Au milieu des années 2000, âge d’or du mouvement metalcore, il était facile de passer outre le côté ultra-formaté d’un groupe comme Bullet For My Valentine, pour ne profiter que de la musique. Objets marketing pleinement assumés, les Anglais incarnaient une version métal du groupe à minettes, à une époque où le look émo (NDR : rimmel, ongles vernis et grosse mèche de cheveux teints qui retombait sur le visage) n’avait pas encore envahi le milieu comme une maladie honteuse. Vu sous cet angle, l’envie n’y est pas, je vous l’accorde. Mais force est de reconnaître que musicalement, un album comme « The Poison », sorti en 2005, n’a rien à envier aux Caliban et autres Killswitch Engage qui cartonnaient à l’époque. Efficace, catchy, violent quand il faut et ultra mélodique dans les refrains, il se laissait écouter sans peine, pour peu qu’on ne soit pas un puriste refusant catégoriquement que la volonté de faire un carton ait une influence sur la musique. Pour ma part, peu importe : quand ça le fait, ça le fait.

Qu’en est-il aujourd’hui ? Alors certes, on est loin des discours de l’époque où le combo se définissait comme le nouveau Maiden (rien que ça !). Il a certes pris un peu de bouteille et n’a plus grand-chose à voir musicalement avec ce qu’il proposait il y a presque dix ans. Plus mélodique, plus abouti, plus hard rock que Metal, assagi au niveau du look, on pourrait presque croire qu’il a atteint sa maturité, aussi cliché que soit cette expression. Certes, c’est toujours aussi formaté pour plaire aux jeunes filles, mais à l’instar d’Avenged Sevenfold, l’efficacité est au rendez-vous. L’instrumentation est irréprochable. La voix l’est tout autant. Et si le band a abandonné l’étiquette ‘metalcore’, il en a profité pour laisser l’auto-tune dans la benne (en tout cas on ne l’entend plus) ; ce qui en soi, suffit à sauver l’entreprise. Bref, en faisant fi du nom, de la réputation, et de tout le cirque qui tourne autour de BFMV, si cet elpee de hard rock est commercial, convenu et pas surprenant pour un sou, il est diablement efficace et épingle toute une série de hits en puissance !

Initié en 2005, Glorytellers est un des nombreux projets de Geoff Farina, l'ancien leader des regrettés Karate. Le propos est sans doute moins audacieux que le légendaire groupe de Boston qu'il a dû arrêter la même année pour cause de problèmes auditifs après 6 albums studios et 700 concerts en 12 ans d'activité.

« Current Resident » constitue le troisième album de ce groupe et propose à nouveau des compositions acoustiques qui sentent bon l'Amérique profonde. En effet, on retrouve l'americana des précédentes réalisations même si les musiciens aux côtés de Geoff ont changé. Cette fois, il s'est entouré de brillants instrumentistes de Chicago, ville dans laquelle il a récemment emménagé et où il dispense des cours d'histoire de la musique à l'université quand il ne tape pas le bœuf dans des bars proposant du ragtime et du contry-blues d'avant-guerre. On citera notamment, au sein du quatuor qui l'accompagne sur ce disque, le virtuose de la mandoline P.W. Rainey et le violoniste Jean Cook, connu pour avoir apporté sa collaboration à John Langford, Ida et William Parker. Sans doute influencé par sa nouvelle vie, Farina revisite les racines de la musique américaine sans réelle originalité ni prise de risque mais ce n'est évidemment pas le but. On sent juste qu'il avait envie de se faire plaisir en proposant de jolies mélodies à l’orchestration raffinée. De gentilles comptines countrysantes parsemées de brillants solos racontées par un grand frère qui n'est sans doute pas le meilleur chanteur du monde, mais dont le ton sévère quoique rassurant donne envie de connaître la fin de l'histoire. Néanmoins, ce classicisme assumé pourrait un peu décevoir les fans de ses œuvres plus imaginatives ; et si vous n'êtes pas féru de ce genre de musique traditionnelle, vous ennuyer au bout de quelques minutes. Sorte de version roots des Secret Stars (un de ses projets les plus intéressants) ou de son excellent premier album solo « Usonian Dream Sequence », « Current Resident » est sans doute une œuvre mineure dans la discographie de Geoff Farina, une parenthèse un peu trop conventionnelle mais certainement pas un échec artistique.

