré à Montréal. Depuis, le line up est passé à un trio. Soit lorsqu’il a accueilli la Chilienne Malena Szlam Salazar et le Français Jérémie Regnier. Un concept destiné à effacer les frontières culturelles. Mais jusqu’à présent, le combo n’avait pas encore publié d’album, préférant privilégier la scène pour notamment développer les effets visuels.

« Mo7it-Al Mo7it » constitue donc le premier elpee du band. Dès les premiers accords, on est plongé au cœur du Moyen-Orient. A cause de la voix. Les pépiements d’oiseaux attestent de l’ensoleillement des plages. Et on ne s’en plaindra certainement pas ! Tout au long de ce disque, l’expression sonore célèbre une rencontre entre electronica et instrumentation persique. Une instrumentation délicate et minimaliste qui s’efface lorsque les voix interviennent. A l’instar du début de parcours a cappella, réservé à « 3anzah Jarbanah ».

Paisible et exotique, cette œuvre réussit parfaitement la rencontre entre culture orientale et occidentale, entre électronique et tradition séculaire. Une idée pas nécessairement originale, mais abordée sous le signe de l’ouverture. Et à ce titre, elle a le mérite d’exister.