Danny Wahlfieldt, le leader, compositeur et producteur des Grave Babies décrit sa musique comme ‘le son d'horribles choses enveloppé dans de l'espérance’. En choisissant un tel patronyme et en avançant de tels propos, il n’est donc guère étonnant que ce groupe issu de Seattle fasse partie du raz-de-marée gothique qui a déferlé sur les Etats-Unis, au cours de ces dernières années. On n'avait peut-être pas mesuré l'énorme impact de la musique dark européenne des eighties sur la jeunesse d'outre-Atlantique. Car si la presse locale en avait fait à leur début, et à leur grand dam d'ailleurs, une sorte de mix entre Nirvana et Nine Inch Nails, c'est plutôt du côté de la cold-wave, du post-punk industriel des débuts et du death-rock qu'il faut chercher les principales influences. On imagine la chambre de l'ado Walhfieldt tapissée de posters de Bauhaus, Jesus & Mary Chain, Sisters Of Mercy ou Christian Death.

« Crusher », deuxième album de Grave Babies, après un essai confidentiel mais prometteur sur le label danois Skrot Up, pourrait donc plaire à ceux qui trouvent DIIV sympa mais un peu trop propret et manquant d'aspérité, par sa production délibérément lo-fi et ses sonorités grinçantes. Mais si le son est souvent bruitiste (« Skull », « Pain Cycle »), il existe pourtant une vraie dimension pop sur certains morceaux (« Over and Under Ground », « No Fear ») qui laisse à penser que le petit Danny écoutait aussi Echo & The Bunnymen et New Order entre deux films d'horreur. En écoutant ses chansons très courtes, enchaînées sans temps mort, on pourrait presque imaginer que le disque a été enregistré en concert dans une salle miteuse à l'acoustique douteuse. C'est sans doute ce qui fait le charme de « Crusher » qui sonne au final comme une tentative de fusion entre la goth music et les productions lo-fi du revival garage/rock psychédélique de San Francisco (j'avoue emprunter cette pertinente idée à un chroniqueur américain). Mais c'est aussi ce qui rebutera plus d'un mélomane...

Ce matin, les infos propageaient une nouvelle étonnante. Un tsunami de glace se serait abattu sur le Nord de l’Amérique, et cette situation m’a fait penser à Indians.

Bien que les couleurs de « Somewhere Else » renvoient plus qu’évidemment à l’automne ou du moins à ces chaudes journées d’un été qui se traînerait en longueur, le premier album de Søren Løkke Juul colporte cette même information envahissante que le phénomène météorologique ci-dessus relaté.

Lent, mais caractérisé par sa force dévastatrice exponentielle qui gonfle au fil des écoutes, les dix titres de ce premier elpee s’installent en dégageant sans ambages tout ce qui est autour, investissant les lieux avec un calme glacial.

Poussant en dehors de la marge les doutes qui tentent maladroitement de se cristalliser à la première écoute.

Révélé par le label mythique 4AD, ce projet est un voyage introspectif où tous les contours sont bercés d’un halo vaporeux, sans doute hérité des superbes paysages danois.

Une force tranquille qui vous capture et vous met du baume au cœur.

Même en restant très ouvert musicalement et sensible à l’expérimentation musicale, il faut un seuil de résistance sacrément élevé pour se familiariser avec le premier elpee des Belges de SH.TG.N (on prononce Shotgun). Certes, ce n’est pas la première fois qu’un album mêle metal extrême et free jazz. Dès les premières notes, on pense d’ailleurs à Mr Bungle, dont ils partagent visiblement les influences, John Zorn en tête. Seulement voilà : là où le talent incommensurable de Mike Patton aide grandement à avaler la pilule chez Mr Bungle, il n’y a pas de bouée de sauvetage à laquelle se raccrocher chez SH.T.GN, et certainement pas dans les lignes vocales, bâclées et sans grand intérêt.

Jusqu’au-boutiste dans sa démarche, fonctionnant en roue libre, on a souvent l’impression que quelqu’un a appuyé sur ‘record’ au hasard et que le groupe se laisse aller à une série d’improvisations sans queue ni tête. On assiste donc à une jam session entre musiciens certes forts doués, mais qui ne se tracassent pas vraiment des mélomanes censés les écouter. Une oreille non initiée s’en lassera au bout de quelques minutes ; par contre, ceux qui sont plus familiers des univers bruitistes et expérimentaux extrêmes, noise et free jazz, devraient y trouver un intérêt plus conséquent, même si parfois le résultat s’avère quelque peu brouillon et éparpillé. Je ne doute pas que ce côté déstructuré appartienne à la démarche du groupe, mais difficile de décrire leur expression sonore, quand on est plutôt en présence d’un instantané de la formation. Intéressant, mais pas déterminant.

Quand on évoque les Strokes, on pense inévitablement à leur incontournable opus « Is This it ? ». Et pourtant, sa date de sortie, remonte déjà à 2001. Dès lors, on est en droit de se demander ce que le groupe new-yorkais peut encore apporter, surtout quand on sait qu’il n’a plus rien à prouver. On s’en doute, plus jamais ces golden boys ne parviendront à publier une œuvre de cette trempe ; néanmoins Julian Casablancas et ses complices possèdent suffisamment de talent pour pondre des disques plus qu’honorables sans pour autant se planter…

« Comedown Machine » constitue déjà leur 5^ème elpee.  Et à l’instar de Phoenix, sur leur tout récent « Bankrupt ! », les Strokes n’ont pas peur de flirter avec le mauvais goût. Les influences 80’s sont de toute évidence assumées (« Tap Out ») et les claviers se trahissent magnifiquement putassiers (« One Way Trigger »). Comme par magie, les lignes de guitares ciselées de Nick Valensi (« 80’s Comedown Machine »), la voix nonchalante de Julian Casablancas –qui ose monter dans les aigus– ou la rythmique métronomique de Moretti, permettent aux Américains de ne jamais perdre leur légendaire classe. Malgré quelques pâles resucées de leur illustre passé (« All the Time ») et nonobstant cette faculté à jongler aux équilibristes entre rock (« 50/50 ») et guimauve (« Slow Animals »). Pourtant, la formation –plus toute jeune, il faut le souligner– est au sommet de son art lorsqu’elle parvient à se réinventer ; à l’instar de « Welcome to Japan ». Ce qui explique pourquoi on n’est pas encore prêt à laisser tomber les Strokes…

Hans Theesink est un artiste prolifique. Ce chanteur/compositeur/multi-instrumentiste est originaire des Pays-Bas. Agé de 65 ans, il réside depuis bien longtemps, à Vienne, en Autriche. Sa discographie est impressionnante. Son plus gros succès, "Baby wants to boogie", remonte à 1987, une compo pour laquelle il avait reçu le concours de John Sass. Ce dernier y assurait les parties de basse, à l’aide de son tuba. En 2012, il avait publié un superbe album en compagnie du chanteur noir américain Terry Evans. Il a enregistré et produit ce nouvel opus chez lui, à Vienne, pratiquement seul. Il n’a d’ailleurs toléré la présence que de quelques invités. Hans possède une voix très caractéristique. Un solide baryton. Particulièrement folk blues, son répertoire pioche au cœur des racines traditionnelles américaines.

D’un ton grave, il chante "New home upon the hill", une compo qui traite de la succession de catastrophes climatiques : les ouragans, les raz-de-marée, etc. Ces calamités naturelles lui rappellent un épisode vécu au cours de sa jeunesse, lorsque des digues se sont rompues aux Pays-Bas. Les interventions de David Pearlman à la pedal steel sont empreintes de délicatesse. Une douceur que l’on retrouve sur le titre maître, une ballade que Theesink dépeint comme une suite de tableaux. "Wayfaring stranger" rend hommage à Johnny Cash, une plage qui baigne dans la sérénité. Pedal steel et mandoline balisent élégamment ce traditionnel country. Autre tribut, celui rendu à Townes Van Zandt, sur son "Snowing on Raton". Tout comme "Hellbound". Inspiré de son vieil ami, ce chant country est cependant personnel. Hans défend très bien la cause de la musique roots. Dans le genre, il est capable d’adapter des morceaux passés ou non à la postérité. A l’instar de "Make me down a pallat on your floor", "Alberta let your hair hang down low" ou "Delia". Hans a beaucoup voyagé. Il s’est produit dans le cadre de l’Hilmalayan Blues Festival, au Népal. Une source d’inspiration pour composer le très joli blues "Kathmandu", une piste pour laquelle il a bénéficié de la participation de Gyan Singh aux tablas. Theesink s’est également attaqué au répertoire de Dylan. En l’occurrence, l’épique "Ballad of Hollis Brown", une longue ballade dépouillée, où se mêlent cordes acoustique, astucieusement amplifiées et un harmonica. Subtilement rythmé, "Did'nt we try" est un superbe blues au refrain contagieux.

Brad Vickers est issu de Long Island, près de New York. Ce bluesman a baptisé son backing group –drôle d’idée !–Vestapolitans ; encore que le patronyme pourrait émaner d’un tuning de guitare imaginé à Sébastopol ! A ce jour, il avait publié trois albums personnels ; et le dernier, "Travellin four", était paru en 2011. Très blues, il s’inspirait de mythes du style comme Tampa Red, Leroy Carr ou J.B Lenoir. Pour enregistrer ce nouvel opus, Brad a voulu explorer un autre filon, plonger plus loin dans le passé, au cœur des roots tout particulièrement, en se frottant au ragtime et au skiffle. Margy Peters à la basse, Bill Rankin aux drums et VD King au banjo constituent ses Vestapolitans. Lors des sessions, il a reçu le concours de quelques invités.

Brad chante son "Little gem" sur un tempo enlevé, proche du rock'n'roll. Il est soutenu par Jim Davis et Matt Cowan aux saxophones, Dave Gross à la basse (NDR : c’est également ce jeune producteur qui se charge de la mise en forme de l’elpee) et Margey Peters aux backing vocaux ainsi qu’au violon. Dynamique, "Train goin' Westward bound" baigne dans une atmosphère rétro. Les cuivres sont toujours présents. Epaulé par les interventions d’une mandoline et d’un banjo, Brad a opté pour le bottleneck. Caractérisé par la présence des violons de Margey et de Charles Burnham, "Saving string rag" trempe dans le pur ragtime. Blues champêtre et acoustique, "Sit down and walk" est une compo fort bien ficelée. Pour la circonstance, Brad est uniquement secondé par sa section rythmique. Le violon de Burnham nous entraîne au sein d’un climat western swing, tout au long de l’entraînant, et même dansant "Great day in the morning". Margey se réserve les vocaux sur "Saturday blues". Cool, l’ambiance rappelle les vieilles demeures du Mississippi. Vivifiantes, les percus de Rankin adoptent un rythme soutenu, comparable à celui du chemin de fer sur "Chapter and verse". Retour au blues, sur "It's a good life", une plage rythmée, tout en swing, alimentée par les ivoires et les saxophones. Deux reprises sur ce long playing. Tout d’abord "Frisco town", un titre signé Memphis Minnie. L’atmosphère est bien rendue, grâce au violon de Miss Peters. "Anna Lou blues" ensuite. Le recours au bootleneck est particulièrement subtil, tout au long de cette piste issue de la plume de Tampa Red. Brad est rejoint par les chœurs de deux vocalistes notoires sur la côte Est des States, Christine Santelli et Gina Sicilia, sur "The way it's got to be", un blues très rythmé, dansant, souligné par les interventions des deux saxophones. Baum est passé à l'orgue Hammond, lorsque Christine et Gina chantent en gospel, l’excellent "Together for good". Morceau traditionnel, "Dallas blues" clôt le long playing. Une piste proche du séculaire Dixieland, interprétée tout en décontraction, dans l’esprit de ce style jazz de la première époque, plage au cours de laquelle violons, mandoline et clarinette sont à la fête…

Il est des promesses douces à caresser, des rêves de grandeur non démesurés, qui au fil du temps s’étiolent néanmoins jusqu’à prendre des proportions plus modestes en risquant au final d’avoir raison de tout espoir.

À première vue, les membres du groupe de Leeds semblent toujours afficher la même foi inébranlable en leur musique, mais qu’il doit être difficile d’appréhender l’étroitesse et le confort précaire de certains clubs –et c’est le cas ce soir– quand les débuts si prometteurs les propulsaient d’office sur des scènes bien plus appropriées aux tourments soniques qui agitaient leurs compositions, dès les premières notes de « Progress-Reform », en 2006.

Si David Martin et sa clique ne semblent pas sourciller, attablés en terrasse, devant l’Escalier, ce soir, je ne peux m’empêcher de nourrir une certaine crainte de voir le découragement ruiner leur projet, dans un futur proche.

Mais une image chasse ces sombres pensées.

Je souris intérieurement.

Ainsi, depuis l’angle de vue sous lequel j’observe cette scène, les membres d’I Like Trains se tiennent dans l’embrasure de la porte du café d’à côté.

Le nom du bistrot est inscrit en blanc sur fond rouge : ‘L’aller Simple’.

Il est de ces clins d’œil du hasard…

La mentalité liégeoise et la tolérance du voisinage permettent à l’Escalier d’assouplir son timing, souvent dicté par le bon vouloir des artistes, mais aussi d’un public qui tarde à se déplacer.

Et celui-ci n’a pas l’air de vouloir quitter ses pénates de trop bonne heure aujourd’hui.

Post War Glamour Girls s’installe donc devant un parterre de curieux plutôt parsemé.

Et d’emblée, le combo est confronté à un sérieux problème technique, car le micro du chanteur refuse obstinément de retransmettre la voix, censé donner le ton.

Problème qui ne trouvera solution que bien plus tard, car le leader se dédouble et manifeste un certain don d’ubiquité (comme je le constaterai plus tard dans la soirée) pour utiliser tour à tour les microphones destinés aux backing vocals.

Ces quelques avatars n’altèrent en rien la fraîcheur et la spontanéité du band, ajoutant une touche de bordel dans une esthétique sonore au demeurant un peu brouillonne, mais éveillent, au passage, la sympathie de l’assistance (toujours bien maigre).

S’éclipsant après leur single « Jazz Funerals », les musicos remercient sincèrement chaque membre d’ILT. Pourtant, ils ne semblent pas avoir fait l’unanimité au sein du public. Mais leur set reste, à mon humble avis, une bonne surprise.

Fidèles à une esthétique sombre et romantique, c’est tout de noir vêtus que les cinq wagons d’I like Trains se mettent en branle, sur le coup de 22h30, alors que l’atmosphère de l’étroit couloir qui sert de salle devient compacte.

Alignés sur le quai, le souffle retenu, les sens suspendus, nous assistons durant l’heure qui suit à la mise à mort des derniers doutes concernant une éventuelle remise en question de l’avenir du band.

Car plutôt que d’assister au chant du cygne, la prestation de ce soir va bien vite remettre les pendules à l’heure.

Proposant une setlist sensiblement identique à celle du Nijdrop, lors de leur concert accordé en novembre dernier, mais bénéficiant de la présence d’un membre supplémentaire (en l’occurrence le chanteur guitariste de Post War Glamour Girls, préposé à la Fender Mustang), responsable d’interventions de gratte incisives, la formation va bien mettre en exergue l’aspect abrasif de sa musique.

Entre envolées crépusculaires et déchirements retentissants, la voix grave de son leader en figure de proue, I Like Trains se transforme en navire scindant en deux des mers entières de fiel et de tristesse contenues, des océans de chagrins au fond desquels gisent mille espoirs disloqués, bravant des vents mauvais et à jamais tourmentés. Tout en fixant ce minuscule objectif lumineux, un point de mire vers lequel il faut tendre vaillamment, I Like Trains montre la voie à suivre (et quelle voix !)

Après un final hautement sollicité, « Sea Of Regrets » clôt le chapitre de cette nuit, mais laisse entrevoir de magnifiques voyages ultérieurs, entre ciel, terre et mer, mais toujours sur les bons rails.

Le merchandising de désemplit pas, signe de l’engouement général pour cette fantastique prestation.

Quant à votre serviteur, comme toujours dans pareil cas, l’émotion étreignant encore ma gorge, je m’éclipse sans mot dire, guidant mon corps vers la nuit où mon esprit l’attend déjà.

(Organisation : Silenceless Shows)